钢琴基本技术训练的论文

钢琴基本技术训练的论文（通用11篇）

篇1：钢琴基本技术训练的论文

钢琴基本功训练内容和方法

钢琴演奏一直以来被公认为是一项高雅的艺术形式，在多元化艺术表达的今天，钢琴依然拥有着稳定的青睐者和追随者，在本文中，主要从基本功在钢琴演奏中的重要作用，钢琴基本功的主要内容，基本功练习的主要方法三个层面入手进行具体的阐述。

一、钢琴基本功训练的重要作用

世界著名的钢琴大师拉赫玛尼诺夫曾经指出，“一位优秀的钢琴家，必须具备快速、干净、灵活、清晰的基本技巧。”正如拉赫��尼诺夫所言，一位钢琴演奏者在演奏的过程中必须身心合一，身随心动，将心中所想通过手指表达出来。演奏者在演出时不仅要全身心的投入，必要的演出技巧也必不可少，而基本功则是技巧运用中重要的一环，只有技术过硬，才能在演奏作品时能准确的把握作品的节奏、速度、逻辑，并能将音乐的主旨清晰流畅的表达出来，并极富感染力。

二、钢琴基本功训练的主要内容

钢琴的演奏涉及到多个层面，钢琴的训练不可能一蹴而就，要从基础着手，从基本功开始：

（一）手指训练

钢琴演奏主要用到的身体部位就是手指，手指训练，更多的倾向于对手指机能的训练。在钢琴演奏过程中，最直接也最敏感部位就是手的十指，十指的协调、灵活使用是演奏好乐曲的关键，然而，由于手指机能不同，手的食指和中指相对于无名指和小拇指较为有力，而无名指和小拇指的独立性也较弱，对其他手指的依附性较强，在演奏时容易被牵动。

但在演奏过程中，每个手指都有其特殊的作用，为了使每个手指都能够平稳、独立、有力、协调的进行演奏，需要对它们进行训练，只有不断的训练和强化，才能使手指的灵活度加大，在演奏时更加得心应手。

（二）识谱训练

对一位想要学习钢琴的人来说，不会识谱无异于被判了“死刑”，但是识谱的训练，又不单单的是指单纯的对音符的识别能力，识谱能力的差异决定了演奏水平的差异，只有具备了较高的识谱能力，才能演奏出优美、高雅的乐曲，但是在现实生活中，一些初学者急于求成，只单纯的“认谱”而未“识谱”的前提下就盲目的弹奏曲目，这样弹奏的曲子毫无感染力，缺少韵味。

当然，在实际演奏过程中，要做到“眼观六路”，在每一个键位找准并弹奏的前提下，眼睛要迅速的转向下一个音，只有这样，在使识谱的速度加快的同时，流畅的演奏曲目。

（三）音乐听觉的训练

钢琴演奏最主要的就在于听，只有听到了才能感知和判断，对听觉的训练不仅仅是指对高低音的分辨，也不单纯的是对耳朵的训练，它指的是将杂乱无章的音乐表达整合成有规律的清晰的思维，所以说，对听觉的训练中还内含了对心理功能的训练。

因为不同的曲目根据演奏者不同所表达的情绪也不同，要迅速的从中进行分辨就需要对听觉进行训练，例如在欣赏著名音乐家巴赫的作品时，就要通过对不同声部的交叉进行仔细的辨别才能明白其中的主题。

三、钢琴基本功的训练方法

钢琴基本功训练要讲求方式方法，只有正确的方法才能保证训练的顺利进行，才能保证演奏曲目的质量。

（一）跳音弹奏方法

跳音，即顿音，跳音分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音。在钢琴演奏过程中，学生们为了使腕关节保持弹性及掌关节保持稳定，会让手指的重力紧贴着琴键，并将手连同着手腕向上弹起，很多学生在演奏中感觉弹奏跳音和打琴键十分相似，这是由于手指下键和离键的速度慢导致的。

手腕发力在跳音弹奏中是很必要的，手指下键后立刻离键，这种效果活泼、轻巧，使整个乐曲充满了活力，别有一番韵味。

（二）音阶琶音弹奏方法

在钢琴演奏过程中，音阶和琶音是经常运用的一种弹奏方法，在进行音阶和琶音的训练时要注意以下两个要领：一是要有正确的姿势，同时在弹奏时因为拇指较短，所以应该将它稍微的立起来，不能让它处于躺着的姿势，不然弹奏的过程中手腕就会高低不匀，从而影响了整个演奏的效果。二是要注意跨指和穿指弹奏时，手腕要平稳的移动，不要外抬，同时不要速度过快，尽量慢练，俗话说“慢工出细活”对音阶和琶音的训练亦然。

（三）八度和分解八度弹奏方法

在钢琴弹奏过程中，八度演奏方法要求手指有力而坚定，手腕处于放松状态，肘部富有弹性，与背部及大臂协调配合。在对八度演奏时，小指的训练非常重要，因为在手指中，小指对其他手指的依附性强、独立性差，但音乐中的某些声部则要小指负责，所以要加强对小指的训练。

在进行分解八度的训练中，可以尝试着从体会拇指到小指力量的变化着手，训练时将大拇指当琴键上，然后使大臂的力量下沉，跳的时候将手指抬起，跳到下一音的时候，力量落到小拇指上。

四、钢琴基本功训练中值得注意的问题探讨

钢琴训练是一个复杂的工程，涉及面广，任何一个问题的存在都将影响这个曲目演奏的效果及初学者对钢琴训练的领悟。

（一）钢琴训练中对声音的训练

对声音的训练，不单纯的是指演奏者对演奏技术掌控这么简单，每首曲目都包含了作曲者的心血和情感，演奏者只有能够真正的体会其中的深意，才能将曲目“完整”的演奏出来。当然，对于初学者来说，首先要加深对曲目本身的了解，同时要有丰富的想象力和判断力；其次，要运用娴熟的演奏技巧根据曲目所表达的内容的不同起承转合，阴阳顿挫，将曲目中所涵盖的深意和情感直白的呈现给听者。

（二）钢琴训练中对多声部的训练

在钢琴演奏中，对多声部的训练也是极其重要的。在对多声部进行训练时，因为每个声部都有其特定的作用和地位，所以要特别注意对各声部的把控力度，注意和旋的每个音节、旋律、伴奏都要清晰可闻，做到主次分明。

总之，在钢琴基本功训练过程中，除了要注重对钢琴演奏基本方法、演奏技巧特别注意外，更加值得注意的是要深刻的领悟曲目中所表达的深意，钢琴训练时一个漫长的过程，要养成一个良好的心态，不能急于求成，要循序渐进，只有将基本功打扎实了，才能在以后的演奏中得心应手，才能取得质的飞跃。

篇2：钢琴基本技术训练的论文

歌词大全 http://

音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练.。练习好音阶，需要注意几个方面：

（1）.练音阶的重要性： 练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。

（2）.树立明确的目标： 练音阶，首先解决的是一个“立”字，解决五指不立和掌关节发紧，只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练，才能逐渐加强力度，增加耐力，并为以后的加速打下基础。

（3）.防止一个“混”字： Ａ大调，＃f小调，g小调，Ｃ小调，这几套关系大小调，易混淆，指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。

（4）： 采取分组练习法： 将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，而后再弹音阶，交叉进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。

篇3：浅谈钢琴演奏技术的基本训练

那么优秀的钢琴演奏者需要具备哪些素质和条件呢?首先, 要有相当娴熟高超的弹奏技术能力, 其次是能巧妙合理的将技术运用到乐曲艺术表现过程中的能力, 最后是能正确理解和处理好弹奏技术与音乐表现的能力。三者是相辅相成密不可分的。我们弹奏一首乐曲主要的目的和意义是表达出音乐的内容, 因而音乐内容的表现是占主导地位的, 但它是通过弹奏者的技术来表达的, 那么技术又占有关键性和前提性的地位, 没有技术就无法表现音乐内容, 但技术只是一种技能, 而技巧是表现音乐所需要的全部手段, 它包括对节奏、拍子、分句、力度、触键、踏板等方面的合理控制。弹奏的技术是技巧的前提, 技巧是技术在乐曲中恰当的运用, 只有技术、技巧的完美结合才能将乐曲的音乐内容准确无误地表达出来, 由此可以看出弹奏技术是最基本必备的重要条件之一, 下面就重点谈谈演奏技术的基本训练。

一、科学正确的弹奏方法:

学好任何一门学科, 学习方法都起绝对性作用。钢琴也不例外, 不仅要学习音乐理论知识, 还要进行技能的训练, 是一门技术性很强的学科。要想更好更快的掌握这门学科, 科学有效的练琴方法就极其重要。只有用正确的弹奏方法, 才能掌握好全面弹奏的技术, 才能让琴声优美动听, 给人以艺术感染力。弹奏方法是多样化的, 要根据音乐作品的表现来决定。最基本最科学的方法是肩和臂的重量畅通无阻的集中到手指尖上, 力量不能停留在手臂和手腕上, 这样各个部位才能是放松的, 才能自由的调节音量, 把握好音色和力度, 尽量减少疲劳和僵硬, 使声音柔美圆润, 简单说就是弹琴要自然, 省力, 好听。

二、演奏技术最基本的训练与选材

(1) 五指练习。这是最最基础的技术练习, 看似简单却很重要, 如果我们每只手的五个手指能完全相等地发挥作用, 那么它们就具备了弹奏所有钢琴曲谱的能力, 就像一个初学步的小宝宝, 要想独立行走的稳, 首先必须要学会独立站稳, 否则走起来肯定会跌跌撞撞, 弹奏也一样, 一定要学会五个指稳稳地站在键盘上, 将来才能快速跑动起来。基本的要求是一个手指到另一个手指的力量转移要均匀, 声音听起来要连贯, 圆滑, 手腕不能压下去也不能抬起来, 保持放松状态。虽然五个手指长短不一, 但要做到力量的均匀就不能光靠手指的控制, 还要用耳朵去听, 用心去仔细体会。由于我们手的特殊原因, 四五指最不灵活, 最难控制, 需要着重练习。哈农《钢琴练指法》第1-31课都是五指练习, 是很符合这些练习的, 每一条都是针对不同手指的练习, 它的目的是使手指灵活、独立、有力和用力均匀的预备练习, 要求慢练开始, 逐渐加快速度, 但要保证手指动作利落, 每个音都特别清晰, 不能一带而过, 为以后更难更高的弹奏技术做好准备和打好基础。

(2) 音阶练习。这也是非常重要的练习, 它的训练难点要放在匀速上而不是速度和力度上。因为音中间有手指的快速穿越, 很容易造成节奏上的不均匀和力度上的不均匀, 它的弹奏要领是3指或4指弹奏的同时, 1指已经提前从掌心下移到了下一个音的位置, 只有提前做好了准备, 这样才能使声音连贯起来。正确的方法是手指敏捷的触键与手腕自然放松的结合, 让声音听起来自然流畅。许多学生方法不对, 手腕压得很低, 拇指僵硬, 弹成了生硬的重音。练音阶起初要用单手弹, 然后再用双手合起来弹, 练到一定程度时, 还可以用不同的力度弹, 可以来一遍强的, 来一遍弱的, 来一遍渐强的, 来一遍渐弱的, 这样有利于以后在乐曲中各种力度的控制, 要非常熟练的掌握和弹好24个大小调的音阶, 对将来的弹奏有很大的帮助。音阶技术训练, 不仅是对手指灵活性的训练, 更是对手指高度控制能力的训练。哈农《钢琴练指法》第32-36课都是大拇指从其它指下穿过的练习, 对弹好音阶的连贯性有很好的辅助作用, 要多练。钢琴家约?霍夫曼曾说:“我对音阶毫不放松的练习, 使我终身受益。”可见音阶弹奏的水平是评价学生技术水平的标志之一, 音阶也被列为考级的最基本内容之一, 是每日必弹的基本功。

(3) 琶音练习。它是钢琴演奏中常用而重要的技巧。钢琴是一种和声音乐, 和弦又是和声的基础, 所以琶音练习在钢琴练习中至关重要。它是将和弦分解成单音先后奏出并连续上行或下行, 穿指和跨指跨度比较大, 对弹奏的手指能力要求很高, 不仅训练了手腕的灵活协调作用, 又训练了手指的灵敏和活力, 是钢琴技术水平的标志。

(4) 双音、八度、和弦的练习。在这些基本功的训练中, 手腕的灵活性, 适应性和弹性是重要的因素。双音、八度都有断奏和连奏。断奏时手指同时触键, 弹的要整齐, 对手指指尖的要求和手腕的弹性要求更高。弹八度1指和5指要求支撑好, 手掌呈拱形。弹双音八度时, 手臂、手腕必须放松, 否则声音都是生硬难听的。连奏双音的关键是第一个双音弹出后, 在两个手指留在键盘上时, 再抬起另外两个手指准备第二个双音, 两个双音既不重叠, 也不间断, 两个声部都要连上, 最不允许出现的是两个音力度不均, 导致共鸣不好。和弦的技术分类有时值较长的和弦、连奏的和弦、非连奏的和弦、跳音的和弦、爆发力的和弦、持续重复的同一和弦等, 每种类型都有不同的演奏方式和训练目的, 不仅要训练弹奏技术, 还要训练听觉能力, 这样才能弹出它的特性和风格来。哈农《钢琴练指法》第4 8、5 0、5 1、5 3等课都适合这些练习。

三、技术训练过程中要注意的问题:

(1) 技术训练要循序渐进, 不能急于求成, 要缓慢、系统、规律的安排练习。首先要慢练, 这很重要。只有慢练时把握好手指的正确动作、触键方法和训练目的、要领, 才能在快速弹奏时尽善尽美的表达音乐风格。这就要求在慢练过程中必须思想集中, 带着要求练习, 注意音色和音量的变化控制;其次是分手练习, 只有把每只手的每个音都把握好, 每个手指都能灵活运用自如, 合起来才能不疏忽任何一个音符的表现, 尤其许多作品有时右手是难度大的主旋律部分, 有时是左手, 所以必须要分手练才能有更深的体会, 合起来时才能突出作品的主旋律。许多学生不喜欢练这些基本功, 认为太简单太枯燥, 直接就去弹练习曲和乐曲, 结果把音乐弹的音低不齐, 漏洞百出。技术训练一定要坚持不懈, 它是一个长期的任务。

(2) 技术训练有一个量的积累过程到质的变化。初级阶段的学习过程中, 一定要多弹一些练习曲和有一定技术内容的小乐曲, 通过多练才能巩固我们的基本功, 提高演奏技术, 到程度深时就达到了一个质的飞跃, 弹奏大型乐曲才能得心应手。许多业余学生基本功不扎实, 结合技术训练的乐曲弹得太少, 技术能力和音乐理解力都不行, 却急于拔高程度, 为了考级, 弹奏自己驾驭不了的超越自己实际能力的作品, 结果音乐被表现得一蹋糊涂, 学生能力提高不了, 使学生学习钢琴的兴趣逐渐减少, 甚至望而生畏。这是不正确之训练导致的严重后果, 是老师的责任。

(3) 训练过程中选材选曲时一定要有的放矢, 针对性强, 不能一概而论。每个人的实际能力是不同的, 要针对每个人的能力特点选择适合训练的教材。比如有的人连贯性好, 但力度控制力差, 就要多选练力度的练习曲来加强, 而有的人手指张力不好, 要选跨度稍大的练习来解决这一问题, 因材施教非常重要。

综上所述, 我们知道了全面、系统的技术训练, 是钢琴演奏法中的重要课题, 技术训练必须讲究实效, 避免机械的传承, 要注意思维、生理和心理综合训练, 它是在大脑正确判断的控制下, 在敏锐的听觉指导下, 通过常年累月不间断的练习中获得的技术能力。钢琴演奏能力是从属于音乐表现的, 是为一定的音乐内容服务的, 用来表现一定的音乐形象和思维感情的, 不同的弹奏法、指触可以表现出不同音响的音乐风格。要想弹出美妙动听的音乐, 要想成为一名出色的钢琴演奏家, 一定要从弹奏技术的训练抓起。

摘要：要想在钢琴演奏上有一定的造诣, 除了坚持不懈的练习外, 演奏技术的训练是最基础的。本文主要对钢琴演奏技术训练的几个方面进行了论述。

关键词：科学正确的训练方法,训练过程

参考文献

[1]周广仁《.钢琴教学艺术》.中央音乐学院出版社

[2]魏廷格《.钢琴学习指南》.人民音乐出版社

篇4：试析钢琴即兴伴奏基本功的训练

关键字：钢琴；即兴伴奏；基本功；训练

【中图分类号】J624.1

钢琴即兴伴奏就是脱离伴奏谱，即兴为歌曲或乐曲进行伴奏，它要求伴奏者在短时间对乐曲进行理解把握，选择合适的和声、指法等配乐伴奏。这就要求伴奏者有着深厚的钢琴即兴伴奏基本功，对伴奏者钢琴基础、音乐理论以及心理素质都有极高的要求。提高钢琴即兴伴奏能力必须从基本功训练开始，只有扎实的基本功，才能在进行钢琴即兴伴奏时发挥出最好的水平。这就需要在训练时从钢琴基础开始，注重理论学习和心理素质的培养，还要加强现场演练以及创造性思维的培养，使即兴伴奏富有感染力和个人魅力。

一、钢琴即兴伴奏基本功训练的重要性

（一）有利于综合能力的提高

钢琴即兴伴奏必须首先学会音阶、和弦、振音等钢琴弹奏的基本技巧。除此之外，钢琴即兴伴奏还需要良好的歌唱能力以及良好的心理素质。通过钢琴即兴伴奏基本功的训练有利于提高伴奏者的综合能力，培养伴奏者钢琴基本技巧、演奏能力、心理素质。

（二）有利于实际运用能力的提高

通过钢琴即兴伴奏基本功的训练，使得伴奏者能够在拿到乐曲时很好地对其进行把握，并选择合适的和声等进行伴奏，增加了伴奏者钢琴实际运用能力，对以后实际工作有极大的帮助。

二、钢琴即兴伴奏基本功训练存在的问题

（一）忽视钢琴基础训练

毫无疑问，钢琴基础是进行钢琴即兴伴奏的前提，良好的钢琴基础能够促使伴奏者进行更加充分地伴奏。在实际训练中，很多学习者忽视了钢琴基础训练，对钢琴的音阶、和弦、振音等技巧不熟，使得在伴奏的过程中不能很好地运用这些演奏技巧。此外，不重视和弦和指法的学习以及移调的学习，使得在表演中要么快要么慢，使伴奏与乐曲不在一个速度，影响了伴奏的和谐。

（二）忽视理论学习

音乐理论、钢琴理论是钢琴学习者进行良好的钢琴演奏的基础，只有在扎实的理论指引下，才能事半功倍地进行基本功的训练。在实际训练时，发现很多学习者忽视理论学习，一味学习钢琴技巧，这样的训练就等于是“无本之木”，就像“空中楼阁”，没有基础，必然难以持久[1]。

（三）缺乏整体把握能力

当伴奏者拿到需要伴奏的歌曲或者乐曲时，首先要对歌曲或乐曲进行整体的把握，对其风格、感情等进行全方位地分析，然后根据情况进行伴奏。但在实际中，很多伴奏者缺乏这种整体把握能力，在拿到需要伴奏的乐曲时无所适从，不知道如何进行整体的把握，所以在伴奏时便惊慌错乱，扰乱了整体的演唱。

三、钢琴即兴伴奏基本功训练的对策

（一）重视钢琴基础训练

钢琴即兴伴奏对钢琴演奏技术、键盘和声技术以及伴奏能力都有极高要求的综合艺术。因此，在进行即兴伴奏基本功训练之时必须重视钢琴基础训练。首先需要练习正确的弹奏方法，重视键盘能力学习的提高，要求在训练的时候用心、用脑，不要过度进行“机械式”练习，而应该学会思考，用心弹奏；其次是要重视视奏训练，即要加强视谱的正确性以及在演奏时提前看到下一个需要弹奏的键位，并能迅速反应；再者，重视听觉训练，要知道，听觉训练是即兴伴奏的前提，只有听觉好，才能很好把握歌曲，设计伴奏；最后，需要坚持做移调的训练，即将一首歌曲在7个调上进行弹奏练习，熟练掌握基本调和和弦配置，打破固定的弹奏思维[2]。

（二）重视理论知识学习

鋼琴伴奏者在进行伴奏时需要对乐曲的风格、调性等进行先觉把握，然后根据情况进行伴奏设计。如果在伴奏前整体把握的环节出错了，在伴奏时就会出现走调，影响了伴奏效果。所以，在训练的时候必须重视、加强理论知识的学习，在熟练键盘训练的同时，尽量结合基础理论知识，训练时进行实战演练，不能够纸上谈兵。尤其要注重指法和和弦的理论学习和实战演练，在训练时设计一些比较常用的和弦序进行练习，对不同旋律位置上的和弦进行考虑。并且要注意和弦的重复音以及声部进行，掌握和声学对基本要求和规范[3]。

（三）重视现场演奏训练

钢琴即兴伴奏最终是需要进行现场的表演。很多伴奏者在现场表演的时候会出现怯场现象，限制了自身水平的发挥。原因在于在训练的时候没有重视现场演奏训练，心理素质不过硬。因此，在训练之时要经常组织现场伴奏，在人多的广场、或者地铁口进行训练，不仅能够对自己进行心理素质的考验，还能够培养自己集中注意力。

（四）培养创造性思维

钢琴即兴伴奏是一门创造艺术，是伴奏者在对乐曲进行整体把握之后，自己进行的伴奏设计。因此，需要培养自己的创作性思维。在拿到乐曲之后，根据乐曲的特点，按照自己对乐曲的理解进行有想象力、创造性地设计，可以抛弃乐曲原本的风格，使其更加富有感染力。在训练时，要充分发挥自己的想象，对同一首乐曲进行不同风格的伴奏，使即兴伴奏更具创造力。

（五）注重乐曲的整体把握训练

对乐曲的整体把握是伴奏好坏的前提。只有对乐曲从整体上进行良好把握，理解作品风格、感情、节奏等，在伴奏时才能更好地设计。所以，在即兴伴奏基本功的训练上，必须注重多乐曲的整体把握训练，通过大量地听曲、看曲，在心里对乐曲进行分析，进行伴奏设计，形成一套属于自己的乐曲把握方法。

结束语

钢琴即兴伴奏是一门综合艺术，对钢琴基础、理论素养、心理素质等都有极高的要求，同时也是音乐专业必须具备的基本技能。钢琴即兴伴奏的学习不是一蹴而就的，需要不断进行加强训练。伴奏者要加强钢琴基础的训练、重视音乐理论素养的培养以及加强心理素质的训练，将所学知识进行融合，发挥出具有想像力、表现力、富有个性的音乐。钢琴即兴伴奏只有通过不断的基本功训练，才能不断提高，从而使伴奏艺术更富感染力。

参考文献

[1] 黄燕林.从熟能生巧到瞬间反应——谈钢琴即兴伴奏的特点和基本功[J].北方音乐，2013，7（1）：94-95.

[2] 赵娟.调式、调性、织体弹奏的基本功——评《简谱钢琴即兴伴奏教程》[J].当代教育科学，2015，8（15）：11-12.

篇5：基础钢琴教学的节奏训练

节奏是音乐的骨骼，是构成音乐的第一要素。节奏可以脱离旋律而存在，旋律则不可能脱离节奏而存在。节奏是音乐的生命，是音乐生命力的源泉。只要我们注意学生的实际特点，从节奏入手，充分挖掘教材资源，利用学生的生活经验，把音乐与生活充分结合，使音乐更贴近学生的生活实际，基础钢琴教学的开展会更加顺利。论文关键词：节奏教学,元素性,无限性,任意组合

这几句看似平常的话包含着丰富的内容，解读其中的含义，是正确理解元素音乐精髓所必需，也是基础钢琴教学的节奏训练应该掌握的。

所谓元素性就是将音乐这种多因素集合的艺术还原成最初始的状态；也就是还原成，音高、音色、音强和音值等原始素材。不难看出，奥尔夫这样做的目的是为了简化学习难度。在所有的艺术形式中，音乐是技巧最难的艺术，特别是素有乐器之王称为的钢琴。如果不能贴近学生的生活、简化教学方法、降低教学难度，用学生最熟悉的方法学习，要想取得良好的学习效果是不可能的，也就必然形成学生喜欢音乐但又不想学钢琴的现象。

元素性音乐是综合性的。应该包括音乐学习的各个方面，基本知识的学习、节奏读谱训练、技巧练习等等都可以将其还原为最初始的状态，用学生最熟悉、最简单的方法来学习。

这一线索，可以给基础钢琴教学的节奏训练提供一个完整的教学思路。

节奏和人的生命有着本源的联系，“人无不具有天生的节奏才能，只要加以诱发、培育、进而为音乐所用”。（2）无数的音乐教学实践已经证明，从节奏训练开始是一条捷径，可以用最少的教学时间取得最大的学习效果。原因就在于它最贴近学生的实际，是学生最容易掌握的方法。

在自然界和人生活中，无不存在着各种节奏，这些都是音乐产生与发展的基础。一旦生活中的各种声音按照节奏和声律的要求组合就是音乐艺术出现的时候。只要将音乐中的节奏还原成生活中的声音，变成学生所熟悉的，节奏训练就简单多了。行走、拍手、儿歌等学生熟悉的行为方式都可以作为训练的手段，让学生用身体动作体验音乐、体验节奏，并以动作表现独特的音乐体验为基础，培养对人体极为重要的节奏感，培养学生动作的协调性，建立身心的和谐，使感情更臻细腻敏锐，激发想象力，能够有效地促进各方面的学习。音乐中的节奏组合是无限的、也是任意的，体会和掌握节奏组合的基本规律是训练中必须考虑的重要问题。分析节奏组合的规律，有几个问题是其中的关键。

用数学的观点分析，节奏组合是矩阵的表现形态，其中的任何一个元素都可以看作是一个变量。如时值的分解，每一种都是新的变量，只要增加一种变量，其组合形态就呈现出倍数的增长。换句话说，一元一次方的组合形态为一，而二元二次方的组合形态为四，三元二次方的组合形态为八，三元三次方的组合形态为十六，……。所谓任意的也就是说，只要是能够准确表达人的思想感情任何节奏的组合形态都是可以使用。可见，节奏组合的基本要求是合情，其次才是合理。

节奏的组合形式的时值关系是倍数，也就是倍加或是倍减。学生在学习中的种种困惑，都是因为对节奏组合的倍数关系了解、认识不够充分所致。了解了组合的基本规律，可以给学生提供一个合理的、能够尽快掌握节奏练习的方法的思路。初学时，学生往往容易将节奏的速度和时值两者混淆，容易读的节奏谱不由自主地加快，而不易读的节奏谱又放慢了速度，很难体会到乐曲的整体速度，增加了学习的难度。因此，练习初始就应该训练学生正确把握节奏的时值，使他们充分认识在单位拍中，不管是那种时值的音符构成，在一拍中它们所占用的时间是一样的。通过不断地训练，提高他们对节奏的把握能力，并逐步内化为内心的节奏感觉。

节奏的表现形态是多种多样的，其中和人的生活最接近的是四分、八分和十六分音符。其他的都可以看作是这三种音符的变体，都离不开这三种基本的节奏形态，都是时值的延长、音符时值的拆解和组合。如：用走、跑、快几个学生熟悉的字代表不同的节奏即形象又能够准确地表达乐谱的含义。

例： 2/4 走 走 ∣ 跑跑 走 ∣ 快快快快 快快快快 ∣ 跑跑 走 ‖

用学生熟悉的一二一走步训练形式，让学生掌握四分音符的时值和四二拍、四四拍的节拍感觉。这是训练的开始，也是训练时必须把握的一个问题。二拍、和四拍是人生活中最常见的，学生从学习走路开始对一二一就十分熟悉了，当然也就更容易掌握了。

训练时，要把身体的协调能力和内心节奏感的培养统一起来。钢琴演奏是身体的高度协调，包括思维和动作的协调、双手之间的协调等。有人形象地说，演奏器乐是二次反映，和人的一次反映有着明显的不同。训练伊始，就必须将学生思维和动作的协调性作为训练的重要内容加以重视。如用不同的动作来表现不同的声部，表现不同的音符时值。具体的做法可以采用脚代表基本节拍（四分音符或是按照具体的节拍形式约定），手或是用声音代表音符的具体组合形式，达尔克罗兹的体态律动教学法、奥尔夫的声势教学法给我们提供了很好的借鉴，基础钢琴教学的节奏训练应从中吸取有益的养分。

需要注意的是，三拍子的教学必须引起教师的足够重视。在日常生活中我们很少见到由三拍子组成的表现形式，学生掌握起来也比较困难，按照一般的教学方法很难取得实质性的教学效果。奥尔夫的节奏朗读法给我们提供了有益的借鉴，用儿歌朗读进行语言节奏的体验，提取其中的节奏基石。把儿歌的语言作为音乐发展的基础，从语言活动的组成、强弱、音高模式和节奏活动来学习的概念，这对儿童来说是一个最自然的过程。

例：小小 饺 子 ∣ 两头 尖 尖 ∣ 两头 尖 尖 ∣ 像 小 船∣你吃 一大 碗 ∣ 我吃 一大 碗 ‖

艺术的民族性源于不同的生活环境和生产、生活方式，不同的民族音乐也有不同的节奏表现形式，这是节奏训练需要注意的另一个问题。随着学生的学习程度的不断提高，应该有意识将这一问题作为教学内容逐步向学生传授，提高学生对音乐中节奏的理解，丰富他们的音乐表现力。从音乐艺术的起源与发展来看，音乐艺术的发展和成熟其中一个重要因素就是声音的节奏化。由于生产和生活环境与方式的不同，必然产生不同的审美欲求和审美标准。从自然界与生活中提取的节奏元素千差万别，不可否认的是，任何事物都必须遵循从简单到复杂的过程。尽管音乐中的节奏繁复多样，其实都可以根据从简单到复杂的线索还原成最初的基本元素。如果不能正确理解这一问题的关键，不能将复杂的教学内容简化，增加教学的复杂性与难度就成为必然。

人在不同的年龄阶段，认知能力和认知水平有着明显的区别。年龄越小认知能力水平和思维形式的形象化特点越突出，教学方法和手段的生活化、形象化要求也越高。换句话说，也就是教学效果和教学手段以及教学语言的生活化程度高度相关。音乐是非具象化艺术，专业化的教学语言对初学者特别是年龄较小的初学者来说，由于认知水平和思维形式所限，根本不可能准确理解。因此，只有学生最熟悉的、最生活化的语言和手段才是他们最容易接受和理解掌握的。

当学生有了一定的节奏训练基础后，要及时深化节奏的教学内容，可以要求学生边听音乐边用身体动作将音乐节奏模仿、表现出来，引导学生使自身体动与音乐律动和谐吻合，利用整个身心体验音乐流动的脉搏。同时，还可以将模仿、接龙、重组等具有培养学生创新思维活动的节奏训练引入教学，增加训练的音乐性和趣味性，拓展学生的思维能力为他们今后的学习做好铺垫。

篇6：钢琴基础教学中的手腕训练

在钢琴演奏中，只有手指、手腕和手臂三者完美结合、协调运用才能弹奏出优美动听的音乐。古往今来，不少教师和学生无不把手指的独立、灵活、有力、均衡和手臂的放松等方面作为重要的训练和学习内容，而且投入大量精力精心研究。本文则着重探讨手腕在钢琴弹奏的作用，以及在训练过程中容易出现的问题和解决方法。

一、铜琴演奏中手腕的作用

手腕是连接手臂、手指以及将臂部所发出的力量传送到手指的桥梁，是协调手部与臂部动作的重要纽带。没有手腕的参与协调配合，而仅靠十个指头的积极活动，是不可能具有现代意义上的完美演奏。正如俄罗斯钢琴家阿?尼古拉耶夫所说：“我们必须记住，手指技术是完全靠手腕灵活来决定的。”

在钢琴弹奏技巧中，不同时代有着不同的演奏风格。古典乐派强调的是：手指在独立、快速的跑动中，颗粒性强而均匀、音色清晰明亮。在这种弹奏方法中，手腕始终起着支配手指的运动方向、调节手指活动幅度、保证手指各种动作的轻松自如的作用。例如莫扎特的《C大调简易奏鸣曲》(K545)第一乐章。在浪漫派的钢琴作品的演奏中，要使旋律线条更富感染力、准确刻画出内心变化的感情色彩，手腕则起着调节手指、手臂及整个躯体的协调作用。如柴科夫斯基《六月――船歌》。在印象派、现代派以及通俗钢琴作品的演奏中，如若没有手腕的参与协调，就无从谈起对其音乐风格的把握和音乐的表现。在自然重量弹奏法中，手腕的作用在于支撑着手臂乃至躯体的自然重量畅通无阻地通过指间传送到琴键，根据不同音乐风格所需的不同音响，调节手指与琴键的高度、角度、速度，调节重量传送的大小等。

总之，手腕在整个钢琴演奏过程中，所起的作用概括起来有两点：(一)支撑；(二)调节。赵晓生先生在其所著的《钢琴演奏之道》中称其为：力量的“中转站”和“调节器”。

二、手腕的训练

(一)连奏中的手腕动作

连奏：不间断地、连贯地奏出旋律中的每一个音。连音奏法的关键是力量的转移。在弹奏中要使手臂放下的重量从一个手指移到另一个手指上，手腕起着“送”的作用。

1．单音连奏中的手腕动作

单音连奏的训练应先从两个音的连奏开始，其基本弹奏方法是：弹奏第一个音时，手臂落下，手指站稳，手臂和手向外向上(向里向下)的动作“滚”起来，把弹奏第一个音时的力量“送”到第二个手指上(这里的“滚”就是指手腕把力量“送”过去)。

在掌握好二音连奏的基础上，然后再进行三个、四个等多个音的连奏练习。

2．弹奏音阶的腕部动作

音阶弹奏是各种演奏技术的基础，当其沿着一个方向进行时，腕部即向手指运动的方向倾斜，并带动手指沿着音阶的前进方向进行弹奏。因此，腕部姿势的变化是能否弹好音阶的关键所在。

3．弹奏琶音的腕部动作

琶音：有长短两种。①短琶音的训练可以采取先将手型固定下来，用重量先将第一个音弹下去，以后三个音(或两个)在手腕的支配下使手平滑地沿着键盘移动，手腕逐渐提起：

②长琶音的训练则是在短琶音的基础上加以转弯动作，手臂带动腕部移动。

4．固定音型的手腕圆形动作

①手腕从左至右，由上向下的圆形练习:

②手腕从右至左，由上而下的圆形练习：

(二)断奏中的手腕动作

断奏：是指间断地、单个奏出每个音的演奏方法。在钢琴弹奏中，手腕始终处于主导地位，起着承上启下的作用。

1．单音断奏的手腕动作

对于初学者来说．首先学习前臂断奏弹奏，然后再学习手腕断奏。具体做法是：先做徒手练习，将前臂抬起，手腕放松，手部自然下垂，手指弯曲，然后前臂自然落下，手指支撑，使手腕达到富有弹性的上下运动。在掌握其正确的弹奏方法之后，然后再进人乐曲的练习。

2．双音与和弦的断奏

双音断奏：弹奏双音时，手腕的弹性和灵活性尤为重要。以布格缪勒的《儿童联欢会》为例：弹奏此曲的要求是，右手的手指站稳、手腕灵活、富有弹性，腕关节轻松自如地上下活动。

和弦断奏：弹奏和弦时，手腕必须做到坚挺与弹性的结合，如同弹簧一般具有柔韧性和爆发力。训练方法是：先将手指按在键盘上，手臂放松，手指各关节站好，掌关节、指关节不能塌陷，借助臂力使手腕由轻到重、由慢到快上下进行活动，使其具备支撑和弹性调节的双重功能。例如：在弹奏贝多芬《“热情”奏鸣曲》第三乐章时如果手腕僵硬，弹出的声音就会粗暴、僵死，很难把握乐曲的风格与情感。手腕疲软，弹出的声音不仅缺乏力度，而且还会含糊不清，就像一个口齿不清的孩子表达不出自身的要求一样，让人无从理解。

3．八度训练

八度是钢琴弹奏中较难掌握的一种技巧，尤其是在快速的八度弹奏中，手腕的问题显得异常突出，很多习琴者过早地产生疲劳感，其主要原因是手腕、手臂放松不够，手腕不具爆发力，对指端的力度、速度、重心调节反应不够敏锐。因此，在训练中要把握好以下几点：①把握好手型，手掌、1、5指构成一个结实的架子，这个架子结实但不僵硬，放松但不松软，1、5指扣在键盘上构成八度的两个音，手掌自然打开呈拱形状，下键时，指间的关节和肉垫承担起手臂下垂的重量。②手腕的颤动练习，在弹奏之前做一些辅助练习，如：拍皮球，可帮助腕关节灵活、放松。③由慢至快的八度练习。

以上八度练习，节奏由松至紧，速度由慢至快。弹奏时，应把重量放在主要的音符上，小音符则靠手腕自然颤动的力量进行弹奏，手腕自身有控制的“颤抖”能力越强，肘部、大臂乃至全身放松的可能也越大。以李斯特《匈牙利狂想曲第六首》中快速连续八度为例，手腕坚实地支撑，将下臂和手腕动作以不同的比率混在一起，依靠其自身的爆发力，在极小的动作幅度范围内精确地把力量集中在手掌上,手腕仿佛不离开键盘，并以最快的速度传递到由1、5指构成的八度架子上，就可把这一技术片段弹奏的干净利索、轻松而准确，从而获得朗诵般的效果，这就是李斯特八度的典型特征。

篇7：学习钢琴需要几个阶段的训练

学习需要以下几个阶段：

1． 慢速训练：没经过调整的学生大多心态浮躁，以上琴就想弹出完整的乐曲，恰恰这种心态会成为学习的障碍，心态急躁弹琴就不细心，就容易出现错误；急躁容易在弹琴时肌肉紧张，使弹琴的动作不自然，造成肌肉僵硬，反而弹不出快的速度；急躁心态就不静，就很难形成弹琴的良好状态。所以在初学弹琴时，首先注意的就是慢速的问题，是学琴的基础。另外在学到一定程度时，学生容易出现浮躁的现象，自认为已经具有一定的程度了，人就容易变得轻浮，这时的主要特点也是慢不下来，慢速练习应该一直贯穿学琴的始终。只不过随着程度的提高，用于慢速练习的时间可以减少。慢速练习时形成弹琴状态的基础，学生出问题的大部分原因就在于没有慢速练习。

2．大声数拍子：慢速练习有一个弱点就是速度慢下来的同时，学生容易没有精神，注意力不集中甚至昏昏欲睡，那么大声、兴奋的书拍子可以避免以上的问题发生。同时由于节奏在学琴初期比较难掌握，不象音符和指法那么直观，经常是节奏错了也不知道。而数拍子可以达到节奏基本上不错，而且因为数拍子可以有效的控制学生的情绪状态。

慢速和数拍子就象是空调器一样，用来调节学生练琴时的情绪状态，过于兴奋就用慢速来调节；过于懒散就用大声数拍来调节。3．动作标准：通过连、断、跳的动作训练可以达到掌握基本演奏方法的目的，统一的动作标准一方面可以时弹琴的声音取得一致，另一方面可以达到调节和控制情绪的作用。人的情绪是多变的，每一天的情绪都不一样，情绪的变化就会影响弹琴的效果。比如：情绪兴奋时人的动作就会加大，弹琴时也会如此，而情绪低落时人的动作就会减小，同样也影响到弹琴的动作。如果不对学生的弹奏动作进行标准的训练，那么学生由于情绪的影响就会出现动作飘忽不定，从而使弹奏的声音也不停的变化。所以动作标准的训练可以使学生摆脱情绪的影响，达到稳定声音的效果。

4．手腕稳定：表面上看手腕稳定是一个技术练习，就是手腕不动。实际上手腕稳定的练习时最重要的。首先手腕的稳定可以使手指独立的运动，从而取得快速演奏的能力。另一方面就是演奏状态的问题，专业的演奏状态就是极投入和认真的状态，学生要想达到手腕的不动就需要平心静气，注意力集中，而这就是我们所要达到的目的。也就是说手腕稳定的主要目的是让学生达到认真、投入的演奏状态。手腕稳得练习是最重要的，通过稳定不仅可以取得技术的能力，同时也为音乐训练打基础，当学生以极其认真的神态弹琴时手腕稳的目的就达到了。

5．音乐语汇：既然音乐是一种语言，就需要教师把学生所弹奏的乐曲以语言的方式讲解，让学生明确每一个乐句、每一个音符的语气和情绪，并指导学生根据乐曲的内容在弹奏中加入各种语气和情绪。这种练习是需要教师有较高的音乐修养，并对音乐内在的表现方式十分了解，否则是无法对学生进行语汇训练的。

6．语气训练：音乐是一种语言，而语气就相当于音乐感，语气的训练就是要让学生把弹琴变为说话一样，要有明确的说话对象，每一个音符都说得很明确、很清楚。这是音乐训练的第一步。

7．综合演奏能力：动作标准的训练会使学生在弹琴是具有一定的技术痕迹，会对自如的音乐表现造成一定的影响，所以在进行音乐感训练时一定要放弃所有的技术动作，一切以音乐为目的，手臂的动作仅仅是音乐表现的一种手段，不能成为障碍。这是学生会根据音乐的需要自由的加入一些手臂、手腕的协调动作。并开始把演奏乐曲当作是一种自由的情绪发泄。

在余下的事情就是等待真正的、无法形容的音乐来打动她。通过以上的训练过程可以看到，技术只是阶段性的需要，当学生学到一定程度时必须抛开技术痕迹，否则就会影响弹琴。既然如此，不练技术行不行呢？我给大家讲一个故事吧。

篇8：钢琴初学者的基本技能与训练

钢琴教学实际上是对学生大脑思维、意识理解、心理感应、技能技巧的综合训练, 任何一首乐曲都是通过音色、音符、速度、节奏来表达音乐内容的, 是综合能力的显现, 对乐曲的思维理解、演奏都要通过技能和技巧加以表达, 没有深厚的技能, 理解的再深、再透也难于转变成优美、舒展、流畅的乐曲。

一、要在放松的状态下弹奏钢琴

钢琴初学者都会遇到手指僵硬、腕关节下沉、五指难伸展或过度放松, 缺乏力度、速度的问题, 前三者的情况都是紧张情绪造成的, 学琴者对钢琴的不熟悉造成紧张, 对授课教师的不熟悉造成紧张, 急于求成的心态也容易引起紧张情绪, 从而引起肌肉的收缩和僵直, 结果手指过于僵硬, 弹出来的音色就死板, 缺乏灵活性, 这样既影响弹奏速度, 又难以表达优美舒展的音乐内容。放松的基本条件, 首先就是要求坐姿、手型都要处于自然放松的状态。因为每个人的生理条件各有差异, 因此坐姿和手型也不是一成不变的模式, 但目的都是要充分发挥手指、手臂、身体的积极性, 形成一种自然放松的状态。良好的坐姿必须保证手臂、手腕能够自然活动, 以腰部、双腿为支撑点, 使腰能挺起来, 双腿稳固支撑, 而不是将全身的重量都压在双腿上。

有的学生在弹奏钢琴时, 肩部凸起, 或者手臂过于紧张夹住, 这都会使弹奏紧张而僵硬。手臂要处于自然放松的状态, 手腕才能有相应的松弛, 双臂要象拿一本书那样微微张开, 腋窝有空气流通的感觉, 手指牢固支撑, 使手臂的重量充分落在指尖上。另外, 手腕与钢琴黑键基本持平, 也是保证放松的关键所在。

我在长期的教学中也总结出, 在手臂、手腕的自然放松状态下, 手型的关键是关节, 包括了第一关节和掌关节。只有手指第一关节的牢固支撑, 才能保证手指能够灵巧的弹奏。掌关节就好比“桥梁”一样, 起着平衡、支撑的作用, 掌关节在弹奏过程中必须要凸起, 发挥其带动手指跑动的作用。第一关节与键盘就好比“衣服钩与挂在上面的衣服”的关系, 要想使弹出的声音悦耳, 有颗粒感, 手掌就必须牢固支撑, 强调第一关节的作用, 如果掌关节凹陷, 手指就会失去平衡性和灵活性, 力量不能落到指尖, 弹奏也就出现僵硬状态。

二.音阶和琶音的弹奏技巧。

1. 音阶的弹奏技巧。

音阶弹奏是最基础和常用的技巧之一, 弹奏音阶最重要的就是流畅性、颗粒性和清晰性。要掌握触键快, 手指下键有爆发力, 指尖与琴键的角度成垂直状, 音与音之间有相对空隙, 利用指尖反弹的力量发出结实而清脆的声音。在弹奏巴洛克风格、古典风格、浪漫风格等时期的作品中, 尤其是在连续的快速音群中都会遇到这种颗粒性的弹奏方法。颗粒性触键也是钢琴最具特色和魅力的基本触键方法之一, 作为钢琴弹奏的一种基本功, 这种弹奏方法是每一位钢琴演奏者首先要掌握的。

要达到清晰透明的颗粒性效果, 在练琴时就要做到高抬指, 手指起、落要清晰明确, 弹奏时手掌略向内收拢, 手指第一关节要稳固而有弹性, 触键速度要迅速和轻快, 使音与音之间在力量上有充分的联系, 出来的声音结实而不漂浮, 有力而不疲软, 流畅而不僵硬。同时, 手腕还要根据不同走向采取与之相适应的力量传送方向, 保持弹奏均匀而流畅。

2.琶音的弹奏技巧。

琶音弹奏也是一个重要的技巧, 在许多流动而连贯的音乐旋律中广泛应用。弹奏时大拇指的转换与手腕的转动要自然而平稳, 使旋律均匀流畅。不少学生在弹奏琶音时, 由于大拇指的转换不好, 出现不平滑现象, 原因大都是因为太多用手腕下压琴键造成的。正确的弹奏是, 大拇指在穿越前要提前作准备, 在手腕的自然带动下, 在手掌内快速的转移, 有准备的稳稳弹好。只有大拇指解决好, 弹奏琶音才会流畅自如。

三.掌握科学的练琴方法。

1.慢练的方法。

我国著名钢琴家赵晓生说过“慢练是克服一切技术障碍之本”。钢琴初学者, 常会出现手指不听话, 手指跑过头而无法控制的现象, 这时慢练就起了非常重要的作用。在慢速练习中, 手指可以充分的自由挥动, 同时可以注意到乐谱上的各种音乐记号, 做到规范而准确的演奏。在拿到新的钢琴谱后, 放慢速度练习每一乐句, 做到有思考、有准备、有目的的弹奏, 使技巧与音乐表现有机的统一起来, 熟练后再逐渐加快速度, 最后能弹奏出一首流畅完整的曲子, 这也提高了练琴效率。

2. 重难点的专门练习。

无论什么样的曲子, 都会有技术上相对难的地方, 使学琴者在弹到那些地方时心理就会紧张, 出现打节, 达不到要求。这个时候, 最好的办法就是将弹不好的重难点分离出来, 有针对的反复练习, 这也包括了开始必须的慢练, 熟练后再加到曲子里完整的弹奏, 这时就能体会到之前的打节处能流畅的弹奏过去了。

篇9：谈谈钢琴基本功的教学和训练

俗话说：“台上一分钟，台下十年功”，这句话体现了钢琴学习者需要一个长期艰辛的学习过程才能具备扎实的基本功和弹奏水平。对于音乐学院教学来说，钢琴课程的基本功训练对于任何一个钢琴学习者来说都显得尤为的重要。只有以扎实的钢琴基本功作保障，学生的钢琴学习才不能犹如空中楼阁，今后才可以高质量的胜任音乐教师的教学工作。可以说钢琴基本功练习伴随着钢琴学习的始终，是必须强调的一个重要环节。

一、技能技巧训练

（一）读谱与背谱

对于初学钢琴者来说，读谱是一件较为头疼的事情。解决这一难题需采取的办法是让学生在接触新作品时，首先准确无误的读谱并认真弹奏，熟练后再背谱的教学方法，这样对他们的视奏能力也会有较大的提高。背谱的时候应先把谱子研究透再背谱，背谱以后才能够全身心地集中精力投入演奏，因为背谱太早容易忽略掉作品当中的很多要求，如：表情记号，乐句的划分，错音的出现等。

（二）基本演奏技巧

1.基本技术练习。用著名钢琴家涅高兹的话来说：“在钢琴演奏中手指是前线的战士，是声音的制造者，是钢琴弹奏的直接创造者和钢琴家意志的执行者”。而要拥有这样的手指必须要有良好的手指基础训练。法国的著名钢琴家玛格丽特·朗用自己的切身经验指出：“五个手指的机械训练对我是一把打开一切技巧之门的钥匙。”通过上述事例让我们认识到，手指的基本技术训练是钢琴学习中的重中之重。那么，基本技术的训练主要是指音阶、琶音及和弦的练习。作为音乐专业的学生，是已经具备基本钢琴演奏基础的了，但其基本功不是十分扎实，在跑动、跳动的过程中明显的表现出跑动不均匀，手的支撑感差的现象。比如：关于琶音的练习。在实际教学中，琶音的练习是从分解和弦的练习开始的。在弹奏时手指要注意很好的支撑，尤其是四指、五指不能凹进去。在弹奏的时强调注意手臂重量的转移。

2.钢琴伴奏的训练。“钢琴伴奏”在声乐、器乐的演唱演奏中占有十分重要的位置，是演唱演奏不可缺少的组成部分，它包括声乐伴奏、器乐伴奏、合唱伴奏、舞蹈伴奏、体操伴奏，以及乐队合奏里的钢琴部分等等。在伴奏的训练中，我们要注意无论是声乐伴奏还是器乐伴奏要将其声音融为一体，共同作用于所要表现的内容和所要达到的效果，作品的意境和演奏才可能得到完美的表现。因此，钢琴已成为目前最常使用的伴奏乐器。

3.舞台实践。艺术实践是对教师教学水平和质量的检验，也是对学生学习结果的考核，它作为钢琴教学中一个必不可少的环节，对学生的综合能力培养起着至关重要的作用。通过不同规模和形式的实践演出，对于丰富学生的舞台经验、提高学生的应变能力有着不可替代的作用。因此，钢琴教学中教师应该鼓励学生多参加艺术实践活动。舞台实践是钢琴教学中一个必不可少的环节，对于音乐院校的在校学生来说，舞台实践的机会较少，通过不同规模和形式的艺术实践，对于丰富学生的舞台经验、提高学生的应变能力都有着不可替代的作用。在此，加强学生的心理素质、表现力和驾驭舞台的能力显得由为重要。对于舞台实践在准备过程中应不断地练习和体会以达到提升自己技术、感染力和心理承受能力的目的。教育实践和舞台演出应该始终贯穿到我们在整个钢琴教学的过程中。

二、提高准确把握作品的能力

对音乐基本功许多钢琴学习者很容易走入误区，认为弹钢琴只要弹出声响，把乐谱上的音符分毫不差地弹奏出来就可以了，至于作者的创作内涵及作品思想感情的表达，那就是听众理解的事情了。这种错误的理解使之钢琴学习者变成一个没有思想与情感的“钢琴匠”。作为钢琴演奏，除了要有扎实的演奏基本功还要具备完美地表达作品的能力，只有演奏的作品带有强烈的感情色彩才能感染听众。

（一）对作品进行理解

一首钢琴作品在弹熟练以后，需要进行更深入的处理和理解，这是由技术向情感转变的过程，是赋予作品以生命的过程。在这一过程中的首要任务便是对作品的分析，其内容包括:写作背景、作品风格、主题内容、调式调性、曲式结构等。在这个阶段，千万不要怕花费时间和精力，正确地把握住作品的风格特点，是完美的表达音乐的前提，也只有把握住了作品的风格特点，才能使得演奏具有艺术的张力。

（二）控制力度和划分乐句的能力

句子弹得轻还是重都是相对的，这就是音乐的幅度。要学会音与音的衔接，渐弱是一种衔接，渐强又是另外一种衔接。要学会如何在乐曲中做好渐弱和渐强的力度变化是一项很重要的基本功。要让学生注意弹的这个句子是否正确，就要多“动耳”，在分析整个段落的同时，分辨旋律与和声的走向。乐句的划分与人的呼吸、文学的句子很相似，在基本按照简单的连线划分乐句的同时，还要多角度根据旋律走向，乐曲内容的表达，乐句与乐句间的关系及传递，正确的划分和演奏。有时有些连线是作者习惯于弦乐的方法而标，并不一定是一个完整句子的表达。所以音乐要理解成一条流动的河流，要跟着它走，这种音乐才是引人入胜的、才是鲜活的。

（三）强调思想感情的表达

众所周知，音乐是用音乐的语言来表达思想感情的，正如我们说话一样，也要有抑扬顿挫，陈述、惊叹、疑问等语气。演奏者一定要明白使用何种语气语调来表达作品的内涵及作者的情感。首先应加强对音乐乐句的语气的强调和语态的扩张，以说话、朗诵、歌唱、戏剧表演的姿态去演奏。演奏中语气平淡，语调平白，语态不鲜明，说明对音乐中每个乐句的内容和含义缺乏感受、想象和理解，成为只动手指不动心脑的“机械式”演奏状态。一定要注意乐句开端的明确性，过程的鲜明性，趋向的目的性，高点的强调性和收尾的合理性。演奏者要尽可能的对音乐作品的内涵进行想象和挖掘，演奏时心灵深处要有丰富的感情内容的倾注，音乐才具有感染力，不能为演奏而演奏，一定要真正做到“琴心合一”。

（四）加强声音的控制力

音乐作品为了极为准确地刻画音乐形象，表现意境，作曲家多数会用各种和声等形式或特性音符表达自己的创作意图。所以，在给学生讲解和示范作品时，应注意弹奏作品手指落指的轻重，要让他们注意每个声部的层次划分和音乐形象的鲜明性以及背景音乐在作衬托时的清楚而不嘈杂的表现等。要时刻注意音符的颗粒感与清晰度，音符不清晰，就会造成浑浊、杂乱的音响效果，进而影响人的听觉感受，甚至产生莫名的烦躁与不安，使欣赏者不能很好地容入内心情感的欣赏作品。我们在对演奏者的表情处理时需要注意，表情动作的训练会使学生在弹琴时带有一定的技术痕迹，会对自如的音乐表现造成一定的影响，手臂的动作只是音乐表现的一种手法，不要成为障碍。学生要根据音乐的需要，自由的加入一些手臂、手腕的协调动作，并开始把演奏乐曲视作是一种美妙的情绪表达，这时才可以称得上真正意义上的钢琴演奏。

三、结语

随着时代的变革，钢琴教学的不断发展，钢琴教师们必须与时俱进、大胆探索符合音乐学院钢琴教学自身特点的教学模式。既要注重学生钢琴基本功的教学和训练，更要着眼于提高学生的整体素质，提倡德智体美全面发展，为社会培养更多更好的钢琴艺术人才。

[1]刘沛.音乐教育的实践与理论研究[M].上海：上海音乐出版社，2004.

[2]伍雍谊.中国近现代学校音乐教育[M].上海：上海教育出版社，1996.

[3]姚思源.中国当代学校音乐教育文献[M].上海：上海教育出版社，1999.

篇10：钢琴训练步骤

初级阶段：

初学钢琴，可用拜厄《钢琴基本教程》。汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材：这阶段主要是学习用手臂重量弹琴，学会手指支撑手臂的重量。运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法：主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》（599）《钢琴简易练习曲》（作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849)；巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》；《小奏鸣曲集》；布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。这阶段学习的内容，是演学生在上一阶段的基础上，进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。巴赫作品中复凋的训练，对学生来说是一个新的课题，弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲，可以丰富学生的音乐表现能力。

中级阶段:

常用的练习曲有车尔尼的《钢琴快速练习曲》，(作品299)、《钢琴练习曲50首》(作品740)，克拉莫的《60首钢琴练习曲》。复调作品可用巴赫的二部、三部创意曲、《法国组曲》、《十二平均律钢琴曲集》中一些较容易的作品。大型作品可以从海顿、莫扎特、贝多芬、舒柏特等作曲家的奏鸣曲中挑选一些程度较浅的作品来学习。乐曲方面又可从格里格的《钢琴抒情小品选》、门德尔松的《无词歌》、柴科夫斯基的《四季》、肖邦的《圆舞曲》、《波罗涅兹舞曲》、《夜曲》等作品中挑选。

高级阶段:

选的教材面就可以更宽了，大部分实际上已经是音乐会曲目了。

练习曲方面，常用的有：克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、肖邦、李斯特的《练习曲》。

篇11：钢琴基本技术训练的论文

论钢琴音阶、琶音、和弦的训练问题

姓 名： 隋 雪 莲

系 别： 音乐学院

专 业： 音 乐 学

学 号： 061011073

指导教师： 王 敏

2010年05月10日

商丘师范学院2010届本科毕业论文

目 录

摘要„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ Abstract„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„Ⅱ 前言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

一、重要性„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

二、训练方法„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

（一）慢练为主结合变速练习„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„1

（二）分手练„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2

（三）高抬指与贴键相结合„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2

（四）指法上的相同点„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2

三、触键与音色„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„2 参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3 致谢„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„3

I

商丘师范学院2010届本科毕业论文

论钢琴音阶、琶音、和弦的训练问题

摘 要

在论述钢琴的音阶琶音时我主要从重要性、训练方法、触键与音色这三个方面去进行详细的分析。让大家正确认识学习音阶、琶音、和弦的意义和作用，用正确的方法进行练习，打好钢琴演奏的基本功，才能轻松愉快，得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品。

关键词

音阶；琶音；和弦

On the piano scales, arpeggios, chord training issues

Abstract

Scales arpeggios in the piano when the paper I mainly from the importance of training methods, touch keys and the sound of these three areas to conduct detailed analysis.Let everybody understand the study scale, the four stringed instrument sound, the chord significance and the function correctly, Carries on the practice with the correct method，Hits the piano performance the basic skills，Can relaxed happy，Plays each kind of high difficulty handily the artistic work..Keywords

Scale;arpeggios;chord

II

商丘师范学院2010届本科毕业论文

前 言

对法国教育家哈农所著的《钢琴练指法》有着这样一句著名评述：“他是钥匙，是我们打开音乐圣殿之门的钥匙。”如今，学习钢琴是如此普遍，好的钢琴家越来越多，以致人们对平庸的钢琴演奏已经难以接受。所以，在哪怕是业余演奏会上弹奏一段一般难度的曲子，也要学上十年八年才行，然而，能够投入这么多年工夫来学这件乐器的人并不多。因此，由于功底不够，人们弹钢琴时经常动作不和规范或方法错误。凡弹奏有点难度的经过音群时，总是左手生涩，第4指和第5指几乎起不到作用，由于缺乏特别的练习，他们总比其他手指弱。在遇到八度进行，震音或颤音时往往十分勉强、疲劳，这样的演奏就不和章法，毫无表现力。我们在弹奏钢琴时都会遇到一些技术方面难以弹奏的问题。钢琴中音阶、琶音、和弦等技巧是钢琴的基本技术，也是人们常常说的“基本功”，是钢琴学习中最为重要的内容之一，但是不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣，没有予以高度重视，以致在音乐学习中遇到越来越多的技术障碍。所以，只有当你正确认识学习音阶、琶音、和弦的意义和作用，并用正确的方法进行练习，打好钢琴演奏的基本功，才能轻松愉快，得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品。

一、重要性

伟大的钢琴教育家卡尔•车尔尼有一句名言：“如果你问我，怎样才能成为好的钢琴家，那么你告诉我，你练了多少音阶？！”伟大的作曲家、举世瞩目的钢琴大师---拉赫玛尼诺夫也指出：出色的钢琴家，必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧。一针见血的高度概括了钢琴基本技术的学习的重要性，即音阶、琶音、和弦的的重要性。众所周知，精彩动人的音乐需要演奏者全身心的演奏，细腻的刻画音乐形象，而这一切往往需要出色的辉煌的技巧，可以说没有过硬的技巧，音乐表现就无从谈起！而基本技术包括了钢琴演奏中所遇到的几乎所有技术问题，渗透了几乎所有音乐作品的每一个句子当中！钢琴学习者必须用大量的时间进行音阶、琶音、和弦等基本技术的训练，尤其在早期学习阶段进行系统的学习，对于手指、臂、腕等生理机能的潜力，将得到最好的发掘，为日后的进一步学习奠定极其坚实的基础！在你的钢琴学习生活中，你在音阶、琶音、琶音的基本训练中的每一分努力，都将得到加倍的回报，打个比方：你在音阶、琶音、和弦的基本训练中花了一个小时的时间，你完全有可能在音乐作品的练习中节省两个小时以上的时间，却得到更好的效果，全国考级直至任何一个地方的考级都规定音阶、琶音、和铉等基本技术是必考项目，已经足以证明这些内容的重要性，但是不少学生几乎从来都不练或者很少进行音阶、琶音、和弦基本技巧的练习，直至为了应付钢琴考级才能匆匆忙忙的练出必考的几个调的音阶，这一切所带来的后果则是“营养不良”“技术生疏”进步缓慢，学习效率极低！而不少令人感到“进步神速”的学生却在音阶、琶音、和弦等基本技术上暗下功夫，他们尝到苦练基本技巧所带来的甜头后，更进一步在这里下功夫，这种良性循环使他们达到令人望尘莫及的成就，许许多多的钢琴家更是从小起直至整个演奏生活中从没停止过一天的基本技术练习，这一切证明之后，难道你还能怀疑音阶、琶音、和弦基本技巧训练的重要性吗？

那么，到底需要多少时间进行这一训练呢？答案当然是越多越好，总之，在学生时代每天拿出你练琴三分之一的时间进行基本技术训练绝不过分。

二、训练方法

（一）慢练为主结合变速练习

首先，不论哪种技巧，在初学阶段都必须用很慢的速度进行学习，这一点尤为重要！只有用很 1

商丘师范学院2010届本科毕业论文

慢的速度，才能把每一个动作的细节奏出，并且有足够的时间去注意指法等问题，慢练的重要性是怎样强调都不过分的。慢练是克服一切技术障碍的有效方法，慢练犹如“放大镜”，把所有的细节都扩大，让你真正体会到各个关节的动作，是动作简练，下键力度集中，并体会到触键后的细微感觉，是每个音都充满“美”„„慢练需要极大的耐心，真正做到持之以恒的慢练，让你受益终生，慢练是弹好钢琴的秘诀！慢练应贯穿学习的全过程！

当我们五个手指连续使用时，我们应该怎么办呢？总的来说有以下三种方法： 第一种，慢速高抬（四分音符=60，四拍弹一个音）：每一个击键动作由不同的手指独立完成，即第2指弹完后在第二、三拍时整只手处于放松、休息的状态，到达第四拍高抬第三指。以下各执依次类推。

第二种，中速高抬（四分音符=60，一拍弹一个音）

第三种，快速高抬（四分音符=120，一拍一个音）

始终坚持以慢练为主，在掌握正确触键的基础上，能够把每一音弹得均匀、清晰、集中后利用节拍器结合变速练习，快慢循环结合，把各种技巧弹得飞快而保持每个音的均匀、清晰，对于克服手指连续跑动的困难是十分有效的方法。

（二）分手练

经常分手练习，可以使每个音都达到要求，学习效率更高，不但在练习的初级阶段要分手练，而且必须随时穿插分手练习，在初学阶段分手练有利于提高准备性。如指法、下键的准备性等。尤其是许多初学者，左手总是处于被动的地位，一味的跟着右手走，在触键的力度、音色把握等方面起不到锻炼的作用，所以经常进行分手练习，并且倾听左手弹出的声音，改善触键，你会感到受益匪浅。

（三）高抬指与贴键相结合

触键的练习中，适度的高抬指练习是很重要的，这可以使手指关节积极的运动，手指动作迅捷有力，以发出扎实、均匀的声音。然而手指的真功夫不在于抬得高，而在于控制住每一个手指，使其依靠微小的精确动作，把每个音弹得结实，集中而均匀，可以说抬高的最终目的是为了能不抬高，因为在高难度的快速经过句中，手指是不可能高高抬起的，这时速度虽然很快，却要求每个音都保持清晰、干净、有颗粒性。这都是通过高抬指练习后才可能达到的效果。然而，并非所有的快速音符都需要很有力度的声音，有许多经过句就需要快速而又异常柔美的声音，这就需要持之以恒的贴键练习而达到目的。因此，可以说经常做贴键练习，训练手指第一关节加强手指对键盘的控制能力，对于获得集中而圆润的“美”的音色是非常重要的！个别教师过分强调手指的高高的抬起，使学生把注意力和力量都用在抬高手指上，而忽视了下键力度的集中，做了许多无用功，所以说适当的抬高手指是必要的。但应把注意力更多的放在手指集中力量下键上，这样才能用最经济的手段，最节约的动作达到最好的声音效果！

（四）指法上的相同点

在指法上C大调、G大调、D大调、A大调、E大调都是从5指开始，指法完全相同。所以当你练好C大调后这五组基本上就全都会弹了，只是加上一些调号而已。像降B大调、降E大调、降A大调这一组的指法完全相同。像B大调、降G大调、降D大调的指法完全相同，F大调独自一组。

三、触键与音色

有关触键原理及各种触键方法运用方面的问题，触键方法中最为核心的问题----手腕的运用以及一些尤其重要而又在教学中极易出现偏差的触键问题：手腕的运用是重量弹奏法中最为重要的课题！手腕是连着手指与手臂最直接的中转站。手腕运用的好手臂甚至上半身的重量就直接传递到手指，琴键从而产生丰富多彩的音色。轻而易举的弹奏出铿锵有力的、柔和甜美而又饱满富有穿透力的音色，同时也能轻松自如的弹奏各种快速经过句。手腕在钢琴演奏中的作用就如汽车的减震器，乘坐 2

商丘师范学院2010届本科毕业论文

高档汽车和低档汽车，舒适性截然不同，而其决定性的首先当然是减震器，它带给你的不仅是舒适，还保证你的安全，可以说不正确的运用手腕你的演奏就永远不可能达到钢琴演奏的巅峰。

在演奏音阶、琶音、分解和弦时应注意手腕的上下左右运动，一般来说，弹奏1指时手腕总是处于较低的位置，就如手臂自然落下时的高度；从2指过渡到5指手臂逐渐升高，整只手的中心向4、5指转移。这时你会感觉到手臂的重量很自然的从手指输送到琴键上，激发出饱满圆润而迷人的声音。尤其在弹奏较宽的音程时手的重心转移尤其重要，由于任何人的4、5指都天生的较1、2、3指薄弱，所以在弹奏4、5指时 适当的抬高手腕有助于把手臂的力量更好的传递到指尖，使每个手指弹出的声音一样均匀、饱满、统一，在钢琴普及教育中有两种极为常见的触键方面的错误：a、手腕僵硬b、手腕直接去“压”出声音，这两种错误的触键方法都严重的阻碍了学生的进步。需要特别注意，只有放松、自如、优美而正确的手腕动作才能使你把各种高深技巧，在不论怎样的速度和力度要求均弹的轻松自如精彩绝伦！

为了最终能够把音阶、琶音、弹得飞快、均匀、连贯而清晰，除了掌握以上正确的触键方法之外，需注意三个诀窍：a、弹奏音阶、琶音右手上行和左手下行时，应注意拇指的动作提前。即：拇指每次弹完自己所属的琴键后，应迅速转移至最接近后面应由它弹奏的琴键上，而不是等其他手指弹完之后再突然跳至下一个琴键上：b、弹奏音阶、琶音右手下行与左手上行时，应运用手腕的上下左右动作使声音连贯，而不是利用大臂外甩的动作来帮助手指把音符连起来。在弹奏右手上行或左手下行时，大臂自然放松下垂，弹奏最后一个音时，大臂略微外摆，利用横向动作带动，肘部略微提高。c、手指的准备动作：一次性抬起需要马上弹奏的手指，随时做好往下弹的准备，而不是每弹一个音抬起一个手指，影响弹奏速度。利用手指的爆发力，加上手臂的重量，迅速下键，即可弹出飞快而清晰的音符。值得注意的是：弹奏半音阶有一定的特殊性，白键和黑键频繁的转换，要求手腕动作非常平稳，上下的动作比弹音阶、琶音等小得多，特别强调拇指更高的站起来，配合三指在黑键上的高度，以保证声音的统一和快速的演奏。即使如此，也应该注意手腕是放松的，而不是坚硬的！

演奏强有力的和弦时，应该注意用往前推的力量去弹。手指贴键，运用手臂本身的重量加上爆发力，通过手腕往上的动作，瞬间发力，使所有力量毫无损失的集中到指尖，然后迅速放松手腕和手臂，从而弹奏出强有力、声音集中而不刺耳的音色。不要用往下压的力量去弹，在弹奏较为轻巧的和弦时，手的架子仍应牢固，手指贴键，指尖有一种往后“抓”的感觉，弹出来的声音轻巧而又集中，不散、不虚。

音色的控制：掌握正确触键方法的最终目标就是让钢琴产生良好的音色，不论任何技巧、任何力度的触键，都必须保持音色的“美”。钢琴技术包括的不仅是速度和力度，最重要的还包括对声音的控制能力！所以再练习时，必须用你的耳朵仔细倾听每一个音的音色，从此，美妙的琴声便伴随你。

总之，钢琴技术的训练贯穿了钢琴艺术学习生涯的整个过程，对于钢琴演奏能是否成功起着举足轻重的作用，每一位钢琴学习者都必须运用正确的学习方法、掌握正确的触键方法，持之以恒地坚持每天进行钢琴音阶、琶音等钢琴基本技术的练习，这样你会发现一切努力都是值得的！

参考文献

[1] 玛格丽特•朗《钢琴技巧练习》

[2] 阿尔弗莱德•科尔托《钢琴技术的合理原则》

[3] 哈农《钢琴练指法》

[4] 约•霍夫曼《论钢琴演奏》

商丘师范学院2010届本科毕业论文

致 谢