钢琴的基本弹奏法教案

钢琴的基本弹奏法教案（精选8篇）

篇1：钢琴的基本弹奏法教案

钢琴的基本弹奏法

课题：钢琴的基本弹奏法 授课人：杨流芳 教学年级：高中一年级 教学目标：

1、从理论的角度剖析钢琴的基本弹奏法，掌握三种奏法的练习方法要点。

2、能分辨不同奏法的声音效果。

3、学生通过理论学习，能更好的指导结合实践，使演奏更加规范。教学重点：掌握非连奏、连奏、跳音奏法的演奏方法要点，听辨三种奏法的声音效果。

教学难点：理论与实践的结合。教学过程：

一、组织教学，师生问好。

二、课题导入

1、幻灯片出示谱例《前进》，教师视奏一遍，让学生思考： 你在谱面上能找到哪些记号？并仔细聆听这些记号在实际演奏中的声音效果。

2、学生回答问题，教师总结，导入本课课题。

三、进入新课

（一）非连奏

1、引导学生思考非连奏的声音效果和在作品中的应用范围。

2、请所有同学将右手放在桌子上弹奏非连奏，让学生聆听手指敲击桌面的声音，总结出非连奏的演奏方法要点。

3、教师在钢琴上示范演奏音阶，让学生聆听非连奏在实际演奏中的声音效果。

（二）连奏

1、提问：与非连奏相反的是什么奏法？意大利术语是什么？在作品中我们如何知道是否运用连奏？连奏的声音效果是什么？以此导入连奏。

2、幻灯片出示谱例《浏阳河》，让学生先带有感情的视唱，请两到三位学生在钢琴上视奏，让其他学生分辨是否达到连奏所需要的声音效果?

3、教师引导学生总结连奏的演奏方法要点，并请学生再次视奏《浏阳河》，并进行总结。

（三）跳音奏法

1、幻灯片回看谱例《前进》，让学生观察音符上带黑点的音。导入跳音奏法。

2、以谱例《四小天鹅舞曲》为例，让一名学生示范演奏，其他学生指出优缺点，师生共同讨论总结跳音奏法的演奏方法要点。

四、欣赏作品

1、分段播放贝多芬《黎明奏鸣曲第一乐章》呈示部音频文件，让学生通过观察谱例，聆听声音效果分辨奏法。

2、整体欣赏贝多芬《黎明奏鸣曲第一乐章》呈示部视频文件，让学生通过观察演奏家的手指，聆听不同奏法转换时的声音效果，对三种奏法有更深刻的认识。

五、拓展研究

请学生结合自己正在练习的钢琴曲，仔细分辨三种奏法，将理论运用于实践，聆听自己的演奏。

六、课堂小结

七、教学反思

由于学生在钢琴实践学习中，对三种奏法都有了一定的认识，所以本课重在引导学生去思考、总结、感受、聆听，能将理论知识运用在实践学习过程中。

篇2：钢琴的基本弹奏法教案

学习拜厄十个月终于划上句点 练习曲几乎是逐条弹完 练得我几乎喷血 不过还好坚持过来了 看到我们成人学琴的队伍越来越庞大 不禁有点欣慰 感觉在大龄学琴的路上我并不孤独 现在把这十个月的心得体会和上课笔记拿出来和大家分享下 里面很多都是老师的讲的要点 这样让大家少走点弯路 如果你觉得对你有帮助就请你顶一下 让更多人能看到

说明：（我用的是人民音乐出版设那本红色的拜厄）

《关于手指的站立以及慢走》

上课之前先自学五线谱这是必须的 这样才不会浪费上课宝贵的时间 毕竟学费很贵

然后第一节课 老师会教你坐姿和手型（良好的手型并不是老师教你随便摆摆就有能形成的 主要还是要靠你几个手指能不能良好的站立 不能良好的站立就不可能会有良好的手型）然后进入触键练习这是重重之重 因为你已经开始学习让手指怎样良好的站立了 需要用长时间才能练好的 而这一点我们成人朋友往往却忽略了 纵然是成人骨骼已经定型手指比较硬 但是大多数人在第一次接触钢琴时候手指却还是站不稳 所以我老师一再强调 开始一定要使手能站稳

【方法】：断奏练习手不用抬过高 但是一定每一次都要站稳 反复练习（注意尤其练习左右手五指因为它们最不容易站稳）

然后用落滚 和高抬指 学习提腕和2个手指的连奏 3个手指 ……以及5个手指的连奏 注意一定要慢慢慢！！每一次击键慢慢的高高抬起迅速而有力击键并且手指能站稳

【注意】：5指若不能良好的站立 左手则会向左偏 右手会向右偏 所以一定要对4 5指加强练习（高抬指 若已经练好就可以加入《哈农》指法练习里面的6.11条对4.5指训练有帮助）

断奏和连奏都练好了就进入差不多你就可以进入练习曲了

《关于练习曲》

练习曲最好不要跳太多的练 因为该过程你的各方面都在缓慢进步 不止是手指到了后期完全跟不上 还有读谱 如果跳太多读谱跟不上 你到后面难一点的练习曲就没有办法看谱弹了 只有背着弹了 这样对你以后视奏极为不利

练习曲要么不练要么就一定要练好

【练好的标准】节奏 节拍无误 提腕自然 无错音 速度稳定 尽量表现出强弱对比

【练习曲的几个必要且容易忽略的要点】

要点1练习曲的节拍中的强弱 节拍强弱意识一定要有 比如 3/8 拍 是强 弱 弱（不要弹的像三连音一样全部都一样的均匀）2/4拍是 强弱交替等等

要点 2拜厄练习曲的节奏难点是附点音符以及切分节奏 4分音符附点 8分音符附点 以及4分音符的双附点节奏及切分节奏 都要很好的掌握

要点3 不要忽略休止符 遇到休止符时提腕 并且将休止符的时值要停满

要点4 调性的转变 最典型的就是第91条 先是优美 阴冷的A小调 中间转入明朗 欢快的C大调后面在软换回A小调 这个变化一定要感知到并能表现出来

要点5 提腕 提腕一定要自然 且无多余的动作

要点6 民歌 拜厄的民歌既是难点又是要点 因为民歌对左手也有很好的训练 但是因为民歌情感变化多 强弱变化也就不好掌握 而且后面的民歌结构也不是特别规整 一定要慢慢的练好

要点7强弱的变化 钢琴的原名就是Piano e forte 弱和强的意思 所以学习钢琴其中一个很重要的过程就是学习控制强和弱 所以在练练习曲的时候 一定要把练习曲的强弱层次表现出来 比如有的练习曲现是 弱然后变成中强然后变成强 然后再弱 这个一定要慢慢的学会表现出来 否则还不如学电子琴 所以一定要对那些强弱记号 坚强减弱记号引起注意

要点8 表情记号 千万不要忽略它 如果有个dolce 就不要弹得很硬很响就要柔和一点 欢快就要把欢快的感觉弹出来

《节拍器的运用》

除了练哈农 和音阶琶音 必须用节拍器之外

开始练练习曲不建议用节拍器 要学会用脚打拍子 用嘴唱谱 要能用单手把节奏弹准 不然到后面节奏复杂了就不好练习了（此过程最好不要依靠上下谱对齐的方式把节奏弹出来）

《音阶琶音》

学完拜厄 基本上一共学习了 7个调 分别是C大调 G大调 D大调 A小调 E大调 A小调 F大调以及它们的琶音 我老师要求是上下弹的4个8度的方式每天练习音阶琶音是很重要的基本功 所以大家每学完一个调之后一定要每天练习做到速度 力度 均匀 每一个音都要饱满 对了还有最后的半音阶同样要练好

《关于哈农》

关于哈农我老师要求我每星期一条 用高抬指来练习同样做到速度 力度 均匀 每一个音都要饱满 哈农也是一定要逐条弹好 要点就是一定要慢 到练得好熟之后 就可以慢速度练习了 比如 我可以先把节拍器打到40 用四分音符 一下一下的练 然后用8分音符 甚至16分音 然后缓慢的往上涨速度

《其他乐曲的搭配学习》

我老师在我学拜厄到中期的时候就加入了《钢琴基础教程1》里面有很多好听的乐曲 根据自己的程度让老师选择乐曲 这样就可以将练习曲的知识点运用到实际中 而且也可以培养你的乐感 最好不要练大型乐曲 因为你读谱是绝对不可能达到要求的 只有背着弹 手上的速度和技术也无法达标所以表达不出乐曲应有的情感 先练好基本功以后连乐曲一定事半功倍

《拜厄练习完你应该掌握的知识点》

跳音 顿音 断奏 六度音 三连音 三度音 倚音 各种节奏 节拍 音型 以及一些速度和表情及强度的记号能不能基本的表现出来 所以在你弹完之后 你要问问自己这些知识点掌握的怎么样了 要不要把那些技术相关的条例在反复练习下

终于打完了 手都敲麻了 纯属本人心血之作 希望对大家有帮助 还有如果你觉得有收获 就请顶一下 让更多的人看到 不要让贴子沉底了

谢谢各位支持 对你们有帮助就好了

因为打的快有点错别字 请见谅

修改

5楼前一个应该是A大调

补充

3楼 练习曲易忽略要点9：注意旋律的走向 伴奏应该轻一点不要压过主旋律 这一点我印象最深的是96条 旋律开始在左右手交替 像是两个人在对话一样 中间的时候左手变成的旋律 而右手变成了伴奏 最后旋律又回到右手 这个过程要弄清楚 要使伴奏轻一点 突出主旋律 我当时候弹的两只手一样强 我老师说我弹得根本就不像是两个人在对话 而是两个人在吵架 比哪个声音大 我当时就笑了

对了还有一个要点 关于f强这个记号 我以前看到就是用力狠狠的砸下去 我老师说强 是情感的强烈 并不一定要砸的 像用棒槌在敲钢琴一样

8楼 还有一个知识点是轮指 在72条81条90条有涉及轮指的练习

拜厄貌似是最简单的教材了吧

自学真的会走很多弯路 如果条件允许 或是想学好点 还是建议找个老师吧

没有 其实我写出来的东西 我掌握的不是很好 写出来主要是让大家有个意识 遇到这些东西的时候更加注意 少走点弯路

读谱 如果跳太多读谱跟不上 你到后面难一点的练习曲就没有办法看谱弹了 只有背着弹了 这样对你以后视奏极为不利

这一点我很苦恼呀，我用9节课学了一半了，感觉读谱是一大障碍！

其实把拜厄弹好了 有个好的基础 接下来学下去就会觉得很简单 我现在进入599就觉得学起很轻松很简单 我建议你不要跳太多 一步一个脚印的来 不然越到后面学起越难 手和读谱会跟不上的 加油~~~

lz辛苦了！我想说一下我的看法：不建议用脚打拍子，要做到心中有拍。一开始就要把手和脚分开，因为之后用到踏板多数是音后踏板，还有许多不规则的踏板，而踏板正是演奏的灵魂。

恩 谢谢 我可以试试

练习曲最好不要跳太多的练 因为该过程你的各方面都在缓慢进步 不止是手指到了后期完全跟不上 还有读谱 如果跳太多读谱跟不上 你到后面难一点的练习曲就没有办法看谱弹了 只有背着弹了 这样对你以后视奏极为不利

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这条我深深同意啊

下了功学。跟好了老师。

LZ我目前也是初学拜厄，目前练习到40多条了

现在有个问题，希望LZ能帮忙回答一下

第一是手指位置问题，如果我大拇指不放在DO的位置

假如放到MI的话，整个手指就反应不过来了，完全要看着键盘来逐个逐个弹

然后有几条谱吧，有时候我都是靠背出来的，虽然我也意识到这对以后视奏不利

手指摆放位置问题只能看键盘的熟悉程度吗？

然后弹的过程中是不是尽量读谱而不是更多靠记忆？

话说集中精力读谱+弹奏很费脑子呀，1-2小时脑子就有些晕了……

总之感谢LZ的回答……

楼上的 我跟你情况一样 但不一样的我是从汤1开始 现在汤2 你一开始就学拜厄 都练到40多条了 觉得这种情况不应该吧 多练 熟悉键盘 昨天第三节课 因为我一时也没反映过来 被那老师一顿狂喊 无语

引用 UtadaMX(0楼)

LZ我目前也是初学拜厄，目前练习到40多条了 现在有个问题，希望LZ能帮忙回答一下 第一是手指位置问题，如果我大拇指不放在DO的位置 假如放到MI的话，整个手指就反应不过来了，完全要看着键盘来逐个逐个弹 然后有几条谱吧，有时候我都是靠背出来的，虽然我也意识到这对以后视奏不利 手指摆放...哈哈 其实视奏是慢慢练出来的急不得 你可以尝试着去摸键盘 去感受他的位置 让键盘在你脑子里面形成图像 但是这要慢慢练 因为你手指对音程的感觉 要练很久才慢慢练得出来的 不好意思我来注意我的这个帖子了

《钢琴弹奏的基本法则》读书笔记

节奏问题

休止符作者强调了休止符的重要意义，大家也都知道，但却往往被忽视，尤其是一些业余的钢琴弹奏者。作者认为最基本的要求就是要把休止符的时值给谈准确，这就要求我们要严格按照谱面所表示的去弹奏，在弹准的基础上要进一步认识到休止符的意义，休止符同音符有着同样的意义，也表达钢琴的，最重要的是休止符的弹奏要从内心出来，即心中有休止。当然了我的文字陈述的就比较苍白了，好像也没说出什么新意。作者特别把断奏的三种形式提出来加以强调，即顿音奏法，跳音断奏和半连奏，我们知道这三种走法的谱面标识，并且知道他们的区别，然后严格的弹奏出来。针对学习者掌握休止符的缺陷，作者给了两个补救方法，想象这曲调发自与钢琴音色不同的乐器，如双簧管或圆号，第二个方法是，两只手分开来弹奏，严格保持乐曲的拍子，同时刚到休止符的存在。作者列举了一些谱子具体讲解，我就不列举了。其实我也举得作者没说出什么太大的有用的东西，断奏的三种形式我们值得注意一下。我觉得对我们最大的启示就是，要对休止符引起足够的重视，把休止符同别的音

符同等看待。尤其是业余学钢琴的。当然这一点说着容易简单，具体操作起来好像还是老样子。因为大家可能都会觉得时间宝贵，没什么耐性去等那么长时间，其实我认为最根本的原因可能是大家没有从根本上认识到休止符的意义，休止符也是有感情的，记住这一点就够了。针对休止符这一点，我提一点看法，休止符的加入，使得音乐的节奏变化更加丰富，我们运用排列组合的数学知识稍微算一下能看出，休止符的加入，一下子多出了多少种新的节奏来，由于休止符的加入给我们带来了弹奏上的问题和准确把握节奏的问题，对我个人而言对有休止符的节奏，比如八分音符和十六分音符组合中的休止符，还有切分音中的休止符的准确弹奏就一直是个问题。另外我觉得休止符对于呼吸的影响是很明显的，尤其值得注意的是乐曲开头和结尾时休止符的时候，因为第一个音符起的时候的感觉直接关系到后面的进行，同样最后一个音的结束也关系到表演的完满性。关于休止符我就说这么多，我觉得仅仅针对休止符这一问题就可以写一篇论文乃至一本书了。关于休止符还有很多问题值得我们去研究探索和琢磨，比如休止符是如何表现感情的，休止符对于气息的影响，如何准确的弹奏休止符等等很多问题，不过我想应该有人早就论述过了，只是引起了你我的重视了吗？（待续）

这本书薄，一共才53面，准确的说应该算是一本小册子，所以先从这本下手，断断续续的两天看完。虽说很简单浅显，但还是有所收获和启发，下面就选择里面的主要观点摘要一下，再加上一些我的个人心得和看法，同大家共享。

书的作者是约瑟夫.列文(JosefLhevienne 1874——1944),俄罗斯人，像很多俄罗斯音乐家一样，后来加入了美国国籍，不过是在俄罗斯受的教育，首安东。鲁宾斯坦器重和影响，是个钢琴家，不过我没怎么听说过。本书原来根据作者的一些讲座汇集起来的以散文的形势讲述的，所以不像专业的论文那样枯燥繁琐，通篇读下来比较轻松易懂，下面进入正题。另外补充一点，本书的目的是阐明一些弹奏钢琴的基本法则，所以作者并没有针对某一个问题作深入细致的阐述论述，所以不要指望能自从本书中找到解决一些技术的具体方法。但是这并不表明读这本书没有多大实际的用处，而在我看来，最简单最基本的往往也是最重要的。作者只是给我们指出了原则和方向，至于具体怎么去理解和运用这些原则，则要因人而异，需要我们自己去揣摩和探索。

节奏

作者说：节奏教学是一件顶困难的事，节奏要有心灵去感受，她在某种程度上是带感染性的。因此，学习者经常听音乐会，以及各种机械发音的器具所奏出的优美的音乐节奏，会得到与众不同的好处。接着说道：与一个性格刚毅坚强的钢琴演奏者同奏钢琴联弹，是感染节奏的最佳方法之一，这像一个人感染麻疹一样，因为节奏是有感染性的。继续摘录，节奏是什么，似乎很难讲清楚，节奏并不等于强声，我曾听过有的初学者在钢琴上弹奏舒伯特的《军队进行曲》时，在每个强声的地方都奏强音，听起来好像木头兵的进行，而不再有生动的感觉，这样弹奏进行曲，只觉得猛烈，急激，轰轰隆隆，而丧失了优秀的进行曲所应有的生动和活力。

节奏的结构并不因速度的不同而变更，有的学习者能在一种固定的速度下保持正确的节奏，可是奏得稍快和稍慢时，就会把节奏都破坏了。纠正这种偏向的好办法是，叫这种人想想时钟摆动着的摆，时钟的摆，可以摆的快些，也可以摆得慢些，但是只要没受到外物的干扰，摆本身是相同的。

以上是作者原文的直接摘录，作者要表达的意思已经很明显了，无须做过多的解释。我们可以看出节奏不光是按着谱面去谈准确，更要弹生动感人，这需要我们的内在节奏，或者说内心的节奏感，节奏是音乐打动听众的一个很重要的因素，它直接决定着曲调的情感表达和活跃程度，像很多打击乐本身就是把节奏作为主题来演奏的，像吉普赛人，波西米亚人，天生

就是节奏高手，他们的节奏感就很强。有些曲子就是以其鲜明活泼的节奏来打动听众的，很多古典音乐都是源自舞曲，这个大家应该都知道的，我们常听的很熟悉的有西班牙的很多舞曲，风格很独特，还有肖邦的波兰舞曲啊，玛祖卡啊，圆舞曲等等，据说肖邦的这些舞曲性质的很多曲子节奏都不太好弹奏，还有匈牙利，捷克等等一些热爱舞蹈的民族，节奏风格都很独特鲜明，说这么多其实就是对作者的那个内心的节奏做个延伸和补充，另外我想提到节奏，那像节拍啊，速度啊，律动啊这些问题就难免会扯到一起，因为她们这件的关系是很密切的，我向大家应该都能明白吧，作者也特别强调了节奏不能因为速度的改变而改变，这一点值得注意，我本人就存在这个问题

作者认为学习钢琴的人要多培养和发展自己的节奏感，给了两个建议，一是多听节奏明显的音乐，一是常给老练的而且节奏特别鲜明的歌唱家或小提琴家弹伴奏，这个要就可就高了，在这里作者说到：首先是，切不要以为谈的合拍和严守强声，就是尽节奏之能事，即使在几个小结之间，每小节都要变拍子，也能感觉到生动的节奏。一个人的演奏是否生动，是否贯穿着音乐生命线中的搏动，听众是能立刻感知的，你能使你的节奏生动，你的演奏就会生动而美好，最后你将能够同时弹奏两种不同的节奏型。

关于节奏方面的作者就说了这么多，我觉得作者主要表达了两个意思，一个是把节奏弹准（当然包括休止符），二是把节奏弹好，用节奏去吸引人，作者强调的是第二点。关于节奏可以说的很多，也是大家都知道都重视的，老师也是一再强调的，至于怎么弹好则是需要我们自己去领悟和练习的。关于节奏处理方面的问题，本身在音乐史上也一直是有争议的，一方面很多作曲家的作品就存在很多不同的版本，就有很多节奏上的争议，另一方面，在钢琴演奏方面也存在着严格遵守谱面弹奏和即兴自由弹奏两派之间的争论，我辈尚未达到这种水平就不发表意见了

篇3：论钢琴弹奏的基本技巧——连奏

连奏, 就是不间断地奏出旋律的每一个音。如果根据这个定义来判断钢琴中的连奏, 似乎是不可能的。但是优秀的钢琴家在演奏时, 却可以像提琴家或歌唱家那样给予听众连奏的感觉。连奏的条件是发声的不间断, 这主要看力的转移速度。练习连奏, 就是要弹奏者加强手指间垂直于键盘的重量和力量的转移。力的转移, 是手臂的力量传到手腕, 通过手腕传到手指, 最后各个手指对力做转移运动, 就像是一个人走路一样, 从一只脚的支撑转移到另一只脚的支撑, 身体的重量随着支撑脚的位置转换而转移, 它与支撑脚永远保持垂直线的关系。在练习过程中, 如果出现手腕上下抖动的情况 (就如同人走路上下颠来颠去) , 会出现音乐的不统一。

1. 转腕练习

当双腿交替着单独站立时, 会感觉到身体随着支撑腿的更换而左右摆动, 身体与支撑腿却总是保持垂直状态。如果将这一动作落实到手上, 将两个手指想象成身体, 手腕随着支撑手指的更换而左右运动, 这种运动带有一定的弧线, 称为“转腕”。“转腕”时要注意手指与手腕及手臂的重量要同时到达弹奏键盘, 这样重量才可以自如的在两指之间运动。

大距离的二音连奏较容易做到, 因此, 要从大指与小指间的连奏开始练习, 然后逐步缩小距离。二、三、四指之间手指的长度相差不大, 它们之间的连奏手腕是水平转动的。由于大指、小指与其它手指的长度相差太多, 手指间的连奏手腕要从水平转动改为斜转, 以便手指与手腕的直线垂直于弹奏键盘。断奏中, 已经强调了手腕与手指的垂线感, 以及手指在触键时的垂直站立感, 在连奏时, 依然贯彻这一原则, 让这种垂直感在手指间自如的转移。但在练习中, 要注意做任何动作都应尽量的小, 感觉到力的转移就可以了, 不要过分的夸张, 否则不利于手指的平稳和快速的弹奏。

2. 划圆练习

从力量上讲, 划圆练习与二音连奏是一样的, 通过手指间直线垂直的力量、力的转移, 但在手腕的动作上有所差别。划圆练习是将二音连奏扩展到五指的连奏, 就是同方向级进的五个音, 所以要将转移动作更换成“划半圆”。“划半圆”练习分为“上半圆”和“下半圆”, 这要依照五个音的进行方向而定。从大指到小指方向进行弹奏用“下半圆”;从小指到大指方向弹奏用“上半圆”;如果是双方向连续运动, 就可以将两个半圆合而为一, 成为一个“整圆”。我们在弹奏练习时, 要时刻注意是否由手腕带动手臂, 使重量与力量同时到达弹奏键盘, 每一个手指是否都是垂直站立在经过弹奏键盘。练习时, 手腕要放松, 自然下垂, 不可以上下抖动, 如同走路一样, 身体要跟随腿和脚的转移而移动, 身体并没有使劲, 是自然地被腿和脚的移动带着向前走的。如果手腕上下抖动或拱起, 就像走路时身体向前后晃或向前拱一样, 很明显是别扭的。弹奏练习时应注意: (1) 弹奏大指时, 手挽在左斜上方, 肩放松保持自然下垂; (2) 利用手臂的重量手腕下滑落到二指, 手腕与二指呈垂直直线; (3) 手腕呈垂直直线向三指推动, 重心同时转移; (4) 手腕向右斜上方推进到与四指垂直的直线位置; (5) 最后手腕向右斜上方顶上去与小指呈垂直线, 小指要站立起来。

3. 手指独立练习

练习连奏, 首先要熟悉手腕与手指的垂直关系。掌关节要保持支撑状态, 不要用支撑关节发力, 当手腕与手指间的直线可通过手腕的运动将重量贯通到指尖时, 便可进行第二步练习——手指的独立性、灵活性的练习。即在直线转移的同时加上手指的爆发力, 手指与手腕的重量要同时到达弹奏键盘。要做到:重心在弹奏手指上, 抬起下一个将要弹奏的手指, 手指掌关节的爆发力来源于掌关节。同时, 还要注意“松”和“送”。“松”是通过手臂的放松、手腕相应的配合把重量从一个手指“送”到另一个手指上, 使手指带着手臂的重量去弹奏每一个音。弹奏练习时可通过以下几个方面进行练习: (1) 第一个音要采用断奏的弹奏方法放松下落, 当手指触键时, 同时运用几个支点将手支撑住, 使重量畅通地传送到指尖, 触键与键盘垂直, 并与手臂的重量成一条直线。 (2) 第一个音放松落下后, 第二个音要在前一个音手指站稳的基础上, 用掌关节将手指快速放松抬起, 将力迅速转移到下一个手指上, 手指触键的同时, 手腕要带动手臂自然转移。

4. 落滚练习

落滚, 是指将手从腕部提起来, 将注意力集中到一个手指上, 自然地落下来到键盘上的过程。弹奏时, 带连线的一串音符, 都可以弹成落滚。落滚可分为二音落滚及多音落滚, 练习时连线中间的要用相应的动作弹奏。 (1) 二音落滚练习:弹奏第一个音时手臂柔和的落下, 弹奏第二个音时手臂和手向里向上自然提起, 离开琴键。例如:《大汤姆森》第一册中的《知更鸟》《快乐的小丑》《划船》等曲子, 就是采用了这种弹奏方法来演奏。 (2) 三个音落滚练习:如三个音呈相反方向, 则第一个音落第二个音用转腕的动作弹奏, 最后一个音手腕转到弹奏手指自然提起, 称为“落、滚、提”。例如:《影子舞》《爬山》《曳步舞》等。 (3) 多音落滚:第一个音手臂柔和的落下, 最后一个音手臂自然提起, 中间音用相应的手腕动作带动弹奏, 掌关节要有爆发力。例如:《杂技演员》《影子舞》的最后一句等。

5. 连奏的规律

通过上面的论证, 可以得出连奏具有以下弹奏规律:第一, 音与音的更替不间断性, 音与音之间必须保持着连贯的弹奏, 才能达到像人讲话一样句子通畅, 听着舒服、悦耳。第二, 最大限度地减少上方泛音。上方泛音标志着新的音符的出现, 上方音只是在发声开始时才能听到, 并且会迅速地消失, 上方泛音的出现总是会使人联想到新的音符的产生。上方泛音越少连奏就越优美。第三, 每个音的时值和力度都要符合连奏的要求。力度标记在钢琴谱中最为常见, 如果一首曲子没有了强弱变化, 结果可想而知。弹奏过程中, 快速比中速难引起连奏的感觉;在慢速弹奏中, 由于每一个音的音量逐渐减弱, 也很难获得连奏;高音比低音消失的快, 弹奏时可以试着拖长音进行演奏。

参考文献

[1]《钢琴演奏技巧》作者.〔匈〕约瑟夫.迦特著.人民音乐出版社, isbn7-103-0048-x.

篇4：钢琴的基本弹奏法教案

一、独立性和灵活性

每个手指都要有独立触键的能力。独立，并不是说一个手指抬起弹下，其他手指绝对不准动。最重要的要领是：掌关节要积极主动。在连奏中的五指练习时应注意，手腕平稳、平静，指弄稳定，注意力集中在掌关节的活动上。手指抬起时，要觉得只用了掌关节的机能，手指另两个关节不参与、不勾拢、不伸直。抬起手指的动作要果断、积极而又舒畅、自如。抬起的高度，慢练时可稍高，但要在不勉强的前提下。弹下（触下琴键）的动作，也要感觉只用了掌关节，也要果断。开始阶段不要追求音量大，也不要有勉强感。触下琴键发出声音的同时，掌也停止用力。这时除了第一关节负责把手指保留在键上外，整只手进入近乎休息的状态。如练习《哈农》，开始阶段速度要慢，每弹下一个音都在那个音上休息片刻。速度、音量，只能随练习的积累而逐渐增加。要在感到一切都很自然、不费力的情形下一步步过渡到响亮而又快速。

二、力量均匀

即弹下琴键的动作要能够达到一定的力度，以及对力度大小的控制力。在其他条件不变的情况下，弹下动作速度越快，力度越大。反之变反。但手指练习时，是不是力度越大越好呢？答案是否定的。在学生没有掌握钢琴基本触键法之前，用较大的力度练琴，很容易导致紧张、僵硬。手指基本练习时，用较小的力度、正确的方法，弹得均匀、流畅，乐曲能弹得完整，比力不从心地大声弹奏要好得多。至于强的力度，则应随身体的成长、弹奏技术的进步而逐步达到均匀。

我们有时还会受到“思想懒散”的影响。在弹奏乐曲时，当我们发现手指误入歧途，不如直率承认乱子是出在大脑的办公室。这个神秘的管理员正在和一个朋友闲谈，忽略了工作。就是说大脑与手指的步调不一致。这时我们实际上只是依靠机械动作在弹奏。我们让手指跑在前面，思想则落在后面，而不是像应该做的那样，让思想走在手指的前面，为手指作好准备。

三、承受巨大重量的支撑力

在弹奏各种强音时，都有赖于手指坚如磐石般的支撑力。手指支撑力，要求手指三个关节承受重力时的稳定。其中，最薄弱的是手指第一关节，遇有重压，不能保持自然状态的稳定。做法是：用手腕提起手，手指离开键盘，手部自手腕下垂，然后下落，其中一个手指做触键的准备。在手指将要落到琴键时，手腕放平，触键，手指第一关节“挂住”键盘，腕关节下沉。再提起手，进入下一個提起、落下的循环。要一个手指一个手指地落下触键。先是提得低，落得慢，尔后，逐渐提得高些，落得快些，直到提得再高些，落得再快些，仍然“天塌下来顶得住”。再者，加强对手指第一关节的注意力。一个是听觉上想象要发出集中的声音（塌指的声音都是散的）；另一个是视觉上盯住第一关节，不准塌下来，在触键的一刹那有稍稍“绷住”的感觉。

手指基本功就是房屋的基石，基石越深越牢固，房屋就建造得越高越宏伟。一个优秀的钢琴演奏者，定是有坚实的手指基本功。

篇5：钢琴弹奏学习方法

(1)钢琴的基本练法就是慢练。

慢练尤如“大镜”，把乐曲中的一切细节都扩大了。慢练的最大优点是来得及根据视觉，听觉得到的反馈信息调整和修正缺点和毛病。慢练的方法之一是用节拍器。即使在作品练习成熟之后，也不应忽视适当得慢速练习。

(2)有计划、有目的地学习：

冰冻三尺，非一日之寒。练钢琴需要的是持之以恒的态度。钢琴曲目繁多、演奏技法多样。初学者应制定一个远期学习目标和近期学习计划，从基础着手，循序渐进地学习，才能目的。

(3)以良好的心态学习钢琴：

学琴过程中，可能会遇到情绪起伏不的情况。应调节情绪，适当减轻学习难度，充分激发学琴兴趣、缓解学琴紧张感。

二、钢琴弹奏中自然重量的运用

关于自然重量的运用的要求是整只手臂的放松自如，从肩部的舒展下垂，到整个手臂的协调下垂，通过放松灵活的手腕调节，然后由手指把手臂重量传入键盘。

(1)：认识体会到手臂的自然重量

以前倾上身的坐姿，把两只手臂完全放松地垂下去。此时手臂好像是从肩部自然垂挂下来的物体。在空气中随意摆动，晃动，而血都涌向了手掌，通向了指尖。体会到手臂的自然重量后，我们就要把这个自然重量用到弹琴上去。接下来手指就要发挥它的功能和作用了。

(2)：手指要承受并支撑整只手臂的重量

手指的三个小关节微微凸起，尤其是处于手掌部位的指根关节(以下简称“掌关节”)必须要作为一个力量的支持点。手臂的自然重量落下来，要求每一个手指都能支撑住。我们用断奏入门的方法练习：先分别一个手指一个手指地在钢琴上站好，结合手臂的自然重量。经过一个阶段，在每个手指都能自如地弹出饱满的声音后，再渐渐进入连奏的练习。进一步我们就可以调节重量的轻重 。

三、弹奏钢琴时身体的协调

身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，开始就要明确，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。

(1)保证身体协调的根本：

保证身体协调的根本是根据自己的身体条件进行调节正确合理的坐姿。随着程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。

(2)坐姿的基本要求：

臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。

(3)身体的左右调节：

篇6：钢琴的基本弹奏法教案

摘要：职教幼师专业的主要目的是为幼儿园培养幼儿教师，为我国教师队伍输送人才。幼儿教师是广大教师队伍中不可忽略的重要组成部分，其主要职责是对幼儿进行启蒙教育，促进幼儿全身心的健康发展。对于职教幼师的教育来说，钢琴是一门基础学科，钢琴的教学不仅能培养幼师专业学生本身的综合素质、艺术修养，并且对幼儿启蒙教育也有着莫大的帮助。因此，幼师钢琴弹奏教学也成为了幼师专业教育的重点科目。本文就职教幼师钢琴弹奏教学进行初步探讨，通过对当今职教幼师钢琴弹奏教学现状的分析，提出一些创新性建议，对职教幼师钢琴弹奏教学的改革提供辅助参考。

关键词：职教幼师;钢琴弹奏教学;自信心;创新性建议

一、职教幼师钢琴弹奏教学的现状与分析

(一)职教幼师钢琴弹奏教学的现状解剖对于幼儿教师来说，钢琴弹奏是一项不可或缺的基本技能，钢琴课也已经成为了当今职教学校培养幼儿教师的一门专业必修课。但就目前情形来看，职教幼师的钢琴弹奏教学成效并不乐观。首先，对于职教幼师学生来说，年龄大都在15～18岁，已经过了艺术兴趣培养学习的最佳时期，大多数学生并没有任何基础，对钢琴弹奏的学习有一定的难度。其次，钢琴弹奏是一项较为复杂的脑体配合活动， 目前传统的钢琴弹奏教育，多数情况下只注重对学生基本知识的传授，并未注重对学生艺术素养的培养。

(二)对职教幼师钢琴弹奏教学现状的思考分析钢琴弹奏的教学，不仅包括学生对技巧掌握的，更重要的是培养学生艺术修养。在学习这项基本技能的同时，全面提高学生自己的综合素质，养成良好的.艺术情操，为以后幼儿教学打下扎实的基础。传统的钢琴弹奏教学局限于知识的传授，并不注重实知识与实践的结合、自身音乐素养的提高。

二、对职教幼师钢琴弹奏教学改革的前景展望

(一)如何正确的增强职教幼师学生对钢琴弹奏教学的认知

1.培养幼师学生对钢琴弹奏学习中的自信心对于职教幼师学生来说，因为年龄已经超过最佳学琴阶段，自身学习条件存在不足，加之基本功差，短时间内，很可能失去信心和兴趣。在幼师学生学习过程中，应当着重培养学生的自信心，对于不同基础的学生，因材施教，制定出合理的学习规划，确定正确的奋斗目标。逐渐帮助学生提高对钢琴弹奏的自信心，克服因先天条件因素造成的学习障碍，多鼓励，多激励，让学生在学习过程中，感受钢琴演奏的魅力。“

2.培养幼师学生对钢琴弹奏的兴趣，充分开发学生潜能职教幼师学生在学习过程中，需要有正确的引导和培养。

在增强学生自信心的同时，也要加强对学生兴趣的培养。为了避免学生对弹琴产生枯燥心理，兴趣消退，老师应当注重提升学生对音乐的兴趣和认知。对于十分感兴趣的事物，学生会自主的去探索，在探索者学习成长。

(二)职教幼师钢琴弹奏教学的创新性建议

1.教材的合理选择音乐学科新理念指出，好的音乐教材应该是：“那些能够充分掌握或接近掌握的音乐，是那些远超过他们理解能力但又使他们受到丰富教益的音乐，是审美上得到满足但又复杂程度足供较长时间学习的音乐”。针对不同学生情况，当因材施教，注重学情分析，合理的去选择教材。

2.基础训练的加强

任何知识技能的学习，其基本功的重要性，都是不言而喻的，良好的基础，是对以后深刻拔高的奠基，钢琴弹奏更是如此。在教学中，学生们往往忽略了音阶、瑟音和弦的弹奏，更多时候，是学生盲目的去“模仿”。在教学的过程中，应该着重强调“带着脑子”去弹奏，而非仅仅是双手。让学生充分学习基础知识并予以训练，不仅对学生本身的学习有帮助，更加有利于学生未来在幼儿教育工作当中的更好更熟练的运用，对学生以后的教学工作打下良好的基础。

3.注重聆听与思考

在教授学生学习掌握钢琴弹奏技巧的同时，更应该注重对学生聆听与思考能力的培养。“学而不思则罔”，音乐不仅指是简单的音符、旋律，更是一种集激情、秩序为一体的精神产品。学会聆听，学会思考，更加有助于学生对音乐的深刻理解，有助于学生艺术素养的提高，有助于学生综合素质的全面发展。

三、总结

职教幼师钢琴弹奏教学，是现代幼儿教师培养的重点，它不仅影响着幼师学生本身综合素质，更加影响着学生未来的幼儿教育工作。本文中提到职教幼师钢琴教学创新性建议，对职教教学有着一定的帮助，同时，创新也是与日剧进的，它更需要一个长期的实践摸索，不断总结经验，完善教学内容与方法，为社会培养出更优秀、更专业的幼儿教师。

参考文献：

篇7：奥尔夫教学法与儿童钢琴即兴弹奏

奥尔夫教学法体系是当今世界上最著名、影响最广的三大教育体系之一（奥尔夫教学体系、达尔克洛兹教学体系和柯伊达教学体系，并称为世界三大教育体系）。它是由奥尔夫与同代的人及其后继者共同创造发展的一种音乐教育体系，是一种卓有成效、开放式、兼收并蓄、不断发展的音乐教育理念。因此，在钢琴教学领域，特别是初级阶段运用的作用是不容忽视的。

一、节奏感的训练

节奏的训练是钢琴教学必不可少的一个环节，也是最基本的一项任务。教师应从最初的音乐体验开始，让学生亲身感受到拍子、速度和节奏。语言进入音乐课堂，是奥尔夫教学体系针对节奏训练的独特创造，音乐和语言之间有紧密的联系，语言可以启发学生了解音乐的节奏，因此，从孩子熟悉的动物名称或称呼名开始进行节奏训练，等他们认识了基本的节拍后，借用汉字为代读音符，进行组合节奏，因为汉字的词义能让学生更加形象地认识节拍。例如，用“跑”、“慢”“慢走”、“快跑”四种汉字换成节奏符号，“走”代表一拍，“跑”代表半拍，“慢走”代表两拍，“快跑”代表十六分音符。或者，也可以引导学生模仿动物的叫声，与自然、机械的影响，让他们将自己生活中的音响在自己所学的节拍中找出相应的替代，如钟表的滴答、滴答的声音，可以把它模仿成2/4拍等。

这些节奏的训练，不仅让孩子对节奏有形象直观的掌握，而且可以让他们体会到音乐就在生活中，使教学不再孤立的存在。此外，教师也可使用做游戏的方式，在轻松的环境中学习到节拍，摆脱了传统教学中枯燥乏味的弊端。在熟悉的儿歌上分节奏，其中根据孩子好动的天性加入动作，也是奥尔夫教学法的一个独特的办法。如《两只老虎》，首先边唱边用手打节拍，然后手脚同时拍出该主题的节奏，最后手打一拍一个重音，脚打两拍一个重音，等到掌握后逐渐增加难度，手脚的拍子对调。诸如此类的联系，既使孩子从“琴凳”上解放出来，又真正进行了大脑的分工训练，一方面对于加强学生的节奏感有很大帮助，另一方面，对孩子的大脑协调配合、智力开发都是有益的。

二、主动性、创造性原则 主动性原则是让学生亲自参与、倾诉感性、回归人本，尽量使孩子们全身心地投入表演、创造音乐的活动中。这样使课堂变得异常活跃，不像以往老师是主动的，学生是被动接受，据调查得出，被动学习状态下接受知识的比率明显低于主动接受知识的比率。

传统教学中还有一种现象，即教师说什么就是什么，学生没有自己分析、解决问题的能力，教师说对就是对，说错就是错，这样的状况属于被动接受知识状态。久而久之，学生丧失了积极性和创造性的能力。创造性在奥尔夫教学中的地位相当重要，也是最核心、最吸引人的部分。奥尔夫从“游戏”入手将孩子们娱乐优势（天性）转向——用心去冒险。即兴创作是教师和学生摆脱束缚，培养创造性的前提，也是对师生的考验和挑战。从即兴开始的教育是真正体现创造性的教学。即兴创作被称为对一个人音乐禁锢的放纵，这种“放纵”不但是艺术性质（个性、求异性、独特性）所鼓励支持的，还是“解放人性”。在教学中对一些已经有一点弹奏能力的学生，我常常会在课堂里抽出一部分时间，把他们弹奏的熟悉旋律一行弹奏一遍作为启发，然后他们可以根据自己的兴趣和想象力加以补充、修改，甚至推翻创作出自己的东西来。

几乎每个儿童都有钢琴上“乱弹琴”的嗜好，并且细心的话，我们会发现，当他们“乱弹琴”时，他们很开心、很快乐。因此，在教学中应抓住这一特点，要求他们在每次的作业完成中，要弹出不同的感受、不同的心情。这样，不仅大大培养了他们的弹琴兴趣，还训练和满足了他们的表现力。

三、群体性意识

在强调主动性和创造性的同时，让学生意识到个体是集体中的一员，创造设计常常是集体成果，在教学中的合奏是对群体意识形成的有效途径。钢琴教学中，四手联弹是促进学生形成合作意识的重要手段。拜厄的《钢琴基础教程》中就有许多小曲配有教师的伴奏，形成四手联弹，使孩子们对那种枯燥、单一的手指练习有了美好、有趣的感受。在汤普森《钢琴初级教程》里，也有一些颇具魅力的四手联弹，它对激发初学者学习的兴趣有重要影响。对学生增加这种训练能有效克服初学者随意性强缺乏连贯性和完整性的不足，因为四手联弹的独特方式限定了参加者必须把曲子弹得准确无误、熟练流畅，才能与他人配合好。因此，四手联弹有助于提高初学者对音乐的感受力和理解力，要有高度的合作意识，为了使自己的弹奏能跟他人和谐，无形中促进学生积极练琴，不断提高技巧。

四、对空间和声音的探索及艺术性的培养

奥尔夫认为，对声音的探索，用朴素、生活的语言启发孩子，还要重视听觉体验，通过人对音乐感受进行教学活动开始时环境中的自然声响和无组织声响作为声音训练的一项内容，接着歌声也作为一种声源来探索，动作成为教学训练中的基础，通过让儿童体验运动的性质——轻和重、上和下里和外等，让学生获得完整的音乐体验，这些是奥尔夫教学中“自然性”的特征。

如何提高儿童学琴的兴趣，如何以浅显、生动的语言、手段让学生领悟到弹琴的要点是非常重要的。很多儿童在学琴过程中遇到困难或挫折而产生消极心理，加上基本练习的枯燥无味，技巧练习的增多，弹琴几乎成为一种负担，甚至产生抵触情绪，所以需要充分了解儿童心理、成长规律。例如，但昭义在《儿童学琴入门》中提到解决放松问题：用心聆听音乐是消除肌体多余紧张的关键，用乐谱的音乐意义去启迪孩子，引发他们的想象和创造，并从始至终强调孩子必须用耳朵去聆听自己的声音，根据对声音的判别调整，效果会更好。”

以一首最简单的乐曲《小客人敲门》为例，这首乐曲技术上仅仅是在中央C上用两只手的中指交替弹奏。我们就用这样的方式引导他：“听，这位小客人敲门不礼貌，好像要把门都敲坏了，这样不礼貌的客人，主人是不会欢迎的。”之后，再进一步启发学生要很有礼貌的敲门，注意听敲门的声音好听吗？如果由于过于控制而弹奏得轻，我们可以同样形象地指出：“敲门的声音太轻了，主人听不见会不开门的”。采用这样的方法，可以把学生的注意力引向倾听，而忽视了手的动作，放松问题自然迎刃而解了。奥尔夫曾说过：“最反对用粗糙的东西做教材，哪怕简单，也要有艺术性。”在奥尔夫的学校音乐教材中，无论是一首儿歌，还是器乐曲；无论是节奏回旋曲，还是声势练习曲；无论是合唱曲，还是舞蹈音乐都是小巧精美的艺术作品，这种高度的艺术性不仅反映在教材上，在音色优美的音条乐器、打击乐器，以及与之配套的配器法也无一不显出奥尔夫教学体系高度艺术性原则，在整个教学探索中，对于孩子们的音乐再创作强调高度的艺术性。

篇8：钢琴的基本弹奏法教案

断奏也叫高抬手, 主要是练习支撑与放松两种对立感觉的统一配合及力量的通畅。所谓支撑是指指、臂、腰等身体各部位的支撑, 以及手腕、掌关节与指尖的支撑;放松, 是指除支撑部分外的其它身体各部位都处在放松、下垂的自然状态。

一、断奏的种类

断奏有手腕断奏、手指断奏、手臂 (前臂) 断奏三种。

手指断奏用于单音的断奏, 就是基本上以手指自身的肌肉力量弹奏, 象鸡啄米一样。

手腕断奏一般用于比较轻巧的双音、和弦或八度, 就象用手腕拍皮球的动作。

前臂断奏用于较强大的和弦或八度 (非断奏的快速强和弦和八度也是用这种方法, 慢速和弦或八度, 则用把手臂放下去的方法弹奏, 即抬起前臂和手腕, 手指自然下垂, 离键较近或贴键, 然后舒缓而厚实的放下去) 。

二、断奏时音的时值

初学者一般多采用断奏练习。根据古典乐派音乐家的实践, 断奏大约可以保持原来音的时值的一半, 音与音之间休止的时间要尽可能地长, 也就是说琴弦发声的时间要最大限度的短, 这一点最清楚地说明了断奏的性质, 对断奏来说, 发音必须强有力。在使音的时值和音量符合断奏要求的前提下, 应该记住这一要点。慢速弹奏适于在最轻微的弹奏中使用断奏, 因为前一个音的消失和相应的休止, 甚至在pp时也能充分地突出新音。在快速弹奏中, 为了保持断奏的性质, 休止会越来越短, 于是断奏与“不圆滑”的区别只在于更加强调新音。

三、断奏中支撑与放松的重要性

练习断奏时, 支撑与放松很难统一起来, 这种对立和统一的感觉在生活中是存在的。例如:把手随意搭在一个地方休息、敲琴板等等, 弹奏者在练琴前可试着做一下这样的练习, 然后在弹琴, 会很容易感受到掌关节的支撑与手指的放松。在断奏中, 最重要的就是通过支撑点来将身体及手臂的重量畅通无阻的传递到指尖。这几个支点是——指尖、指关节、掌关节 (这一关节最为重要) 及腕关节。弹奏练习时, 可以把指尖当作脚, 腕关节当作腿, 手臂当作身体, 模仿人的站立与行走来体会支撑点。触键时, 要用指尖的正中间, 每一个指关节都要保持自然、放松的状态, 尤其是掌关节, 要有顶住的支撑感;手腕要放平支撑, 不能突出出来, 也不能塌下去, 要保持放松, 但不能软, 也不能僵硬, 手臂放松自然下垂。弹奏时, 将手指高抬, 像锤子落地一样放松, 在手指触键的同时, 几个支撑点要支撑住, 反复练习手指的独立和体会支撑。

四、断奏练习的规律

练习断奏, 一开始要把速度放慢, 音与音之间的休止尽可能的长一些, 这样可以很清楚的听出弹奏的每一个音, 感受每一个音弹奏时手指的支撑与力度。随着速度不断地加快, 休止便越来越短, 这时需加强手指的力度及手臂的放松。手指本身是不适合弹奏断奏的, 对于断奏, 手指显得太软弱无力, 为此要借助手臂准确的保持力度的色调变化, 对断奏来说是必要的。细微的色调变化会削弱断奏的特性。而在慢速练习中, 音与音之间有很长的休止, 力度很容易达到想要的效果, 随着加速练习, 就必须提高力度。

五、解决断奏的技巧问题

反复练习断奏时, 支撑能力会随之加强。当动作做对时, 感受到每一个手指都能独立立住, 就会发现每个弹奏手指都是与手腕带动手臂的重量呈一条直线。在慢速弹奏的练习中, 每一个音都比较突出, 力度处理要求特别谨慎;随着速度的加快, 断奏要求发声的音量就会加大, 因此, 进行断奏时就必须借助手臂上下挥动的动作来完成。上臂的挥动幅度不一定很大, 弹奏力量的大小, 经常取决于曲子所需要达到的音响效果, 所谓“指拨式”的断奏, 必须借助于贯通触键法。

结语

断奏与连奏的弹奏会由于作品的风格不同而出现弹奏方法的差异, 在演奏过程中, 并没有十分严格的规定或界限来区分断奏于连奏, 为此只能确定一般性的弹奏。对于不同风格的作品, 更难确定应有的特性, 只能根据不同的作曲家的作品风格特点来判断应该采用哪一种弹奏方法, 这是最合理、可取的。

参考文献

[1]〔匈〕约瑟夫·迦特著.《钢琴演奏技巧》, 人民音乐出版社, isbn7-103-0048-x