钢琴演奏基本教学方法初探论文

钢琴演奏基本教学方法初探论文（精选11篇）

篇1：钢琴演奏基本教学方法初探论文

摘要一门学科、一个专业、对任何需要掌握它的人来说其原理法则是一致的。在钢琴教学中不论你是钢琴专业的学习，还是师范、幼师所学的钢琴课，应该严格掌握钢琴弹奏的基本方法，为学生打好正规而严谨的钢琴基础。

关键词钢琴课弹奏法教学方法

培养学生掌握正确的弹奏方法：

初学者学习识谱，练习坐姿、手型之后，同时训练学生掌握“自然重量弹奏法”即被称只为“吊手腕”，手臂自然下垂，使其力量通过柔韧的手腕与稳固的手指有控制的触键，每弹完一个音，再用大臂带动小臂自然将放松的手腕提起，然后落肘回腕，借下落的自然速度，把重量自然的控制地集中于预定手指指端，手指保持规定形状形成支撑点。

“吊手腕”练习开始时，用长时值、慢速度的音符，目的在于保持手行的前提下，手臂的自然重量和手指的正确站立，在后可动作逐渐加快，动作的幅度逐渐减小，处学者作为起步，这种学习是必须加强的。

关于训练学生手指独立、灵活性的练习

为了培养手指的动作意识，锻炼手指的灵活性、独立性，克服手指相互间的粘连状态，手指尽可能抬高，下键动作、触键方式要迅速、果断、有力，这种练习方法是我们获取技巧的一种方法，并不是应用技巧本身。

单个手指的抬高练习，使每个手指的独立性和灵活性能达到演奏各类练习曲、乐曲对手指独立性的要求，特别是对于无名指（四指）的单个抬高的练习，对于手指的整体灵活性事一个质的飞跃。同时要练习手指整体抬高灵活性的练习，引深到乐曲和练习曲的弹奏之中，使旋律线条的连续性及手指跑起来的速度、力量能达到一个大的提高。钢琴弹奏中的用力和放松时矛盾的统一体，抬指练习的基本步骤是一个手指完成抬高落键之后，抬起第二手指落键而依次进行，要求在第一手指下键同时，完成第二个手指的最佳预备状态下键准备，而手指的准备状态通常是指离键的抬起状态，在弹奏中构成连续性手指交替动作，这是速度与速度有结合地应用。抬指的高度和下键的速度要根据曲目的速度、力度、声音要求进行调整，手指抬起的高度、下键动作的速度与力度成正比，手指动作无论是幅度、速度、力度，都是受掌关节的操纵和控制，因此掌关节应是紧而不僵，松而不软。

关于连奏在乐曲练习曲中的作用

连奏是钢琴演奏中最基本最多见的演奏技巧，使旋律均匀流畅的基本方法。正确地掌握和熟练应用好连奏技法是练好基本功的主要任务之一。

连奏是应用特定的触键与手指交替方法，把两个以上乐音连接起来，构成长和短的乐句，以实现音乐表现的特定要求，连奏的技术主要是“连”，手指交替衔接必须在同一时刻完成，中间物间隔，连奏中的手指交替支点始终附着在琴键上，连奏的动作过程应该是平稳自然谐调连贯的。

在练习连奏的过程中，对于手指交替原则要把握好，注意手指交替把握不好重心控制不牢，未等预备手指下键，落键手指以过早放掉了，动作没有衔接，声音连不起来。预备手指已经落键发音，前一手指滞留不起，容易造成声音的重叠与混浊。以上我们可以把连奏技法概括为，支点的交替、重心的转移、力量的传递。

正确的弹奏方法是通过合理的、适当准确的弹奏动作来体现，良好的技巧发挥方式与生动的音乐表现内容相统一使声音与动作构成一个完整的艺术整体。

篇2：钢琴演奏基本教学方法初探论文

从事任何一种技术性的工作都要有基本功的训练，钢琴演奏的技术性要求更是非常高。因此，基本功的训练就更不容忽视。钢琴演奏的基本练习主要包括：音阶、琶音、双音、和弦、八度等。

简单地说，将音乐所用的乐音，按音高的顺序依次排列起来，形成阶梯状的序列，就是音阶。音阶的练习对演奏的训练是非常重要的，是各种演奏技术的基础，对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中经常会遇到各种音阶式的片段，如果演奏者能非常熟练地弹奏音阶，那么在演奏乐曲时，就可以得心应手。玛格丽特·朗曾说过：“一挥而就的快速音阶弹奏，是进入高级演奏艺术的绝妙台阶。”弹音阶，所有手指都能得到练习。十个手指天生的能力不一致，而音阶要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶就会使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力。音阶的弹奏最后一定要达到一定的速度，可以训练人的灵活、快速反应的能力。

音阶的练习可以帮助学生熟悉音键的位置。全部音阶，由24个大小调组成。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式、调性。熟悉了音阶，也就熟悉了所有这些调式、调性。在乐曲中，常有音阶或音阶式进行，往往这也正是技术难点。平时弹好音阶，就为克服乐曲中的难点，事先做好了准备。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把

音阶弹得较快而又均匀，是很难的。必须每天认真练习，长期坚持才能弹好。音阶弹奏的水平，是学生技术水平的标志之一。

音阶主要分为：

（1）大音阶，两种。分为自然大调音阶与和声大调音阶。一般主要练习前一种。

（2）小音阶，三种。分为自然小调、和声小调和旋律小调。主要练习和声小调和旋律小调。

（3）半音阶。此外还有各种民族调式音阶。

这里主要分析一下大音阶和小音阶，可以看到它主要是由两种因素构成：一为用三个或四个、五个手指连续弹级进的音。一为用大指从一个位置转到另一个位置。弹奏音阶的基础，是手指通过五指练习，已经具备了一定的独立性和灵活性。在这个基础上，学会手位移动的正确方法就是弹好音阶了。在教学中称它为“转弯”，大指必须转到其他手指下面去弹奏，这是弹好音阶的关键。

学习音阶，右手宜从B大调，左手从降D大调开始，这样大指正好在白键上，其他手指都在黑键上，最符合自然手型，容易掌握。然后右手再学习E、A、D调，左手学降A、降E、降B等调。这样安排出自对弹奏的科学性和弹奏由易至难的渐进性的考虑。当然也可以用从C大调开始，逐渐增加调号的顺序学习。

一、弹奏音阶的基本要领。以右手C大调音阶为例：

（1）第一个音用将手“落下”去的方法弹出。在速度不是

很慢时，第一个音落下去的同时第二个手指就要抬到一定的高度，做好触键准备。

（2）提前准备的原则是：假如是用很慢的速度练习，抬指准备可以不与弹前一个音同时，因为停在空中等待会带来多余的用力。但在稍快的速度时，则务必在弹前一个音的同时，抬起后一个音该用的手指，及时做好准备。而在很快的速度时，几乎是第一个音一出来，后面的几个手指随之就都做好了准备。这时，准备的手指并不抬得很高，但务必在指端与键面之间保持一点距离。

（3）C大调的E到F，是右手3指后接大指而必须移动右手位置的时刻，是弹奏音阶的关键。要领是，在3指弹E的同时，大指已经在手腕的协助下，从掌心下面移动到了F音的上方。到了B和下一个C，即4指到大指时，要领与3指到大指又是一样的。

（4）大指触键可以有手腕的协助，但务必也要有独立的下触动作，不能只靠手腕。

（5）大指触下F的同时，2指就要处于G的上方，刚才斜着的手也要同时正过来。下行时的道理相同，在F到E，即大指后接3指时，一定要在大指弹下F同时，3指已经从大指上面转移到E的上方。大指到4指的连续也同样。

（6）音阶各音的力度、音量要均匀，唯最低音和最高音可稍强调一点，因为这是线条的转折处，要给人一个清楚的印象。

（7）手掌、手腕基本平稳，腕、肘部保持自如感，配合手指的转换，尽可能提供“方便”。

（8）初学音阶，开始先分手练，以便听清每一个音的质量是否都合格、统一，转移位置是否感觉自如，检查指法是否准确，之后再合手练习。

二、指法正确是弹奏音阶顺利的保证，因此必须严格地掌握正确的指法：24个大小调左右手都各有七种指法。要通过分析进行归类，这样才不容易忘记

（1）右手：白键除F大小调外，C、D、E、G、A、B大小调的指法相同。

降A（升g）大小调以及升c、升f小调指法相同。

F、降E、降B各大调与该同名小调指法相同。

降D（升C）与降G（升F）大调与其他各调指法都不同，需逐一记忆。

（2）左手：除B大小调外，C、D、E、F、G、A各白键大小调指法相同。

降D（升C）降A（升g）各大调与该同名小调指法相同。

B、升F（降G）各大调与该同名小调指法相同。

降b与降e小调指法与其他各调都不同，需逐一单记。

以上分析中提到的小调一般对和声小调和旋律小调都适用。但旋律小调有两个例外：左手升g小调与右手升c小调，它们本身的上行与下行指法不一样。

三、音阶弹奏应有一个由易到难、循序渐进的过程

音阶弹得速度快而又力度强，不是短时间练习所能达到的。对于初学者，在速度、力度的要求上，应该有一个循序渐进的过程。一般来说，音阶练习可经过由弱、慢逐渐到强、快。在开始时慢而又弱，是为了找到在最自然、最省力，手腕和手指最协调的状态下，弹出最均匀的音阶，当然不能过慢。无论一个八度还是四个八度，都要作为一个整体去感觉，做到动作有连贯性。只有在连贯性中，才能显示出阶梯的音的序列来。如果速度过慢，每个音停留过长，就会变成一个个孤立的音，动作也会连贯不起来，还要削弱或失去音的阶梯性的声音形象。

篇3：正确认识钢琴演奏基本方法

一个好的钢琴演奏,离不开智慧与技巧的配合,而要练就一个纯熟的技巧,则需要练习者注重对自己的手语臂节的训练。因此,我们可以说,对手与臂节的训练师将钢琴演奏好的前提。而将手与臂节的关节细分一下,除了大拇指关节以外,还可以细分为6个关节,而每个关节在钢琴演奏中,都有自己的功用和价值。

一般来讲,我们所说的第一关节是指连接手指尖的关节,该关节的主要作用在于给指尖提供支撑力,以确保指尖通过敲击钢琴键能够产生出各种各样的音色,这对于一个好的演奏效果具有至关重要的影响。在演奏过程中,我们必须对指尖敲击钢琴键的方法足以重视,才能保证钢琴的演奏效果,否则会由于关节的无力而导致敲击出的音色不佳,影响演奏效果。而第二关节则是要在钢琴演奏中帮助手指保持住弧形,以使手指支撑能够有个缓冲,使指尖能够感受到手指的力量,演奏者可以通过弯曲的大小和方式,以改变指尖的力度,进而能够使敲击出的音色发生变化。第三关节主要是通过手指和手指跟上下的活动能力使手指能够迅速抬起和落下。我们所说的第四关节就是手腕关节,该部位很特殊,手腕的高度要刚好,否则则很可能影响演奏效果。肘部关节,即我们所说的第五关节,该关节主要是在其他关节活动时能给手臂一个支撑力。肩部关节,即我们所说的第六关节,它是该六个关节的领导者,通过带领各个关节的运动,为演奏者提供一个出色的爆发力,进而保证钢琴演奏的效果。

演奏的基本方法有断奏、抬指、连奏练习,在这些练习中又要注意手指手型以及形体语言和保持用脑思维。

通常来说,对断奏的练习方法主要是以下内容:先要身体保持坐正的姿势,肌肉呈放松状,然后将上臂和肘部提起,位置与肩齐平,再慢慢将肘部落下,腕部回扣,通过借助自然物体的下落速度,将手臂的力量集中在预定指尖,再触碰琴键发出声响,手指在此时是整个手臂的支撑点,手臂的所有力量都集中在此,这样肩臂就不会有所谓的悬空感,练习者此时肌肉就可以自然放松下来,该方法下敲出的声音才是浑厚结实的,同时又避免了那种肌肉僵硬状态下的压、敲击等不正确的敲打方式。因而,对断奏的练习是使学习者学会自然运用手臂自然力量的最佳方式之一,因此不容小觑。

断奏触键练习是巩固手型的必要手段。在对钢琴的弹奏过程中,弹奏者的手型并不是长时间保持一个姿势不变的,而是会有所改变,会随着技巧对手指的要求的变化而变化,具体来说,我们可将其划分为两种类型,一种是基本型,该类型对手型的要求是将指尖保持自然的间距,手指保持自然弯曲,掌关节部位稍微有些隆起,虎口部分则保持打开,整个手就好像握着一个球状。第二种是变化型,是在基本型上有所改变,主要包括拢缩型和伸展型。实际上,在钢琴演奏过程中,演奏者的手型不可能是一成不变的,而是各个手型交替使用,初学者只有在掌握好基本型的手型基础上,才可能掌握后期的变化型的手型。

一般来说,初学者都先从断奏开始练习,练习断奏的目的在于保持手臂的自然力量,而对手臂自然力量的运用程度熟练与否对后期的演奏效果具有很大的影响,因而,初学者必须对此予以一个漫长的联系过程,在前期练习中,速度较慢,到后期练习及演奏的过程中,则应加快,以保证演奏效果。

再看抬指,所谓抬指练习,实际上是对各个手指间的配合的练习,即当一个手指的触键动作完成后,第二个手指就要做好预备工作,而除了触键手指和预备手指之外,其他手指则应当保持一个自然的状态,确保其处于一种随时候命的状态。

抬指练习是为了克服手指相互粘连,增加手指独立动作意识的一种辅助性练习,这种练习可以使触键方式变的迅速、果断、有力,但是这种练习方式会将演奏引入另一种状态,即所有音符都运用抬指,弹奏时只有个别音响,乐句感觉消失了,旋律线条淡化了。由于频繁的、单个抬指下键破坏了动作的连续性,手指跑不起来,速度发生问题,演奏就变的十分死板,没有美感。由此可以看出,钢琴演奏中的用力与放松是一个事物的两个侧面,我们练习抬指,要锻炼手指的独立性与灵活性,而不能把抬指练习作为单一的、主要的训练方式,同时还必须和培养敏锐的听觉和良好的音乐感觉结合起来。

接着看连奏,所谓连奏,是把两个以上的乐音连接起来,构成或长或短的乐句。连奏技法的主要特征是"连",手指交替衔接必须在同一时刻完成,中间不能间隔。在学习连奏的过程中,会遇到两种不良现象:一是对手指交替原则把握不好或重心控制不牢,未等预备手指下键,落键手指就已经放掉了,动作没有衔接,声音连不起来。二是预备手指已经落键发音,前一下键手指滞留不起,造成声音重叠与混浊,这两种错误现象都必须认真加以纠正,否则,将不会出现正确的连奏效果。只有正确掌握连奏技法才能弹奏优美如歌的旋律。

钢琴演奏本身是一种艺术,它包括演奏者的仪态、气质、弹奏的方法方式以及美妙的琴声和所描绘出的生动而鲜明的音乐形象,人们欣赏钢琴演奏连同其它表演艺术一样,听觉和视觉都应该得到满足。因此,正确的演奏方法需要通过合理、适当、准确的弹奏动作来体现,我们要追求"内功"与"外形"相统一,良好的技巧发挥方式与生动的音乐表现内容相统一,使声音与动作构成一个完整的艺术整体。

无论是工作还是学习过程中,只有用脑袋去琢磨了这件事,才能够集中自己的注意力去做这件事。在钢琴的演奏过程中,很明显的就可以看出练习者是否有用脑练琴,那些用脑练习琴的人会比没有用脑练习琴的人更专注于练习,能够将自己沉淀下来。因此,钢琴练习者必须要注重培养自己用脑练琴的习惯,这不仅能够提高其学习效率,而且对其今后的工作生活都百利而无一害。

篇4：初探钢琴演奏中的紧张心理

关键词：钢琴演奏；紧张；放松；技巧

钢琴演奏是不仅仅是一种手指的肌肉运动，更是一种人脑复杂高级的心理活动。在钢琴演奏中能否具有良好的心理调节能力是决定演奏者技艺正常发挥的一个特别重要的方面。从钢琴的初学者再到钢琴演奏大师，几乎所有的人都会出现因为心理紧张、怯场等情况，而导致演奏不能达到预期的效果。比如有名的钢琴家霍洛维兹、拉赫玛尼诺夫、安东·鲁宾斯坦就是因为自己的紧张心理一直不能得以控制而不得不放弃自己的演奏生涯。因此，如何有效调节钢琴演奏中的紧张心理，会是每一个演奏者在钢琴的学习过程中必须要关注重视的问题。

1简析钢琴演奏者的紧张心理

演奏者的紧张心理在心理学科被认为是人们的一种情绪。舞台的紧张心理也叫做舞台焦虑、怯场，是一种常见的不良心理现象。在正常的情况下，大脑皮层的兴奋和抑制的过程是彼此平衡的；而在演奏者对上台演奏感到紧张害怕的时候，大脑皮层兴奋和抑制的过程就会失去平衡甚至是紊乱。

紧张心理又可分适度紧张和过度紧张两种，适度的紧张可以让演奏者精神状态高度集中，从而使大脑皮层兴奋，表现的音乐能更加的积极出色；相反，过度的紧张则会让演奏者出现呼吸急促，心跳加速，肌肉紧张，四肢疲软频繁出汗等情况，以致整个演奏失控无法达到应有的演奏水平。钢琴家巴考尔曾经谈到她上台时候的心情：“上台之前，我紧张的要命，就好像是要上刑场赴死。我很清楚，如果我胆怯，那肯定会弹的很糟糕，但是当我坐到钢琴前了，精神便会高度集中，琴声一响我更是全神贯注于我的演奏中。大厅里面无论偶什么动静，我都会充耳不闻，视而不见的，因为我的心中只有音乐。”因此，演奏者一定得要客观的正确认识到钢琴演奏中出现的紧张心理，并且有效地去调节、控制和消除它。

2克服紧张心理的有效方法

（1）增强自信心。自信是人们迈向成功的必备条件，是对自我能力的一种认知和肯定，也是演奏者勤学苦练、完美发挥演奏技艺的巨大动力。阿图尔·鲁宾斯坦曾说过一句至理名言：“当我走上舞台，我就是国王”。这种积极地暗示语也是对提高自信有着积极的作用。在演奏之前，演奏者可进行适当的自我心理暗示，如：“我准备好了”、“我肯定可以弹好”、“我是最棒的”、“想着旋律，心里要唱着旋律”等用来集中自己的注意力。只有充分的自信心才能征服听众。在舞台上，演奏者切忌自我怀疑，自暴自弃，应该必须相信自己，肯定坚决的完成演奏。当弹错时，要暗示自己“下面的肯定可以弹好”等，决不能出错后在台上做思想检讨，扰乱思想而影响到演奏的欲望。

（2）科学的选择演奏曲目。演奏曲目的选择也就是对作品难易程度的把握。如果一味的贪大、贪难则就增加了演奏者的心理负担，容易心理紧张，缺乏自信心，从而影响到整个演奏水平。应该选择技巧适当、曲目程度稍低于自己能力的作品，这样就可以忽略掉技术上无把握的压力，使其发挥出应有的演奏水平。

（3）充分的技术准备。自如的演奏效果必须要有熟练的技能技巧做基础。台上要想做到100%，台下就必须做好200%的准备，这种把握十足的心理就会使演奏者变得心情平静、坦然，保证自己可以进入一个最佳的演奏状态。还要对良好的手型、灵活的手指、手腕手臂的自如调整，技术难点的把握度，手指对键盘短时间的适应性等等方面，都要进行一个充足完善的准备。平时的练琴也要有计划、分阶段、不间断的进行练习，还可录音练习，使自己可以更加客观的评价自己的演奏情况。也可在条件允许的情况下，提前去试琴，熟悉周围环境，在演奏开始之前，集中注意力把主旋律小声的唱一唱，静下心来想一想整个作品。一位著名的钢琴演奏家曾说过：“对于演奏前容易胆怯的人来说，练琴时认真努力是最好的一种预防办法。”俗话说的好，艺高人胆大，也只有在平时的刻苦练习中熟练地掌握演奏技巧，才能让自己在台上排除杂念，信心百倍的去自如演奏，用自己的音乐去打动台下的听众。

（4）端正演奏的动机，尽量避免外界干扰。演奏者在演出时，应该平心静气、抛开杂念，注意力集中在演奏的作品中，用心的去倾听自己弹出的每一个音符，把对作品理解的情感融入到弹奏的音乐中去，这样才能使自己的演奏技能正常的得以发挥。在演奏时，应当重视整个演奏的过程，切勿把结果看得过于重要，如果将每次演奏都与自己的终生成就和事业等因素联系到一起，估计却是事与愿违的。在上台前，尽量避免听到有关讨论紧张心理的话题，应该自己找个比较静的地方，调整好呼吸，协调好身体状态，尽力将紧张不安的状态转换为兴奋。

（5）多在小范围的听众面前进行预演。在正式演奏之前，可以先在家人、朋友这种小范围的听众面前进行多次演奏，把每次演奏都视为模拟的现场，有意识的去培养自己的适应力。也可经常参加演出活动，尽量争取上台的机会，以增强自己的舞台演奏能力。

3小结

总之，钢琴演奏时的心理素质是一个特别复杂的变化过程。每一个演奏者都应该重视它的存在，并且善于分析自己，总结经验教训，找到更适合自己的调节方法去有效地控制紧张心理，使得演奏的作品能够更加完整的得到诠释。

参考文献：

[1] 约瑟夫·迦特.钢琴演奏技巧[M].人民音乐出版社，2008.

[2] 涅高兹.论钢琴表演艺术[M].人民音乐出版社，1922.

[3] 赵晓生.钢琴演奏之道新版[M].上海音乐出版社，2007.

篇5：钢琴演奏基本教学方法初探论文

钢琴艺术不是单纯的演奏方法和各种技能技巧的训练，而是演奏全面素质的培养和训练。一个重要的不窑忽略的方面，就是演奏心理对演奏的作用和影响。演奏心理是学习与实践过程中心理现象的反映，认知演奏者在演奏学习、艺术实践中的心理变化规律，是提高演奏能力和课堂教学水平的重要环节。演奏心理支配和影响着技能技巧及音乐情感的发生和发展。演奏心理意识的外在反应就是演奏的行为，也可以说演奏艺术是人的演奏心理的艺术。

在钢琴教学中，一些教师已经自觉或不自觉地把演奏心理教学运用到课堂中。心理教学法深化和发展了传统的生理教学法，揭示了演奏与触键的产生和发展规律，体现了钢琴艺术的科学性。作为钢琴教师必须要掌握钢琴教学的心理规律，从而启发学生运用意识、感觉、想象、情感等心理手段，对演奏与触键的生理技能进行调控。心理学使我们知道，人的心理活动直接影响到实践能力。在钢琴教学中会出现一些现象，由于演奏心理的不稳定使演奏能力、演奏水平都随之发生变化。如一些学生在上课或自己练习的时候弹得很好，但一有观众就会局促不安，演奏时会出现手臂僵直、手腕僵硬、手部紧张弹不开、触键方法不正确、弹奏力度不统一等诸多问题，使演奏水平大打折扣。还有些学生在台下练习得非常熟练，可一到台上就会出现忘谱、错音等情况，这是由于紧张失控而产生的演奏心理障碍。各种因素造成的情绪紧张，会使已经熟练的动作和熟记的材料不能重新回忆、再现或再做，被心理学家称为“怯场”。“怯场”是一种心理反常现象，是不正常的心理和生理过程所造成的，这样的演奏心理会给演奏带来极大的影响。

钢琴艺术不同于其他科目，较为抽象，不够直观，完全是凭演奏者的感觉和体会来掌握演奏的技能技巧。17世纪意大利入培特罗·托西指出：“没有敏锐听觉的人永远也不应当从事教学工作……”在多年的教学工作中使笔者深有体会，很多演奏技巧不是演奏理论能够讲得清楚的。学生的演奏能力与理解力又各不同，教师就一定要因人而异，采用不同的教学方法来启发引导学生。在演奏训练中，凭借着自己的思维展开丰富的想象，将弹奏的原理和机能中比较抽象和不易理解的`概念变得滴晰可辨、浅显易懂，多采用“比喻”的方法，是达到这一目的的重要教学手段。教师在钢琴教学过程中对演奏技巧与演奏心理应给予同等的重视。

在钢琴的教与学的过程中，要注重加强演奏心理训练。演奏心理训练培养演奏者善于控制和调节自我心理状态的能力，在演奏时能置于乐曲角色之中，达到最佳的演奏状态。笔者在从事多年的课堂教学和演奏中初步探索出了一些对演奏者进行心理训练行之有效的途径和方法。

一、激发学习兴趣，加强意志和性格的培养

大多数演奏家都对自己从事的事业有着强烈的爱好和情感，这种情感是从兴趣开始的，是兴趣的升华，只有对钢琴艺术充满了兴趣。才会为之努力。教师在教学中要把调动学生学习钢琴的积极性放在首位。托尔斯泰说：“成功的教学所需要的不是强制，而是激发学生的兴趣。”教师的神态、语言、动作、指挥、示范等一切教学行为都会传送出情感的信息。教师要以积极饱满的情绪去感染学生，教师以亲切自然、满怀信心的形象出现在学生面前。会给学生留下美好的印象，会使得学生心情开朗、满怀激情地投入到钢琴学习中去，以使学生从训练之初，就养成一种良好的演奏精神状态，非常自然地、诚挚地带着美好的愿望投入到钢琴学习的情绪中。此外，还要不断地开阔艺术视野，大量查阅音像资料，提高音乐艺术审美能力，使教与学有机地紧密地融合在一起。

人的心理特征的重要方面是意志和性格，是经常的、稳定的、本质的心理特征。每个人自身所体现的意志和性格都各有不同，就性格方面而分析，分为外向型和内向型。外向型的学生性情会较为开朗、乐观，自信心强，演奏心态积极，演奏心理相对比较稳定。而内向型性格的学生在同外界接触中，就会比较紧张、缺乏自信心、容易害羞。大多数内向性格的人在演奏时会出现消极的演奏心理，就是“怯场”的心理。对于这种情况的学生，教师就要采用多鼓励、多欣赏的方法，多给学生表演锻炼的机会，让学生对自己的演奏充满自信。平时要多培养演奏的情绪，保持饱满、乐观的精神状态，经过长时间的训练，才会使学生拥有良好的演奏状态。另外还要注重培养学生努力钻研的学习精神，加强演奏技能技巧的训练，具备了一定的演奏能力，自信心自然就会随之增强。

二、培养演奏实践的能力

演奏艺术是舞台艺术，是同观众见面的艺术。要鼓励学生在课下多参加舞台实践活动，积累舞台演奏的经验与自我驾驭的能力，在反复的舞台实践中不断地改善自身的心理状态，消除心理障碍，实现自我调控能力，从而在演奏中能够更加充满信心：在上台前，要保持积极向上的演奏状态，培养演奏的欲望，稳定心态;在演奏时，注意力要高度集中于乐曲之中，不受外界干扰，音乐一起就要全身心地投入到乐曲的情境中。有这样一句话：“先打动自己才能打动观众。”这样演奏时就能始终处于可控状态。另外台上。演奏时的表情感觉要与乐曲表现的内容相吻合，而且还要注意落落大方的台风，上下台的步态及舞台礼仪。作为演奏者，其歌奏的目的就是要使观众融入到你所演奏的乐曲情感之中，只有弹奏与表演协调一致，才会把观众带入到美的感受中。

篇6：钢琴即兴演奏教学论文

1在大学的音乐钢琴教学中培养学生即兴演奏能力的必要性

(1)钢琴即兴演奏教学内容涉及多学科的知识，属于综合学科范畴。

对此，作为教师在教学过程中应强化学生的创造性思维的培养，要从多方面、多角度来锻炼学生的思维，让学生熟悉并且掌握几种伴奏音型和正确的弹奏方法，教师可以根据学生不同专业的需求，为他们提供一些适合他们的歌曲进行练习，多为他们提供展示的舞台，同时，还要鼓励学生之间多多交流，大家把自己学习过程中的问题以及自己认为比较好的学习方法说出来，大家共同讨论，共同进步，让学生不断地在实践中提升自己的钢琴即兴演奏能力。

(2)能够培养学生的创造性思维，最大限度的激发学生的潜力。

钢琴即兴演奏作为一个综合性非常强的课程，不但要求学生具有敏捷的思维，充分掌握和声配备的理论知识，而且还需要学生具备灵活的手指能力，能够将自己脑海中的想法以伴奏的形式表现出来。创造性思维是推动学生钢琴即兴演奏能力培养的不竭动力，是学生的精神力量，对学生以后的发展也有着巨大的影响。培养钢琴即兴演奏能力不是一件容易的事情，学生在学习时会有一定的压力，也正是这种压力能够激发学生不断的学习与练习，激发出学生的潜力，从而提高学生的钢琴即兴演奏能力。

(3)钢琴即兴演奏应用广泛，灵活性、实用性较强。

钢琴即兴演奏在实际生活中的应用是十分多的，大部分都是运用于基层的社会音乐活动中，大学生如果掌握了钢琴即兴演奏能力，在大学毕业后找工作的时候也比较容易好找工作，也可以把这个作为一种技能来当教师教学生，从而把钢琴即兴演奏技能更好的传承下去。由于钢琴即兴演奏需要学生具备各种各样的素质和能力，所以学生一定要重点培养自己的综合素质能力，提升自己的创造性思维，掌握好钢琴即兴演奏的灵活性，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。

2在大学的音乐钢琴教学中如何培养学生的即兴演奏能力

(1)激发学生学习钢琴即兴伴奏的兴趣。

钢琴即兴伴奏需要多方面的素质能力，包括：过硬的钢琴演奏基础以及较高的音乐理论水平，快速的反应能力以及创造性思维等。因此，学校应该将钢琴即兴演奏放到与其他课程同等重要的地位，让学生充分掌握一定的钢琴即兴演奏能力。“兴趣是最好的老师，”兴趣也是推动学生深入学习的最佳动力，如果想要提升学生钢琴即兴伴奏的能力就必须要激发学生学习伴奏的兴趣，所以，作为教师在钢琴即兴伴奏教学中应该充分利用课堂时间，选择合适的教学方法，激发学生的学习兴趣，引导学生掌握一定的钢琴即兴伴奏思维方式，注重对学生创造思维的.培养和提升合理，还要安排学生课后多多进行练习，使学生在不断的实践中逐步提高自己的钢琴即兴演奏能力并且养成一个良好的学习习惯。教师可以通过自己演奏或者是通过多媒体播放演奏来让学生对钢琴伴奏有一个初步的认知，同时教师还要为学生构建一定的艺术想象氛围，来强化学生学习伴奏的动力。教师作为学生的引导者，要充分扮演好自己的角色，让学生掌握好钢琴即兴演奏能力。教师要培养学生积累学习资料的习惯，让学生学会自己主动动手去学习，还要让学生在上课认真听讲，做好笔记，课后对笔记进行整理总结，使学生充分掌握好课堂上面所学的知识，对于课堂上不懂的问题，课后要积极的询问老师来解决问题，这样，既能够激发学生的学习兴趣，让学生带着问题去学习，还能够让学生掌握一定的钢琴即兴演奏能力，从而达到事半功倍的效果。

(2)加强学生音乐钢琴即兴伴奏实践练习。

音乐钢琴即兴伴奏课程本身就是属于理论与实践、技能与技巧相结合的学科，学生只学习理论知识不注重实践的话，就不会掌握音乐钢琴即兴演奏的技巧，不能真正提高自己的钢琴即兴演奏能力，只有通过亲身实践才能够真正深化学生对钢琴伴奏知识与技能的认知和了解，也只有通过加强学生的钢琴即兴伴奏实践练习，才能使学生真正开发和强化自己的钢琴即兴演奏创造性思维。钢琴即兴伴奏的有效表演需要表演者有着很强的临场发挥能力。同时教师还可以充分利用课间、课外活动时间，让学生轮流进行伴奏表演，为学生提供足够多的临场发挥练习的平台，让学生之间可以相互沟通和交流自己的钢琴即兴伴奏心得，真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。

(3)提高学生对钢琴音乐作品的分析能力。

篇7：钢琴演奏基本教学方法初探论文

人的一切有意识的活动都是通过大脑神经系统的运动来实现的,是通过“心理”来控制的,钢琴演奏也不例外,所以培养学生的良好心理素质是钢琴演奏艺术中非常重要、关键的环节。本文从高校学前教育专业钢琴演奏教学实践出发,对学生心理素质的培养进行了以下研究。

一、培养学生兴趣,克服学习中的畏惧心理

学生的学习兴趣、学习愿望是学好钢琴弹奏的先决条件,培养他们对钢琴弹奏的浓厚兴趣,对学习具有很好的推动作用。学生对钢琴弹奏能否感兴趣,也不是自然形成的,我们必须通过各种学习途径加之鼓励和培养。钢琴弹奏中的纯技术、纯技巧练习是必要的,但我们要反对那种枯燥的、机械的、刻板的纯技术训练,应把学生的注意力引向对乐曲的形象、音乐美感的表现这方面来,使这些练习充满乐趣和吸引力。教学过程中,教材要有趣多变,教学要活泼灵活,集听、看、想于一体。

二、创造良好学习环境,激发学生的学习热情

学习环境对学生的影响很大。创设不同的学习环境,如给学生多提供一些上舞台锻炼的机会等等,既是学生获得良好学习环境,激发学习热情所必需,又是学生深化对钢琴演奏的理解,提高学习效果的重要方式和途径。另外,小提琴家梅纽因曾说过:“如果长期对学生缺乏理解、同情和关心,会使学生反倒压抑和痛苦,从而缺乏教学效果。”好的教师不是在于能够在学生的演奏中挑剔出千百处毛病,而是在于能准确地把握学生已经掌握和还未掌握交界点,使学生在每次课后都满怀信心地找到自己继续前进的起跑点。我们在学习进程中始终在一种良好的心境下发展,使其无论在知识的获得和技巧的掌握上都取得圆满成功。

三、增强学生的记忆能力,帮助获得成功信心

记不住曲子,不少学生产生畏难情绪,甚至动摇学习信心的重要因素。因此,教学中要注意在帮助学生增强记忆能力上下功夫,让学生在弹奏完整的曲子中获得成功感,进而消除学习中的畏难心理。一首曲子往往需要经过无数次的反复练习才能成功。学生在平时的练习中,常常感到诸多的不满意。有时是手指弹奏不灵活:有时力度掌握不好;有时是速度掌握不准,不能弹奏出好的效果生动的乐曲内容。这时千万不要气馁,要认真思索、分析。当解决了技术上的难题,领会了乐曲所表现的音乐形象,达到了满意的效果时,千万不能放松,同样要认真思索、分析,抓住那美妙的瞬间,把这种好的感觉记住,加以巩固、再记忆、再巩固、直至熟练。并且使这种好的感觉能在以后的练习中,尤其是在回课、演出中再现。

四、掌握练琴要领,进一步增强学习信心

掌握要领,熟能生巧,这是学习钢琴弹奏过程中必须解决好的一个问题两个方面。学生学习钢琴弹奏的最大障碍,一是不得要领,入门难,提高更难,二是练习不够,不能持之以恒。由此造成多数学生不能很好地学习和掌握钢琴弹奏这门艺术。对此,教学中既要注意教给学生学习弹奏钢琴的技术要领,特别是一些学生易于掌握的要点和方法,又要鼓励和督促学生多练习,并做到持之以恒。钢琴是多声部乐器,练习过程比较复杂和困难。只有在我们真正学会练琴,并能将钢琴中的各种奏法用起来得心应手,才能对演奏充满信心。这些能力的训练过程,也是学生音乐心理与动作心理协调水平提高的过程。首先要养成良好的“习惯”,掌握科学的练琴方法;其次克服马虎心理、分手练习;第三克服急躁心理、快慢结合练习;第四克服畏难心理、攻破重点难点,保持音乐的完整性。

五、钢琴教学注重营造艺术氛围,调节学生心理情绪

在钢琴教学过程中,要在教授技能技巧的同时,注重营造课堂的艺术氛围。教师在课堂上创造出的艺术氛围可以提高学生的艺术情绪和自身反应的灵敏度,让学生充分感受到音乐所带来的情感世界中的愉悦效果,从而达到心灵的净化,并且通过学生对作品的独特理解表现出来。这种环境不仅刺激了学生音乐素质的提高,进而提高本身的文化素质水平,而且对于学生各方面素质的发展都起着很大的促进作用。所以教学过程中教师可以采用诱导的方法要求学生对作品做进一步的了解与分析以调动学生音乐情绪。当进行一个新曲目练习时,教师不光要提醒学生技术难点,而且要给学生讲解一些关于曲目的相关内容,如作曲者简介作曲时的背景,作曲者想要通过这首曲目表达的主题思想等等,让学生感受作曲者当时的情绪情感,有助于学生更好地了解作品思想,以便演奏时充分地表达出来。

六、多种形式维护学生学琴的热情和信心

钢琴学习进入真正地练习阶段,相当多的时间是花费在钢琴技能技巧的练习上,而大量重复的练习很容易让学生感到枯燥,失去自信心和耐心,这个时候一定要注意维护学生学琴的热情。当学生意志消沉的时候,教师可以适当放松一下进度让学生参加一些有关的活动,例如欣赏一会儿音乐会表演使学生放下紧张的情绪投入到美的享受之中;也可以举行一个小型的室内音乐演奏会,让学生欣赏一下自己的学习成果,激励学生继续学习的热情和勇气。如果教师能掌握住学生心理,积极引导,那么学生学琴成绩就会上升;如果教的不得法,学生就会失去兴趣,丧失学琴热情。然而很多教师往往在教课时不太关注学生的特点和个性情绪,总是采用一成不变地教学方法,在某种程度上阻碍了学生的发展和学琴的热情。因此教师在教课过程中,注意不断改进教学方法使课堂变得趣味无穷,真正做到寓教于乐。在积极情绪的推动下,不仅有助于学生对知识的吸收对基本技能技巧的掌握,而且有助于提高学生学琴的热情,开拓学习思路,激发学生的想象力和创造力发展。

以上仅是本人教学实践中的几点总结,为了更好的培养学前教育专业学生钢琴教学中的心理素质,有待于我们音乐教育工作者在今后的教学中,群策群力、共同探讨,实现更有效的教学方法和途径。

参考文献:

篇8：刍议钢琴教学中的演奏基本功训练

一、钢琴教学基本功训练的学生划分

每个学习钢琴的学生都有着不同的生活背景和经验阅历, 所以他们对钢琴的理解也有很大差异, 基本功也参差不齐。一类是学习钢琴的专业生, 他们的基本功比较扎实, 对钢琴的理解也相对较深, 可以演奏出一些比较难的曲子。这类学生比较好管理, 他们学习的积极性也较高;第二类是学习一些与音乐有关专业的学生, 他们对于钢琴的基本功也有一定的学习基础, 但并不扎实, 这类学生的学习积极性没有第一类的高;还有一类是与钢琴专业无关的学生, 他们在钢琴面前完全是个新人, 所以他们的学习积极性不会很高。在钢琴教学中, 难免会出现这三类的学生, 所以教学的难度也会大大提升, 制定的教学计划也有很大差异, 学生之间的矛盾也是不可避免的。

在教学中, 教师要准确分出这三类学生, 针对不同类别的学生制定不同的教学计划。当然, 不同类别的学生对于钢琴的认知程度也不相同。为了防止学生之间的矛盾, 相互之间要分开进行教学, 或者各自带上耳机进行不同钢琴曲的弹奏训练, 学生之间互不干扰。教师则进行一对一的检查, 给不同学生制定不同的学习计划, 并对学生进行针对性的指导。“集体式教学”可以有效降低“一对一教学”的高额成本, 同时促进学生进步, 使学生有更高的学习积极性。

二、钢琴教学基本功训练的能力提升

学生能否弹奏出一首优秀的曲子, 识谱能力是最重要的因素之一。部分学生因为急于求成, 对于识谱这项技能的学习并不是特别扎实, 在演奏时总会出现一些无法避免的常识性错误, 给教学增加了很大难度。所以, 在教学过程中, 教师要引导学生明白每一个音符所代表的含义, 让学生对每一个音符进行理解和消化, 告诫学生不可急于求成, 扎实的基础是成功的根本。除此之外, 教师还要针对这些学生放慢教学速度, 让学生慢慢提高自己的识谱能力。教师在教学过程心态很重要, 要心平气和地教学, 引导学生找准每一个音在键盘上的位置, 并快速找出下一个音的位置, 这样在弹奏过程中才会有更好的体验。

灵活的手指是演奏好钢琴的基础, 教师要教导学生均匀发展每个手指, 因为演奏过程中每个手指都有它的作用, 手指的均衡与否直接决定着演奏的成败。不同的钢琴曲对技术的要求也不同, 只有均衡提升每个手指才有可能弹出不同的曲子。因为受人本身因素的影响, 二、三指常常会牵动四、 五指, 所以坚持不懈的训练才会在演奏中取得好的效果。

不同的曲子所表达的情感不同, 一首曲子中的情感表达同样重要。要把曲子中的情感淋漓尽致地表达出来娴熟的技术是不可缺少的, 技术是演奏的基础之一, 但是只一味地追求快速的弹奏缺少对音色以及情感的表达, 弹奏出来的曲子也是不完美的。所以, 对于触键方法也要尽可能地多的掌握, 适当的触键方法能更好的帮助情感的表达, 弹奏钢琴本身就是传达一种音乐情感。但是训练者训练时间不宜过长, 乏味的训练只会使音乐灵感丧失。一个优秀的演奏师就是用音乐与观众产生共鸣。

三、钢琴教学基本功训练的教学方式

师生互动很重要, 同时“填鸭式”教育已经不适合目前的教学形式, 一味地进行“填鸭式”教育只会使教学效果适得其反。教师要学会用一些新颖的方式把学生的思维带到课堂中来, 比如影视作品中的钢琴曲教学或者了解学生们喜欢的钢琴曲教学。真正的钢琴曲是深入人心的, 这与每个钢琴师不断地训练是息息相关的。关于触键可以选择可以先从锻炼手速开始, 快速的摁一个键和慢速的摁一个键音色是不同的, 训练乏味的时候可以尝试一些锻炼手速的电脑游戏也是不错的。关于音符的训练方法可以准备一些纸片, 随机抽取并快速的说出音符所代表的含义。无论什么方法, 在弹奏的时候都要用心, 用心去感受作者每一个音符所表达的含义。

总而言之, 要想弹好钢琴, 离不开不间断的训练, 希望每个有理想、有志向的钢琴师都能克服这些枯燥的训练, 吃得苦中苦, 才可成为人上人。扎实的基础才是一切优美作品的基础所在。教师同学生都要戒骄戒躁, 一同完成每一堂课程的教学。

参考文献

[1]周丹.论钢琴教学中的演奏基本功训练[J].中国校外教育 (基教版) , 2012, (4) :12-13.

篇9：浅析钢琴演奏技巧教学方法

【关键词】钢琴教学 哈农 变化 规律 思路

音乐形象的表现是多种多样的,它不像数学中1+1=2那样具有唯一性,所以,传统教学方法不利于知识点的归纳掌握。而《哈农》篇幅短小、规律性强、便于学习归纳,如在实际弹奏中让学生善加练习,可以举一反三,达到触类旁通的目的。但是,教学者不要按陈旧的训练方法一锤一音、一首首地、依次死板地学习《哈农》。钢琴在发展,弹奏方法也应与时俱进、求新求变。

在实际教学中,老师不只要给学生讲解音乐处理,还要纠正弹奏动作,训练他们的各种弹奏技巧。这些问题通常容易出现在乐曲的各个段落,如果每个地方老师都要依次纠正训练,还要兼顾音乐形象,那么老师的讲解就会繁琐、费时,而且学生也不易理解,不擅抓住弹奏方法和弹奏的规律,造成弹奏效果顾此失彼。如何提高课堂的教学质量,高效、系统地进行训练,让学生完全领会老师意图、清楚自己的弹奏不足是每一位钢琴教育者需要思考的重要问题。

作为现代钢琴教育,钢琴教学讲究头脑训练,老师和学生都要明白问题出在哪里,怎样纠正,最终要达到什么目的。这种目的性的思考越强,教学的思路就越清晰,效率也就越高。尽管弹奏方式是多种多样的,但基本的弹奏方法却总是有限。在《哈农》的具体运用中,根据音乐形象将更丰富的触键方法作恰当微调,道理就好比车间生产机器,如先生产出机器需要的各种零件达到半成品状态,那最后的准备工作只需要将零部件加工处理,即得成品。在弹奏技巧运用于乐曲中,这种运用方式就相当于是零件的组装过程。

具体问题应具体分析,在实际弹奏过程中,容易出现的一些问题主要表现在以下几方面。

一、弹奏中的音断、音跳

通常情况下,音乐中声音间的关系应是连续的,而不是孤立、断开的。如果用“○”表示声音,声音在音乐中的关系应是“○○”,不是“○○”。弹奏中出现音与音的断开在大多情况下是不正常的,就好比人跳着走路。而形成的主要原因是由于弹奏者的手腕、手臂表现僵硬或是他们是用手腕、手臂的力度在弹奏。这样的声音效果就比较生硬。要让声音放松、通畅,应该减少肌肉的紧绷、阻塞,加强手指弹奏能力训练,让手腕手臂合理利用自然力度配合手指弹奏。

二、对声音粘连的分析

声音粘连指弹奏中的前一音还未消失,后一音就已出现,两音相互重叠,好像有双影一样,如“○○”。这种情况的出现多在于手指离键太慢造成。要让学生明确手指弹奏时击键和起键的动作(当这一手指弹奏发出声音时,前一手指要立即抬起),克服手指的惰性。同时,声音粘连通常还伴随着指尖软、声音虚的表现。所以,弹奏时应固定指尖关节,使力量凝聚于指尖,这样可以改善音质,解决音乐虚飘问题。

三、均匀训练

在钢琴演奏中,声音根据乐曲的需要音乐要有强弱明暗的变化,手指触键也有深浅的区别。首先,这里要探讨的声音是指那种结实饱满的声音,即通常说的“要弹下去”的声音,这也是钢琴弹奏主要训练的声音。当手指弹奏这种声音达到均匀时,手指的控制能力就得到了提高,再作出变化也就比较容易。钢琴弹奏中,声音均匀包括时值(节奏)的均匀和音量(包括音色)的均匀。而真正意义上的绝对均匀是不可能达到的,但训练时应尽可能地沿这一方向高标准要求。只有具备这种弹奏技巧,才能在弹奏乐曲中有细腻的表现。第二,借助于节拍器对时值均匀的训练是非常有效的手段。当弹奏者内心的节奏不准、对两音间距离不明确时,要一个音响一次,让琴声跟节拍器对准。或是当演奏者在速度控制不好、时快时慢时,节拍器也可以起固定速度的作用。因此,均匀训练可以使演奏者参与弹奏的各个器官得到有效锻炼,能够提高个人对弹奏的控制能力,而这也恰恰符合了现代钢琴教育讲究从声音着手进行训练的观点。

四、速度训练

速度的训练应首先加强手指功夫的训练。手指跑动速度快的特征是手指击键的瞬间速度快,要从高抬指的训练到近距离小部位动作快下键快起键。当然,科学的训练方式也不是手指孤立的运动,必须结合重量弹法,符合力学规律,合理利用重量、重心转移、惯性、反作用力等因素,根据乐句走向、分句,调整运动方向、呼吸,找到支撑点、平衡点以顺应弹奏。

五、关于连奏

在《哈农》的教学中,它多用作高抬指进行手指跑动的训练,作为方法训练仍可以用连奏法弹奏它。连奏在声音上指两音间要完全连接,没有缝隙。如:○○,指前一音未完全消失后一音便跟上,类似于走路时两脚间的关系。在弹法上因其多出现在旋律化、歌唱性段落,倾向于重量弹法为主,不主张手指的敲击,采用臂送、慢下键的方法,注重旋律走向及音的倾向性。

钢琴发展到今天,其作品瀚如大海,每个人能弹奏的也只能是苍海一粟。作为钢琴教育者,没有时间也不可能在每首作品中去纠正学生这样或那样的问题,唯一能做的就是洞悉演奏规律,帮助学生分析、明白弹奏技巧,改善他们的弹奏水平和能力,引导学生投入到主动、自觉、有目的的学习中去。《哈农》这类教材虽然短小,但是集众多技巧于一体,练习者只需运用《哈农》选出个人需要的部分训练来解决技巧问题,并将技巧难点归类集中,这样就可以很好地达到触类旁通的目的。

篇10：钢琴演奏基本教学方法初探论文

内容提要 复调音乐分析对钢琴演奏与教学有至关重要的作用与意义，它包括背景分析、复调结构分折、复调主题分析、复调手法分析等四个方面。这四个方面的分析，为对复调音乐作品进行细致准确的诠释、处理，提供了理论依据及现实指导。

关键词 复调音乐分析 钢琴演奏与教学 复调结构 复调主题复调手法

从《小前奏曲与赋格》到《十二平均律》，钢琴复调作品始终伴随着每一位学琴者的学习生涯，从业余钢琴考级到各种钢琴比赛，甚至到各级音乐专业的升学考试，作为规定的必弹曲目，钢琴复调作品始终伴随着每一位弹琴者的演奏生涯。钢琴复调作品在钢琴教学中的重要性已无须多言。如何提高钢琴复调作品在的教学效果，如何正确演奏钢琴复调作品，要解决这些问题，除了在严谨的读谱、恰当的速度、良好的技巧、合理的处理等钢琴技能技巧方面进行科学、规范的教学外，对钢琴复调作品进行音乐分析是及其重要的。尽管这一点被众多的教学者所忽视。

传统的复调音乐分析是指运用复调与音乐分析的综合知识，通过对文献资料的查阅以及音乐作品的具体分析，达到对作品由形式到内容、由表面到深层、由其然到其所以然等方面准确的把握与理解。它在认识、鉴赏、表现与创作音乐作品等方面都有着积极的指导意义。钢琴复调作品的演奏与教学而言，它更是至关重要。按照从宏观到微观的原则，复调音乐分析包括背景分析、复调结构分析、复调主题分析、复调手法分析等。

一、背景分析

背景分析包括作者背景与作品背景两个方面。这种分析需要翻阅大量的文献资料，一方面要对作曲家所处时代的背景、风格、音乐审美与创作观念及作曲家的个人风格、与创作特征，另一方面还要对具体作品的创作背景、环境、意图与表现内容进行了解、分析、总结。为理解与表现音乐提供文化与史论层面的背景依据。

比如在教学巴赫的《十二平均律》时，通过背景分析，我们可以得知，巴赫的平均律是为羽管键琴和古钢琴写作的，在音色上要求做到明亮、纯净、清脆，能清晰的同时表达不同的旋律。在力度上要做到中庸、采用相对稳定的音量，不宜做太大或太多的变化，但要注意不同段落之间用不同力度制造明暗对比。根据当时的审美观念和音乐处理标准，情绪上要做到感情明确、情绪单一，没有大起大落和复杂的变化，相对比较内敛，情感往往置于理性的严格控制之下，不宜做太夸张的处理。律动上要注意隐藏与生生不息的无穷动节奏之中的稳定的节拍与有规律出现的重音。

而肖斯塔科维奇的《24首前奏曲与赋格》虽然模仿了巴赫时代的形式，但演奏风格与处理方法却与巴赫的作品有着很大的不同。力度的多层次改变、织体的丰富变化、调性的复杂多变、调式的广泛运用、旋律的高度半音化、以及乐曲中处处体现的浓郁的俄罗斯民族气息等等无不体现了20世纪的音乐的特点，演奏与教学中得充分意识并恰当地体现这些。

二、复调结构分析

由于复调音乐作品中多个声部你密我疏、互为补充、持续发展、延绵不绝的特点使音乐分段没有了清晰的界线，往往给作品的结构划分带来了一定的模糊性。但根据旋律进行的规律、主题发展的不同手法、调性布局的变化以及音乐的结构功能意义等等，综合各种信息，复调音乐作品还是可以划分出不同的结构部分。结构的清晰划分，给我们正确的诠释、处理复调音乐作品提供了整体布局的理论依据。不同的段落在整体中有不同的表达功能和结构意义。力度的阶梯式布局(1)、音色的段落性变化、情绪的层次性起伏等各方面的安排都得来源与正确的结构划分。另外，篇幅较长的复调音乐作品练习起来有一定难度，往往需要先逐段练习、各个击破，再化零为整、合而为一。避免练习过程中的丢三落

四、顾此失彼现象。段落结构的划分给这种练习发生提供了明确的部位，使分段练习时音乐依然相对完整、而不至于支离破碎。

三、复调主题分析

无论是创意曲、卡农曲还是赋格曲，复调音乐最重要的特点之一就是精心设计一个或多个主题，这个主题必须简练鲜明、相对完整、可资充分发展。它起着两个方面的重要作用。第一、主题是全面发展的材料资源库，完整的复调音乐作品往往就是建立在对主题变化重复的基础上，对主题作出富有逻辑的巧妙发展，使简洁的主题形象在充分的发挥与展示之基础上逐渐丰满，在各个层面充分体现和论证主题的性格魅力，从而完成乐曲。第二、主题的基本情绪和音乐形象是全曲的基调，后面的音乐发展正是建立在这个基调上不断的延伸发展，直至结束。它没有均衡对称的乐句和起讫明确的终止，也没有的巨大冲突、对比，全曲的情绪或音乐形象仅仅是对主题各个的层面加以发展。钢琴的演奏与教学中对复调音乐的形象与情绪的把握与处理，来源与对复调主题的准确分析，这种分析包括主题的组成材料、音调、节奏、旋律线条、音程方向等方面。如：巴赫《C大调二部创意曲》的主题：

材料|节奏为均分的十六分音符，音调为级进的C大调上行音阶前四级。情绪上是一种平稳的上升，弱起的动机增加了些许上升的急促感。材料||节奏一样为均分的十六分音符，音调为跳进的三度下行及其下行二度模进。情绪上是一种跳动的下降，小距离的跳进带来了一丝活泼、跳跃的欢快感。整个主题音调的上升趋势、轻快流畅的旋律奠定了全曲积极向上、朝气莲勃的情绪基调。

再如：肖斯塔科维齐《24首前奏曲与赋格》No.4的主题

宽松的节奏、宽广的节拍、级进的旋律音调体现了主题连贯、流畅、委婉、富有歌唱性的音乐形象。从节奏与旋律特点来看，这个主题可分为两个部分，第二部分的节奏是第一部分的变化重复，音调上，第一部分级进向上，第二部分级进下行，但总的趋势是向上，体现了一种上扬的情绪。演奏时注意每个强拍的上行趋势和较长的时值，要处理的坚定、饱满、稳健。

四、复调手法分析

复调手法多种多样，从声部的对位方式可分为单对位和复对位，从声部的写作方式可分为对比复调和模仿复调，从旋律的发展方法可分为模仿、模进、倒影、逆行、紧缩、扩大……。不同的复调音乐作品中对这些手法有着不同的运用，在钢琴演奏与教学中要进行具体、准确的分析，为处理作品确立依据。以巴赫《C大调二部创意曲》的部分复调手法分析为例。

音乐的最初呈示部分，首先是主题单独在高声部出现，然后答题在低声部对主题做低八度模仿，如：

演奏时注意左手答题的清晰进入及其重复乐思、强调主题的作用。右手主题与对题旋律上流畅连贯、一气呵成，力度上对题要做稍弱处理，给答题让路。模进部分仅仅是第一小节的高五度移位，处理手法不变，但力度耍加强一个级别，音区的提高要配以音色的明朗、情绪的激昂。

主题的发展部分，两个声部连绵不绝的均分性节奏，使音乐具有无穷动的特点，高声部对主题的倒影、低声部对主题材料|的扩大、以及整体的三次下行三度模进，使音乐具有展开的性质，发展了模仿二声部对位的对比因素。如：

演奏时注意主题倒影与主题原形的内在联系，材料|级进音调节奏的扩大要做到坚定有力，下行模进要按版块做力度上递减制造明暗度的变化，向属调过渡要注意调性色彩的对比及不稳定性与倾向性的加强。

新结构部分的开始是第一部分主题在G大调上的复对位。演奏时要注意用新的力度布局来体现旧主题在不同的调性、音区的形象变化。与第一部分形成对比。同时注意新的调性、新的声部呈示方式带来不稳定的感觉。

篇11：钢琴演奏基本教学方法初探论文

长期以来，对于提高钢琴演奏水平所进行的专业训练，在一些人的观念中，往往只是指单纯的技术方面的练习。但事实上，这种观念是对钢琴表演艺术片面和肤浅的理解――技术技能的训练固然是影响钢琴演奏水平的重要部分，但它既非钢琴演奏的全部，也不是钢琴演奏的根本目的和最终目标。

关于钢琴演奏中音乐与技术的结合，是一个非常复杂且范围很广的课题。因此，笔者将就如何在认识上和实践中处理好二者的辩证统一关系谈谈自己的看法和体会。

一、钢琴表演艺术中音乐性与技术性的辩证统一关系

前苏联杰出的钢琴家兼音乐教育家涅高兹曾提出过，任何表演都是由三个基本要素组成的，即被表演的作品（音乐）、表演者和用以演奏的乐器。只有彻底掌握这三种要素，才能保证优秀的艺术表演。而表演者和用以演奏的乐器之间的关系是否协调，表演者能否全面了解、掌握用以演奏的乐器，就可以理解为我们平时所说的技术问题。音乐和技术可说是“你中有我，我中有你”，它们构成一个有机的整体――任何技术上的进步都在实质上促成了音乐的进步，而音乐上的改进则是技术改进的前提。

在钢琴演奏的专业训练和学习中，音乐和技术是相辅相成、缺一不可的。音乐是内容，是目的；技术是形式，是手段。钢琴演奏就是用音乐与听众交谈。为了要说话，让别人听你说话有内涵、有趣味，不仅应当善于辞令，而且首先必须言之有物，尽善尽美的演奏是内容与形式高度结合的结果。而且，当演奏者对所演奏的乐曲态度越肯定，意图越清晰（即目的越明确），就越容易找出确切的、有效的手段来实现这一目的。

二、钢琴演奏与教学实践中音乐性与技术性的结合在学生练习或演奏过程中，无论是对音乐本身不够重视，忽视了内容、艺术构思和形象方面的作用，把主要注意力集中在从技术方面去掌握乐曲，把所有问题归结为狭义的技巧问题，或是没有充分意识到要得心应手地演奏必须要全面地掌握乐器、驾驭乐器，都必然会导致不够完美、不够严谨的演奏，使表演变得肤浅庸俗，流于表面，缺乏应有的专业水准。在钢琴演奏的学习过程中，学生较常见的是前一类的错误，有时甚至不自觉地就会犯这样的错误。当学生开始学习一首全新的乐曲时，总会希望最终演奏得尽善尽美，无论音乐上还是技术上都能得到完整的体现。然而当他们在练习中不断遭遇各种各样来自技术方面的困难和阻力后，往往就会不由自主地钻进死胡同，把自己的视野越缩越窄，把所有的思想、精力都聚焦在这些技术难点上，陷入了纯技术练习的怪圈，总想着“我先把技术问题解决了，再慢慢考虑音乐上的处理”。但是，最关键的一点恰恰被忽略了――当进行所谓技术上练习的时候，最终评判技术问题得以解决的标准就是演奏能否完整恰当地再现作曲家的意图，是音乐。因此，学习一首乐曲，从一开始就必须时刻提醒自己不能忘记：技术是为音乐服务的，表演最高、最根本的原则是音乐。

不可否认，娴熟的技术是完整体现音乐内容、塑造音乐形象的奠基石，笔者强调的是，一切技术练习都必须以有正确的、清晰的音乐理念指导为前提。克服技术难点的过程始终贯穿着音乐性、理解力的深化，不要让自己的演奏被纯粹的技术性所掩盖。只有遵循这一原则，音乐与技术两方面才能在练习的过程中相互促进。也许有人会产生这样的怀疑，技术上的不断完善确实对于揭示、塑造音乐形象来说是必不可少的条件，但当我们遭遇技术上的瓶颈时，关于这部作品音乐上的抽象理解到底能不能对技术训练起到真实有效的、具体的促进作用？回答是肯定的，而且这是行之有效的方法。

举一个浅显的例子：当一个学生同时学习《丢手绢》和拜厄的任意一首《练习曲》时，他学习《丢手绢》的主动性和效果要比学习《练习曲》明显好得多。那么，是什么原因造成了这种差异呢？在我看来，不外乎以下两点。第一，弹奏自己熟悉、喜爱的乐曲首先就能激起学习和表演的兴趣，引发学生内心的共鸣，使其能积极投入地进行集中的练习，这种心理因素能显著有效地提高练习的质量，情绪饱满、精神集中的练习往往能达到事半功倍的效果，并形成良性循环（练习的热情――良好的效果――更多的热情）。而学习《练习曲》时，情况就不那么乐观了，学生会由于《练习曲》相对较枯燥的特点而丧失学习的热情，随之产生恶性循环。第二，由于《丢手绢》是学生所熟悉的乐曲，他对于乐曲的风格特征、情绪变化和整体结构布局已有了一定的感知、认识，有了相当明确清楚的目标。那么，在平时的练习中他就会自觉地选择实现这一目标的方法，即用什么样的速度、用断奏还是连奏、有什么样的强弱变化、应该怎样划分乐句乐段等等，并最终通过直线进行的练习，使演奏成为具有整体性、有表情的表演。而当他演奏一首纯技术的、没什么艺术内容的《练习曲》时，他的演奏总是带有随意的成分，成为缺乏目的性的乏味的演奏。

因此，教师在针对学生所进行的专业训练时，更应该注意这样的问题。首先，在选材上最好选择学生熟悉、旋律性较强、风格形式多样的乐曲与练习曲相结合。如一些根据儿歌、民歌、经典名作改编的乐曲，内容应该涵盖各个不同时期流派、不同国家作曲家的作品。其次，在布置新作业的时候做示范，可以让学生听相应的音响资料，一是可以引发他的学习兴趣，二是能够使他在脑海中对于将要学习的乐曲的具体音响有一个比较明晰的概念――这个工作必须在上琴练习之前就做，并贯穿整个练习过程。一般来说，初中级的曲子音乐内容和技术课题都还相对较简单，在一开始就要启发学生做这样的思考，即这首曲子塑造的是什么样的音乐形象、要表达什么样的情感、在整个过程中、主题是怎么发展变化再现的、和声是如何转换的、情绪上有什么趋向转变、为了表现这样的内容应该采取什么样的演奏手法等等。经过深入细致的读谱分析后，练习时就能够做到胸有成竹，避免走弯路。教师对学生提出的要求越明确，最终的演奏效果就越好。另外，应该要求学生在练习的过程中有表情地严格按照分句把主旋律唱出来，然后模仿自己所唱的去弹（包括呼吸、走向、强弱变化），当出现困难时一定要有耐心放慢练，但即使是慢速练习时也要按照最终的音响效果在心里有音乐的前提下带表情地去弹，尽量使演奏人声化，用手指歌唱。

通过总结自己多年的专业学习和教学实践经验，笔者得出这样的结论：音乐是内容和目的，技术是形式和手段。当你对作品音乐内涵和艺术形象的理解越清晰准确，就越容易找出恰当有效的手段来实现这一目的。因此，在钢琴演奏与教学实践中，教师必须遵循音乐与技术紧密结合的原则，才能更有技巧、更有效率地教学钢琴演奏，从而让学生达到尽善尽美的艺术表演。