九年美术素描写生

九年美术素描写生（精选9篇）

篇1：九年美术素描写生

美术《静物素描写生》教案

学科：美术 授课年级：九年级

授课时间：2015年4月21日——5月30日 课型：新授课（造型.表现）课题：《静物素描写生》

教材分析：本课属于静物素描组合训练的这一阶段，当然也是属于造型.表现学习领域，主要向学生讲解线条、空间、明暗的这些基本写生方法的造型要素和步骤，以教师的理论讲解与教师示范为主，让学生在课上和课后进行长期训练。通过写生来达到完成基本的素描关系对整体画面的一个整体把握，更深入的了解线条、空间、明暗、质感的规律与作画步骤。

学清分析：学生对静物的明暗、空间都有了一定的了解，之前进行的素描静物临摹及写生的训练，但是对于作画的步骤及深入的刻画和整体的关系把握，不能准确的把握，需要教师进行系统的讲解，引导进一步掌握素描静物写生。教学目标：知识于技能目标：让学生了解静物写生的步骤与方法的艺术语言和特点分清楚每一阶段每一步骤的方法，了解物体的基本造型、质感、明暗和体积等表现。

过程与方法目标：过程 教师讲解－学生掌握知识点画

－找出缺点－教师示范－学生改正。方法 通过递进互动的探究学习。

情感态度与价值观目标：培养学生的绘画能力与创造

精神及认真学习目标精神和严谨的绘画技巧风格。

教学重点难点：重点 复习旧的临摹知识与教师的指导。难点 学习怎样将新旧知识点进行充分利用。教学媒体：绘画书籍 老师作品 画具等。教学过程：

（一）导入：复习旧的知识

提问：同学们，咱们的素描临摹与写生有什么差别啊？ 师生讨论

（二）讲授新课：还是从最基本的素描方法与步骤说起。1 打轮廓 观察 从整体观察多角度的观察，找出最喜欢的角度。构图 确定画面的最高点和最低点，最左点和最右点，尤其是主体物的位置大小，通过比较确定出其他物体的大小，注意突出主体画出的物体不宜过大或者是过小，也可以在其他纸上先将构图物体比例画好将它放大到自己的画面（需要注意的是一定要整体观察抓大形，不去先画细节位置大小相对都一定要准确）

2画出大色调：找出各个物体的明暗交界线后，可以对整个物体进行一个整体的黑白灰的大关系的处理，即从重到轻、从轻到重进行“排队”，画出大体的黑白灰，使画面的体积空间和一个整体的色调氛围，为以后的进一步塑造深入做准备。

（需要注意的是明暗色调要整体概括。注重黑白灰大关系的把握。不过细的刻画局部和局部深入。）

3深入刻画：是塑造形体最主要的部分，尽自己最大的努力把画刻画出来，抓住物体的本身固有色，从物体的形体出发去进一步深入明暗的变化，通过对物体的明暗和形体的联系更深入的刻画出更充分更深入的形体塑造（需要注意的是从明暗交界线开始画起把握整体关系注意整体的比较灰面是丰富的一个面，决定了画面的丰富程度，所以要调整灰面的微妙的丰富变化表现出物体的质感充实形体的塑造要细节服从整体，细节不能破坏整体的氛围）

4调整统一 使画面有节奏和韵律更生动。5作品欣赏（老师范画，让学生课下练习）

教学反思：

篇2：九年美术素描写生

在小学美术教学当中，如何提高学生对美术课的兴趣是至关重要的。兴趣是最好的老师，也是学习的主要动力。孩子的天性是对什么东西感兴趣了，他才会对事物有进一步的观察和体验。

对于美术课来说,对学生有吸引力，让他感觉到很有意思，,进而抱着一种游戏的心态去接触这项活动，学习才会达到事半功倍的效果。

要学习美术，就要真正到大自然中去，大自然是最好的老师。就让我们到大自然中去领略迷人的风光。拿起铅笔来画一画风景吧。从哪开始呢？小朋友先让我们来学一下怎样画素描风景画吧！

首先，让我们来做一个取景框，先来观察一下你们眼前的风景吧，看哪些是吸引人注意的地方(或称之为视觉趣味中心)，由这个兴趣点来确定画面的构图。

让我们把你眼前的风景分为三块吧。看看哪儿是远景，哪儿是中景，哪儿是近景。远景就是看起来不是很清楚的远处的山、天空，也就是后面的景色。中景就是景物中间部分，也就是景物的重点部分。这部分景物就比较清楚。近景就是前面的景色。

在画之前我们要考虑到这副画需要强调哪些部分，需要删除哪些部分，还要考虑是否添加些内容。这就是对物象进行艺术处理。有了一个总体认识就可以动笔了。

好了，现在可以开始画画了。拿起笔画出一条视平线。注意视平线不要画在中间偏上或偏下。我们最好从主体开始画。主体是房屋还是树木，定好主体的位置，就可以开始勾轮廓了。勾轮廓要注意虚实变化，中景可以实一点，远景和近景就要虚一点了。

好了现在我们从中景开始，用铅笔画出景物的明暗变化，注意线条的粗细和线条的变化，这要根据描绘对象来确定。如果对象较硬比较挺拔我们就用比较直的线条，如果对象是比较蓬松比较软就用曲线来画。当然还是要交替使用。中景要画得比较实。就以一副中景是房屋和树木的画为例来讲解吧！

在视平线上画出房屋。房屋要画出它的受光面和背光面。注意房屋的细节，门与窗的变化。画出屋后的树。画树时先画出大的树冠。看树的外形——树干——树枝——树叶。把树归纳成基本的几何形体。圆球、圆柱、圆锥。下笔时，先轻轻定出树冠的外形，然后分组。将大的明暗画出来。叶子分成几组并表示出来。树干呈圆柱形，要画出体积来。注意树干的穿插。树皮的变化体现树干的质感。比较粗糙的树皮用粗涩的线条。反之则用光滑的线条。线条的方向要按照树皮的肌理来画。树干上的根瘤、树洞也要认真刻画。也要画出明暗变化。还要将树干背光部分、大枝在主干上落影及树干产生的光斑都表现出来。

现在我们来画枝，画树枝要注意枝与干和枝与枝的穿插变化。不要将树枝画在一个平面上。特别是有些被遮挡住的枝。上下要连贯。树枝要注意适当减省。画出主要的枝条就可以了。注意每一段枝干倾斜度不同的透视变化，同时注意枝与干、枝与枝的重叠穿插，前后上下左右的关系，树叶大多用概括不要画得太细。要从树冠总体出发，着重表现树冠形态特征，画时要把树冠的叶子分成几蔟来画，表现每蔟叶子的受光部分和暗部的对比关系，从暗面画起，画出每蔟叶子的体积感来。一般在外形视觉画叶片的形状。

好现在开始画远景了，一是远山、一是远树、还有就是天空。远处的树主要要注意整体关系。天空一般比地面景物明朗，可用留白来表现。画蓝天要画准与景物明度的对比，不能只看蓝天比白云深。画阴天天空要画准亮度，不要过深。晴天万里无云可省略到空白，有时阴天无云时可略画一些浅色调子或不画。画云要注意外形、体积和层次，云的体积和其它物体一样是可以分成大的几何形立体面的，沟画外形时，定出云的体积面，再具体刻画，云的层次、形状、大小和距离不一的特点，不一定近处云彩最大，总的是——近疏远密、近处云朵底面较大，要画出云朵漂浮的状态，有远近虚实。

近景可以最后来画，近景可以简略处理。先了解近景内在物质结构、根据它们的纹理，选择适合的线条表现其质感。要注意透视关系。

篇3：对大学生素描写生教学再认识

素描，狭义上讲是用铅笔、钢笔等以线条来表现物体明暗的单色画，是表现物体的形体、结构、空间、质感的一种艺术表现形式。就美术学习而言，无论是学习纯绘画还是设计艺术方面都是学生学习必不可少的科目。可以说，素描是学习艺术专业的基础课程。学习素描对于培养学生基本形体塑造的能力，养成良好的整体观察、缜密思考的习惯，激发创新性思维具有重要意义。

一、培养形体意识，遵循“循序渐进”的路线

为坚持写实传统，在文艺复兴后的五百年里，任何一位大师都是通过严格的素描课程训练的。他们所掌握的特有的造型艺术语言，都是经过大量的素描写生培养起来的。所以要坚持素描写生训练，将其作为理解造型规律和艺术规律的基础来强化。素描写生对学习者的物体形体、空间、结构的训练是在平常素描学习中不断进行的。

学习艺术设计专业的同学，对物体空间结构的学习要求应该更加严格。从教学内容安排上看，一般都是以石膏几何形体写生开始的。由于颜色单一、结构相对简单，有利于培养学生对形体空间的掌握，以及对空间体面观念的认识，并且可以简单地加强对物体比例、透视问题的研究。通过简单的几何形体的写生，学生会养成对空间体面观察概括的习惯，为下一步过渡到简单静物写生，再到复杂环境下的景物写生，以至于以后更好地进行专业方向的学习打下坚实的基础。

二、从空间到结构，引导学生走出“单一”

罗丹在《罗丹艺术论》中对于全盛时期的古希腊雕塑的四个面评价道：“肩与胸的面向左边斜着，臀部骨盆的面向右边斜着，右膝盖的面向左膝盖斜着，因为弯着的大腿的膝盖在前，左足在右足后……形体的垂直线通过颈面中部，落在支持全身体重的右足踝骨上。另条腿则不然，较为自由，仅用足尖踏在地上，必要时可以举起，而不影响平衡。”经典绘画的基本特点是强化形感，加强体积厚度和空间密度，而现代艺术则表现在纯化形态、强化结构。

素描的表现手法，无论是简单还是复杂，始终在表现上都不会脱离写生对象本身，说到底也就是我们所要表现的物体的结构。结构决定了质量的分布，不同的结构总有不同的内涵。一般我们表现物体结构，从三个方面出发，即解剖结构、形体结构、空间结构。

解剖结构从字面意义理解是打开表面，了解物体内部构造。对写生对象的结构进行解剖有助于写生时对整体的把握和表现。

形体结构则是从写生对象的外在表面特征来说的，在外形上我们可以感受到写生对象的形状与体积。并结合几何特征的表现进行分析归纳，把外表复杂的物体变得几何化、简单化，这也是素描练习为何运用几何形体来训练初学者的原因。

任何物体都处在三维空间中，空间结构是物体解剖结构、形体结构在三维空间中形成的空间关系。在写生练习的过程中，二维对三维空间转移主要是对物体空间结构在画面的处理经营，加之主观上对物体的理解，所以画面就产生了不同的表现手法及表现效果，这也就是素描的魅力所在。

三、培养成竹在胸、整体观察的习惯

整体与局部是相对的两个概念，整体观察可以正确认识写生对象之间的相互关系，能更准确地把握局部。我们在教授学生的过程中，总会时刻提醒学生保持“从整体出发到局部刻画再到整体调整”的思路。

学生在写生时对整体的感受，首先是建立在对写生对象的整体观察上，这样才能全方位地去表现处理好整体与局部、局部与整体的依附关系。从整体出发处理好视觉中心，塑造写生对象的主次问题，虚实结合，把视觉中心刻画得越深入就越能体现画面的精彩效果。

我们在处理整体与局部的关系时，一般采用比较的表现方式，正确处理画面的黑白灰三大关系是表现写生对象的中心问题。黑白灰三大关系的处理，对画面整体效果有重大影响，是塑造画面的根本所在。写生者对画面审美概括的理解，表现在对写生对象本身色感、明暗之间的相互关系的处理上。处理好这三大关系，就能使画面变得均衡、有节奏，这体现了写生者对画面整体效果的理解和把握，有利于表现画面最精彩的中心。

四、引导学生运用不同的表现形式，描绘对写生对象的感受和理解

现代的素描教学体系，内容已超越了传统艺术，将原始的、科学的、平面的、立体的、抽象的与具象的造型观都加以融合，集中了某些现代艺术精神，使带有写实主义倾向的素描教学体系趋于完整与科学。在学校艺术教育中应当加强运用不同的表现形式，加强学生对写生对象的艺术感受和理解。

比较常见的素描表现形式，有光影素描和结构素描。光影素描在强调科学的造型性的同时，更加注重写生者眼中的真实。通过明暗和透视的原理表现物象，能够比较深入地刻画局部细节，塑造充分，画面完整，有利于对学生深入刻画能力的培养，以锻炼学生全方位地表现画面，提高作品的艺术感。相对于光影素描而言，结构素描则强调以对物体形体结构的了解为基础，以线为主要的造型手段来综合表现写生对象，分析对象的内在结构。主要的是运用不同的线条对物体进行表现，把握好对线运用的形式感。

在现实的美术教学中，不同的专业方向对素描的表现形式是不尽相同的，但始终离不开的是光影和结构。比如在设计专业学生素描练习中，结构素描运用得比较多。通过结构素描的训练，学生可以提高对物体的观察、分析、理解、概括的能力。而在美术教育及纯艺术专业的学习中，采用光影同结构相结合的方法，学习效果会更好一些，能极大地提高画面的艺术表现力。

素描有其自身的审美价值观，独特造型语言是不能靠现代工具来替代的。马蒂斯曾经说过，“对大自然借助素描进行研究最为要紧，如果素描是与理性相联系，而色彩与感性相联系，那就应当学素描，以求发展理性，并循着理性的途径引导色彩”。罗丹也在反问：如果没有素描，新风格中会有美吗?这说明，通过素描提高素质与修养比什么都重要。

五、培养良好的审美意识与创新精神

美术教育作为素质教育的重要组成部分之一，是实施教育创新的一个关键切入点，是实现教育工作目标的必经之路。陶行知先生说：“解放空间，把学生从文化的鸟笼里解放出来，飞向大自然、大社会去寻觅，去捕捉。”创新型的美术教学就是要勇于发掘学生的创新潜能，弘扬人的主体精神，促进学生个性和谐的发展，努力培养创新型人才。

平时我们所说的素描的三大功能，一是审美价值，二是造型基础训练的重要手段，三是美术创作前必备的基本功。

什么是造型艺术基本功?这就要进行三种能力的基础训练。

1. 观察力。

具有敏锐的观察力，包括捕捉对象最生动、最有特色的瞬间和角度的能力，确定对象部位比例的能力，分析明暗各部分关系的能力，以及整体比较、整体处理画面效果的能力。

2. 深入刻画力。

指深入刻画对象的能力，善于去塑造对象的比例结构、明暗及善于概括表面三度空间，正确描画对象的能力。

3. 表现力。

(1) 对形体的质感、量感、节奏感、空间感、情感、韵律情调以及具有独特造型语言等方面因素的掌握。 (2) 处理主观与客观、个性与共性、抽象与具象、形似与神似、形体与结构、线与面等相互矛盾而又统一的因素的关系的能力。

素描练习不是简单的以技能训练为唯一目的的，能够不断加强自身的艺术修养，提高审美意识，发挥艺术想象力和创造力，才能体现其实质。我们并不是要有什么重大的发明创造，画出什么不朽之作，但要学生学会创造性的思维，培养他们的创新意识，创新精神，敢于探索敢于创新适应社会发展的创造力。

只有艺术地感受，才能艺术地表现，艺术的真实不等于生活事实。只有提高审美意识，才能为创新艺术打好基础，才能具有良好的创新精神。只有研究探索新形势、新技法，培养学生在长期的艺术实践中逐步形成独特的个性特点，他们才会在专业发展上有所成就。

摘要：素描作为美术的基础学科, 其重要性是无法替代的, 学好素描, 是每位美术学习者必须认真对待的一个重要环节。文章认为, 素描的学习要从培养形体遵循规律开始, 注重空间结构意识的锻炼, 整体全面地把握全局, 用不同的表现手法表现对象, 逐步培养审美、创新意识。

关键词：素描教学,写生,观察与再现

参考文献

[1]王天兵著.西方现代艺术批判.北京:中国人民大学出版社, 2003.9.

篇4：九年美术素描写生

一、目前乡镇中学美术教育工作中存在的问题

1.对美术教育的认识不够

乡村与城市的最大区别也体现在教育氛围的差异上，而教育氛围又包括社会教育环境、学校教育环境和家庭教育氛围几个方面，就美术教育情况来看，城市的学生基本上可以受到较为正式美术教育，而校外的美术辅导班也成了学生的第二课堂了，可乡镇中学一般第一课堂都没有得到保证，更谈不上受到好的美的熏陶和教育了！

从上级领导到基层教师，从家长到学生本人，都存在着重智育、德育，轻美育的认识，他们往往把眼睛盯在语、数、外等文化课的教学上，而忽视了美育对德育、智育的辅助作用。许多学校的美术课开设不完整，随意性很强，有的既便是开设了也不能正常上课，在多数家长对美育的功能更是一点也不知道，认为学生读书就是为了考大学，美术与考大学无关，学不学无所谓，开了这些课反而会占用学生的学习时间，影响学生的文化课成绩，影响“升学”。这就要求我们教育工作者要做好宣传工作，特别是我们美术老师自己要先重视再渗透给学生和家长。

对哪些痴迷于美术的学生，天真的以为在家里就能拥有一方静土，可是刚刚操起画笔，就听到家长的严厉训斥：“有时间不好好搞学习，总搞这些没有用的东西干什么？你还能成画家不成？”“咔喳！”画笔连同孩子的“美梦”，一同被扔得无影无踪！

2.美术师资的匮乏与浪费并存

农村学校，特别是农村中小学教师，有些是土生土长的民办教师，甚至还有临时代课教师，他们极少经过艺术教育的培训，就是有这些老师也被安排上其它课了，即使课程表上有美术课也是拿来应付上级检查的，其实是拿来上语文、数学等要统考的课。

笔者从师范美术教育专业毕业，就是在农村中学工作十几年，而我的不少同学在学校教起了语文，还做了班主任，有的则教起了其它学科，到现在真正从事美术教学的屈指可数的几个了。在很多学校严重缺少美术师资，而另一方面美术专业毕业的又不能从事自己的专业，师资严重浪费？

试想没有一支合格的师资队伍，如何才能实现美术教育的正常化呢？所以如何把这部分美术教师留下来，稳定下来应引起我们的教育部门重视。

3.缺少教学工具和教学场所，难以有效开展美术教学

多年来不少学校虽然有了美术教师，但学校从来就没有配置专门的画室和有关美术教学的用具和材料，教师很难按学科特点进行规范的教学，就是示范也只能用粉笔在黑板上演示罢了，根本就没有起到示范的作用，就像中国画没有宣纸、没有国画颜料、毛笔等怎能去画好国画，岂不是笑话吗？那学生又能怎样知道中国画的博大精深呢？美术教学就是直观教学，需要教师亲自示范，不示范就起不到应有的教学作用。

二、推动中学美术教育的积极实践

以上是鲜活的乡镇中学美术状况“素描图”，着实让想有所为的教育同仁们心寒。为了让这幅“素描图”不再单薄，试着变成乡镇中学“写生图”，笔者多年的农村美术教育教学实践探索到以下教学方法，希望能起到“润色”作用，让农村美术教育生动起来。

1.课堂教学中实施愉快教学

（1）导入方法新鲜多变。可以让学生在浓厚的猜谜之中，自然导入新课，这样既开发学生智力，又加深学生对所画物体的印象，将收到课伊始趣亦生的效果，还可以对范画或临摹对象进行欣赏、评价、使学生充分感知作品的构图、造型，产生美的向住，激发强烈的作画欲望，在此基础上导入新课，水到渠成，同时、还可以巧设悬念激发兴趣、导入新课，而兴趣被激发所要达到的效果是“似难而易”，可谓出乎意料之外，合乎情理之中。最后，使学生感到：“噢，我也会”的心灵感应。

（2）示范指导力求浅显易懂。美术课的示范是指导学生学习，帮助学生理解描绘对象，掌握作业要领的重要手段。示范引路要事半功倍，其方法很多，如播放些动画片，多适应于低年级某些技法难以掌握的中国画等，教师可一边讲解、一边做技法动作的示范，一边让学生在自备画纸上学着画。这样学生自练就不难了。

（3）媒体语言形象具体。媒体语言指的是教学中常用的图片，实物、模型、音响、幻灯、语言描述等一些“辅助工具”。教学中媒体的使用，能使绘画内容变笼统为具体，变抽象为形象，变模糊为清晰，变难为易。如透视规律是比较抽象和复杂的，仅靠语言的描述很难理解，利用演变教具不仅让学生发现规律，理解规律，而且使美术课摆脱了理论知识教学中的枯燥说教。学生在心情愉快中积极思维，进入其境，接受美的教育。

（4）习作评价进课堂且“宽”一点。分数是无声的语言表达、给学生一个较高的分数、或写一、二句简单评语：“真棒！”“构图准确！”、“大有进步！”诸如此类，都能使学生增加绘画的信心和热情，培养了学习兴趣，激发绘画欲望，为下一次作业奠定良好的心理基础。

2.鼓励教学方法贯穿教学的全过程

（1）鼓励审美个性，培养审美意识。在教学中，不能事先就给某一审美材料规定一个统一的评价标准，而是充分地发挥学生的审美感受，鼓励学生用自己独特的视觉感受看艺术作品，使学生的情感与对象产生共鸣，审美的想象力自然会得到自由的发展。如：在欣赏梵高的《向日葵》时，我仅仅介绍了作品的时代背景和作者的情况，便让学生看画，自己感受一下作品的气氛，并要求学生看画的同时思考下面的问题：画的是什么？怎么画？色彩、用笔有什么特色？哪个地方给你感触最深？然后，鼓励每个同学都说出自己的看法：有的看到的是单纯而明快的色彩；有的感受到的是强烈的色彩和扭曲的笔触形成的视觉冲击力；有的领略到的是一种震撼人心的激情；有的则从作品中体会到生命被压抑而发出的呐喊；有的则感到每朵花就象一团火焰，这是爱的最强光。可见，鼓励学生的审美个性，可以启发同学们对审美意境理解的多元性、复杂性和深远性，从而提高学生的审美意识。

（2）鼓励艺术表现，激发艺术创造。教学中，我十分注意给学生提供一个展现艺术才华的空间，以提高学生的艺术创造力。在教学中我从来不随意扼杀学生作品里所体现的与众不同的东西，因为美术不同于某道数学题只能有一个答案，美术作品的美具有多样性，需要从不同的视觉角度去欣赏和评判，否则条条框框太多会限制学生的创作思路，使学生的作品显得千篇一律，缺乏个性与活力。所以，不管学生的作品显得夸张还是平淡，细腻还是粗犷，热情还是宁静，奔放还是含蓄，它都是有其内在的含义，是学生思维创造性的结晶，是学生心灵的反映。作业评价时我注意多讲优点，多肯定学生具创造性的一面，激发学生创造、表现美的欲望，这样做，同学们自然会变得更大胆、更充分、更主动地用自己的绘画语言与外界交流，这样才会给学生的艺术表现提供一个有利的条件。

因此，教师不仅是“传道、授业、解惑”，而且还要以一份真诚的心与学生交流思想、交流意见。让同学们的艺术表现热情培养起来，并留一个空间，让学生的艺术个性表现出来。

（3）鼓励自我体验，激发参与意识。在美术工艺课里，我从来不要求学生依照范画样本制作，用什么形式，先做什么？再做什么？怎样粘贴？不作统一规定，而是让学生自己对材料进行反复触摸、把玩、琢磨、探索，要求学生从不同角度进行试验，让学生自己去发现和理解：步骤不但可以是这样的，还可以是那样的；不但可以采用这种方法，还可以采用那种方法。注意鼓励学生亲自动手，从初次作画的失败到反复尝试练习后掌握技能，在体验中去感受到成功的喜悦，从而激发学生的参与意识。

总之，在美术教学中注意教学方法的灵活运用，不仅可以激发学生学习兴趣，而且对提高学生的审美意识和创造性思维的能力具有很大的促进作用。教师应以真诚的态度和热情对待学生，对学生的每一件作品、每一次尝试都怀着浓厚的兴趣和真诚的关注，特别注意在教学中巧妙地激发学生的兴趣、调动学生表现积极性，从而达到美育的“写生图”新景象！

篇5：素描写生步骤

一、起形。在画之前，仔细观察模特的形象特点，用长直线轻轻的起稿，找出五官、明暗交界线的位置，注意构图、比例和透视关系。

二、初步确立明暗关系、光影关系。从明暗交界线入手，初步画出明暗层次的变化，注意明确颧骨、下颌骨以及颈部的穿插关系；并对五官进一步的刻画。

三、从整体出发，进行刻画。注重对五官、肌肉和骨骼的关系；强调虚实关系，增强黑白灰的对比。在用笔的时候，注意肌肉和骨骼的走向。

四、局部刻画。时刻注意黑白灰的关系，遵循从整体到局部、局部到整体的绘画原则。加强体积和质感的表现。

篇6：素描写生1

1、概括与取舍

对有利于表现形体结构，或有利于处理各种艺术关系部分，清晰的自然要取，不太清晰的也要通过取提炼出来，对表现形体结构不利，又无助于艺术处理的部分，无论清晰与否，则要毫不犹豫地舍弃。

2、对比夸张

对比是绘画艺术最基本的表现语言，它在人物动态速写中的运用有以下几个方面。

（1）疏密对比：

疏密对比是指画面中人物的线、面组合排列的关系。它的运用首先与取舍密切相关，取则密，舍则疏，密则繁，疏则简。疏密来自取舍，对比则是取舍的依据。根据人物动态与服饰特征而定，在大的疏密关系制约之下，再注意到具体的疏密变化，古人所谓：“疏可走马，密不透风”，“疏中有密，密中有疏”即是此意。

（2）虚实对比：

虚实既与疏密有关，也与轻重有关。疏密是线，面排列、并置之远近，虚实则是线、面之有无。古人曰：“大抵实处之妙，皆因虚处而生”，线面的组织安排，要看到空白处，亦即疏处，空白大小不一，疏密自然有变化。

轻重则是虚实的另一个对比概念，主要是指密处——亦即实处的具体变化。轻则虚，重则实，以轻托重，以虚衬实。可以表现形体结构的空间感。

（3）曲直对比：

一张画里面曲线多了容易感觉到软弱，直线多了则感觉呆板。直中有曲，曲中有直，线的运用自然就会有一种轻松感。曲直对比变化的同时也可以构成人物形体边缘上的起伏变化。起伏变化是曲直变化的衍生状态，形体外缘的凹凸、高低不同，可以使线条更具美感和表现力，也使人物动态更生动。

（4）黑白对比：

篇7：《素描静物写生》说课稿

一、说教材。

前面我们学习了简单的素描静物照片写生，这周我们进行复杂静物写生训练。它是基础教学中必不可少的内容，素描静物写生主要分为两个学习阶段：结构静物素描和全因素静物素描。这里主要是指的后者。

通过直接观察生活中各种各样、形体特征不同的物体，进一步训练学生的整体观察、造型、塑造能力以及艺术表现力，为学生今后的学习和艺术发展打下良好的基础。

二、材料准备。

提前摆好一组简单以罐子、水果为主的静物，准备好基本的画具(如：画板、画架，素描纸、铅笔、橡皮擦笔，纸巾等等)。准备一些优秀的素描静物作品。

三、说教学目标知识目标：

1、通过教学让学生对素描静物的写生学习有一个整体的认识，并掌握正确的观察方法和表现方法。

2、能力目标：能把握住画面中物体的形体结构特征、空间透视规律以及基本的作画步骤。

3、情感目标：鼓励学生多观察生活、感受生活，善于发现生活中的美，激发学生的学习热情。

四、说重点、难点。

1、重点：掌握正确的整体观察方法和大的空间黑白灰关系。

2、难点：能深入理解并掌握构图、形体结构、透视关系基本原理，能表现出不同物体的质感。

五、说教法和学法。

1、教法：基本理论讲授法――图片展示法――示范法――点评法。

2、学法：讨论法和练习法。

六、课时：

2到3课时：讲授。

3课时：示范4开纸一张。

8课时：学生4开作业练习，教师辅导。

2课时：学生互相讲评，教师点评。

七、说教学过程。

1、对静物写生基本知识的讲授(并结合板书画出结构图)。

(1)形与体：物体都是以实体的形式存在于空间中，形体是其本质的东西。形指形状，体指结构，形状与结构构成千变万化的物体

(2)形体与光源：物体在受光后便会产生明暗变化，分为三大面和五大调子。 “三大面”指亮面、灰面、暗面，“五大调子”指亮面、灰面、明暗交界线、暗面、反光五个由亮到暗延伸的层次另外，物体本身的固有色更加丰富了画面中的明暗节奏变化。

以下透视问题提问学生，了解学生对以前所学知识的掌握程度。

①空间透视：物体真实地存在于三维空间中，而我们想要准确地表现这种虚拟空间就要注意透视，它是形成空间感最有效的手段。透视分为平行透视(又称一点透视)或成角透视(又称两点透视)。

②平行透视：立方体有一个面与画面平行，与画面平行的线不变，与画面垂直的线向消失点消失(近大远小，近实远虚，画面庄重感较强)。

③成交透视：立方体中没有任何一个面与画面平行，各组平行线分别向左右两个消失点消失。

④整体观察：

观察对象时，应避免将目光长时间停留一处，只观察局部而忽视整体，对象的长宽、大小、比例、前后的透视和空间关系，都是在观察时需要相互、反复的进行比较，这样心中才能有全局，才能做到主次分明、轻重有别。

2、展示优秀素描静物作品。并结合作品对素描静物的表现方法作进一步的分析、解说，使学生对素描静物大的画面有一个直观的初步认识。

3、通过做示范，让学生明确整个作画步骤，边画边讲解。

首先选好角度，确定好自己作画的位置。

(1)观察分析：作画前养成良好的观察习惯，让心中有画， 对画面有一个整体把握。

(2)构图：用轻松概括的线条勾画出物体与布纹的大体位置，注意各个物体的形体结构特征。构图不要太满也不要太空，物体的摆放要注意聚散关系，要错落有致。

(3)铺大关系：在确定的形上画出明暗交界线及投影，明确光源方向，找出大的黑白灰关系，切勿过早地陷入局部细节当中。

(4)深入刻画(塑造)：结合整体大关系，确定前实后虚的大节奏。围绕画面视觉中心开始深入塑造，深入刻画要有主有次，尽量表现出物体的不同质感，使画面精彩。

(5)调整：重新回到对整组静物的第一印象， 强调画面的整体感，画的不够的地方要加强，画过的`地方要削弱。

4、让学生动手练习，教师给予指导，并及时纠正学生画面中的错误和不足。例如，构图时画面太满或太空。

5、做点评，让学生把画都摆在一起，把自己的画跟别人有一个比较，从而看到自己的优点和不足。找一个或几个同学试着去讲解同学们的画，大家可以一起来讨论解决问题，有想法的同学也可谈谈自己的见解，老师给予适当的引导和知识补充。这样可带动学生养成主动思考的好习惯，激发让学生在一个轻松愉快的学习氛围下掌握知识，达到既定的学习目标，突破难点，掌握重点。并进一步强调深入理解构图、结构形体、透视关系基本原理，作画过程中要始终整体观察。

八、作总结。

让学生在一个轻松愉快的学习氛围下掌握知识，达到既定的学习目标，突破难点，掌握重点。并进一步强调深入理解构图、结构形体、透视关系基本原理，作画过程中要始终整体观察。

建议每人准备一个速写本，业余时间多观察生活，多动手画速写，鼓励学生注重积累，养成好的习惯，若能坚持将受益无穷。

篇8：论油画专业素描课写生教学

1 油画专业素描课写生教学的难点分析

由于油画专业的特殊性,素描课写生教学与普通大学课程的教学大不相同,实际教学更为困难。尤其是在新课程改革逐渐深入的今天,素描课写生教学更是面临着实用化教学、新思想教学的挑战。

1.1 课程内容抽象

由于油画专业素描课写生的艺术性比较强,而艺术创造依靠的是思维发散与充分的自由想象空间。因此,在实际教学活动中,对写生课程很难作出比较详细的要求,换句话说,写生课程很难设置比较清晰的教学要求。例如,在野外写生课堂上,教师无法限定学生应当写生哪些东西,如何进行写生,在写生课程中应当学习哪一部分知识。其原因就在于艺术写生本来就是一个统一的整体,无法人为的割裂开来。油画专业素描写生的艺术性,决定了该课程的抽象性。而这种抽象性往往使很多教师在教学过程中感到毫无头绪,不知道该从哪个方面入手来提高教学效果,自然造成了授课的低效率性。

1.2 没有实用的教学规律

素描课写生教学不同于普通大学课程,最大的差别之一便是素描课写生教学没有教学规律可言。而所谓的教学规律,主要指在长时间的教学活动中,形成的比较规律化的教学方法。如大学数学教学中,可以先进行课前预习,课堂听课时,做好笔记,课下进行练习巩固便是比较实用的教学规律。而油画专业素描课写生课程并没有类似的教学规律,其原因就在于写生课的写生目标、写生具体方法、景物勾画手法等均无法教学规定。教师只能就事论事,根据不同的写生课程摸索教学规律,而摸索出的规律在下次写生课便难以再次应用。总而言之,缺乏比较实用化的教学规律,在很大程度上加大了素描课写生课程的教学难度。

1.3 学生素质参差不齐

在普通大学课程教学中,学生素质即便是参差不齐,也能够应用统一的教学方法来进行教学,且并不会因学生素质不统一而降低教学效率。但是,油画专业素描课写生的艺术性很强,对艺术的领悟能力在很大程度上取决于学生的天赋和基础能力。若一个班级中的学生素质差别过于悬殊,采用统一化的教学方法就很难收到与其他普通课程一样的效果。因此,如何针对每一位学生不同的基础素质,进行有目的性的教学,变成了长期困扰任课教师的一道难题。不过,虽然学生素质无法在短时间内改变,但若采用比较恰当的教学方法,还是能够消除其带来的不利影响。

2 提高写生教学有效性的对策分析

2.1 从培养观察能力做起

古人对作画追求跃然纸上,即追求对景物最大限度的写真,恪求栩栩如生。例如诗中描述的“远看山有色,近听水无声,春去花还在,人来鸟不惊。”便是最真实地描绘出了作画的最高境界。而在素描课写生教学中,也要求写生能够最大限度地接近景物的真实性。首先要培养学生的观察能力,这是提高素描课写生教学效果非常有效的途径。在课堂教学中,教师可以要求学生观察景物的特点,比较相似景物的不同点,通过鼓励学生发现隐藏在视线之外的景物盲点等,来锻炼学生的观察能力,从而提高学生写生所必备的基本素质水平,利于教学。

2.2 素描写生教学要以造型训练为重心

在中国古代绘画大师张彦远的《历代名画记》中提出“宣物莫大于言,存形莫善于画”的观点,说明了造型基础的重要作用。可见素描是致力于培养学生写生能力、分析能力和概括物体能力的最基础的绘画形式,是一切造型艺术的基础。用一个中国成语来形容,就是“胸有成竹”,通过这种方法,将景物的各个元素铭刻在学生心里,将造型能力培养到比较高的层次,再进行写生教学时就简单得多了。

2.3 注重培养学生的审美和艺术感受力

对于有了一定造型能力的学生在教学上就要以审美和艺术感受力的培养作为教学的指导原则。因为继承、借鉴和创新是促进艺术发展的重要因素,没有继承、借鉴,便不会有创新,艺术的发展是有其内在继承性的,这种继承性,反映着社会意识形态和人们审美观念的连续性。也就是说,审美和艺术感受力的培养,不仅仅要靠自主创新,也要靠继承(即临摹)。有些学生认为临摹缺乏创造性,但是想要成功就要站在巨人的肩膀上,就是要善于借鉴前人的优秀经验。观摩历代绘画大师的作品,可以开阔学生的眼界,开放学生的思维,使学生直接接触到最好的、最优秀的艺术,起步就要高。简单说就是先学习别人的,加以融汇,再形成自己的风格。

2.4 将素描课写生作为独立的艺术形态来教学

指导学生完成一幅好的素描作品本身就是独立的艺术,应具备良好的造型能力、优秀的表现技术、独立的思想观念、理想的形式构图、流畅的线条、准确的形体结构、恰当的表现手法以及恰到好处的画面处理。这些品质的培养,是在艺术写生这个特定的领域来进行的。也就是说,素描写生虽然是油画作画的基础,但并不是只为油画作画而服务的。素描课写生是独立的、自成一体的,是不为其他艺术形态服务的单一的艺术形态。在实际教学活动中,教师应当强调这一点。只有如此,才能在培养学生的观察能力、创新能力、艺术感知能力和审美能力方面有比较好的效果。

摘要：在美术艺术类大学院校的课程设置中,油画专业素描写生课程占有非常重要的地位。尤其是在培养学生观察能力、基本作画能力以及对自然界韵律的把握能力方面,更显现出了非凡的重要性。本研究阐述了优化专业素描课写生教学的现状及对策。

篇9：略论油画专业素描课写生教学

关键词： 素描；油画；教学

油画是西方传统绘画的主体，而素描更是西方绘画的造型基础。在现今中国的高等美院的油画教学，素描一直担当油画造型能力培养的基础课程。面对扩招带来的学生人数的增大，专业素质的不同，对油画专业的素描教学都提出了新的问题，这就要求教师不仅要做好课前的教学准备，设计教学计划，预定教学要达到效果，更要在教学中真对不同的专业素质从以下三个方面来具体指导学生的学习。

1以造型训练为目地的素描教学

在中国古代绘画大师张彦远的《历代名画记》中提出“宣物莫大于言，存形莫善于画”的观点说明了造型基础的重要作用。可见素描是致力于培养学生写生能力、分析能力和概括物体的外形特征而加以描绘的最基础的绘画形式，是一切造型艺术的基础。目前国内许多考前培训组织盛行，为通过美术考试制定了特殊的极具针对性的培训方法，虽然能通过入学考试，但是学生的造型较低，表现方法又不正确。对于这部分造型基础相对薄弱的学生，在教学中不能对他们提出较高的要求，重点训练造型能力和表现方法规范性，从培养良好的写生方法开始，指导正确的观察和表现方法的统一。将培养观察能力，表现能力，审美能力和眼、手和脑的协调能力作为其教学的指导标准，不求冒进，力求务实，不与他人争高低，努力提升自己的造型素质。正确的把握素描语言能为油画中各个色块的分布及明暗色块的对比提供准确参照，从而为油画的学习打下良好的基础。例如达·芬奇为了正确的表现人体的动态和轮廓以及医学研究，曾亲自解剖了30具尸体，这正体现了西方绘画的严谨态度和理性的思维。所以重点培养这类学生的观察能力和正确的表现能力也就更为重要。只有在他们初步掌握了正确的观察方法和表现方法并具有初步的造型能力之后才适宜将审美和艺术感受力的培养作为下一阶段素描教学的指导原则。

2以审美和艺术感受力培养为目地的素描教学

对于有了一定的造型能力的学生在教学上就要以审美和艺术感受力的培养作为教学的指导原则。因为继承、借鉴和创新是促进艺术发展的重要因素，没有继承、借鉴，便不会有创新，艺术的发展是有其内在的继承性的，这种继承性，反映着社会意识形态和人们审美观念的连续性。不仅要继承和吸收本民族的艺术遗产，还要对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸呐，尤其表现为对艺术的形式与技巧、内容题材、审美观念和创作方法等方面的继承。所以在教学中就要指导学生学习、欣赏、研究中外优秀的素描艺术，向大师学习。而临摹和学习研究传统大师的素描是提高审美和艺术感受力的有效途经之一。写实绘画在欧洲文艺复兴时期达到巅峰，达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗三大巨匠高超精湛的写实功底成为后世画家学习的榜样，其技艺精湛的素描草稿体现了素描对写实油画创作的重要作用。

此外通过欣赏西方美术大师的素描作品和油画作品时，可以发现这些画家的素描风格极具代表性，并且决定了其油画作品的风格特点，可以说素描语言的风格就是油画语言风格的骨骼，决定了其油画作品风格特点的走向，各个时代的大师的作品的风格都可以通过素描来解读。例如法国杰出的古典主义绘画大师安格尔的素描线条简练工整，结构精确，富有节奏感，所以他的油画作品造型严谨、画面精致，色彩华丽而沉稳。通过临摹学习大师的素描作品，可以解读大师的绘画语言和风格，从而提高自己的艺术鉴赏力，更重要的是可以尽快形成成熟的画风，在此基础之上，再突破传统形成自己独特的风格特点和个性化绘画语言。有些绘画者没有掌握扎实的功底而直接盲目的学习一些抽象画派等现代艺术，以此来逃避素描基础的不足，结果导致作品空乏无力，甚至不知所云。殊不知其所模仿的现代派大师皆是从临摹写实主义素描大师的作品学起，扎实的掌握了写实的素描和绘画的基础之上，才另辟蹊径，追寻新的艺术之路。例如现代派绘画大师毕加索的抽象画为世人所熟知，也成为后人竞相模仿的对象，然而观摩其早期学习阶段的作品，无一不是造型严谨，画风沉稳，其浑厚扎实的素描功底可见一斑。

有些学生认为临摹缺乏创造性，但是想要成功就要站在巨人的肩膀上，就是要善于借鉴前人的优秀经验。观摩历代绘画大师的作品，可以开阔学生的眼界，开放学生思维，使学生直接接触到最好的，最优秀的艺术，起步就要高。简单说就是先学习别人的，加以融汇，再形成自己的风格。要让学生学会欣赏大师的作品，提高艺术鉴赏力，通过这些艺术巨匠的作品来直观的感受艺术，从而提高绘画技巧，从而增强学生的艺术感受力和艺术洞察力。

3素描作为独立艺术形态的教学

指导学生一幅好的素描作品本身就是独立的艺术，而它应具备以下的品质：良好的造型能力，优秀的表现技术和独立的思想观念，还应具备理想的形式构图，流畅的线条，准确的形体结构，恰当的表现手法，恰到好处的画面处理，具有欣赏及审美价值。例如达·芬奇的素描观察细致，线条刚柔相济，结构准确，并善于表现光影的微妙变化，这些素描和他的油画作品一样拥有极高的艺术价值。德国杰出画家丢勒，他以自己的素描为基础建立起一种与自己的性格、追求相适应的个性语言，其素描特点：笔法细致、线条遒劲，具有鲜明的个性品格。^[1]许多绘画的大师的素描都被后世誉为绘画艺术的典范，这些大师的传世之作已经使素描脱离了为油画定稿的最初功能，能成为一门具有独特表现力和感染力的艺术门类。

绘画的自我表达能力在创作中就有重要的作用，一幅成功作品不仅可以为欣赏者呈现出画家精湛的技艺，更精彩的是画家极强的艺术感染力和丰富的内心世界。简单的说就是思想性，当同样的技巧出现在两幅不同的作品中，就要通过作品自我表达能力来提高作品的辨识度。绘画的自我表达能力不只局限于油画作品中，在创作素描作品的过程中，以造型为基础，而以表现为目的，则体现了素描的自我表达能力。成功的素描作品以其最原始的状态呈现在观察者眼前时往往比完成后的油画更就有表现力，更能表达作者要传达的信息，因而我们可以将素描作为一种独立的，不为其他艺术形态服务的单一的艺术形态。

在如今科技手段高度发达的影像时代，素描已经失去了昔日记录和刻画的最初作用，而成为一种独立的艺术表现手段，成为艺术家用来表达自我，寻找新的创作之路的一种艺术表现形式。因此素描教学不能一味的局限于过去刻板的基础性训练，不能将素描当成简单的基础训练课程，应该将其视为一门独立的艺术形式，应该突破图像语言的限制，把握素描语言的自我表达，及素描作品的独立性，以素描为表现手段来创作出独立的艺术作品。

综上所述，对于培养油画专业学生的培养，就要以写生教学为主，为学生打下坚实的造型功底，又要通过欣赏绘画大师的作品学习高超的绘画技巧，逐渐形成自己的艺术风格，努力提高自身的审美水平和艺术感受，在掌握扎实的基本功之后，再强调思想性和艺术性的表达，将素描的艺术感染力带入油画创作之中，在创作实践中寻找突破口，走上独立的艺术创作之路。

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