浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc（共8篇）

篇1：浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

目 录

浅谈钢琴演奏的基本技巧

1、钢琴的声音原理与特点

2、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用

3、演奏技术中的创新性训练 3.1、科学性的重复性训练 3.2、提炼技术难点的训练

3.3、在演奏中运用歌唱性的技能训练 3.4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习

4、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有力保障

钢琴作为乐器之王，是音乐历史文化的重要象征。然而，这件乐器真正的伟大之处在于它为人类呼唤出了许许多多的制作师、作曲家和演奏家。制作师们把钢琴的性能和表现力发挥得淋漓尽致，而伟大的作曲家与演奏家们则将自己融入到这件具有广博包容精神的乐器中，以激情、心血甚至生命谱写和演绎了三百年的沧海桑田。三百年来，钢琴作品在演奏家想象力的驾驭下，创造出千百种丰富的音响世界。在浩如烟海的钢琴作品中，几乎留下了历代每一位作曲大师耕耘的足迹。在一部完整的乐器艺术史中，正是因为有了演奏家和作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、肖邦„„等演奏家与作曲家不断的努力和实践，才使大量优秀的钢琴作品得以流传，历代大师们的不同风格的高超演奏技艺和他们的风采，深深地打动着亿万人的心，从而更加确立了钢琴在乐器王国中的重要地位。直到今天，人们还在不断地探索钢琴的演奏之道;如何将音乐与钢琴演奏完美的结合，成为人们永恒的话题。随着社会的飞速发展与世界文化交流的日益增多，钢琴这件起源于欧洲的乐器己经在我国得到了广泛的传播与发展。钢琴进入中国不过百余年的历史，受到了广大中国人民的喜爱。新中国成立后，钢琴艺术的发展取得了辉煌的成就，涌现出许多优秀的钢琴演奏家与教育家，为我国的钢琴事业奠定了坚实的理论基础和丰富的实践经验。同时也涌现出许多世界闻名的钢琴大师，他们良好的艺术修养和音乐天赋，再加上精湛的演奏技巧，使他们的演奏艺术达到了世界一流水平，中国钢琴艺术从而得到了世界的赞许和认可。

一、钢琴的声音原理与特点

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”。首先,钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟,相对应,相抗衡的独奏乐器;其次,钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域.钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑,嘹亮,光辉,铿锵的音响;钢琴上能同时奏出十余音的合弦以及四五声部的复调.钢琴的种种特点,决定了它在乐器中的特殊地位.。

钢琴的声音特点可以归纳以下几点：

1、音色除乐器本身的结构与弦之外，首先取决于槌毡的质量及其裹制方法。黑尔姆霍尔茨证明，裹毡的发法对缒与弦的接触时间有关系。接触时间越长，下方泛音就越突出。下方泛音可使音色较柔和，而上方泛音使音色尖锐，刺耳。为了使音色柔和，钢琴技师必须使毡槌的设计达到槌与弦保持尽可能持久接触。这一点由于毡槌采用硬度不同的毡层裹制，做到了槌子的毡层越往外越软。这么一来就使毡槌在击弦时，用坚硬的核心把柔软的毡层挤向琴弦，然后才离开。

2、强度与毡槌速度成正比。毡槌敲击琴弦时一不手琴键的控制。因为断联之后，琴键与毡槌即失却联系。这时在站槌运动中唯一起作用的因素就是速度。

3、泛音的数量与速度成正比，（就是说，声音强度的变化在一定程度上与音色变化一致）。

4、在弹奏的一刹那，毡槌的速度决定与下键的速度，如果演奏者欲提高发音的强度，则必须给予下键更快的速度。

5、奏出的音越强，消失得越快，较弱的音则相反。

6、高上方泛音比低上方泛音消失得慢。就是说，声音拖得越长，其音色就越“纤细”。

从钢琴弹奏的原理上看，钢琴是键盘乐器，是通过琴槌击弦发出声音的，因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指，使其独立、主动、灵活；使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。钢琴音域的宽广，音色的优美，表现力极其丰富，能演奏和声复调，能胜任重奏、独奏、以及与大型交响乐队进行协奏，并能用高难度的演奏技巧弹奏出高难度的曲目。

二、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用

钢琴演奏是一门技巧性很强的学科，特别是手指技巧在其中起到了很重要的作用。“手指技巧是钢琴弹奏中最重要的领域，手指的工作不仅对手指本身的积极挥动有意义，而且对于把手臂的力量传递给琴键也有意义。”手指技巧是钢琴弹奏技能发展的基础。要想使钢琴演奏达到更高的水平，就要让手指能适应钢琴弹奏和掌握高超的钢琴技术，在纷繁复杂的各类技巧中灵活自如的表现。因此，要想成为一个优秀钢琴家，熟练、精湛的演奏技能是成功的前提，要能像电脑控制一般准确无误地演奏：飞如风、动如雷、飘如云、轻如烟。所以说，钢琴学习，透彻的技术知识和精湛的技能至关重要。

三、演奏技术中理智的、科学的创新性训练

对于演奏来说其中的技术困难是客观存在的，俗话说:“冰冻三尺非一日之寒。”这种能力的获得只能随着时间的发展而形成，尤其是“机

械性的练习”更是不可避免。但技术练习应该是一种引人入胜的、有创造性的学习。对于善于钻研的人来说，通过实践能掌握理智的、富有创造性的练习方法。从创造性的角度讲，那些基本练习比演奏一首作品更加重要而具有意义。著名钢琴教育家里赫特说:“我从不把技术训练与艺术创作分割开来，因为二者是相互联系的。”对于演奏者来说，各种专门的技术训练都是必不可少的。既要练习音阶、琶音、双音和弦等，又要练习艺术作品中的复杂的技术难点。因此，在练习过程中，运用理智而科学的创新方法掌握典型的、使用最广泛的结构和组合是很有必要的。

1、科学的重复性练习

在钢琴弹奏中采用重复练习的方法可以找到演奏作品中的关键技巧，巩固以往发现的重要因素提高手指的快速、灵敏度，使已有的技能得到进一步强化并提高其熟练程度。这种重复练习方法的前提是创新性的重复，而非拷贝式的模仿。如:《哈农手指练习》就可以采用多种方法，不同的节奏、不同的速度和不同的触键来弹奏;利用自己的领悟力和创造力使基本练习变得更加有效。如：《什密特钢琴手指练习》法，特别是双保持音练习，连续的、不出错的练习，提高演奏者的手指的控制力，掌握更高、更好的技巧。

2、提炼技术难点的练习

通过一定程度的演奏技巧训练使演奏者能够获得触键发音、声音变化、节奏把握上的驾驭能力，从而能随心所欲的表达出个人心中对于音乐的理解。不同的技术动作表达出的声音己经与一定的音乐内容相

结合:如演奏优美连绵的旋律需用柔和歌唱的声音，而幽默欢快的音乐特点则由短促而富于弹性的跳音来表现，音乐作品当中的分句与呼吸就由手腕的技术动作来承担。如斯卡拉蒂的作品是为古钢琴演奏的，风格古朴、轻巧、明亮，要求触键精巧而有弹性，节奏富有动力又准确。演奏者可以运用作品来进行技术和音乐相结合的训练，既掌握了古典风格又解决了手指弱、节奏不准确的技术难题。我们必须根据作曲家的不同风格、作品的不同内容来做这方面的训练。如莫扎特奏鸣曲中的跑句，它包含了丰富的音乐语言和节奏韵律，同时又体现了德国古典音乐的风格，明朗而典雅。

3、在演奏中运用歌唱性的技能练习

音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音，这声音或柔和，或抒情，或喜悦，或悲伤，或是具有一定的美感，人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中，这样的音乐就是赋予歌唱性的。要强化歌唱性，强化技术要服从音乐的理念。在演奏时发自内心的歌唱，能表达出演奏者最真挚的情感和全身心的投入，将音乐融入演奏者的呼吸中，最终达到完全自由地表达心中所理解的音乐;将钢琴作为身体的延伸，而不是需要征服的物体。由于音乐也是一种语言，演奏者要学会用音乐来“说话”，乐曲中的旋律就是构成音乐语言的重要组成部分。一首优美的乐曲之所以能够打动听众是因为它有抑扬顿挫的旋律和变化多端的节奏，.构成了声音之间的对比和时间延伸性的对比，.表现出丰富的音乐形象。乐曲的演奏如同诗歌朗诵须注意其“语气”的运用，它是音乐声音形

象的重要表现手段之一。

4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习

俗话所得好:“欲速则不达”，这条适合于万物的真理在钢琴演奏技术练习中同样适用。“慢练”是指根据演奏作品的难易程度将演奏速度减慢豹一种练习方法，决不是演奏技术与艺术上的心理懈怠与情绪的散漫。通过“慢练”能够解决视奏作品的准确性与完整性，掌握旋音型的特点和指序的规律;使左右手声部的配合更加完美，真正达到声部层次的立体感。更重要的是能解决演奏中的技术难点，以熟练掌握演奏技术，慢速是快速的基础。循序渐进的慢速练习能使演奏者的内在感觉发生变化，从而进一步完善演奏技巧。如:车尔尼的《快速练习曲》(QP.299)，《手指灵巧的技术练习》(oP.74o)等。通过练习曲练习，将技巧与艺术表现融合在一起。

四、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有利保障

良好的心理操作技能是乐技训练的重要组成部分。钢琴演奏中“心”的概念,包含着情与理两方面的内容.钢琴演奏的情感需要从心出发,一定要发自内心。同时,钢琴演奏的控制,布局,安排,却又必须用心去思考.演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的,不应该是虚假的,因此要用心去体察音乐,使内心的感受与音乐完全融为一体.只有做到这一点,演奏中的热情才会具有生命的价值.我们在演奏时,不能气浮,不能急躁.气浮容易忘谱,性急容易赶节奏,急躁容易出错,但一定要有热情,激情,唯有平静而不受干扰,又富有激情才能演奏出完美的乐章.结语：音乐是人类精神的表现，它与当时的文艺，社会和科学的动态，跟作者个人的经历和信念都有关系。任何艺术作品总是创作者情感的抒发，演奏者应该准确的分析各个作曲家的个性创作特点;使自己的演奏技巧符合创作者的风格。演奏者要能够通过钢琴把自身的情感直接表露出来，在演奏中注入内心的感受。只有深刻透彻的掌握钢琴艺术发展的历史，才能领悟各种音乐风格的创作特征和作曲家的思维方式;才能准确的反映音乐的本质。谈钢琴演奏中的基本弹奏方式

怎样才能学好钢琴基础技术?哪种演奏方法比较科学?这些是每一个学钢琴的人在学习过程中会遇到的问题。在我看来，钢琴的弹奏技术细分起来可以很多，但最基本的演奏技术可归为非连音奏法、连音奏法、跳音奏法三种。这三种基本弹奏技术不属于纯技术、纯方法，而是表现音乐和弹奏技术兼而有之的演奏方法。学习钢琴的人，首先应该从理论上理解这三种基础技术的含义。

一“非连音奏法、连音奏法、跳音奏法”的含义

非连音奏法(non legato)又称断奏，是指弹奏时，音与音之间不连接，触键后，手指的力量一般不保留在键底，音值弹足后，手指就立即离开琴键，抬起后，再去弹下一音的奏法。

1.非连音奏法是钢琴弹奏 中最简单、最自然、最基本的弹奏方法。它运用自然重量弹奏，音与音之间断开，不相连接。发出来 的声音结实饱满，清晰通透、富有颗粒性。

2.连音奏法(Legato)是指音与音之间相连贯，没有缝隙又不重叠的奏

法，简称连奏。第一音弹奏后要等第二音下键，发出音响后，方能离键。连奏是最常用、最重要的演奏法，同时也是最复杂多变的演奏技术。它是弹奏的核心，钢琴乐曲中的绝大部分都要运用连音弹奏。像说话一样，将旋律分成乐句，用一根横的圆弧线“一”把音符组成长句、短句，表达出乐曲的内容。

3。跳音奏法(Staccato)简称跳奏。它与非连音奏法中的断奏训练有相同之处，都要求音与音之间要断开。所不同的是跳音的每一音都有弹下去反弹起来的快速下键、快速离键动作。但是，学习钢琴不能停留于单纯的理解阶段，而是要在理解含义的基础上，掌握其基本动作及演奏方法。

二、如何掌握“连音奏法、跳音奏法"的基本动作及演奏方法(一)连音奏法

连音的动作视乐句的长短而定，每一句的第一个音要求手臂的重量 自然落到正在弹奏的手指指端。弹奏每一个音的时候，要使手臂放下的重量从一个手指转移到另一个手指上，不能断开(断开即成断奏)，直到重量移至乐句的最后一个音，发出音响后，手臂才可做”提起来”的动作，这个动作我们又可称为乐句与乐句之间的呼吸动作。钢琴家柯托介绍一种弹奏连音的方法 ：手指先行到达即将弹奏的键上，然后把手腕的重量运送过去。拉赫玛 尼诺 夫介绍另一种 弹法：把指尖到肘部当成一个整体，指尖受手腕和肘部 的引领，顺着旋律的走向划 出半 圆线，这样，由旋律的第一音至末一音的连贯就会十分完整，像一条弧线。

(二)跳音奏法

跳音奏法的手部动作可分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音三种。在弹奏手腕跳音的时候，掌关节向身体方 向收拢，然后快速击键，并在触到键之后立刻反弹起来，回到原先位置。手指跳音则在快速弹奏中运用，一般用在轻盈纤细 的片断中，运用时，使指尖向里轻勾，仿佛轻轻拭去键上一个小小的污点。手臂跳音是以肘部为支点，将整个前臂、肘、腕形成一个整体而跳动。手掌在触键的一瞬有个抓键似的动作，使发音更为集中。这方法适合于速度不快，音量较大的跳音。

综合而言，演奏跳音的技术动作要点是：

1．触键快、离键快、触键时间短处；

2．指尖特别牢靠；

3．指触面最小。

掌握上述三种基础技术在钢琴学习中是非常重要的。学琴者不仅要在初学阶段熟练掌握这三种基础技术，而且需要进行一系列的根本性练习加以强化，这样,钢琴技术才能得到进一步提高。

三、如何进行基础技术的常规训练

(一)非连音奏法的练习

非连音奏法练习前要学生将简单的旋律唱出来，形成音的概念，不让学生一开始就走入机械动作的误区，扼杀了音乐的旋律。训练可从单音开始，逐渐到双音，再至和弦。在练习过程中，还必须注意非连音奏法的记号，不同的记号表示各种“非 连音”不同程度的“片刻”。

在一条横线下加小点称为半断音即带一点连贯意味的断音；而在弧线下带点的记号称为半连音，即带一点断开意味的连音。这两种音都是介于跳音与连音之间的效果，弹奏方法也很相近，用水平状态把 手指 自下往上提起。所不同的是，半断音发音的起奏点是带有强音意味的。而半连音在一个连奏的乐句中，有时只是表示让某一些音略为分开而 已。音符上仅一横的记号，称为保持音(Tenuto)，它在键上逗留的时间是百分之一百，但又不与下一个音融合。它的弹法与前两者相似，微小的区别是，可以让手指在上升前更往键的底部做一小小的推动动作。

(二)连音奏法的练习

弹连音时，像唱歌一样，有小句，有大句，歌唱时是一口气唱一句，弹琴时是一个力量弹一句。初学连奏时必须将 自己所弹的乐曲唱一遍，看看有几句话，需要几个手臂的落、起动作来完成全曲的乐句，养成 良好的读谱习惯。由于是初学连奏，最好从两个音的连奏和三个音的连奏开始弹奏。两个音的连奏，第一个音与非连音奏法相同。弹奏前手臂要自然抬起，带动肘、腕、指尖对向键盘，然后手臂重量 自然落下，力沉到正在弹奏的手指指端(手腕必须放松)，弹第二个音时将第一个音的重量转移过去，待琴键发出声音后，再用手臂带动腕，将手指轻轻提起。三个音一组的连音弹奏与两个音相 同，只是第一个音下键后要将重量转移给第二个音，第二个音转移给第三个音发出音响后，方可做“提起来”的动作。如:布格缪勒的练习曲作品 100号<钢琴音阶25曲>第十首<娇嫩的花>和第十一首<鹊鸽鸟>

是很好的训练两音和三音，甚至多音的连奏练习。这些乐曲曲调优美或者活泼，音乐形象鲜明，能激发弹奏者兴趣，更好理解连奏的音乐表现，尽快掌握连奏的弹法。

(三)跳音奏法的练习

跳奏的记号是在音符符头的上方或下方有一圆点“·”或三角“1．r”为标志，离键反弹的速度根据跳音记号而定，如音符上标有圆点，只能弹原音符时值的 1／2时间；如音符上标有三角，只能弹原音符的 1／4时间，这种跳奏要求手指反弹离键速度更快更敏捷。如：布格缪勒练习曲作品 100号第九首 <行猎>。

显然，这些常规训练对于钢琴基础技术的掌握是很有帮助的。钢琴演奏艺术是一座丰富的宝藏，深不可测。学习钢琴弹奏好 比较造一座宏伟的大厦，需要打好基础技术。所 以，在钢琴入 门阶段，学琴者必须重视掌握一系列的基础技术如非连奏、连奏奏、跳奏。弹奏时肘部、前臂、腕、掌连成一个整体，抬起上臂，带动前臂，使整个手臂力量集中在指尖，沉落琴键。这种奏法用途很广，浪漫派以后的钢琴音乐用得更多。二是前臂断奏。不必抬起手臂，只须挥动肘部以下的部分即可。通常用来奏音量并不要求很强的片段，一般多用于巴洛克时期和古典时期的音乐作品。特别在 巴赫时代的乐谱中无须什么记号，演奏者们也几乎都会自动地把那些四分音符和八分音符奏成这种断音。非连音奏法的动作过程都包括手臂“掉下来”、“提起来”两个动作，具体要求是 ：

1．弹奏前肩、臂、腕放松，手自然呈半圆形置于腿 上。

2．手臂(大臂)自然向上抬，并带起肘、腕，手指指端朝下对 向键盘。

3．手臂松弛地垂落，将需要弹奏的手指落到琴键上，手指牢牢地站立，指第一关节要稳固，手型保持，有力地支撑住肩、臂传下来的全部重量。

4．提起来时，有两种弹奏法。一种是大臂带小臂并带动手腕 自然放松地提起。另一种是 由手腕带动，将整个手臂提起。两种方法提起时都要求手指呈自然放松的弯曲状。提起来，既是前一个音弹完后的休息，又为弹后一音做好下力的准备。

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从事任何一种技术性的工作都要有基本功的训练，钢琴演奏的技术性要求更是非常高。因此，基本功的训练就更不容忽视。钢琴演奏的基本练习主要包括：音阶、琶音、双音、和弦、八度等。

简单地说，将音乐所用的乐音，按音高的顺序依次排列起来，形成阶梯状的序列，就是音阶。音阶的练习对演奏的训练是非常重要的，是各种演奏技术的基础，对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中经常会遇到各种音阶式的片段，如果演奏者能非常熟练地弹奏音阶，那么在演奏乐曲时，就可以得心应手。玛格丽特·朗曾说过：“一挥而就的快速音阶弹奏，是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”弹音阶，所有手指都能得到练习。十个手指天生的能力不一致，而音阶要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶就会使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力。音阶的弹奏最后一定要达到一定的速度，可以训练人的灵活、快速反应的能力。

音阶的练习可以帮助学生熟悉音键的位置。全部音阶，由24个大小调组成。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式、调性。熟悉了音阶，也就熟悉了所有这些调式、调性。在乐曲中，常有音阶或音阶式进行，往往这也正是技术难点。平时弹好音阶，就为克服乐曲中的难点，事先做好了准备。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把

音阶弹得较快而又均匀，是很难的。必须每天认真练习，长期坚持才能弹好。音阶弹奏的水平，是学生技术水平的标志之一。

音阶主要分为：

（1）大音阶，两种。分为自然大调音阶与和声大调音阶。一般主要练习前一种。

（2）小音阶，三种。分为自然小调、和声小调和旋律小调。主要练习和声小调和旋律小调。

（3）半音阶。此外还有各种民族调式音阶。

这里主要分析一下大音阶和小音阶，可以看到它主要是由两种因素构成：一为用三个或四个、五个手指连续弹级进的音。一为用大指从一个位置转到另一个位置。弹奏音阶的基础，是手指通过五指练习，已经具备了一定的独立性和灵活性。在这个基础上，学会手位移动的正确方法就是弹好音阶了。在教学中称它为“转弯”，大指必须转到其他手指下面去弹奏，这是弹好音阶的关键。

学习音阶，右手宜从B大调，左手从降D大调开始，这样大指正好在白键上，其他手指都在黑键上，最符合自然手型，容易掌握。然后右手再学习E、A、D调，左手学降A、降E、降B等调。这样安排出自对弹奏的科学性和弹奏由易至难的渐进性的考虑。当然也可以用从C大调开始，逐渐增加调号的顺序学习。

一、弹奏音阶的基本要领。以右手C大调音阶为例：

（1）第一个音用将手“落下”去的方法弹出。在速度不是

很慢时，第一个音落下去的同时第二个手指就要抬到一定的高度，做好触键准备。

（2）提前准备的原则是：假如是用很慢的速度练习，抬指准备可以不与弹前一个音同时，因为停在空中等待会带来多余的用力。但在稍快的速度时，则务必在弹前一个音的同时，抬起后一个音该用的手指，及时做好准备。而在很快的速度时，几乎是第一个音一出来，后面的几个手指随之就都做好了准备。这时，准备的手指并不抬得很高，但务必在指端与键面之间保持一点距离。

（3）C大调的E到F，是右手3指后接大指而必须移动右手位置的时刻，是弹奏音阶的关键。要领是，在3指弹E的同时，大指已经在手腕的协助下，从掌心下面移动到了F音的上方。到了B和下一个C，即4指到大指时，要领与3指到大指又是一样的。

（4）大指触键可以有手腕的协助，但务必也要有独立的下触动作，不能只靠手腕。

（5）大指触下F的同时，2指就要处于G的上方，刚才斜着的手也要同时正过来。下行时的道理相同，在F到E，即大指后接3指时，一定要在大指弹下F同时，3指已经从大指上面转移到E的上方。大指到4指的连续也同样。

（6）音阶各音的力度、音量要均匀，唯最低音和最高音可稍强调一点，因为这是线条的转折处，要给人一个清楚的印象。

（7）手掌、手腕基本平稳，腕、肘部保持自如感，配合手指的转换，尽可能提供“方便”。

（8）初学音阶，开始先分手练，以便听清每一个音的质量是否都合格、统一，转移位置是否感觉自如，检查指法是否准确，之后再合手练习。

二、指法正确是弹奏音阶顺利的保证，因此必须严格地掌握正确的指法：24个大小调左右手都各有七种指法。要通过分析进行归类，这样才不容易忘记

（1）右手：白键除F大小调外，C、D、E、G、A、B大小调的指法相同。

降A（升g）大小调以及升c、升f小调指法相同。

F、降E、降B各大调与该同名小调指法相同。

降D（升C）与降G（升F）大调与其他各调指法都不同，需逐一记忆。

（2）左手：除B大小调外，C、D、E、F、G、A各白键大小调指法相同。

降D（升C）降A（升g）各大调与该同名小调指法相同。

B、升F（降G）各大调与该同名小调指法相同。

降b与降e小调指法与其他各调都不同，需逐一单记。

以上分析中提到的小调一般对和声小调和旋律小调都适用。但旋律小调有两个例外：左手升g小调与右手升c小调，它们本身的上行与下行指法不一样。

三、音阶弹奏应有一个由易到难、循序渐进的过程

音阶弹得速度快而又力度强，不是短时间练习所能达到的。对于初学者，在速度、力度的要求上，应该有一个循序渐进的过程。一般来说，音阶练习可经过由弱、慢逐渐到强、快。在开始时慢而又弱，是为了找到在最自然、最省力，手腕和手指最协调的状态下，弹出最均匀的音阶，当然不能过慢。无论一个八度还是四个八度，都要作为一个整体去感觉，做到动作有连贯性。只有在连贯性中，才能显示出阶梯的音的序列来。如果速度过慢，每个音停留过长，就会变成一个个孤立的音，动作也会连贯不起来，还要削弱或失去音的阶梯性的声音形象。

篇3：浅谈钢琴演奏技术的基本训练

那么优秀的钢琴演奏者需要具备哪些素质和条件呢?首先, 要有相当娴熟高超的弹奏技术能力, 其次是能巧妙合理的将技术运用到乐曲艺术表现过程中的能力, 最后是能正确理解和处理好弹奏技术与音乐表现的能力。三者是相辅相成密不可分的。我们弹奏一首乐曲主要的目的和意义是表达出音乐的内容, 因而音乐内容的表现是占主导地位的, 但它是通过弹奏者的技术来表达的, 那么技术又占有关键性和前提性的地位, 没有技术就无法表现音乐内容, 但技术只是一种技能, 而技巧是表现音乐所需要的全部手段, 它包括对节奏、拍子、分句、力度、触键、踏板等方面的合理控制。弹奏的技术是技巧的前提, 技巧是技术在乐曲中恰当的运用, 只有技术、技巧的完美结合才能将乐曲的音乐内容准确无误地表达出来, 由此可以看出弹奏技术是最基本必备的重要条件之一, 下面就重点谈谈演奏技术的基本训练。

一、科学正确的弹奏方法:

学好任何一门学科, 学习方法都起绝对性作用。钢琴也不例外, 不仅要学习音乐理论知识, 还要进行技能的训练, 是一门技术性很强的学科。要想更好更快的掌握这门学科, 科学有效的练琴方法就极其重要。只有用正确的弹奏方法, 才能掌握好全面弹奏的技术, 才能让琴声优美动听, 给人以艺术感染力。弹奏方法是多样化的, 要根据音乐作品的表现来决定。最基本最科学的方法是肩和臂的重量畅通无阻的集中到手指尖上, 力量不能停留在手臂和手腕上, 这样各个部位才能是放松的, 才能自由的调节音量, 把握好音色和力度, 尽量减少疲劳和僵硬, 使声音柔美圆润, 简单说就是弹琴要自然, 省力, 好听。

二、演奏技术最基本的训练与选材

(1) 五指练习。这是最最基础的技术练习, 看似简单却很重要, 如果我们每只手的五个手指能完全相等地发挥作用, 那么它们就具备了弹奏所有钢琴曲谱的能力, 就像一个初学步的小宝宝, 要想独立行走的稳, 首先必须要学会独立站稳, 否则走起来肯定会跌跌撞撞, 弹奏也一样, 一定要学会五个指稳稳地站在键盘上, 将来才能快速跑动起来。基本的要求是一个手指到另一个手指的力量转移要均匀, 声音听起来要连贯, 圆滑, 手腕不能压下去也不能抬起来, 保持放松状态。虽然五个手指长短不一, 但要做到力量的均匀就不能光靠手指的控制, 还要用耳朵去听, 用心去仔细体会。由于我们手的特殊原因, 四五指最不灵活, 最难控制, 需要着重练习。哈农《钢琴练指法》第1-31课都是五指练习, 是很符合这些练习的, 每一条都是针对不同手指的练习, 它的目的是使手指灵活、独立、有力和用力均匀的预备练习, 要求慢练开始, 逐渐加快速度, 但要保证手指动作利落, 每个音都特别清晰, 不能一带而过, 为以后更难更高的弹奏技术做好准备和打好基础。

(2) 音阶练习。这也是非常重要的练习, 它的训练难点要放在匀速上而不是速度和力度上。因为音中间有手指的快速穿越, 很容易造成节奏上的不均匀和力度上的不均匀, 它的弹奏要领是3指或4指弹奏的同时, 1指已经提前从掌心下移到了下一个音的位置, 只有提前做好了准备, 这样才能使声音连贯起来。正确的方法是手指敏捷的触键与手腕自然放松的结合, 让声音听起来自然流畅。许多学生方法不对, 手腕压得很低, 拇指僵硬, 弹成了生硬的重音。练音阶起初要用单手弹, 然后再用双手合起来弹, 练到一定程度时, 还可以用不同的力度弹, 可以来一遍强的, 来一遍弱的, 来一遍渐强的, 来一遍渐弱的, 这样有利于以后在乐曲中各种力度的控制, 要非常熟练的掌握和弹好24个大小调的音阶, 对将来的弹奏有很大的帮助。音阶技术训练, 不仅是对手指灵活性的训练, 更是对手指高度控制能力的训练。哈农《钢琴练指法》第32-36课都是大拇指从其它指下穿过的练习, 对弹好音阶的连贯性有很好的辅助作用, 要多练。钢琴家约?霍夫曼曾说:“我对音阶毫不放松的练习, 使我终身受益。”可见音阶弹奏的水平是评价学生技术水平的标志之一, 音阶也被列为考级的最基本内容之一, 是每日必弹的基本功。

(3) 琶音练习。它是钢琴演奏中常用而重要的技巧。钢琴是一种和声音乐, 和弦又是和声的基础, 所以琶音练习在钢琴练习中至关重要。它是将和弦分解成单音先后奏出并连续上行或下行, 穿指和跨指跨度比较大, 对弹奏的手指能力要求很高, 不仅训练了手腕的灵活协调作用, 又训练了手指的灵敏和活力, 是钢琴技术水平的标志。

(4) 双音、八度、和弦的练习。在这些基本功的训练中, 手腕的灵活性, 适应性和弹性是重要的因素。双音、八度都有断奏和连奏。断奏时手指同时触键, 弹的要整齐, 对手指指尖的要求和手腕的弹性要求更高。弹八度1指和5指要求支撑好, 手掌呈拱形。弹双音八度时, 手臂、手腕必须放松, 否则声音都是生硬难听的。连奏双音的关键是第一个双音弹出后, 在两个手指留在键盘上时, 再抬起另外两个手指准备第二个双音, 两个双音既不重叠, 也不间断, 两个声部都要连上, 最不允许出现的是两个音力度不均, 导致共鸣不好。和弦的技术分类有时值较长的和弦、连奏的和弦、非连奏的和弦、跳音的和弦、爆发力的和弦、持续重复的同一和弦等, 每种类型都有不同的演奏方式和训练目的, 不仅要训练弹奏技术, 还要训练听觉能力, 这样才能弹出它的特性和风格来。哈农《钢琴练指法》第4 8、5 0、5 1、5 3等课都适合这些练习。

三、技术训练过程中要注意的问题:

(1) 技术训练要循序渐进, 不能急于求成, 要缓慢、系统、规律的安排练习。首先要慢练, 这很重要。只有慢练时把握好手指的正确动作、触键方法和训练目的、要领, 才能在快速弹奏时尽善尽美的表达音乐风格。这就要求在慢练过程中必须思想集中, 带着要求练习, 注意音色和音量的变化控制;其次是分手练习, 只有把每只手的每个音都把握好, 每个手指都能灵活运用自如, 合起来才能不疏忽任何一个音符的表现, 尤其许多作品有时右手是难度大的主旋律部分, 有时是左手, 所以必须要分手练才能有更深的体会, 合起来时才能突出作品的主旋律。许多学生不喜欢练这些基本功, 认为太简单太枯燥, 直接就去弹练习曲和乐曲, 结果把音乐弹的音低不齐, 漏洞百出。技术训练一定要坚持不懈, 它是一个长期的任务。

(2) 技术训练有一个量的积累过程到质的变化。初级阶段的学习过程中, 一定要多弹一些练习曲和有一定技术内容的小乐曲, 通过多练才能巩固我们的基本功, 提高演奏技术, 到程度深时就达到了一个质的飞跃, 弹奏大型乐曲才能得心应手。许多业余学生基本功不扎实, 结合技术训练的乐曲弹得太少, 技术能力和音乐理解力都不行, 却急于拔高程度, 为了考级, 弹奏自己驾驭不了的超越自己实际能力的作品, 结果音乐被表现得一蹋糊涂, 学生能力提高不了, 使学生学习钢琴的兴趣逐渐减少, 甚至望而生畏。这是不正确之训练导致的严重后果, 是老师的责任。

(3) 训练过程中选材选曲时一定要有的放矢, 针对性强, 不能一概而论。每个人的实际能力是不同的, 要针对每个人的能力特点选择适合训练的教材。比如有的人连贯性好, 但力度控制力差, 就要多选练力度的练习曲来加强, 而有的人手指张力不好, 要选跨度稍大的练习来解决这一问题, 因材施教非常重要。

综上所述, 我们知道了全面、系统的技术训练, 是钢琴演奏法中的重要课题, 技术训练必须讲究实效, 避免机械的传承, 要注意思维、生理和心理综合训练, 它是在大脑正确判断的控制下, 在敏锐的听觉指导下, 通过常年累月不间断的练习中获得的技术能力。钢琴演奏能力是从属于音乐表现的, 是为一定的音乐内容服务的, 用来表现一定的音乐形象和思维感情的, 不同的弹奏法、指触可以表现出不同音响的音乐风格。要想弹出美妙动听的音乐, 要想成为一名出色的钢琴演奏家, 一定要从弹奏技术的训练抓起。

摘要：要想在钢琴演奏上有一定的造诣, 除了坚持不懈的练习外, 演奏技术的训练是最基础的。本文主要对钢琴演奏技术训练的几个方面进行了论述。

关键词：科学正确的训练方法,训练过程

参考文献

[1]周广仁《.钢琴教学艺术》.中央音乐学院出版社

[2]魏廷格《.钢琴学习指南》.人民音乐出版社

篇4：浅谈钢琴演奏中八度技巧

关键词：八度；练习；弹奏方法；运用手法

钢琴音乐进入到浪漫主义时期，在演奏技术上有了更多的要求，八度的运用也颇为广泛。早在古典时期贝多芬在他晚期的作品中就已经体现了浪漫主义的色彩。这是一个重要的转折点，在他的作品106第三乐章第二主部就已经宣告了肖邦夜曲风格的先声。钢琴诗人肖邦对八度技巧的运用也算是一位领导性的人物。在他的作品中，八度的技法用的虽然不是很多但是在柔美，辉煌的乐段会时常看到这些技法的运用。这个阶段是很艰辛的，需要几年的时间才能循序渐进的攻下这个难关来。弹好八度需要相当艰深的技巧，在这个过程中使用得最多的是第一指与第五指。手的大幅度伸张本身就会造成肌肉紧张。只要有正确的方法，每一位钢琴演奏者都能获得八度的技巧。

1钢琴演奏中的八度技巧类型及演奏方法

在钢琴演奏中，八度的技巧类型可分为连音的八度的弹奏法、非连音八度的弹奏法、跳音八度的弹奏法

1.1連音的八度的弹奏法

一般是用3、4、5指交替弹奏上方八度音，将其连贯起来。下方八度音用拇指平滑地带过。弹奏时手指在键盘上要最大限度地保持它的时值。弹奏的动作越小越好，几乎是贴着琴键。

1.2非连音八度的弹奏法

多数要用整个手及手臂弹奏。手指、手腕、下臂都要连成一个整体，手腕要比弹奏轻巧、快速的八度练习略高一点。

1.3跳音八度的弹奏法

在弹奏轻快的八度跳音时，手指架子要撑好，大、小指要有抓东西的感觉，手腕要略低于手掌，要灵活、轻松地弹奏，加快速度时，手腕、肘部要有抖动的感觉。

2钢琴演奏中的八度技巧的训练

2.1连音的八度的弹奏法的训练

练习弹奏时，一指和五指要贴在琴键上，腕部作为一个支撑的点，手指弹奏时时，腕部要有上下轻微的带动动作，这样才能把手腕下臂以及整个臂部的力量传递到指尖。根据手指触键速度的快慢和力度的多少，可以弹奏出具有各种音色及歌唱性的八度连音。八度音阶出现在许多乐曲当中，用手臂的重量所产生的惯性来弹奏，从练习用一个力量弹奏两个音开始，慢慢扩展到用一个力量弹奏八个音。

2.2非连音八度的弹奏法的训练

非连音八度对于八度训练和弹奏非常的重要，作品也非常的多。作曲家通常会运用非连音八度的手法来表达他们的情感，塑造音乐的形象与起伏。弹奏时可用手腕，手臂或整个臂部的力量来完成对其音乐的情绪要求。这样的段落需要演奏者长时间的反复练习，才能达到最佳的效果。

2.2.1腕部的非连音八度

腕部弹奏非连音八度，首先要锻炼手腕连续重复弹奏八度音，每弹一次非连音八度，手掌以及手指就要向上抬起，然后再次进行触键。手指和手掌这种弹奏动作的幅度基本保持要一样，这样才能把每个音弹奏均匀。最基础的腕部训练可以从钢琴基础练习《哈农》八度练习开始，先从最慢速开始逐渐加快速度，这需要练习者要有很大的耐心，因为在一开始练习当中，不可能就达到能快的速度，手腕的疲劳也是很常见的事情，所以要有耐心。

2.2.2下臂的非连音八度

用下臂弹奏非连音八度时，手指、手腕以及手臂要撑牢的成为一个整体，让肘部成为整个动作的一个轴线。用下臂弹奏非连音八度的谱例非常多。弹奏这些技术段落时，很多弹奏者都会遇到速度上的困难，小臂容易感到疲劳等问题。运用下臂的非连音八度弹奏也需要长时的练习，这些段落在钢琴演奏中都是非常艰难的技巧，需要演奏这认真地体会。

2.2.3整个臂部弹奏的非连音八度

在演奏中运用整个臂部弹奏非连音八度时，手指，手腕以及整个臂部都要成为一个整体。当我们在弹奏一连串八度音的断奏时，最好将手巩固起来，形成一个八度的模型，双手中间的手指向内弯曲，使手掌中空，手指不会妨碍八度的弹奏，大指与小指应坚固有力的向下触键。

在李斯特的《超级练习曲》和柴可夫斯基的《第一钢琴协奏曲》中也有这样的片段。八度的快速进行，要使全身的力量全部集中在了手指上，同时这也要求演奏者对键盘非常的熟悉。

跳音八度其弹奏方法和非连音八度的弹奏方法非常类似，只是更加快速短促。在李斯特的作品《匈牙利狂想曲》第六首中就出现了这样的技术难点。这些乐段都要求我们的双手有非常良好的持久力。练习这个片段的过程中是先采用慢速的练习，在慢速能较好的掌握后才逐渐地加快速度，长时间准确的练习是练好这一件难片段的关键。

2.3八度准确性的训练

关于八度准确性的训练，长时间的练习是关键，这需要演奏者具备一定的八度演奏技巧，首先得解决八度的技巧性的问题，通过练习手指将八度的最基本的问题解决了以后才可以进行八度准确性的训练。八度的准确性的技术训练也可在八度的音阶练习中解决，这也是练习八度准确性最基本的一步，这要求演奏者刻苦长时间的练习，在钢琴练指法《哈农》中就有二十四大小调的音阶练习。八度准确性最难的在于八度大跳的练习，大跳的练习需要对钢琴键盘非常的熟悉，在许多著名钢琴曲中都有大跳的片段，如《李斯特超级练习曲——狩猎》、李斯特《梅菲斯特圆舞曲》。大跳练习首先应从慢速开始，方法可根据乐曲的需要运用下臂和整个臂部的练习，先可以尝试小距离的跳跃，也可以一般音阶的递进逐渐加大跳跃的距离，准确性、大跳的关键就是对钢琴键盘的熟悉程度，需要细致的、刻苦的练习。

其他的手指应略微弯曲，稍微离开键盘，并将离开键盘的手指的重量加在一指和五指上。掌关节要保持放松时的自然状态，高高突起或凹陷都是不正确的。手腕应该与手掌保持基本统一或稍稍高于手掌的高度。肘关节应自然下垂，不应外翻，运用手臂的重量弹八度会给弹奏带来动作上的惯性，从而减轻技巧的难度。训练八度演奏技术需要长时间的练习与体会。只有这样的练习，才能使我们的双手建立起一种钢琴家必须具备的力度以及持久力。也许在练习的过程中，你会感到身体上有过度的疲劳，那么，学习在这种时刻中多忍耐。等长时间的练习过后，你会惊喜的发现，双手已经有了惊人的毅力和持久的耐力，能够轻而一举的应付十分困难的八度，而且快速完美的弹奏。

参考文献：

［1］约瑟夫·霍夫曼.论钢琴演奏［M］.人民音乐出版社，2000．

［2］赵晓生.钢琴演奏之道［M］.世界图书出版社，1999．

［3］露丝·史兰倩丝卡.指尖下的音乐［M］.广西师范大学出版社，2006．

［4］黄因.哈农钢琴练指法教学指导［M］.湖南文艺出版社，2003．

篇5：钢琴音色特点与演奏技巧的浅议

[论文关键词]钢琴 音色 表现力 演奏技巧

[论文摘要]通过钢琴丰富的音色表现力和音色特点,阐述如何表现、如何改变音色的方法,分析改变音色的演奏技巧。

音色是由发音体的性质、形态以及其产生泛音数目的不同而呈现出的不同声音,即音的色彩和特征。优美的音色是音乐表演者必须持续不断追求的目标。只有演奏出优美的音色才能打动听众的心,实现音乐感人肺腑之功能。着名钢琴教育家涅高兹说“钢琴的艺术也是声音的艺术,通过弹奏音色的变化产生的音响可以表现出愤怒的狂号、疾风骤雨、雄伟悲壮、奔腾豪放、果断刚烈等强烈的情感,也可以表达低声倾诉、喃喃细语、安慰、爱抚、叹息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、爱情等内心的复杂情感,也可以表达空谷回声、黄昏钟声、高山流水、粼粼水波等大自然的奇观美景以及阳光、月色、云彩、微风等看得见摸不着的物体。总之,所有称之为音乐的东西都可以在钢琴上弹奏出来, 而音色的变化使音乐的表现具有广阔的想象空间和表现范围。

一、钢琴独特的音色美

在辽阔的音乐世界,乐器的品种类别数以千百,但人们却对钢琴情有独钟,那是因为钢琴本身所具有的独特性能和审美价值。钢琴的气势宏大,没有哪件乐器可以与之相比。它既有辽亮辉煌的音响,又有绚丽多彩极具丰富的音色。钢琴音域广达6-7个八度,力度变化从最弱到最强,体现了大幅度、多层次音响特征,其丰富的表现力可以与一个交响乐队媲美。通过弹奏等技术处理又可以使音乐变化多彩„„钢琴这种乐器在笔者的印象中是最理智的,弹奏时脑海里总是浮现各种更感性的、更具体的声音形象,包括人声和世界上所有乐器所表现出来的各种各样的色彩。因此钢琴演奏者不需要任何人的帮助,一个人就可以单独在钢琴上塑造出绝对完整的形象,创造出某种完整和完美的钢琴作品。

钢琴有它独特的音色美,有它的“自我”,无法与其他东西混淆。我们应当了解并喜爱钢琴独特的“自我”,从而彻底理解它、掌握它。音色美给人以官能上的快感,这种源于物理属性的生理反应,是一种初级的灵感。但从键盘上流淌出来的音乐,却蕴涵着丰富的音乐美的内涵,这种有旋律、和声、调式、调性、肢体、曲式、速度、力度等音乐表现要素交织在一起所构成的音响美,不仅给人以情绪的感染和精神的愉悦,而且还具有一定的启迪智慧、完善品格的效应。只有当你在钢琴上弹出不可能的东西时,你才能弹出钢琴上一切可能表现的东西。心理学家认为,概念、想象、愿望是可以跑在实际的东西前面的。贝多芬耳聋后创作了他听不见的钢琴音响并且预示了钢琴在数十年后的发展。作曲家的创作精神为钢琴音响探索出了新的规律,而钢琴就逐渐地适应了这些规律。

从钢琴弹奏的原理上看,钢琴是键盘乐器,是通过琴槌击弦发出声音的,因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。在弹奏运指的同时,自肩起贯通至臂腕部,力量从上至下,无阻隔的传递到指间,这需要学生上部身躯各个部位能够相互协调并运用自如。尤其是臂腕部尽量放松,整体投入、上通下点、手指站立,这样所发出的音响通透亮丽,松弛而有弹性,富有光泽。在节奏旋律上有脉动感,有活力,更有清澈的颗粒性。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指,使其独立、主动、灵活;使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。这对展现出钢琴所长是关键性的步骤。

二、正确的触键方式是获得良好音色的前提

篇6：浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

钢琴艺术不是单纯的演奏方法和各种技能技巧的训练，而是演奏全面素质的培养和训练。一个重要的不窑忽略的方面，就是演奏心理对演奏的作用和影响。演奏心理是学习与实践过程中心理现象的反映，认知演奏者在演奏学习、艺术实践中的心理变化规律，是提高演奏能力和课堂教学水平的重要环节。演奏心理支配和影响着技能技巧及音乐情感的发生和发展。演奏心理意识的外在反应就是演奏的行为，也可以说演奏艺术是人的演奏心理的艺术。

在钢琴教学中，一些教师已经自觉或不自觉地把演奏心理教学运用到课堂中。心理教学法深化和发展了传统的生理教学法，揭示了演奏与触键的产生和发展规律，体现了钢琴艺术的科学性。作为钢琴教师必须要掌握钢琴教学的心理规律，从而启发学生运用意识、感觉、想象、情感等心理手段，对演奏与触键的生理技能进行调控。心理学使我们知道，人的心理活动直接影响到实践能力。在钢琴教学中会出现一些现象，由于演奏心理的不稳定使演奏能力、演奏水平都随之发生变化。如一些学生在上课或自己练习的时候弹得很好，但一有观众就会局促不安，演奏时会出现手臂僵直、手腕僵硬、手部紧张弹不开、触键方法不正确、弹奏力度不统一等诸多问题，使演奏水平大打折扣。还有些学生在台下练习得非常熟练，可一到台上就会出现忘谱、错音等情况，这是由于紧张失控而产生的演奏心理障碍。各种因素造成的情绪紧张，会使已经熟练的动作和熟记的材料不能重新回忆、再现或再做，被心理学家称为“怯场”。“怯场”是一种心理反常现象，是不正常的心理和生理过程所造成的，这样的演奏心理会给演奏带来极大的影响。

钢琴艺术不同于其他科目，较为抽象，不够直观，完全是凭演奏者的感觉和体会来掌握演奏的技能技巧。17世纪意大利入培特罗·托西指出：“没有敏锐听觉的人永远也不应当从事教学工作……”在多年的教学工作中使笔者深有体会，很多演奏技巧不是演奏理论能够讲得清楚的。学生的演奏能力与理解力又各不同，教师就一定要因人而异，采用不同的教学方法来启发引导学生。在演奏训练中，凭借着自己的思维展开丰富的想象，将弹奏的原理和机能中比较抽象和不易理解的`概念变得滴晰可辨、浅显易懂，多采用“比喻”的方法，是达到这一目的的重要教学手段。教师在钢琴教学过程中对演奏技巧与演奏心理应给予同等的重视。

在钢琴的教与学的过程中，要注重加强演奏心理训练。演奏心理训练培养演奏者善于控制和调节自我心理状态的能力，在演奏时能置于乐曲角色之中，达到最佳的演奏状态。笔者在从事多年的课堂教学和演奏中初步探索出了一些对演奏者进行心理训练行之有效的途径和方法。

一、激发学习兴趣，加强意志和性格的培养

大多数演奏家都对自己从事的事业有着强烈的爱好和情感，这种情感是从兴趣开始的，是兴趣的升华，只有对钢琴艺术充满了兴趣。才会为之努力。教师在教学中要把调动学生学习钢琴的积极性放在首位。托尔斯泰说：“成功的教学所需要的不是强制，而是激发学生的兴趣。”教师的神态、语言、动作、指挥、示范等一切教学行为都会传送出情感的信息。教师要以积极饱满的情绪去感染学生，教师以亲切自然、满怀信心的形象出现在学生面前。会给学生留下美好的印象，会使得学生心情开朗、满怀激情地投入到钢琴学习中去，以使学生从训练之初，就养成一种良好的演奏精神状态，非常自然地、诚挚地带着美好的愿望投入到钢琴学习的情绪中。此外，还要不断地开阔艺术视野，大量查阅音像资料，提高音乐艺术审美能力，使教与学有机地紧密地融合在一起。

人的心理特征的重要方面是意志和性格，是经常的、稳定的、本质的心理特征。每个人自身所体现的意志和性格都各有不同，就性格方面而分析，分为外向型和内向型。外向型的学生性情会较为开朗、乐观，自信心强，演奏心态积极，演奏心理相对比较稳定。而内向型性格的学生在同外界接触中，就会比较紧张、缺乏自信心、容易害羞。大多数内向性格的人在演奏时会出现消极的演奏心理，就是“怯场”的心理。对于这种情况的学生，教师就要采用多鼓励、多欣赏的方法，多给学生表演锻炼的机会，让学生对自己的演奏充满自信。平时要多培养演奏的情绪，保持饱满、乐观的精神状态，经过长时间的训练，才会使学生拥有良好的演奏状态。另外还要注重培养学生努力钻研的学习精神，加强演奏技能技巧的训练，具备了一定的演奏能力，自信心自然就会随之增强。

二、培养演奏实践的能力

演奏艺术是舞台艺术，是同观众见面的艺术。要鼓励学生在课下多参加舞台实践活动，积累舞台演奏的经验与自我驾驭的能力，在反复的舞台实践中不断地改善自身的心理状态，消除心理障碍，实现自我调控能力，从而在演奏中能够更加充满信心：在上台前，要保持积极向上的演奏状态，培养演奏的欲望，稳定心态;在演奏时，注意力要高度集中于乐曲之中，不受外界干扰，音乐一起就要全身心地投入到乐曲的情境中。有这样一句话：“先打动自己才能打动观众。”这样演奏时就能始终处于可控状态。另外台上。演奏时的表情感觉要与乐曲表现的内容相吻合，而且还要注意落落大方的台风，上下台的步态及舞台礼仪。作为演奏者，其歌奏的目的就是要使观众融入到你所演奏的乐曲情感之中，只有弹奏与表演协调一致，才会把观众带入到美的感受中。

篇7：浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

【摘 要】音乐是一种特殊的语言,对乐句的感觉有如画家对线条的感觉。学生要学会处理乐句,要了解句子的抑扬起伏与气息,不懂得钢琴的句法是弹不好琴的。要让琴键歌唱,怎样唱?简单的说就是要把内心的感受、感情通过柔韧的手指在琴键上唱出来。在钢琴教学中,应根据学生和掌握弹奏技术、技巧过程中不同阶段的特点,采取相应的教法,充分认识钢琴弹奏技术、技巧形成的规律性和阶段性,才能提高演奏能力,把钢琴教学搞得更好,进而完成教育培养目标和任务。

【关键词】钢琴 放松 呼吸

随着社会的日益发展和音乐的不断更新,人们对音乐的鉴赏能力和对钢琴的熟识程度有所提高,这就更要求学生提高专业水平和演奏能力来迎合观众的品位。在钢琴教学中如何提高学生的专业水平,如何培养学生的演奏能力,是钢琴教学中至关重要的一个课题。

练琴时应该把注意力集中在放松弹奏上。这需要足够的耐心去提醒学生要用自然的动作弹奏,并意识到弹奏过程中积累起来的紧张,不断提醒学生“肩放松,胳膊放松”,同时,常把双手搭在学生两肩上或前臂上,让他体会并做到松弛。

力量和灵活性的结合对钢琴演奏来说是很重要的。胳膊,手和手腕应该以这样的方式移动,即把胳膊的重量,关节的灵活性和肌肉的强度协调起来。当你推某物或按某个按钮时,用灵活的腕部和肘部协调的移动胳膊,不要有任何僵硬的感觉,这样胳膊的重量就会输送到你的手指上,在指尖和整个胳膊提供的重量之间产生杠杆作用,不需要施加过多的力去做“推”这个动作。所以学生们应该学会在钢琴上运用这种胳膊的自然重量,并重视手腕和肘部的协调性动作,因为他们的柔韧灵活性会缓冲对关节和肌肉的负面影响。这样,触键方可不费余力,且声音通透。

如何培养乐句感?

一、注意音乐听觉的培养

音乐是听觉艺术。钢琴音乐演奏效果的优劣首先取决于演奏者是否用听觉去感知乐曲的.旋律特点、节奏变化、和声的浓淡、调性的色彩等。如果演奏者离开了用“音乐的耳朵”去监控自己的演奏,则她也无法在音乐的理解、布局、设计等方面与双手在键盘上的操作达到协调,吻合。如演奏者具有良好的音乐听觉能力,便能敏感而又生动地感知音乐句子结构生动具体的形态特征。

二、注意音乐的歌唱性

通过学生有声或无声(内心)的歌唱与演奏相结合来培养与发展“听觉表象能力及调式感”。这种培养与歌唱活动的联系最直接、最紧密,所以许多钢琴教育家及演奏大师常在教育中极力提倡演奏要有歌唱意识。

音乐的旋律总是在流动着的,乐句经过起句——推动——走向高点(高潮)——收束结尾,这是音乐语汇的基本方式。把这些乐句的结构表达清楚,像平时讲话一样有语调、语气、呼吸,就能赋予音乐自然的生动性,使之“像说话一样”。

有的学生练琴经常不动脑筋,纯粹是机械般的演奏——至少在练习一个艰难乐段是这样。在学习新曲目时,首先要看乐谱的调性调式,拍号,形成一个总的概念——要用脑,然后找出最困难的段落,标出指法——要用脑。指法非常重要,可能决定一个乐句是否能连贯,指法是把握性的基础。有时,需要很慢的弹奏一首乐曲,以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样帮助检查音符的准确性及句法,因为慢速弹奏时,如同看到慢放的电影一样,你看到每一个细节,并同时加强了记忆。能更清楚的看到不同的曲式和和声的组合等。

说到呼吸,我深有感触。在任何一种生命体当中,起决定性作用的永远都是呼吸。当一个人刚出生时,用什么来证明他是活着的,那只有呼吸。如果一个人停止呼吸,她的生命便随即终止。当音乐艺术出现的时候,人类首先是用嗓音,声音和语言将音乐唱出来和表现出来的。任何音乐都是被呼吸所分解的。任何一个从事吹奏乐的演奏家,任何一个弦乐演奏家,都懂得这一点。可以想象一下,如果歌唱家一口气唱完两三分钟的歌曲,很容易想象得出,听这种歌唱要有多么受罪。巧妙的呼吸是任何一种演奏活动的神经。每当学生演奏她自己不知是什么旋律的乐句时,我便会让他唱出来,慢慢体会音乐的呼吸。

在钢琴演奏和教学的诸多因素中,人们往往过分地强调技术和技能技巧的意义,而对于弹奏的歌唱性、思想情感的表现等重要因素则往往重视不够。

要让琴键歌唱,怎样唱?简单的说就是要把内心的感受、感情通过柔韧的手指在琴键上唱出来。实际上是心在歌唱。声音只是传达感情的媒介,嗓子、乐器都是发声的器官,它们只有发自内心才能唱或弹出优美如歌的声音来。所以古人云:“凡音之起,由人心生也,人心之动,物使之然也。”声音是由内心发出的,是由于对客观事物有感而发的,有什么样的感情就会有什么样的声音。没有感情,声音再纯净再华丽也是无生命的,苍白无力的。犹如人们说话:心情好,说起话来就和缓、悦耳动听;烦躁、愤怒就急速、粗厉。前者是悦耳好听的关键;后者是动听感人的关键。其实音乐也是一种语言,一种国际语言,直接表达感情的语言。

俄国大文豪列夫.托尔斯泰认为:音乐是最崇高的艺术,它对情感最敏感,它可以表达人们各种情感的波动与转换,是“感情的速记”。李斯特也认为音乐有一种最高的性能——“它能够不求助任何推理的形式,而复制出任何内心运动来;它是具体化的、可以感觉得到的我们心灵的实质”。钢琴作为乐器之王有着近于交响乐的表现力。特别是发展完善的现代钢琴,它可以独立地表现任何感情的强度和幅度。但由于它的技术艰深、复杂,往往需要长期甚至是毕生的艰辛练习才能达到炉火纯青的地步。久而久之,教者与学者就把技术看得头等重要,夸大技术在教与学、表演中的意义,甚至于思想感情的表达剥离开来专攻技术而陷入重技轻艺的误区。

在钢琴教学中,应根据学生和掌握弹奏技术、技巧过程中不同阶段的特点,采取相应的教法,充分认识钢琴弹奏技术、技巧形成的规律性和阶段性,才能提高演奏能力,把钢琴教学搞得更好,进而完成教育培养目标和任务。

参考文献:

[1]刘庆刚.钢琴演奏与教学[M].北京:人民音乐出版社,.

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海:世界图书出版公司,.7.

[3]魏小凡.少儿钢琴学习之路[M].哈尔滨:哈尔滨工程大学出版社,.

[4]魏廷格.钢琴学习指南[M].北京:人民音乐出版社,2003.

[5]葛德月.朱工一钢琴教学论.[M].北京:人民音乐出版社,.

篇8：浅谈钢琴演奏技术的基本要求

关键词：钢琴演奏,基本要求,协调,稳定

在钢琴演奏过程中, 需要一定的演奏技术, 演奏者单凭良好的音感觉和天赋是无法完美诠释所演奏的作品的。这里所谓的技术, 表现为有助于演奏者达到表现音乐的目的所使用的各种方法。“所有方法手段”包含很多因素, 比如说:文化知识学习、艺术素养培育、体育锻炼等。所有的手段都是为提高钢琴演奏技术服务的。对演奏者来说, 钢琴演奏技术的掌握是必不可少的, 初期的练习显得异常枯燥乏味, 这要求每位初学者花费大量的精力、时间来完成这一阶段的任务。

综合国内外优秀的钢琴演奏家的经验, 钢琴演奏技术的基本要求大致可以归纳为以下四个方面:

一、动作协调是弹好钢琴的第一要务

演奏者身体的各个部位都能够以适当的进行互动 (以最节约时间和力量的方式) , 最后完成弹奏, 也就达到了动作协调的标准。演奏者在演奏的过程当中, 手掌与手臂之间的角度可以通过手腕左右的小幅度移动来调节, 达到积极参与手指动作的目的, 这种做法使得重心和力量在手臂和手掌之间来回转移。在钢琴学习过程里, 通常我们会看到“放松”这个词, 其实用“协调”来形容钢琴演奏更为合适。

对于钢琴学习者, 通过“泄力”的方式可以体会到力量的通顺, 具体做法是:先让演奏者提起手指, 突然泄力, 如果演奏者力量通顺而不是僵硬, 手臂就会自然下落而不是僵持在空中, 力量的通顺感可以通过这种方法体会。钢琴演奏者在演奏时得到通透的音质, 动作上的协调是第一要务, 只要在动作协调的情况下才可以弹奏出与自身力量相当的力度, 进而很好的诠释演奏的作品。

有些演奏者在实际演奏过程中为了追寻绚丽的舞台效果故意在演奏过程中夸大自己的动作幅度。这种做法是不对的, 这就违背了动作协调的第一要务。这种错误比较常见, 有些演奏者在演奏结尾时大幅度的扬起整个手臂很投入的在空中划动, 动作酷似指挥。另外还有一些演奏者在演奏连贯的乐句时习惯性的在每个句尾都提手腕大幅度地画弧线。所有这些动作不仅是多余的, 而且是错误的, 会影响演奏效果。必须强调的是:钢琴演奏是听声音而不是看表演, 多余的动作违背了省的基本原则。多余的动作虽然有利于舞台效果, 但音响效果未必会好, 同时还会使钢琴演奏更加吃力, 所以演奏者应在两者之间找到一个平衡点。

二、手指灵活是弹好钢琴的必备基本功

钢琴有体积庞大和键盘宽广两大特点吗, 市面上常见的钢琴键盘一般宽度为140cm, 在钢琴演奏过程中中, 几乎所有的的琴键都需要被多次触及, 也就是说钢琴演奏者的两只手需要不断的在键盘上迅速的来回“移动。这就对演奏者手指灵活性的基本功有很高的要求, 手指灵活的相关训练是所有训练里最为严格困难的。《哈农钢琴练指法》是大多数初学者的首选, 该指法练习作主体的不同呈现出多姿多彩的形态。对于任何一次近乎真实的音乐表演, 我们不仅要承认创作主体所赋予作品永久意义的生命内涵, 更应尊重诸多音乐解释者对于同一作品的不同意义的呈示。不能否认, 这些创作主体之间或多或少是会有抽象的或是具象的交汇的, 音乐创作中的多重主体性也便由此体现。

里, 每一条的目的性和针对性都很强, 高强度和高针对性的练习对提高手指以及手臂的灵活性有很大的好处。各个手指可以快速准确地弹奏琴键的任意位置灵活性的基本要求, 也就是说每个手指都必须有独立触键的能力。就好比练习武术的人在小腿上绑沙袋跑步以练习腿部的力量一样。同样的道理, 钢琴演奏者则需要加强各个手指功力的练习, 换句话来说:力量是一切动作的前提。

三、身心稳定是弹好钢琴的必备条件

钢琴演奏的第三个要求是身心稳定, 这里的“稳定”指的是心理和身体活动的稳定。一般的钢琴演奏要求演奏者以稳定的姿势坐在琴凳上, 双脚自然下垂踩住地面。儿童由于个子矮无法踩住地面, 解决办法是在练习者脚下加一个板凳。脚不可以晃在空中, 否则身体的重心无法稳定。演奏过程中除了根据需要身体做一些稍微的移动或者根据韵律做出一些轻微的晃动以外, 绝对要杜绝身体上的表演, 初学者容易犯这类错误, 好的钢琴演奏需要一个相对稳定的状态。但是并不是说演奏者的重心永不改变, 有些情况下就需要我们用上全身的力量, 比如当演奏者遇到演奏力度强大的和弦时就需要对身体位置进行调整, 也就是说即使是演奏者整个身体离开琴凳在演奏过程中也是有可能存在的。所以说身体稳定并不等于身体的完全僵直, 是指在演奏过程中进行合适的重心调整。

稳定的另一方面是心理稳定, 它也是钢琴演奏者的必备素养。钢琴演奏与美术、文学、作曲有着很大的区别, 钢琴演奏者在进行表演时从触响琴键开始就没有了反悔的余地。这要求演奏者在平时的练习过程中必须细心对待乐谱并熟悉演奏环境, 做到心中有数。只有这样, 即使在演奏过程中遇到突发事件, 演奏者也能够应对自如。

四、思维敏锐是演奏者提升个人技巧的必由之路

忘谱、错音等意外情况在演奏过程中是不可避免的, 在出现这些情况以后, 要求演奏者能够马上调整好心态和演奏状态, 只有这样才能够把失误的影响降到最低限度。演奏者只有在拥有良好的敏锐性的情况下才能达到这种要求。拥有一副挑剔的耳朵是满足这一基本要求的条件, 能够判断音乐的美感。声部的平衡等。要想培养良好的敏锐性, 首先要培养听觉系统, 最好的方法是听大量的唱片, 然后听不同版本的同一作品。在满足这一系列的条件后一定要积累丰富的舞台经验, 舞台经验越多, 体会的越多, 演奏就会更加自然更加优秀。

参考文献

[1]张洪岛主编.欧洲音乐史[M].北京, 人民音乐出版社, 1983.

[2]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海, 上海世界图书出版公司, 1999.