浅谈架上绘画存亡

浅谈架上绘画存亡（精选5篇）

篇1：浅谈架上绘画存亡

现代书法美学最重要的一个概念就是书写性, 书写性包含了东西方所有引入了时间与速度概念的书写, 它区别于早期的刻写与涂写等其他所有铭写方式, 其核心就是具有连续性 (包含气息) 并与书写者息息相关。书法书写性区别于一般意义上的书写性, 一方面来自于汉字自身的构成特点 (形象的再现即包含了书写与客观自在的内在亲密性在同一过程产生) , 一方面来自历代书法家将书法作为独立艺术门类对其自身的发展和深化, 不单是西方融入时间与速度的书写概念, 这其中更包含了古代哲学观影响下的传统审美趋向。书写性概念的介入对于架上绘画是一个全新的补充, 现代美术理论将传统中国绘画分为绘画性绘画和书写性绘画, 书写性绘画是以笔墨作为理论支撑, 将笔墨上升到了主体形式的地位使得书写的概念具有了空前的意义, 它的产生不论是从工具还是审美理念来讲与传统的衔接都是自然而平滑的。20世纪的西方, 不论是马蒂斯 (Henri Matisse) , 还是米罗 (Joan miro) , 赵无极, 都没有从根本上以全新的认知方式来切入, 可以看做仅是对于符号的再认知或是对于线感的强调, 后来的美国抽象画家汤伯利 (Cy Twombly) 可能是最接近东方智慧的西方抽象性绘画, 以富含东方哲学的虚空消解了主体形象, 一生坚持书写性绘画, 在这一过程中逐渐抛开了形的束缚, 使其逐渐归入一种时间性的书写, 这种更偏向涂写的书写可以看作是对于书写性实施的较为深刻的西方艺术家。书法书写性之所以区别于西方书写性, 不仅是其具有再现与表现的意味, 更多的是融入了传统文人思想并逐步系统化的书写规则与审美标准。夏可君先生将书写性归纳为“写形, 写线, 写意, 写气, 写机, 被写”六个部分, 其中“写形”与“写线”都是关于书写的外在表现描写, 但比较西方对于线的理解则丰富许多, 藏锋, 欲左先右, 这种内敛的, 将“气”裹起来的概念是西方绘画与书写都不具备的。“写意”与“写气”更多的是关于书写者主观意识的表达, 从谋篇布局, 到书写过程中的情绪控制以及感情投射。“写机”则是任何艺术形式的创造过程都会面临的一个问题, 就是偶然性的控制, 是打破惯性书写的重要因素。“被写”强调一种书写者的被动状态, 它是在创作的偶然性发生之前, 是一种无意识书写, 为“写”而写, 不留痕迹。这样一种将抽象感受实质化的理性解读无疑对于我们分析理解书写性概念有了很好的帮助, 那么, 书写性究竟应该以什么样的方式投射到绘画中呢?对于汉字符号化的标记或书写已被证实并未贴近核心意义 (符号化本身的局限性) 。如果以上面所述关于书写性的六个部分来切入, 无疑写形与写线能够贯通东西文化, 已被深刻认识, 然而中国文化对于“气”的理解是西方文化所不具备的, 西方文化习惯性的以物质的方式理解认知世界。所以以“气韵”这种东方审美特点进行转化更加贴近传统书写精神内核, 但是, 对于虚空的“气”的追求很容易陷入一种空泛的模式, 这是所有形而上的艺术形式都存在的一种趋向。所以如何以一种更加物质化的方式来呈现虚静、空灵这样的精神指引是一个现实的问题, 也是可为之地。

如果把这些书写性具体内涵看作是物质化后的内在元素, 那么除了这些具体因素之外, 是否书写的过程也能够提供新的线索呢?书写性绘画区别于绘画性绘画还有一个根本区别在于书法具有不可逆性 (书写过程中的偶然性与书写者主观设计除外) , 从笔尖接触画面的一瞬间即考虑到所有空间, 线性以及气息的变化与表达, 整个过程一直处于一种主观制衡的运动, 此消彼长, 虚实相生。这种主观制衡可以放在单个字的书写过程中, 也可以放在整个画面来平衡, 朝向偃仰, 顾盼生情。这一过程始终在书写者主观掌控之下, 其中书写过程中的偶然性也将作为平衡因素之一, 可以看作是一种控制下的失控, 在这过程中将各种因素纳入一种应时的气氛之中, 同时暗含法度。西方绘画是以理性构筑瞬间, 书法则是以一种近乎音乐的律动直觉展现生长全貌。我们看到的不只是一张作品, 一条生长的脉络清晰可见, 具有时空的意味, 绘画不再只是单纯的图式, 也不是一个瞬间景象, 而是一副具有东方哲学思想的生长全景, 绘画者在这个过程中完成了个体的生命体验, 最后以一种现实语言步入虚静、空灵的审美意境, 从而使得书法书写性到绘画的转变成为可能, 并为跨越文化, 开启架上绘画新局面提供新的契机。

摘要：现代艺术发展到今天, 价值的多元化逐步在消解架上绘画的意义。除去作品当下性, 对于传统精神的再次深掘逐渐成为了艺术家自觉性的自省, 希望在传统里找到一种更加贴近内心的方式, 更加贴近自身文化母语。从形式上讲, 东西方绘画一个非常大的差异是空间形式的表现差异, 西方绘画里的空间意识来自科学, 以几何学, 透视学来表现画面空间, 习惯性的以物质方式来传达。中国绘画的空间意识则来自于书法, “一种类似舞蹈或音乐的节奏美”。方式上西方绘画是以建筑, 雕塑为基础, 以理性构筑瞬间的过程。中国绘画则以书法为基础, 直觉地展现生长全貌。

关键词：书写性,理性,直觉,书写性,生长,空间意识

参考文献

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[3]蔡邕.九势//历代书法论文选[M].上海:上海书画出版社, 1979.

篇2：仇晓飞的架上绘画

自1977年开始，以伤怀与反思为主题的中国艺术创作启迪了整个20世纪80年代的美术思潮，其间诞生的作品直到今天也具有相当的价值。在这一年出生的艺术家仇晓飞，将目光投向过往的视觉残片中。艺术家画幅中的场景与人物令人联想起泛黄照片的内容。采用对视觉意向解构的方式，艺术家所呈现的是我们既熟悉又陌生的点点滴滴，包括建筑、家中的日常摆设、以及身着着朴素衣装而模糊了面容的人们。艺术家对色彩的运用也进一步彰显了对物象的描述一具有一定灰度的绿色、深蓝以及褐色，将每一个观察与审视作品的人们领入了静谧而伤怀的氛围中。

相信很多人都有这样的情愫，哪怕是在安定平静的生活下，也总是渴望有一点感怀和小小的哀愁。仇晓飞从小生活在东北的工业城市哈尔滨，这个城市似乎总是与灰蒙蒙的寒冷联系在一起，这样生活中的色彩基调也决定了艺术家作品中的视觉效应。在作品《国营物》中，典型的东北家庭被真实地复刻到画布上，艺术家采用了厚重的笔法与造型方式，形成了斑驳的质感，构成了时光流逝的岁月痕迹。此类作品还有《医院》、《陈迹》等。还有一些作品，我们并不能显而易见地将其描绘的对象归纳为某种现实的场景，艺术家提炼了某些意象，构成了更具个性化的画面组成形式，我们不确定这些组合是否是梦境，或者说是某种观念下能够产生关联的一些事物的集合，这些作品能够更进一步地表达艺术家的行为与内心世界。关于这一系列的绘画，如《肢僵硬》及《悲观的暮年》等，艺术批评家鲍栋这样评论说：“仇晓飞给事物表面的刻意沉迷赋予新的含义：不是为了使事物笼罩上一层审美经验，而是在试图使事物从它不得不牵扯的经验以及意义框架中摆脱出来，即，不是在抒情，而是在悬置。”这些作品中能够使观者感悟到某种态度，这种态度决定了情感属性的多元化表述。绘画不仅是重复我们生活的片段，相反，这种呈现主宰着艺术家的思想脉搏，沟通个人与群体，引起理智与情感的起伏与错落，形成富有哲理的记录。

篇3：浅谈架上绘画存亡

分2维和3维CG, 以卡通、游戏等形式的设定进行绘画。用扫描输入进行的电脑绘画创作具有入门快、随意性非常的强、相当易于掌握的特点, 非常适用于学过美术而刚刚接触电脑的人们。随着软件技术的一步一步的进步和成熟, 运用软件直接在电脑上进行绘画创作日益盛行起来, 并将成为今后的发展趋势, 常用的有3DMAX、Photoshop、Freehand、Illustrator、Corel Draw、Painter等。

二传统架上绘画的定义

传统架上绘画是应商业需求和宗教活动而兴起的。油画颜料在15世纪后才得以广泛使用, 从而产生了架上的油画, 在木头框子上绷装画布进行绘画是16世纪后在威尼斯画派兴起后才被大量采用的, 早期使用的画布是帆布, 在德国等欧洲国家圣徒们就是抬着紧绷在木框上的宗教题材的亚麻布油画从事宗教活动的。

布面油画在色层弹性、表现能力和永久保存等方面均超过了蛋胶画、水彩画以及色粉笔画。

三、电脑绘画与传统绘画的区别

电脑绘画形式的可复制性特征使它的艺术价值无法与传统精英的绘画相媲美。但是对于电脑绘画, 我个人认为属于一种传媒艺术形式的范畴, 且具有一定的娱乐色彩和传播能力, 因此需要一种综合能力去实现传播覆盖。关于材料和题材到目前为止, 我们还很难从纯艺术的角度将它与传统精英绘画相提并论, 至少有着这样几个因素对电脑绘画进行着制约着, 如最后的输出的效果和快捷复制的功能等。电脑绘画的可复制性使其艺术价值根本无法与传统绘画相媲美的, 而电脑绘画最后的输出的效果也会给人一种单调的感觉。但是, 这并不表明电脑绘画不能具有纯艺术美学方面的特质和与传统绘画并驾齐驱的实力。纯粹的绘画艺术是以审美为主体, 其主要的功能在于反映和表达社会的现象与个人的情感;而电脑绘画则带有明显的商业功利色彩, 这大概就是它与纯艺术之间本质的区别。也是导致规模化、产业化、集成化的图像信息产业对于设计人才需求量激增的重要原因, 我想单就架上绘画与电脑绘画相比, 是概念完全不同的两种表达方式, 主要还在于你的出发点是什么。电脑绘画所呈现出的开放性与互联性特点在现代社会中有着显然易见的优势, 电脑绘画制作快捷、修改方便而且输出也便利, 这个都是传统精英架上绘画无法比拟的!尤其在对虚拟空间的表答上, 电脑绘画形式更显示出无与伦比的能力。有相当多的电脑绘画作品, 尤其是指一些三维的绘画作品在视觉上的表现力上给人留下了很深刻的印象, 有时能够以其细致入微的刻画来营造出令人赞叹不已的画面视觉效果, 特别是物体的写实程度和对复杂场景的表现。纯粹的传统绘画与电脑绘画有着相近的脉络关系从这个意义上来讲, 电脑绘画是信息化、网络化、图形化的时代人们对于大量图形作品需求的必然产物。对于专业致力于架上油画的人来说, 电脑绘画的感觉可能就像你的书桌上摆了一束逼真的工艺品, 可是总觉得别扭。但是换句话来说, 就好比一个白瓷瓶和一块饼干, 一个能吃且消化的很快, 一个能看不能吃。

四、对当代架上绘画影响

几百年来的油画艺术家追究的是如何将崇高的主题表现的很尽善尽美, 或者通过提高自己的专业技能使得画作达到一个更高的境界, 但是随着当下艺术的发展与科技结合得越发紧密, 电脑绘画艺术形式的不断拓展催生出多重可能。油画作为一门传统的架上艺术, 势必会遭受极大的冲击。很多艺术家改变了这一传统路数, 开始追求起表现形式和造型结构, 那种明快, 简单, 讲求韵律, 无厘头的设计手法使得传统的绘画略显落伍。

因为有了电脑绘画的发展, 使得卡通、游戏等绘画形式更加利于传播和推广, 所以对我门当代年轻人的影响是潜移默化的, 无论从认识上还是思想上都起了很大的引导作用。

绘画有着悠久的历史, 传统绘画的成功取决于对技法的熟练使用和对艺术规律的把握。其实电脑绘画何尝不是这样呢?所不同的不过是所使用的媒介不同罢了。作为表述人类精神世界的重要媒介之一, 传统绘画本身永远也不会减弱其自身的艺术魅力, 而电脑绘画只不过是表述人类精神世界的一种新的媒介。从形式上来看, 电脑绘画虽然是现代科技的结果, 但实际上它也是人类精神智慧的结晶。电脑绘画的商业属性以及它与其它艺术设计行业的相互关联, 不过是在不同的层面、用不同的媒介和手段、从不同的方面表达着人们对精神世界方方面面的需求。

从形式上来论述, 电脑绘画虽然是现代科技的成果, 但实际上它是人类精神智慧的结晶体。尽管这种精神需求往往是通过承载具有功利意味的物质实体而呈现出来的, 但我们也决不可以低估电脑绘画本身所具有的美学价值, 一般看来, 他们总是将各种各样的意象用混杂多变的风格技巧构图, 从中我们可以明显的感到一些时尚与大众文化的元素在起作用。

显然, 正是由于卡通绘画存在的太多的游戏与无厘头的成分, 所以有人一直坚持否定的态度, 有人甚至写文章认为从事卡通类绘画的青年艺术家吃进去的是卡通吐出来的是卡通, 仔细分析一下, 这里面包含着两方面的含义:一方面是指它过于偏离传统经典艺术图像系统与技法系统;另一方面又指它对现实缺乏认真严肃的批判精神, 对此我有全然不同的看法。

首先, 从事卡通绘画创作的艺术家是严格意义上的卡通文化成长的, 在他们身上流淌的是卡通文化的血液, 这不仅潜移默化的影响了他们的创作方式, 也使他们轻松超越了传统艺术的约束, 扩大了架上艺术的表现范围。

其次, 简单的套用传统精英艺术的批判模式去批评卡通绘画是很不得要领的, 这只会让人们得出既无聊又浅薄的结论, 对于年轻一代的艺术家来说, 所谓的游戏和无理头的方式是一种崭新的生活态度, 更是一种新颖的艺术态度, 正是借助他年轻艺术家才能有效的解构了一些传统的价值观, 这是与传统模式不同的新模式, 我们应根据历史来评判, 对比于精英传统艺术卡通风格绘画的最大的特点就是对现实生活的批判与反思转换到了对现实生活具体感受的表达上, 而且以一种虚幻的方式来叙事。

在卡通类绘画里生活与艺术的界限已被重新确立, 卡通类绘画虽然有着明显的超现实的意味, 即表现有虚拟性的存在, 但它就像历史上的其他艺术一样, 仍然是反映特定历史时期的一面镜子, 人们可以从中体会到新一代人的所思所想。

五、总结

我们可以看到今天的新绘画在摆脱了所谓的崇高主题的陈旧方法, 用绘画的方式颠覆绘画本身!新生代绘画吸收了其他画种的视觉突出的元素, 新绘画的语言在延伸新的观念方法, 现代中国是一个不断发展的社会, 画家们以创新发展作为价值倾向, 从而调动了社会的活力。画的成功取决于对绘画技法本身的熟练使用和对艺术绘画规律上的把握。这种精神需求本来就是通过承担具有经济方式的物质实体而呈现出来的, 但我们也决不可以低估电脑绘画本身所具有的美学价值和对当代架上绘画的影响。

摘要：当下艺术的发展与科学技术结合得越发紧密, 随着电脑绘画艺术形式的不断拓展催生出各种可能。油画作为一门传统的架上艺术受到了强烈的冲击, 艺术家最早追求的是如何将崇高的主题表现得很尽善尽美或者通过提高自己的专业技能使得作画达到一个更高的境界。现代人们正在改变这一传统路数开始追求表现形式和造型结构那种简单明快讲求韵律的无厘头的设计手法, 使得传统油画显得有些落伍。

篇4：探析中国当代架上绘画艺术的发展

架上绘画指的是在画架上绘制的“画”的总称。又称画室绘画。它是作为与壁画和祈祷书上的装饰插图有别的一种形式出现的。起初是绘制在木板上, 13 世纪作为祭坛画的木板画, 是非壁画形式的肇始。

15 世纪的尼德兰, 架上画已初具雏形, 继而影响到威尼斯画派到17 世纪荷兰小画派出现时, 架上画进入了繁荣时期。这首先是由于文艺复兴时代适应新兴市民阶级出现而产生的审美趣味所致。早期架上画虽有少数仍是受委托绘制的, 但大部分是作为独立的艺术品出卖。画架、画框、画板、画布乃至画室的出现, 促进了架上画的产生、发展。架上画反过来也推动了它们的改进、完善。到19 世纪, 学院教学的方法、手段、目的均以架上画形式为主。西方绘画也是以架上画形式传入中国的, 它成为国内油画等创作与教学的主要方式。架上画的产生是绘画功能、材料、技巧、形式、教学方法和美学意义上的一次革命性转折。

二、架上艺术的发展现状

1、受到高校教育体制的制约

对于高校目前所存在的传统造型艺术教学来说, 正发生着巨大的变化, 学院的教育方式正在与现代的方式相互交错, 逐渐体现出一种边缘化的特点。

对于中国传统的高校教育而言, 则主要是以现实主义作为教学的基础, 学生在学习当中学习如何去观察对象, 并学会如何再现对象, 通过这种再现对象的完整教学程序去进行训练, 而在高校教学当中, 学生仅仅用了几年的时间就能将所有的过程经历一遍, 接着就开始进行主题性的绘画创作, 这时候高校的教育制度围绕着这一程序逐渐建立起来, 虽然这时候的学生仍然对现代艺术的理解和学习仍然只停留在表现主义和抽象艺术的表面之上, 但是他们的学习却仍在继续。在二十世纪的时候, 现代工业社会标准的艺术教育模式突出表现的则为包豪斯美术学院, 这时候传统运用美术已经逐渐向现代设计转化, 学院艺术也从此被大众文化所代替, 这时候当代文化现象早已经面目全非, 从而使得高校美术教育体现出自我边缘化的特点。

2、受到市场经济所带来的影响

市场经济的变化和实现对人进行了深刻的改造, 是的中国人似乎从传统的“政治人”突然演变成了一个“经纪人”, 从而促使具有大一统结构特点的社会体制也伴随着“经济人”的出现而逐渐面临着解体。对于市场经济而言, 其实都是通过个人所表现出来的经济行为而最终实现的, 而个人的经济行为有只能够在比较自由的经济环境之下才能够对其经济目的进行实现。这种经济行为所表现出来的特点并不是单独指的是生产的个人进行相应的生产、消费以及销售而表现出来的, 还包括对自己生活条件以及相应的生活水平进行自我选择所表现出来的经济活动。而对于个体当中的人在逐渐进入市场之后进行经济活动的同时, 其思想观念以及人格意识也同样在这过程当中逐渐觉醒, 从而影响其个人任何的形成。

市场经济的发展将艺术家逐渐演变成一个普通的“经济人”, 这时候艺术家所表现出来的与其他“经济人”所不同的是不仅体现在经济上火的成功, 还体现了一定的艺术价值, 从而名利双收。从这当中我们可以看出, 人的自由包含艺术家的自由都能够很好的在经济活动当中进行实现, 所有的艺术活动也都会围绕着这一观点进行展开, 缺少了这个条件, 则很难进行艺术的再次生产, 就算是非常简单的艺术再生产也很难打达到。

3、受到多元化艺术的冲击

对于当代西方文化发展而言, 其突出的现象则表现在后现代主义的盛行, 在当时, 例如:装置艺术、标本艺术以及行为艺术所表现的相关观念都被认为是当代艺术的主流形式, 而没有被认同的一些艺术观念以及所取得的相关成果则都会被排斥在这些主流的艺术之外, 因此其是否最后能够融入这种主流的艺术, 能否成为对艺术家创作价值进行鉴定的主要标志, 都会对当时艺术家带来很大的诱导力。

这种新生的艺术表现形式, 从而对架上绘画产生了极大的影响, 虽然这种形式发展还不够健全, 在这当中也有一些瑕疵和发展不全面的状况, 也给那些投机取巧的人带来一些牟利的机会, 成为一些别有用心、能力低下的人进行招摇撞骗的场所, 但是无论什么样的艺术形式都活形成这种高低之分, 我们也不能够笼统的进行概括, 将这些观念上的艺术判为死刑。这时候, 我们应当端正学术的态度, 对一些事物进行认真的研究和观察, 这时候才会发现在一些观念艺术当中的一些作品仍然是在使用合适的外部形势艺术对某种与现实生活紧密的相连, 而且能够很好的震撼人们的心灵, 起发传统的架上绘画。

三、架上艺术的发展趋势

在十九世纪末, 西方文化开始逐渐进入中国, 对中国所固有的传统文化产生一定的影响和冲击, 中国艺术家在对中国传统文化进行继承和延续的同时, 不断的借鉴和吸收比较优秀的外来文化特点, 从而获得了很大方面的改进和创新。人们思想观念的觉醒从而使得艺术觉醒, 当代的油画形成则主要形成了以扬弃古典传统文化的特点和批判借鉴西方现代艺术的两种主要的流向。在多元化互补的艺术格局当中, 不断的寻求东西方以及古典和现代文化的融合, 体现出理性与感性、科学与艺术的契合, 从而创造出更加具有时代精神和地方特色的艺术体系, 这也更好的复合世界艺术朝着后现代的发展趋向不断地前进。

在近代中国美术史当中, 架上艺术所体现出来的生命力则主要源于其对生活事物的一些关注, 而对于中国油画的发展现状而言, 我们逐渐对相关形式、表现的技巧、样式以及相关风格进行了过多的关注, 从而忽视了作品真实感情的体现。如果作品当中缺少了对人文精神内涵的表现, 则成为了艺术表现灵魂不断的缺少, 使得其更加缺乏生命的表征, 因此, 队友后期的发展则会不断加强人们对生活感情的融入、对精神体验的融入, 已增加架上艺术的内在表现力。

四、结论

本文充分对架上艺术的相关概念及发展状况进行了深入的探究, 从而总结今后架上艺术的发展应当不断增减其精神文化的融入, 从而为再现加上艺术的灵魂及其生命力垫定了强有力的理论基础。

参考文献

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篇5：论欧洲架上绘画中的写意性

文艺复兴时期, 在提香等一些画家作品中就有脱离了严格的写实而在局部显示出写意的倾向, 在后来的鲁本斯、委拉士贵支和戈雅等大师的作品中又有更多写意技法的运用, 以娴熟的笔法直接表现出造型、色彩、光线、空间和物体的质感, 然而写意风格最早真正从古典写实油画中蜕变出来是在18世纪, 浪漫主义画家德拉克洛瓦不仅在造型和色彩上, 也在油画技法方面完善了直接画法并留下十分成功的作品, 给后来以写意风格为主的法国印象派以重要的影响。这种影响甚至一直延续到表现主义风格的绘画。近代较有影响的传统写意风格画家如法国的德加, 他是印象派主要画家中仅有的接受过学院派严格写实训练的人, 曾经拜安格尔弟子卫视。他的作品因此也与其他的印象派画家的作品有明显的不同。由于德加具有坚实的写实基础, 所以虽然也有印象派捕捉瞬间明暗与色彩的敏锐感, 但他的人物造型动态准确肯定, 特别是他的用笔生动轻松, 具有鲜明的写意倾向。但德加自认为他的画是深思和学习的结果, 而非依靠灵感与冲动。德加也是十分热衷于绘画材料和技法的画家之一, 对油画、色粉画、版画、蜡彩、素描和雕塑都进行过深入的研究并有大量的作品传世。他还较早的将各种材料结合起来使用并是印象派画家中唯一借助摄影作画的画家, 这体现在他构图取裁和动作截取的不完整性和偶然性上, 显得十分自然。《苦艾酒》是德加早期的油画作品之一, 充分显示了他在驾驭线条、形体、色彩和材料方面的才能, 背景、桌子和地面的大面积色块画得非常放松, 甚至有点狂野。接近画布底色的灰色背景与人物, 亮部与暗部十分自然地互相影响、穿插着留出布纹和底色, 形成画面整体的色彩气氛。德加还是印象派画家中为数不多的喜欢使用黑色的画家, 画面上安排了大量的黑色快, 在松动含蓄的色调基础上, 断断续续的黑色线条, 简练地勾画出重点处结构与光影。德加使用油画如同中国画家的书法那样熟练和流畅, 线条的断续虚实与形体结合得十分贴切得体, 形成强烈的虚实对比, 这些都是写意技法的特征。

而美国画家萨金特则是将意大利式的古典明暗, 法国式的浪漫色彩, 英国式的绅士风度和美国人的洒脱气质在萨金特的作品里被融汇在一起。有些艺术史学家将它归入印象派, 主要是根据他那善于表现色彩和光线的特点。萨金特的绘画技法与风格以直接画法为主, 其用笔和造型技巧达到的成就可以说是在一流的写意风格之列。《比埃尔·高特鲁夫人肖像》是画家第一幅重要的大幅肖像, 故比起他后来大量用笔潇洒豪放的作品来画得较为严谨, 但更内在耐看, 作品完成后在巴黎曾引起争议。在这张真人等大的全身肖像中, 他精确而娴熟地捕捉住模特十分优美的形体动态和轮廓线条的转换变化, 而且画得轻松流畅。白皙的皮肤冷暖明暗过渡微妙, 在黑色礼服和深褐色背景的衬托下如玉石般晶莹剔透。双臂和手的形体节奏把握的极为传神。但在看似画得轻松的表象下, 潜藏着的是扎实的功力。萨金特娴熟的绘画技巧得益于他受过严格的写实训练和印象派画家的色彩影响, 而实际上他画得时候并非一挥而就, 特别在处理脸部和手臂等外轮廓时要经过反复修改推敲, 几乎每一处重要的边缘线他都画过多次。萨金特作画基本上是使用湿画法, 在颜料未干的时候连续作画, 每次不满意的时候总是用画刀把颜料及时刮去, 然后再用饱满的不透明色重新画, 而正是这种多次刮色修改的积累无形中使形体变得含蓄和丰富, 但经萨金特之手在作品上又显得干净利落, 不露痕迹, 是他特有的高明之处。

或多或少传承了中国写意水墨画传统血脉的中国油画家很快接受了这种写意风格并使这种技法与风格一度成为中国油画的标准样式, 以直接画法为主的传统写意风格油画往往要同时解决行、色、肌理和用笔等多个问题, 因此某种程度上难度要大于古典风格油画所使用的透明技法或多层画法, 所以要求画家在创作正稿前要充分做好准备, 对造型和色彩的安排做到心中有数。在正稿的绘制时则要大胆果断, 意到即可, 切忌面面俱到。