写实油画艺术

写实油画艺术（精选十篇）

写实油画艺术 篇1

学过油画的人都知道西方古典油画是非常讲究画面构成也就是形式规律的。只不过是他们用了一种被当时社会更易于接受的表达载体罢了。当艺术发展到今天, 西方现代艺术都已经走的很远的时候我们学院派的教学模式依旧没有什么大的变化。而老师究竟要教什么, 学生又真正在老师那儿学什么, 怎样真正提高全民的审美素养的问题就显得尤为重要了。其实老师真正要教的东西很多, 除开技法不谈最重要的恐怕是教会学生学会怎样去欣赏, 而这恰恰是我们现如今所缺乏的。无可否认写实性的绘画对于初学美术的人来说确实起到了一定的积极作用, 它使我们学会了怎样观察事物和最基本的一些绘画素养的培养这都是很有用的。而如果仅仅以写实而写实那就大错特错了, 因为对形式语言的运用和认识才是真正提高审美素养的根本。

很多人对写实依旧停留在再现客观事物上, 而这种唯写实论的背后实际是对艺术本身的误读。正如, 比利时超现实主义画家玛格利特画的那幅名为《形象的叛逆》的画。画面中央是一个巨大的烟斗, 而画面下方则写了一行法文:这不是一只烟斗。这显然是在告诉观众被表现对象与表现物之间并非同一个事物。所以忽略了两者的差异, 也就丢失了艺术存在的根据。在这幅画中, 我们欣赏的是表现烟斗形象的艺术, 是艺术给观众带来的美感或是传达的精神性, 如果片面的把写实理解为再现事物本身的话, 我想与其去看画中画的烟斗的话, 还不如去看实物好了。说到此处就不得不提及在20世纪超级写实主义绘画了。从字面就可以得知, 这种绘画就是对现实存在的事物的无限真实的放大, 虽然也和国内很多画家一样, 也会用到照片等手段。但事实上, 艺术家是把所描绘的客观事物通过艺术加工把实物的某些侧面呈现出来或是对人们所熟知的实物进行无限的放大从而凸显出某些现实中被我们所忽略的细节特征。在这其中, 画家必有所强调或是省略, 更重要的是画家在其再现中传达了对再现事物的看法以及除了美以外给人们带来的思考, 所以这也是我们直接观察实物所没有的东西。我想这种再现并非是简单的临摹或是照抄而是给观众带来了更多精神性的东西, 正因如此才使得再现显得尤其必要了。所以卡希尔会说“艺术家选择实在的某一方面, 但这种选择的过程同时也是客观化的过程。当我们进入他的透镜, 我们就不得不以他的眼光来看待世界, 仿佛就像我们以前从未从这种特殊的方面观察过这个世界似的”。

点、线、面的构成是画面形式感的基础元素, 当绘画抛开了主题性时, 现代主义画家更多关注的是画面形式语言的探索。空间意识被弱化, 透视规律不再被奉为宗旨之后, 绘画回到最本质的表现。从后印象派开始就有不少大师进行这方面的艺术实验, 他们的经验带给后人不少启迪, 尤其是凡·高的用笔、马蒂斯对色彩关系的处理, 还有毕加索多视点的理性分解和重构、维亚尔画面的形式处理等都是对形式语言的大胆探索。一般学习绘画都是从写实写生入手, 而想摆脱既定的习惯是非常困难的事情。从模仿自然到主动地组织画面, 是一个艰难的探索过程。在传统的写实绘画中更多的是人们对自然的造型和自然的色彩的依赖, 而很少去注意画面中的形色关系。如自然中的形状本是重复或接近的, 很多人会不假思索地不做任何处理地照搬上去, 自然中的色彩放到画面上是否协调也很少考虑。很多人画画, 研究的只是如何再现, 怎样画的有立体感有空间感。而对艺术表现的研究甚少, 也就是说忽视了对写实背后形式法则的研究。而当画家开始考虑画面问题的时候一切都改变了, 他会很理性地把文学性转换成画面的形式, 把情感转变成笔触和肌理等符号性的东西。从而表现出不同的视觉符号, 情感的信息也自然会贯穿整个画面。

很多很有意向的画或是纯抽象的画都是来自自然, 但已不是被动地照抄对象, 而是有选择地去加工、提炼和处理。很多时候自然能为画家提供丰富的参照和情感的启发。自然界中不同的形状构成是构图的需要, 不同的纹理和质感则变成用笔和肌理, 斑斓多彩的物象为画面提供了丰富的色调和形式参照。画家再按照自己的感受和作画的规则在杂乱中整理出一个新的画面视觉秩序, 并赋予画面新的理解和意境。画面中存在着许多像书法和水墨画中所要注意的问题, 也就是单纯的宽窄、大小、曲直、浓淡、虚实、厚薄等。这些就是画家处理画面时真正应该注意的基本规则, 这种形式因素的探索实际上是对绘画表现力和绘画语言的研究, 同时也是一个艺术家内在绘画素养的体现。所以转变写实的观念就显得很重要了。

创作和学习是一体的, 古往今来的画家们无不是在学习和借鉴他人的过程中成长的。西方绘画的传统是一条绵延不断的河, 即使是在号称破坏一切和颠覆架上绘画传统的后现代艺术实验蓬勃发展时期也未曾枯竭, 人类视觉审美的需要决定了它的存在。美的法则不一, 但规律都是相通的。在艺术技巧花样翻新的今天, 对待这样一个古老的外来画种, 怎样增加其艺术内涵和更好的民族化以及突显个人审美情趣才是当代中国油画家应该努力追求和探索的重要方向, 而对写实背后艺术规律的理解, 专门从事油画艺术语言探索的学生还是艺术家来说都是很重要的, 也只有这样才能谈得上去提高全民的美术素养。

参考文献

[1]周宪:美学是什么, 北京大学出版社, 2003年版

写实油画艺术 篇2

写实风格的油画从产生至今经历了几百年的漫长发展，它不仅成为西方油画典型的艺术呈现方式，更是世界人民普遍运用的传统艺术表现方式。油画材料与技法是表现油画的重要部分，它的意义在于通过具象的画面表现创造者的绘画意图和目的以及作者想要传达的思想和境界。文章分析了油画材料与技法运用的实际意义，探讨了材料与技法是如何在写实油画中具体应用的，旨在提供借鉴。

写实油画概况

写实油画最早发源于西方国家，文艺复兴运动的兴起与发展是写实油画存在的大背景。油画风格类型和题材由最初的宣扬宗教、描绘神话传说到赞美英雄以及发展到后期逐渐开始关注现实的事和普通大众等，写实风格的油画从产生至今经历了几百年的漫长发展，它不仅成为西方油画典型的艺术呈现方式，更是世界人民普遍运用的传统艺术表现方式。写实油画是最先传入中国的一种古老油画，艺术家们用满腔的热血努力浇灌出了具有中国本土风格的写实油画，而在中国内陆地区与民族地区由于自然环境、社会经济、人文基础以及风土人情存在着很大的差异，因而即使是风格相同的写实油画，也表现出不同的发展阶段和独特的地域风采。写实油画不是单纯的自我创新，而是在系统分析前人油画作品的构图、色彩、情感设计基础上，取其精华吸收不同的表达手法。写实油画传递的是创作者独特的视角感受和人生感悟，不同的作品反映不同的情感体验。写实油画不仅为人们提供多元的审美情趣，而且为艺术家们提供想象的空间和创作的余地。

油画材料与技法对艺术创造的影响力

探讨油画材料与技法对艺术表现的意义，可以从当前油画发展的关注点和研究新趋势上侧面反映出来。首先，从美术院校发展来看，普遍建立材料与技法研究基地，系统学习材料与技法的专业知识，并邀请著名绘画家讲学，以期形成学科体系。其次，从油画家们个人作品来看，他们重视材料与技法在表现作品风格和个人魅力方面发挥的作用，材料与技法是艺术创造坚实的后盾。此外，从美术用品材料制作商来看，他们正在努力研制各种形式的绘画材料，新的材料不断在市场上出现。正是油画家们不同的创作需要和对材料与技法的重视，才推动了新材料的研究和技法的创新。

油画创作的重要部分是靠材料和技法实现的。写实油画中线条、画面到构图的技法运用是非常重要的，艺术家们要掌握这些技法，熟悉不同的组织结构，表达作品的情感和内涵。总而言之，油画材料与技法运用的意义在于通过具象的画面表现创造者的绘画意图和目的以及作者想要传达的思想和境界。我们应当看到，随着人们对材料与技法的认识深入，它的功能和作用将越来越受到重视。作为一种工具载体被运用的历史使命终将结束，取而代之的是作为艺术主体地位的运用，材料与技法的应用角色转变，将带动艺术创造展现新的生机和活力。

写实油画中材料与技法的具体应用

中国当代的写实油画家代表如罗中立、陈逸飞、闻立鹏、郭润文、詹建俊等，他们的作品无论是描绘景物还是写人，无不将自己的情感、思想寄托于作品或细腻或恢弘的画面中。在现代绘画艺术中，这种传统的艺术表现形式也得以保留。因此在写实油画材料与技法的运用中，更多的是为作者直抒心意、表达情感、抒发情怀服务，具体表现在以下几个方面：

1.构图、线条的运用反映油画的构思和风格

在不同的发展阶段、不同的文化领域下油画构图是不一样的，这是因为作者的构思存在着差异。从当代写实油画家的作品中，我们可以看到其在构图中讲究线条的运用，采用的基调是暗色，有清晰可见的界线和稀疏的涂抹画面。这样的构图风格体现了当代艺术家们独特的思想境界，平实、宁静的构图方式表达创作者们追求一种超脱世俗的生活状态以及毫不掩饰做作的艺术态度。写实油画材料与技法的运用就是要转变传统的方式和思维，冲破原有构图思想的束缚，灵活自由的创作。

2.构图表现手法传递油画的魅力和美感

艺术创造的核心就是为满足人们的审美需求、提供赏心悦目的情感体验。美是人们共同的向往和追求，油画创作当然也不例外，只有从作品中感受到美的存在，人们才会欣赏这些抽象的艺术。而要突出油画的美感最主要靠构图的表现手法，通过形式多样的构图手法展现油画的外在美和内在美，从而吸引艺术爱好者和普通大众的眼球，达到艺术影响的效果。

3.写实油画材料技法的运用要体现地域和本土特色

写实油画在发展历程中，都经历了适应本土化环境的过程。尽管中国写实油画是从西方传播过来的，但是写实油画作品的题材和风格存在着差异，在油画材料与技法的运用上也存在很大区别。而中国本土化发展起来的写实油画在不同地域、不同民族呈现不同的表现方式，但是正是这种独特的自然环境、社会环境和人文环境才孕育了油画的不同构图和意境，才能反映当时当地人的共同心理和情感思想。因此油画创作要深深扎根本土，以本土环境为基础，体现独具特色的文化精神魅力，这也是未来写实油画要坚持的原则和方向。只有扎根实际生活，才能为创作提供灵感和想象的空间，才能创作出真正有深度的不巧作品。

总之，写实油画不仅需要吸收西方的优秀成果，还需要在坚持本土地域特色的基础上不断创新发展，探索新的材料与技法应用，挖掘新的创意，提升自身实力。我们也要坚信通过艺术学院学科体系的建设和完善、艺术家们的创作实践以及社会企业对油画材料的研究，中国油画的发展前景是美好的。

（作者单位：安徽师范大学）

写实油画还要火 篇3

在学术界，写实的风格是否学术，也是个无解的问题。

但是有一点是不能怀疑的，那就是：在20世纪之前，整个西方美术史就是一部写实油画的历史。作为一个外来品种，中国在20世纪的大部分时间里也是写实绘画的独放之时，这主要得益于政府的扶植和提倡。以徐悲鸿为代表的法国学院派写实绘画和俄罗斯契斯嘉柯夫学院派教学法被奉为正统，艺术实践和教学长期限制在这种模式里，从事为政治服务的主题性创作。在封闭的程式中，有一点应该被中外艺术家所承认，就是中国艺术家潜心钻研绘画技术的功夫大大提高。

虽然说当代艺术在今天风起云涌，但改变不了的是这些活跃在当代艺术圈的中年成功艺术家们，依然保留着良好而扎实的绘画功底，这些无疑也得益于正统的教育体系和审美情趣。所以到今天，写实油画不管在中外，都还保留着一席之地，同时也不乏不错的艺术家和作品。

2005年，以陈逸飞、王沂东、艾轩、杨飞云等为代表的中国写实画派艺术家的作品早早登上拍台并创造了不少佳绩。此后，写实油画的市场行情一路走高，到2007年，个别艺术家的作品就已经跻身“千万元俱乐部”。不过，随着当代艺术市场的崛起，挤占了部分写实油画的市场份额，外加2008年全球性金融危机的影响，写实油画市场从2008-2009年进入了一个调整期。

2010年，写实油画的市场行情再度攀升。在北京保利2010年秋季拍卖中，中国现当代艺术板块斩获了4.4亿元的总成交额，其中，写实油画部分的成交额占据了整场成交总额的一半。冷军《肖像之像—小罗》以3,136万元刷新了他本人作品成交记录；艾轩的重要作品《圣山》则以2,072万元创造了艺术家作品拍卖新高；王沂东的新作《春袭羽萍沟》在保利秋拍夜场中以1,456万元成交。

2011年，写实油画在大量投资型资金的支持下继续走高，价格记录也是接连告破。如中国嘉德推出的陈逸飞作品《山地风》，就以8,165万元创下了中国油画拍卖世界记录。陈逸飞其他在嘉德付拍的作品也多以4,000万元左右的价格成交。一直风头强劲的另一位写实画派代表王沂东，其作品价格也在2011年继续增长，《新娘》拍出2,000多万元的高价。

在经历2005年的突起和2008年的震荡之后，写实油画和当代艺术一样进入理性调整阶段。而2010-2011年的价格回归，使得写实油画在2012年的拍行征集中再度成为抢手货。

从二级市场看，各种不同层次和不同水平的写实油画也都容易找到买家，而那些在美术史上成名的画家的作品更是成为收藏者争相竞购的对象。

事实上，当时间流淌在拍卖季前后，看看本刊的封面，基本就能窥得市场一斑了！

写实艺术的情感 篇4

“写实”作为一种艺术方法, 主要是指真实地描绘与再现事物对象。“艺术是用形象来反映现实, 但是比现实更有典型性的社会意识形态;包括文学, 绘画, 雕塑, 音乐, 戏剧, 建筑等。写实艺术大概经历了这样一个阶段:在文艺复兴时期就拥有了写实艺术。十五世纪, 意大利画家达芬奇的作品《最后的晚餐》以传统的圣经为题材, 画面通过耶稣与犹太人的冲突反映出人类的正义与邪恶之间的冲突;十六世纪, 夏塞里奥的作品《阿波罗与达芙妮》以幻想性的神话为题材, 这幅作品既有诗情又有文学的味道, 也有优美高雅的格调;17、18世纪德拉可洛瓦的作品《自由引导着人民》以革命内容为题材表现在法国战争时期, 人民不畏艰险, 热爱生活, 体现出为自由而奋斗的革命精神;19世纪, 法国画家米勒的作品《拾穗者》以农民生活为题材, 表现农村生活的艰苦, 农民勤劳朴实的形象;库尔贝的《风暴来临的海洋》以风景为题材, 带有浓厚的政治倾向。这些不同时期, 不同题材, 不同画家都是以写实艺术方法来抒发他们内心的情感。

那么情感是指什么呢?所谓情感是指人们受到外界刺激所产生的心理反映。比如:愤怒、悲伤、恐惧、爱慕、厌恶等等。也就是说人的喜怒哀乐等情感。情感一经产生, 便“扩散于整个的有机体, 在心脏、血管及其他重要器官的工作中留下痕迹。内脏器官都自动地参与情绪的兴奋, 不以人的意志为转移。”[1] 情感是不自觉的。情感来自对现实生活的体验并不完全为“主观”所主宰, 单凭生理情感是无法画出深刻的动人心弦的作品, 尽管情感始终是创作的动力;也只有经过理智引导和净化的情感才有画入作品的价值—这种情感为“艺术情感”。艺术情感的核心是评价情感, 是画家对客观事物“体验”即认识程度的最高水平。这样, 从生活情感到艺术情感, 再到评价情感, 便是一个情感不断深入而得到升华的过程。在写实绘画中情感表现在哪些方面呢?比如:米勒是法国19世纪的一个写实主义画家。米勒追求深沉质朴的农村风俗画, 他对农民的生活有着真挚和崇敬的情感。在《拾穗者》中, 农妇弯腰拾穗的劳动场面引起作者的情感冲动。虽然这幅画描绘的是夏天一个及其平凡的劳动场面, 但是作者把美丽富饶的农村自然景色放在后面, 把拾穗粒的三个农妇放在前面。突出了农妇劳动的场面, 同时画中反映出画家对劳动人民的同情之情。农民无法改变命运。虽然辛苦的劳动, 但是生活一样艰苦, 对政治风波无能为力, 只能观望。虽然是普通的劳动场面, 作品因米勒真实的表现而显得伟大, 因为他的情感产生于真实的生活, 不是谎言, 画中蕴藏着米勒深沉的情感, 体现米勒热爱人民, 关心社会底层劳动人民的伟大情感。画家情感的不断深入而使画中的意义得到升华。

写实艺术是需要情感的, 绘画是一种情感的发泄也是画家向人们展示他们的内心世界的表达方式。每个人都有特殊的情感表现, 也是内在的精神表现。其次他们用写实的手段来表现自己对世界的关注, 抒发心中要表现的情感。他们面对现实世界有着强烈的表现欲望以及追求真实和尽善尽美的艺术境界。情感是写实艺术的基础, 写实又是使情感有了艺术的成分, 情感让画面变得更深邃有意境, 写实艺术使情感的意义更升华。画中有情, 情中有画。就像红花离不开绿叶, 绿叶衬托红花, 二者的关系是密不可分的。例如:19世纪, 达维特的《荷拉斯三个兄弟的誓言》, 画家再现的不是战争的场面, 而是三兄弟向他们父亲宣誓要为祖国献身的情节。男主角的斗争与姐妹们的哭泣, 形成刚与柔的对比, 三角构图, 寓动于静的造型增添了画面的紧张感。作品反映出坚韧的美德与崇高的牺牲精神, 受到革命者狂风暴雨般的喝彩。真切浓烈的绘画激情是这幅作品的灵魂与生命, 只有艺术与情感的完美统一, 才能创造出至深至美的艺术境界。他的另一幅作品《马拉之死》真实地再现了雅各宾党派领袖马拉被谋杀的情形。作者用一幅极端冷静的手段传达一种极端的激愤之情。被刺马拉垂死在浴缸中单纯的可怕, 冷静的可怕。作者通过这一幅画唤起对宗教殉难者的联想方式, 强化了一种崇高感。写实艺术情感在作者的体验中孕育, 在绘画中发展, 并通过绘画的语言及全身心在艺术中宣泄, 是艺术与情感的高度融合。作品中的造型, 笔触, 节奏及丰富的色彩无不触动画家的神经、细胞及身心肌肉。作品随着画家的意念在生命中运转, 情感与写实艺术的内在生命融为一体, 随着画面的起伏而起伏, 随着画面的张弛而张弛, 随着画面的延伸而延伸, 随着画面的震荡而震荡, 其迸发的情感具有写实艺术的真切, 色彩流动、节奏韵律及艺术内在生命的一切对比特点。画家有了对艺术的深切体验, 唤起了绘画的激情, 才能很好的表达作品。可见, 情感与写实艺术二者互相影响, 相辅相成。

同时在写实艺术中也是需要情感的。不同国家, 不同性格、风格的艺术家总会有这样或那样的情感融入作品中。例如:米勒是法国19世纪一个农民画家, 深沉性格夹杂着农民质朴气息。在他的作品《晚钟》里, 米勒绘画这样的情景:暮色之中, 一对农民夫妇停下手中的工作, 虔诚祈祷, 辽阔的草原延伸到天际, 袅袅青烟悄然散开, 钟声悠然飘荡, 一切都沉浸在安详中, 时间仿佛停止了流动, 大自然也仿佛正在溶化渐深的夜色中, 米勒用蒙胧的色调使画面充满了宁静肃穆的气氛, 观众能体会到期间蕴藏着画家深沉的感情暖流。米勒描绘的农民是勤劳淳朴的同时也是顺从、忍受和安于天命的, 这和米勒浓厚的宗教思想有关, 同时米勒大胆表达对土地和农民的深情, 给画坛吹进一股清新淳朴的空气, 带给劳动人民形象在艺术上的重要地位, 这便是米勒绘画中别人所不具备的社会价值。另一位现实主义画家怀斯, 他从小随父亲学画, 主要学习水彩, 后来尝试干笔画和蛋胶粉画, 其作品色彩柔和细腻, 刻画深入而洗练, 具有油画的厚重感。在他作品中可以看出怀旧和伤感的情感。《克丽斯蒂娜的世界》画面空寂的气氛, 带有很强的主观因素, 体现出显著的怀旧和伤感的情调。他一生只画故乡的两个村庄, 而且是两个不大的村庄, 画邻居、房子、道路、鸟、树木和草, 仅此而已。他一生着迷的就是这两个世界, 想穷尽它无尽的秘密。他的情感、好奇、热爱、包括憎恶, 也都在这里了, 艺术家把目光仅仅投射到方圆几公里或几十公里的区域, 因为他熟悉这里, 对这里的一切都怀有无比的深情。在他作品中不仅不显得局促和偏激, 反而因此有了深度和强度。他抓住了自己的感受和见解, 也抓住了自己的认识, 更表达了他内心的情感, 这就是他的独到之处。怀斯的艺术得到美国人民心灵的共鸣, 也受到了全世界的关注, 他对生活的体验, 敏锐的感觉以及渗透他所有作品的深刻的哲学思考, 对大自然永恒的讴歌, 都在他的作品中得以呈现。我们可以从以上举例中看出, 他们的作品通过不同的背景, 不同的风格传达着不同的情感。一个是真挚的朴实的情感, 一个是怀旧的感伤的情调。虽然两个人不一样的情感。但都说明了写实艺术需要情感这个问题。然而从古至今写实主义的画家又何止千万呢?

写实的雕塑作品同样也有作者的情感表达方式。例如:罗丹的雕塑。罗丹不是一个充满活力、乐观的雕塑家, 他的意识里充满阴暗迷离带有悲剧性的色彩。他表现人苦恼灰色的精神世界, 表现人心灵痛苦的挣扎和矛盾状态, 给人以震撼的力量。罗丹借助《地狱之门》来表现人类的苦难。门的上端是亚当的象征形象, 罗丹通过把他造型为倾斜和摇摇欲倒的体态, 来揭示人类充满苦恼和矛盾的心理状态。下面的思想者形象, 代表着最不幸的罪人和最不幸的裁判者。《思想者》全身肌肉抽搐, 好像正处在阴郁充满矛盾的苦苦思索之中。在他的姿态和表情中, 那种为难苦恼的心理被刻画得毫发毕露, 这个思想者也反映了罗丹自己的思想感情, 作为一个雕塑艺术家, 一定意义上也是一位思想者。在门的横额下面, 地域的门被分为两边, 一边是依恋拥抱, 接吻的恋人他们想双双投入地狱, 这些接吻者的爱恋和热情是罗丹极力表现的, 被认为反映了作者美好的人类理想, 门的另一边是想吃人肉却被活活饿死的饿鬼, 表明艺术家对邪恶和暴力的无情诅咒和愤怒。罗丹在《地狱之门》里反映了当时法国社会的悲剧。罗丹对雕塑的贡献还在于他以一批无头、少臂、断腿的人体躯干像证实雕塑语言的宽广性, 可以说是对残缺美的一种深入探究的结果。这些肢体残缺的精灵产生于那些优美甜蜜的人体雕像之间, 残缺似乎不妨碍人体的运动。更能显示出生命的活力。残缺也不影响作品的完美, 甚至能增加作品的完美。《运动躯体》, 《飞翔的人体》, 《行走的人》等以前所未有的粗野形态展示着一种奇异的生命力和美感。罗丹的雕塑赋予形象以真实的生命力, 他为艺术贡献一生, 他内心的情感世界是细腻丰富的, 罗丹通过他的雕塑来表现他的情感。至今, 我们触摸他的作品感觉是如此真实, 甚至觉得是温暖的。罗丹说过, “没有生命就没有艺术。雕塑家要表现快乐, 苦痛的某种狂热, 如果不首先使他所表现的人物栩栩如生, 那就不可能感动我们, 因为一个没有生命的物体……一块石头的快乐与悲哀, 对我们是毫不相干的。”可见, 写实雕塑艺术也需要情感。

以上所说的都是西方写实艺术需要情感的问题。现在我要介绍中国的写实艺术, 他们同样需要情感。陈丹青是“十年动乱”之后最早享誉国内美术界的青年画家, 他在“文革”末期创作的表现西藏题材的力作《西藏组画》中, 以一种深沉、浑厚的笔调, 塑造了一个古朴而坚实的藏族人的形象, 每个形象都具有纪念碑般的分量和气势。他表现的是极富民族性和地方性的题材。他凭着自己的感觉, 根据对生活的细心观察画出七幅小画一经展出, 便产生极大的反响并成为中国历史上里程碑式的作品。单从画面上看, 《西藏组画》确实是对现实的直观表现, 但在这现实之中却有震撼人心的力量, 因为他向我们展示了从来不可能在艺术表现上的真实。那些粗犷沉默的康巴汉子取代了豪情满怀的工人和农民, 贫穷而表情木讷的喂奶农妇也不是在很多美术作品中常见的那种翻身农奴的形象, 尤其使人怦然心动的是那个朝圣的场面, 虔诚的人们全身匍匐在地上, 沉浸在宗教的迷恋中……对很多人来说, 陈丹青的这种表现手法是不可思议的, 艺术应该源于生活, 高于生活, 向人们展示生活中美好的一面, 怎么能这样来表现生活的沉重、阴暗与迷信。陈丹青认为他只是画了他所见到的真实。一件作品在特定的历史语言中产生效力, 并不依赖艺术家本人的意志为转移。人们正是从这作品中看到了贫穷与愚昧, 而又有一种坚忍不拔的精神蕴藏在其中。《西藏组画》在题材上有着更多的启发, 他使人们从政治斗争的疲惫中看到了纯粹的人性, 看到了人与自然的融合, 也看到了比政治精神更为强大和更震撼的宗教精神;而这些正是几十年来被政治运动弄得麻木不仁的中国人从来没有意识到的。陈丹青对宗教情绪的关心, 对自己心灵深处的波澜, 通过绘画语言表现在作品中。这些组画完全出自内心的需要, 所表达的情感是深远的。《西藏组画》常带有中国本土的色彩, 从作品中可以感受到历史的气氛, 乡土的环境和画家个人情感的流露。

如果写实艺术没有情感, 会怎么样呢?那就和无本之木一样, 失去了生命的意义。就拿我们身边的事情来讲吧。在美术院校的时候我们所学的都是石膏, 强调的是三大面、五大调训练。长此以来, 我们的绘画激情被这些给淹没了, 甚至对绘画产生厌烦的心理。在学校里, 老师所强调线条的运用对我们学生来说已经达到了形体的准确表现。人物刻画手笔细腻, 在技巧上是达到一个很高的境界。即使我们画的再像, 也只是临摹, 属于习作。因为我们脱离了生活, 得不到创作灵感和源泉, 以至于后来的我们不得不极力追求人物形象的完美而掩饰其创作力的枯竭。没有感情的作品就像一个人失去了灵魂一样, 完全没有喜怒哀乐, 从而失去了人生的乐趣, 变得索然无味了。社会生活就是我们最好的调色板, 我们要深入生活, 体验生活, 既要继承传统文化的优点又要对新鲜的事物敏感, 我们的作品才会有内容有生气, 不会单调枯燥以致于黯然失色。

总之, 一个写实主义艺术家, 情感在他的生活中的分量以及它的决定意义有多大, 观众很容易就弄明白, 画里的节奏、气氛, 一切方面的严肃和夸张, 都必须是内在的, 既有内在的根据, 也有内在的理由。既然有艺术, 就必须有情感, 我们只是强调任何情感都必须建立在强大的社会生活之中。比如说, 你突然心血来潮, 想画一种能表现出庄严肃穆, 惊心动魄的画面;而你自己又没有真正的生活体验, 画出来的作品是虚假的, 没有真正情感流露的作品。毫无疑问, 情感是艺术的根本, 是艺术的真理, 人是有情感的。情感虽然不是艺术, 但艺术必须有情感。无论怎样发展, 艺术总像一面镜子, 能够直接反映出作者的内心世界, 情感是艺术所赖以生存与发展的动力。

写实艺术发源于西方, 在中国也蓬勃发展, 相当多的画家画写实油画是有文化原因的, 自古以来, 中国五千年的文化使人们形成了一种审美的倾向。写实艺术易于被广大观众接受和喜爱, 观众与写实艺术作品之间的交流, 更能产生共鸣, 从而打动人们的心灵。就拿画莲花来说吧, 在我看来, 莲花有什么好看的, 可是很多人都喜欢看, 那是因为在中国, 观音是坐在莲花座的上面, 赋予莲花一定的宗教意义, 文人笔墨让它变得圣洁, 莲花就成了一种文化符号。或者拿竹子来说, 中国有很多人就喜欢它。那是因为文人在诗词里赞颂竹子, 用它比喻人的气节清高。还有很多物体都被人赋予一定意义, 变成一种文化符号。人们接受文化的熏陶, 文化影响着人们的审美观念。从一定意义上说, 也是人们的情感流露。情感是审美的核心, 写实艺术需要情感, 情感又使写实艺术得到升华。中国是一个有五千年文化传统的社会, 按照中国大部分人的审美习惯写实艺术就占有重要的社会地位, 写实艺术中的情感更能满足人们的审美需要。我们不仅要继承中国的传统文化, 同时也要吸收西方的优秀文化, 还要积极参与世界性的艺术文化交流, 写实艺术才会具有更深厚的文化底蕴, 丰富的情感也增加了写实艺术的表现力量。

摘要：写实艺术作品与画家的内心情感关系, 写实的含义, 情感的含义;写实艺术需要情感, 情感深化写实艺术, 深入二者的关系, 画中有情, 情中有画。西方不同时期的作品不同地点的作品说明同一个问题——写实艺术需要情感, 完全出自内心的需要所表达的情感是深远的。反论没有情感写实艺术会如何?总结写实艺术的情感, 发表对写实艺术情感的一些见解。

关键词：写实艺术,情感

参考文献

参加工务写实报告 篇5

1、执行“双签认”的制度，进入封闭网之前清点人员、机

具，11:27分工务现场防护员与驻站联络员沟通，“一组，共计16人，在30km400m处，人员机具清点完毕请求进

网”，经驻站联络员同意后，由领班人员再次清点人员机

具，确认无误后。11：30进入封闭网内

2、执行“双报告”制度。进入网后再次清点人员、机具，由于带有大型设备无法再路肩行走，由领工人员及现场

防护员分别与驻站联络员联系请求在30km400m处路肩

等候，驻站联络员同意。在等候的过程中保持3-5分钟

对讲通过，测试对讲机是否有故障。

3、封锁命令确认“三方控”制度。11:44分封锁时间到了，驻站联络员与现场防护员通话“封锁时间11:44-13:40，调度命令号43009，施工地点盘锦站9#，11#、21#”，现

场领工员与防护员分别确认完以后，在告诉驻站联络员

“封锁时间11:44-13:40，调度命令号43009，施工地点

盘锦站9#，11#、21#”后，开始进入施工封锁地点，行

走时现场防护员对我们安全进行防护。

4、到达施工地点后，首先安置施工封锁牌，领工员和现场

防护员，分别与驻站联络员联系告诉已达到施工地点，经驻站联络员同意后开始施工。施工过程中，每隔3-5

分钟对 对讲机进行测试，施工人员服从领工人员的领

导，绝不超范围施工。

5、开通前30分钟确认。13:10分驻站联络员与现场防护员

联系，询问能否按时完工，确保线路按时开通。

6、提前10分钟撤离施工现场。13:25由领工员清点现场人

员，机具并撤出封锁牌，确认线路状态良好具备开通条

件，与驻站联络员联系，请求撤离施工现场，开通线路。

7、“同去，同归”，13:40人员与机具全部撤出封闭网，出

网后，领工员与现场防护员清点人员机具无误后，与驻

站联络员联系报告。

通过本次参与辽阳工务段天窗修作业，参与其施工的全过程，认识到我们架子队施工人员在邻近营业线施工时候有许多不足之处，在今后施工过程中要向工务段多多学习，多学习他们在施工中安全管理办法。就我们架子队而言，要对所有工人进行安全教育，提高安全意识，多学习项目部给我们下发的安全教育文件，实行考试上岗制度，并且定期对工人进行培训和考核，尤其多领工人员要进行更加严格的考核，在以后的施工中要做到一切行动听指挥，在施工现场听从项目部领导和现场防护员的指挥，对于考核不合格工人不允许上岗，如在施工过程中发现擅自行动不听从指挥的工人直接清出施工现场。在施工过程中，严禁工人跳车、钻车、趴车、溜车或以车代步以及由车底

下、车钩上传递工具材料；施工时人员携带的工具、材料及照明设备做到与接触网设备带电部分保持2米以上的的安全距离，现场堆放材料做到不侵限；在休息中，严禁工人在钢轨上、枕木头、道心内、行走或坐卧休息；在区间行走时，做到在路肩或者路旁行走，横跨股道时，做到“一站、二看、三通过”，严禁在有来车或有溜车到来时抢越通过；施工时如需使用大型机械时，所有机械设备操作人员、特种作业人员，必须经专业安全技术培训考试合格后，方可持证上岗。并且在施工时遵循一机一人的防护制度，做到“一机一人、专人指挥、专人防护、人随机走”，严禁施工机械进入安全限界以内，确保施工安全。

施工前要在项目部的组织下召开工作会，突出当日施工的重点、难点以及风险点，有针对性的安排好施工任务，分好工作组，责任落实到个人，做到分工明确以便施工；进网上道之前要自行先检查施工人员和机具，如有班前饮酒、穿拖鞋、高跟鞋、光脚、赤膊以及未穿防护服的工人等，禁止其进入施工现场；施工机具如有损坏及时维修与更换，确保在施工中正常使用。自检结束后配合现场防护员和领工人员，清点进场施工人员及机具执行“双确认”制度；进网后配合现场防护员以及领工人员执行“双报告制度”，即在进网后再次配合现场防护员以及领工人员清点人数及机具，清点结束后要排好序，在现场防护员和领工员的带领下，按指定的路线有序行走，严禁在线路上追逐打闹、横奔乱跑，所扛工具行走时严禁侵限，施工中严禁将撬棍和金属导体横放在两根钢轨上，以免造成铁路信号“红光带”事故

发生；施工过程中要按计划施工，不超范围施工，不超时施工，不提前施工，施工中工人不随意跑动，不单独行动，听从项目部领导及现场防护员的指挥，做到令行禁止，施工中人员下道避车应随时对机具材料一同带下道，防止发生机车碰撞事故，严禁机具材料侵入限界；施工结束后，执行同去同归的原则，配合防护员及领工人员清点人员机具，要做到工完料净；施工结束离开施工现场后，要在项目部领导的组织下召开工作总结会会，总结当天施工情况，施工当天不足之处和今后要注意的问题以及下一天施工的准备。

“写实”是艺术还是照片? 篇6

——刘太乃

今年春拍已经收官，上拍数量和成交额明显缩水，低潮已是不争的事实，偶有出彩的拍品，也难掩整体颓势，人气、媒体报道、评论争议也明显不如往昔，与前两年相比似乎过于冷清了。

不过作为今年各大拍卖行力推的写实油画板块一如既往地稳健，虽然没有令人惊艳的结果，但是成绩单还是不负众望，杨飞云、王沂东、陈逸飞等一批写实派大将都有高价作品成交，相对比较稳定。

尤其是在北京保利春拍上，杨飞云《静物前的姑娘》以3450万成交，王沂东的《盛装的维吾尔族姑娘》以1495万元成交，据传被收入山东藏家杜双华囊中。中国嘉德春拍，王沂东早期作品《回娘家》以782万元成交，陈衍宁《西窗声动》以586.5万元成交，杨飞云《赞美之声》以460万元成交。艺融拍卖中，陈逸飞《聚焦》以690万元成交，徐芒耀《雕塑工作室系列之二——开模》以609.5万元成交，打破了艺术家个人作品拍卖成交纪录，郭润文代表作品《梦归故里》以575万元成交，朝戈巨幅画作《东方》以506万元成交。北京匡时春拍中，陈逸飞《音乐家系列：吹竖笛的女子》成交价为747.5万元。

今年写实油画的稳健与各拍卖行把这个板块作为重点推出脱不了关系，升温、回归、扎实、稳健在拍卖前就成了市场行情预测的关键词，并在结束后得到证实，不出大多数人的预料和期望。除了写实语言本身的亲和力和生命力，画面唯美、欣赏门槛低、伪作少也是众人热衷追捧的重要因素，翰海拍卖油画部的柴宁认为，“一线艺术家的作品产量少，市场流通的数量也少，加之有比较固定的收藏群体，必然导致这一板块的稳定” 。

目前中国本土藏家初步建立起了自己的收藏体系，话语权慢慢回归，写实油画有稳定的收藏群体。然而，新藏家尤其是年轻一代藏家的进入却引起部分人的质疑：这是否引起审美诉求发生变化从而导致收藏方向的颓变？

是艺术还是简单的复制？

中央美术学院教授钟涵提到写实油画创作存在的问题：“以技术精到遮蔽精神性的苍白。以风格上的表面模仿代替个性的创造。一招鲜的老面孔之反复出现透露出安于停滞的态度。用矫揉造作的描写怀恋陈旧的富态闺惰生活。”时至今日，这样的问题依然没有改观，而造成这种局面的原因，钟涵认为是部分画家在商业利益驱动下迎合受众口味，尤其是有购买力而文化贫弱之辈的口味，“油画有作为装饰和身份摆谱的用处，又好像有某种‘高贵’价值，于是庸俗趣味在此滋生。社会上缺乏有效的人文机制的力量予以制约，虽然私下议论痛感其害，却在公开场合心照不宣，难以听到有效的质疑声音”。

随着财富阶层的日渐精英化，买家审美品位的提高定然会从根源上消减庸俗化，但是这需要一个比较长的过程，而人文机制的规约却并不好构建，目前的批评仍然是被利益绑架的，而且中国传统文化中的道德规范和文化品格不利于批评的规范化。投资者在选择投资对象的时候一定要注意自己品位的培养，不盲目跟风，不轻信褒贬。

目前，对于写实油画的创作方法也存在一些争议，画家直接画照片，或者通过扫描设备协助创作，有些人认为这样会削减作品的绘画性和收藏价值，唐炬就是其中之一：“照相、扫描制作出来的所谓作品不会入我眼。”而有些持相反看法，比如台湾收藏家刘太乃认为画照片和扫描只是艺术家创作的一种技法，并不会消减作品的绘画性，关键是看作品的情感部分，能否动之以情。

2009年，燕娅娅因涉嫌抄袭摄影作品被告上法庭；去年曾梵志的《雪豹》被指抄袭摄影作品而惹争议，人们在围观的时候也在思考摄影与绘画的区别、挪用与抄袭的界限问题，然而在艺术史上的挪用使得这一行为变得合理。退一步想，创作的素材和描绘的对象来源于生活和自然，画照片与写生有什么本质区别吗？结果都是经过艺术家再创作的主观产物罢了，是不是优秀的作品还是要看画家创作的激情和作品蕴含的精神性。

选择投资还是投机？

艺术品收藏是种长期的投资，收藏乐趣和投资收益并不矛盾，真正的藏家追求的是艺术品带来的怡情，渔利只是附属，刘太乃一语中的：“这是艺术，谈钱俗了。”

而投资者无非就是渔利先于怡情，但不会完全忽视艺术价值。虽然在艺术市场这口大锅里抢饭吃，投资者带来的资本拉动了市场需求，耳濡目染之下市场也会把投资者培养成收藏家，但无奈其中夹带着不少投机分子，给艺术市场带来不确定因素。在投机者眼里，只考虑升值问题，而不是以自己的喜好作为选择艺术品的标准，大有“这是投资，谈艺术傻了”之态。

市场专家们频频建议投资者在追求投资价值时不要忽略了艺术价值，刘太乃认为：“艺术品是可以隔代继承的，是可以交给下一代的，海外的藏家与中国的藏家最大的不同就在于此。在中国，一个人买一件艺术品花10万，短时间后转手卖30万，这就被认为是成功的案例，但其实这种现象显然是不健康的，频繁地买和卖，投资与投机心理会导致艺术家作品的重复性，从而稀释作品的价值。如果抱着投资的心态购买中国艺术品，在未来的几年可能会比较失望，赔钱的可能会比较大。在中国的投资氛围下，创高价是不奇怪的，买进高，卖出也高。就长期持有藏品的收藏家来说，不会选择太贵的艺术品，因为太贵的作品风险比较高，只有投机型的才会选择高价作品，因为买卖频繁。”

由于学术地位、艺术价值和市场表现被认可，当下的名家力作被有经济实力的投资者热捧，有些投资者认为应该投资那些价位相对较低的成长中的画家的最重要的作品，等其市场成熟起来以后，收益会更加丰厚。但是这就涉及一个问题，选择哪些画家的投资价值比较大、风险比较小呢？毕竟不知道自己选择的艺术家是否具有潜力和生命力，尤其是写实类画家大多数没有画廊代理，作品分散，不好把画廊当做一个风向标和参照物。在这样的情况下，笔者倒认为可以通过学术机构和大型展览寻觅那些有才气、有想法、有志于艺术的潜力股，多圈定几个，进行长期投资，总会有几个艺术家能经得住时间和市场的考验，即使赌输了，由于买进的价格便宜，也不会亏。

写实油画艺术 篇7

一、超写实油画艺术和抽象油画艺术的特点

1.超写实油画的具象表达形式

超写实油画也称为写实主义油画和具象油画。这种创作方式其实就类似于照片形式和镜子效果, 把真实存在的或者看到的复制表现出来, 同时不随意掺杂个人主观意愿和刻意的改变, 就是所谓的直接传达, 直观表象。超写实油画也是不断发展创新的, 在写实主义出现初期, 超写实主义画家大量涌现, 而他们进行创作时更注重的绘画的手笔和技巧, 舍本逐末的过度追求事物的具体感, 导致绘画作品过于冷漠严峻, 而不含任何事物情感, 导致作品过于僵硬单薄, 绘画作品缺少灵动的生命气息。在当时, 这种创作艺术极受推崇, 大量画家争相模仿, 甚至直接拿来照片作为创作原型进行绘画, 尽管这些绘画作品极致逼真, 甚至真假难辨, 完全真实地还原原物形象, 但与之同时却也丧失了绘画艺术的真谛与支柱——表达情感。过度地写实绘画技巧也在一定程度上丢掉了绘画的艺术本质和目的, 绘画的最终形式就是要通过绘面传达给人们绘画背后的精神艺术与情感交流。

写实手法是超写实绘画艺术借助的一种绘画技巧和风格, 但绝不是其精髓, 只能借以辅助, 给画家以更多的技术表达方式和灵感。而对于绘画创作却是极其讲究以物达意, 形神兼具的。 绘画创作过度偏离到写实主义而丧失了精神层面是超现实油画艺术表达形式的极端创作。正如超写实画作《约翰》一样, 尽管这幅作品写实手法娴熟, 人物刻画地十分逼真, 如同真人一般, 但其给人一种空洞之感, 没有更多的想象空间。与之相反, 罗立中的《父亲》虽然也借助写实手法刻画了一个饱经沧桑, 人老年迈的父亲形象, 甚至其脸部表情和布满褶皱的双手都极其真实, 仿佛真人一般, 但它在写实的基础上人物表现也饱含情感, 画面背景中的许多事物都是传达情感的载体, 如:镰刀, 熟透的麦子等等, 成功的给人呈现出一幅饱满真实的人物创作作品。

2.抽象油画的抽象表达形式

顾名思义, 抽象油画就是绘画作风较抽象, 不以具体的物象进行传达。抽象油画艺术与超写实油画相反, 抽象艺术一定程度上摒弃了对自然食物外观表象的创作, 而是通过一些较怪异, 难以理解的事物和绘画技巧进行创作。抽象绘画就是以画家的主观意识与思想进行绘画, 而不依赖自然事物, 画家可以创作任何想象出来的景象, 事物, 更可以借助几何图形, 杂乱重叠的颜色艺术进行创作。

西方抽象绘画艺术由反对写实绘画基础发展出来, 它不同于传统的写实绘画, 更依赖于个人的主观创新。抽象艺术绘画的发展虽然较短, 但却经历了极其复杂的发展历程, 经过几代人的创新, 批判, 摒弃和发展最终形成了今天的抽象绘画艺术流派。抽象绘画有别于传统的绘画艺术, 它极具风格又特立标新, 在整个绘画艺术创作中它与写实绘画相抗衡同时又相辅助。抽象绘画艺术的出现给世人呈现出了一种别样的美感形式, 更赋予了绘画艺术独特的审美与活力, 为绘画创作注入了新鲜的血液。而我们常常说的“浪漫主义”和“印象派”其实便是抽象绘画艺术的初期。

很多时候当人们最初接触抽象绘画艺术时觉得其毫无美感可言, 甚至毫无逻辑, 绘画表达完全没有主题, 想要表达什么也让人无法理解。但其实抽象绘画更注重表情达意, 类似于诗歌一样, 在画面的处理上抽象绘画更偏向于画面的光影和颜色变化, 它先是以明亮的色彩吸引人心, 逐渐让观者了解画面, 沉浸于画面光学和颜色的变化美中。抽象绘画更多时候并不是非要表达什么明确的主题而是单纯呈现给观者一种审美冲击和视觉享受。

二、超写实油画艺术和抽象油画艺术的审美

1.油画艺术的审美特性

油画艺术通常都不仅仅只是一个单一的绘画作品, 除却绘画具象本身必然夹杂着创作者的情感和思想, 传达了画家对于各种事物和看待事情的心境。同时当观者自己观赏绘画时, 自己本身也会有相应的情感交流, 油画艺术审美也如一面镜子一般, 我们通过画作进入创作者的内心世界也在审视着自己。油画艺术本身就是形象性的, 把表达的事物表达的情感形象化, 让观者产生共鸣。 绘画的观赏者也往往通过绘画作品本身折射出某种社会现象, 通过我们日常的油画审美艺术以形象的方式与生活产生碰撞。

2.超写实和抽象油画艺术的正确审美

油画的发展追求根本是审美, 无论是超写实油画还是抽象油画艺术皆是如此。从绘画技巧和画风流派上, 绘画方式各种各样, 但追其根本, 绘画是对画面的美感追求, 而不是对过度片面化的艺术追求, 否则油画审美终会丧失质感。正如超写实油画艺术一般, 当绘画片面化追求写实技巧而忽略了绘画的精神交流时, 必将走向极端。油画的逐渐成熟, 更加注重美学的提升, 是超写实和抽象绘画艺术的审美走向。通过油画创作展现主观意愿的美感艺术, 通过奇妙的意境刻画出主观事物, 通过极致的色彩渲染和画面布局赋予油画艺术视觉碰撞。优秀的油画创作给人以极致的美感, 更能将画作直击人心, 而不单单流于表面, 真正做到现实世界与情感世界的交融互补。油画艺术的审美是历久弥新的, 油画的审美来源于真实世界和主观意愿的形象化和创造性, 正是这种审美观念不断促进了油画艺术的发展。

三、结语

超写实油画与抽象油画在油画艺术创作上相互制衡, 风格迥异, 但究其审美, 却也是相互媲美的, 相辅相成的。油画的绘画技巧不断创新, 形成各自的风格, 但油画的极端发展终会偏离审美的根本。在加快油画发展的过程中, 无论是超写实油画艺术还是抽象油画艺术都要正视其误区和审美失落, 绝不能只是极端的写实和抽象的空壳, 需以正确的审美观念去丰富油画艺术的精神层面发展, 赋予其更多的生命活力。

参考文献

[1]王克军.审美的失落——超写实油画艺术和抽象油画艺术的共同特征[J].大众文艺, 2011-09-15.

当代中国油画的写实与写意 篇8

关键词：写实,写意,艺术表现

写实与写意这两个艺术表现方式是我国传统艺术中的一个主要内容, 同时也深深的影响了我们的审美观和艺术欣赏能力。早在上个世纪之初, 伴随着西方科技以及各种外来文明的强烈冲击, 许多人放弃了我们传统的艺术创作方法而是转为采用西方的写实的创作方法, 而最早将这二者相互吸收并独创一派的是陶冷越教授, 他将我们传统的写意与西方的写实相互结合。成就了有二者特色的中国油画。我们可以这么认为, 写实从某种角度来说是科学的再次表现, 而我们传统的写意方能真正的表达出意境来。

一、写实的手法在我国油画中的使用情况

写实在油画中占据相当大的份额, 写实油画是西方油画的主流, 在其发展的历程中占有不可撼动的重要地位, 我们国家的写实油画是来源于欧洲。但在上个世纪初真正给我们传统的艺术带来震撼效果的是前苏联的现实主义。我们国家的因为所经历的历史与其他国家相差较大, 其背景完全不同。在我们国家, 现实表现手法的艺术创作及其作品是深受大家的喜爱与欢迎的, 其发展的态势也非常的良好。但经历了许多的变迁之后, 现在已经衍生出其他门类出来。表现为多元化, 多层次的样式。但我们的审美观点并没有能够随着时间的前行而又很大的改变, 很大程度上还是原地踏步, 于是大家对于写意的油画不接受、不欣赏也就自然变得顺理成章的事情。这只能说明我们的审美需要逐步的推进, 而不能总是提留在以往的哪个层次上。当然, 我们的写实油画有着广大的受众所欣赏与认同, 而且现在越来越多的人也变得喜爱这个方面的艺术作品, 其中也不乏精品之作。在第九届以及第十届的获奖作品当中我们就可以看出些许端倪出来, 其获奖的作品竟然全部是从写实的角度来创作。者从一个侧面印证了写实油画所取得巨大成功。写实艺术与我们以往所认为的写手已经有了一定的区别与差异, 写实也并非以往那种一定要有某个事物的出现, 而是我们能够从现实的角度来出发, 采取自身道德观和价值观基础上对事物的评价和行为倾向来批评的, 并能够将自己的主观上的看法巧妙的与之相互融合。

二、写意的创作手法在我们国家的油画中的具体情况

写意的手法在我们以往的艺术作品创作时主要是利用笔墨来讲事物进行放大、夸张的处理, 也就是我们的艺术创作人员本身带有强烈的主观意识与情感, 然后用笔墨来描绘出各种客观的事物, 通过这些所表现的事物来表达自己心中各种思绪与感情。在这些作品当中我们可以发现下列特点:1、作品当中有着浓厚的我们国家传统的水墨韵味, 2、创作中所采用的原料是油画的色彩, 其表现力较为明显与直接。这些就是具有我们国家特色的写意油画。我们现在的写意油画不但能够有我们传统文化的美学在其中, 让艺术的创作人员可以充分的利用客观的事物来表达出其主观的思维与想法。在写意的油画作品当中, 创作人员简单而淳朴的各种审美观点与看法, 在写意油画与我们国家以往的绘画有着殊途同归、异曲同工之妙。而且许多的操作手法也是及其的类似。也喜欢在许多地方预留各种空白并打造出自己的创作风格。写实的油画追求的是一种意境, 对于细节则没有很高的要求, 要让看到作品的人能够深深的领会到其中的神韵。

三、写实、写意这两种的创作手法在中国油画中的实际使用及其未来的发展

长久以来, 我们国家因为教育的问题以及各种政治、经济因素的相互作用, 写实的风格一直被大家所接受、认同并欣赏, 是我们国家在美术教育以及艺术创作作品中的最重要的表现形式, 但我们的艺术作品在风格、理念以及创作的形式上没有多大的进步, 还是承袭以往的老旧传统, 这样的结果不禁令人担心不已, 现在已经有许多人仅仅只是将油画作为一种表现的方法而已, 艺术创作者都是限定好一个圈圈, 然后约定按照这个模式来从具体的绘画技术与能力上来相互比试。而没有将最为重要的作品风格和个体上的特色进行推进式的发展与研究。随着我们逐步与其他国家的交往不断的增多, 国外的不同的创作风格的艺术作品已经被我们大家所接受与认同, 我们的艺术创作者有了与国外同行进行交流的机会。让我们大家对于国外的艺术作品不在是以往那种粗浅的认识与看法。例如, 国外的马蒂斯对于线盒书写性有着自己独到的见解与看法, 以至于我们国家有些理论界的人士对于我们国家不少艺术创作者的风格极其类似。我们现在的艺术创作要求不再是将客观事物与所要表达出的理念一一对应上, 而是侧重于表达出艺术创作者内部的所拥有的精神以及神韵。这样方能使得我们的油画能够将写实与写意完整的融合交汇。

写实油画艺术 篇9

在当下国内外艺术思潮下, 写实油画不断的受到各界的议论与批评, 但写实油画家仍坚持自己的信念进行艺术创作, 同时也有组织“中国写实画派”, 汇集了全国写实油画能力超强的画家, 其在国内具有强烈的影响力, 他们深入思考写实艺术的当代使命, 构成了当代中国多元化文化格局中不可或缺的一部分。

今天80后的油画艺术正以一股新兴力量出现在画坛上, 他们的油画创作在全国美术展览和当代性画展中频频亮相, 引起了观众的高度关注。高瑀的油画作品《打虎》在2008年北京翰海艺术品拍卖会中以112万元的高价成交, 是“80后”美术走上前台的开端, 作品中的形象进行了卡通化处理, 带有强烈的戏剧性情节。80后一代的出生正是我国实行计划生育的年代, 造就了他们成为独生子女的一代, 美好的成长环境使他们以自我为中心、冷酷、叛逆、唯我独尊的特殊性格, 他们的艺术更加奔放, 追求自我, 追求个性, 追求时尚。卡通化和图形化成为了80后油画艺术的主要特征。80后的杨纳是四川美院的研究生, 其作品是典型的卡通一代, 如她的作品《followme》, 画面描绘的是一位着有大红色的嘴唇, 粗黑的眼线, 深色的眼影, 配带珠宝的女性形象, 也许是对童年时的玩偶形象加以当代女性物质欲的完美结合, 形象的表达出当今这个时代女性活泼奔放、张扬个性的性格以及对物质的强烈的追求欲, 体现出当代女性的时代特征。当代知名油画家罗中立的儿子罗丹, 其作品以表现当代青年生活中在KTV唱歌的情境为主要题材, 画面对唱歌的青年形象以及色彩的运用进行夸张化处理, 以唱歌的人物形象为创作题材, 将人物形象与画面色彩夸张化处理, 如《摇滚狂潮系列》《一场游戏一场梦》等, 其画面中的形象带有强烈的卡通与现代感, 同时作品也具有强烈的个人艺术风格特色。时砚亮的作品《青龙》, 以图像式的表现方式描绘出当代新青年纹身的形象。那危以个人风格强烈的蓝白条纹描绘中国独生子女一代的孤寂情怀, 张飞的油画以古典图像的方式呈现出当代女青年含蓄的性格。

然而在80后丰富多样的油画艺术中, 有一批专注于写实油画的画家, 他们沉着冷静的表达着他们的内心世界。在当下有一活跃的画派“八零画派”, 该画派成立于2005年, 由王龙军、陈承卫等人创办, 是一批专致于写实油画的群体, 但此画派并非所有的人都属于80后, 只有一部分是80的画家, 他们大都毕业于专业的艺术院校, 接受过专业的训练, 对艺术创作及画面语言研究都具有独到的见解和近乎完美的要求。除了此画派外还有一些刚毕业的学生, 他们有的现在是院校的老师, 也有的成为了职业画家。这些80后善于潜心摸索与创造, 将作品介入生活, 用绘画的语言勾勒出他们的内心世界, 作品都带有各自独特的鲜活面貌。

陈承卫, 是当代80后写实油画的代表之一, 先后毕业中国美术学院和中国油画院, 现为职业画家, 其名字进入Art Price公布的2013/2014年度30岁以下的前10佳榜单中。其作品数量颇多, 其早期和晚期作品题材有所变化, 现在正在创作的大民国系列是其具有代表性的作品, 该系列是2012年作者的灵感捕捉, 而后寻找与之对应的元素, 用这个时代年轻人的视角讲述了新观念式的、非再现的当代油画作品, 如《大民国-红玫瑰》《大民国-某种信仰》《大民国1-迷雾》等等。他的自画像同样也具有个人艺术特色, 自传体系列也在记录他人生的点滴, 同时也在向伦勃朗致敬。

作为西安美院教师的80后杨洋, 也是80后写实油画的重要代表, 其作品连续入选十一、十二届美展, 他的作品主要描绘当代年轻人对生活的思考, 以青春系列为题材, 展现青年被社会和时代赋予的外在属性, 《魅族》是其重要的代表作, 还有《雨季》《香水百合》系列、《青春和铉》等等。

80后林大陆出生于吉林松原市, 他的作品更倾向于表达人文主义情怀, 在其早期作品中主要表现东北的乡土人情, 如《白山黑水》《东北鱼市》《鹅鹅鹅》《十子娘》等, 其《十子娘》入选十一届美展。而最近林大陆把视角转入远方的信徒, 同时创作了一些作品, 画面的人物形象与他朴实的绘画语言相结合, 给观者一种真实的感受与感动。

出身版画系的袁炽彬对油画却独有情钟, 也许是因为是版画系的学生, 他的审美更加独特, 思维更加活跃, 打破常规的构图规律与透视关系, 画面表现的轻松富有趣味性。其《南亭小市》入选“第三届全国青年美展”, 除了南亭小市系列还有农民作业系列等作品。

而80后仝紫云的作品主要以表现自己日常的生活情境为题材, 将自己的个人情感融入画面中, 冷静稳重的表现身边的物象世界, 给人一种静谧的感觉, 《室内的风景和窗外的风景》《浴室》等作品都运用了写实的绘画语言, 给人静谧的感觉。

以上几位只是80后写实油画的一小部分, 还有许多专注写实的油画家, 诸如刘晟、李卓、谢彬安、张飞、王龙军等等, 虽题材各不相同, 但他们都以写实的绘画方式表达着各自的内心世界。在艺术多元化的今天, 相信80后的写实油画家会坚定自己的方向, 创作出更多优秀的作品, 肩负起时代的使命, 使中国写实油画道路更宽广、更长久。

参考文献

[1]刘淳.中国油画史[M].中国青年出版社.

[2]吕澎.20世纪中国艺术史[M].北京:北京大学出版社.

写实油画中“气韵生动”的视觉美感 篇10

关键词：写实油画,视觉美感,气韵生动

中国绘画讲笔墨、讲意境、讲气韵, 南齐谢赫在《古画品录》中把“气韵生动”列为六法之首, 可见“气韵”之于一幅画之重要。最近看了清·张庚《浦山论画·论气韵》里的几句颇觉精彩, 尤其对“无意者为上”的理论印象深刻, 我想不管画国画、西画道理都是一样的。

“气韵有发于墨者, 有发于笔者, 有发于意者, 有发于无意者。发于无意者为上, 发于意者次之, 发于笔者又次之, 发于墨者下矣。何谓发于墨者?即就轮廓以墨点染渲晕而成者是也。何谓发于笔者?乾笔皴擦力透而光自浮者是也。”南朝·齐画家谢赫在其所著的《古画品录》中, 首先提出绘画“六法”, 作为人物绘画创作和品评的准则。在《古画品录》中将“气韵生动”作为第一条款和最高标准, 可见其分量的重要。“气韵生动”是指绘画的内在神气和韵味, 达到一种鲜活的生命之洋溢的状态, 可以说“气韵生动”是“六法”的灵魂。以生动的“气韵”来表现人物内在的生命和精神, 表现物态的内涵和神韵, 一直是中国画创作、批评和鉴赏所遵循的总圭臬。

“谢赫六法”是中国古代美术品评作品的标准和重要美学原则, 是中国古代美术理论最具稳定性、最有涵括力的原则之一。“六法”最早出现在南齐谢赫的著作《画品》中, 是中国绘画最重要的理论之一。唐代美术理论家张彦远《历代名画记》记述:“昔谢赫云:画有六法:一曰气韵生动, 二曰骨法用笔, 三曰应物象形, 四曰随类赋彩, 五曰经营位置, 六曰传移模写。”宋代美术史家郭若虚在《图画见闻志》中道:“六法精论, 万古不移。”

从南朝到现代, “谢赫六法”被运用着、充实着并发展着, 如张庚《浦山论画》说“气韵有发于墨者, 有发于笔者”、黄宾虹《论画书简》说“气关笔力, 韵关墨彩”, 这已不是谢赫原意, 而是后代艺术家、理论家根据自己的体验、认识对六法中“气韵”的具体运用和新的发展。

“气韵生动”是六法之首, 也是一个总纲, 处于统领位置。骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写, 最后共同形成“结果”才会“气韵生动”。

“气韵”一词最早用在人物画的品评上, 是说人的“风气韵度”, 后来逐渐扩大到所有的美术作品。我觉得“气韵生动”有两个意义, 第一是品评标准。一幅作品的好与不好, 需要看气韵是否生动。第二是作品的灵魂所在。“气韵生动”也因在作品表现中所展现出来物我为一的生动韵致, 成为一种特有的视觉语言和内涵精神追求, 进而变为衡量艺术作品成败的关键。画家们也不断把心灵的自我审美感受通过这一特殊的视觉语言, 尽情地通过“神气”和“韵味”等手段, 把作品的内涵意蕴完美地传达给观者, 尽可能的在客观自然物象的基础上提炼出完美的绘画作品, 去表现画家无限的内在冲动和可能永远无法到达的精神境界。

要对“气韵生动”这个词有更好的了解与认识, 就必须把作品放在对“气韵”与“生动”的技巧处理之中, 让它的精神与视觉进行融合, 通过对自身文化底蕴无痕迹地吸收与融合, 把“气韵”与“生动”的内涵实质融入到绘画作品中, 使作品尽显简练、流畅。

首先说“气”, 气是生命的存在。气有两个形态, 内在形态和外在形态, 外在是气势和气魄, 画面气要足;内在是胸中之气, 是精神状态, 画家底气要足, 要自信, “气”是画家的自信和果断在画面上的呈现。

潘天寿绘画讲“气局”, 吴昌硕讲“气势”, 都是气韵的不同体现。气不是做出来的, 是养出来的, “养浩然之气于胸”。当然, 气可以磅礴, 也可以萧散, 不论哪种“气”, 都是画家精神状态的体现。

韵, 是指韵律、节奏, 画面的笔墨、造型、空间分割等形成了韵律感、节奏感, 和音乐一样, 不同的音符产生了节奏, 产生了“韵”。

“生动”有两个意义, 一是生命的存在, 也就是“气”的存在, 二是“生气”, 是生命的鲜活形态。

“气韵生动”就是气在画面上运动的方式, “生生之气”存在的方式。“气韵”动起来, 画就活了, 这种运动或平静或激烈, 总会产生一个运动形式。有句话叫:舒气为霞。霞光, 让人眼前发亮, 好的画就像霞光一样。

根据《广辞源》的解释, “气韵生动”意为:“在绘画书法等作品中使人感受到高雅的气质和品味”

“气韵生动”本是中国画的灵魂也是品画的最高美学准则。“气韵生动”是指表现的目的, 即人物画要以表现出对象的精神状态与性格特征为目的。中国美学的审美境界, 是一个即有既无、非有非无、不惑不昧、幻化生成的境界。中国绘画讲究“气韵生动”, 其独特的中国绘画语言, 这些中国传统绘画理论以及表现手法如何融合于西方的绘画之中, 并如何用西方的绘画理论和技术融合于中国的油画之中。

“气韵生动”“传神写照”, 中国油画也应该以“气韵生动”和“传神”为最高要旨。现在有大量写实的油画, 其实我们目前也都是在为油画“写实”而努力, 而一味追求“形似”, 但画中人物无“气”亦无“神”, 是死的, 一幅死画!中国审美历来不崇尚过于“写实”, 过于写实的画, 只是将一个物象描绘的过于形象而已, 脱离了绘画“画”的本性。前面说过, “气韵生动”是品画的最高美学准则, 一幅好的油画, 不能只追求“形似”而忽略“气韵”和“神态”。这不只是画面问题, 更是中国油画发展道路上的重要环节。比如《有鸟独占一枝》:画面设置了五六棵光秃秃的树, 微呈同向弧的树干上耸, 共同组成了一个直指天空的锤形;树干重复又变化, 孙枝横斜, 也重复又变化——这些极像诗歌节奏赋予诗歌形式上的情致 (诗歌的音节、韵脚必须重复, 也必须变化, 因而让其呈现了节奏之状) 。画面有几抹淡墨横空成云, 也做有变化的重复, 反使枝干更显寥落, 也反使点画在顶端的小鸟活脱似生, 即刻欲动。俗话说鸟鸣山更幽, 不妨也谓枝多鸟更孤, 这因为有间距的重复, 易给人以单一的感受, 如长街上电线杆的等距重复, 常让人生出一种落落寡合的凄寂。摄影提供“物象”上的内容, 绘画体现“美”的定义, 绘画开始于写实的表现, 而最终在于神韵的传达, 最后绘画必然要进入“神”的追求。

简言之, 谢赫时代画家们让手下万物气韵生动的方法, 我所能看到的, 一是借助动势来强调物象的神态之表现, 一是借助于有变化的重复来强调物象的神态之表现。这两种借助, 下传一千多年间, 凡能把握的必成大器, 但彻底把握者并不多, 然而大江靠他对古文化研究的心得, 把握到了这些借助, 更可贵的是, 他在再度启动这些借助的时候, 又将自己在西画里学到的把握光影、黑白的能力, 并入了其中, 从而船得风兮马得路, 达到了美的境界。

参考文献

[1]《绘画教学论稿》林斌著[M].甘肃教育出版社2001年3月.

[2]《艺术哲学》丹纳著.傅雷译[M].安徽文艺出版社1991年7月.

[3]《美术概论》王宏建.袁宝林著[M].高等教育出版社1994年7月.