高中美术单元教学计划

高中美术单元教学计划（共6篇）

篇1：高中美术单元教学计划

湘版高中美术鉴赏第一单元教案 2010-03-16 09:26 什么是美术作品（第一课【第一单元 图像与眼睛】）教材分析：

教材内容主要包括三个层面：

1、审美观念是怎样形成的？

2、美术作品的基本含义。

3、美术鉴赏的重要意义。教学目标：

1、了解审美观念、形式法则的产生和一般规律，以及美术作品的社会约定性。

2、培养学生以审美的眼光去看待美术作品和日常生活的意识。教学的重点与难点：

1、美的观念和形式法则是如何产生的？

2、美术作品的基本内涵是什么？

3、如何从生活中发现美？ 教具与学具：

多媒体播放工具、实物投影仪、若干工艺美术品（如奇石、紫砂壶、茶杯等）教学过程：

第一环节 导入教学：

投影屏幕显示一个手拿雕版的男子形象，表情严肃。教师提问：同学们认识这个人吗？有谁知道他手里拿的是什么东西？你能从他的表情中看出他的内心活动吗？

（教师一连串提出三个问题，前两个问题估计学生无法回答，这跟学生接触的信息范围有关系。第三个问题应该能从容回答。前两个问题是悬念，第三个问题是树立学生的信心，为教师后面的总结埋下伏笔。它们的共同目标就是激发学生学习本课的兴趣。）按键，投影屏幕显示“夹缬最后传人---薛勋郎”

教师解释，薛勋郎是温州苍南人，夹缬的最后传人。他手里拿的就是制作夹缬的一块雕版。按键，1、夹缬是什么？

2、夹缬这种民间印花工艺主要流传于什么地方？

按键，投影屏幕显示答案：夹缬与蜡染、绞缬并称为古代三大印花技巧。早在秦汉时期，就有人在木板两面刻出花纹，再把麻、丝织物等夹在中间进行染色。在此基础上发展而成的夹缬印染工艺在唐代极为盛行。目前夹缬仅存在温州苍南山区。

夹缬能在苍南山区保留较完整与当地的习俗等有关。20世纪五六十年代，夹缬被面是温州地区婚嫁的必备之物，印染材料源自名贵药草，传说能为新婚夫妇带来吉祥。随着时代的变迁，这种风俗不再流行，夹缬工艺渐渐淡出历史。

按键，投影屏幕显示夹缬图案一幅，同时提问：图案中的美体现在哪里？（以高中学生的知识储备应该很容易回答出对称、对比等形式美法则，教师也可以把形式美五大法则概述一下，变化与统一、对比与和谐、比例与尺度、对称与均衡、节奏与韵律。）再提问：夹缬作品是美术作品吗？

学生回答讨论，教师总结：包含着形式美法则的物品都可以称为美术作品。许多产生之初强调实用功能的物品，随着时间的推移，使用功能的淡化，审美性反倒成了物品突出的特征。按键，举例：玉壶春瓶、秦汉瓦当、青铜器虎食人卣图片。教师可以引导学生分析图片中的作品的实用性和审美性。发挥学生的主观能动性，调动学生学习积极性。提问：同学们还能举出其他例子吗？ 第二环节解决重难点：

按键，提问：“美的观念是如何产生的？”同时出示实物一块奇石和紫砂壶一把。学生回答讨论，在这个问题上要给学生足够的时间表达自己的观点，往往是那些另类的甚至反面的观点才能更好的衬托出正确的观点，避免了简单的说教，易于学生接受。所以教师对于这个问题自己一定要弄清楚，才能正确引导学生。教师总结：1美不是凭空产生的，而是源于人们的生活实践。

2、美的观念与相应形式法则的产生是长期的历史积淀的结果。将美的观念与相应的形式法则运用于生产、生活乃至艺术创作中，就产生了美术作品。通常人们所说的严格意义上的“美术作品”是指劳动创造的精神产品，是通过艺术家的手的操作成为物质化的成型的产品。作品更多强调的是审美价值，同时具有实用性或者根本没有实用性。按键，显示文字“美术作品的种类繁多，按照绘画、雕塑、建筑、工艺美术以及其它种类的基本分类，我们共同欣赏以下图片资料。” 这样的安排主要使学生了解“美”无处不在，以及不同的美术门类表现出来的艺术特征的多样性，丰富性，同时感受到美术和生活的密切关系。本课在图片选择上尊重了本民族文化艺术，使学生先了解身边的、本民族的文化艺术，进而了解外国的乃至世界文化艺术，所以图片中没有外国文化艺术内容，而且常见的、普及的也很少选入，一些年代久远的、濒临失传的作为重点选入。

按键，举例：绘画类：山西永乐宫道教壁画、西藏宗教绘画形式—唐卡、民间年画—门神； 雕塑类：秦始皇陵站立俑、宗教木雕菩萨坐像、民间泥塑、唐代陶俑—仕女像、浮雕群像； 建筑类：皇家建筑—天坛、宗教建筑—西藏布达拉宫、民间建筑—福建土楼；

工艺美术类：商周时期文明的代表—青铜器、汉代青铜器—长信宫灯、瓷器巅峰时期的产物—粉彩瓷器、苗族少女头饰、蜡染、民间刺绣；

其他类别：皮影、竹编提篮、西藏宗教面具、细纹刻纸《红楼梦》、单色发绣《周恩来像》作者：孟永国；

按键，提问：“美术鉴赏的意义有哪些？”

学生回答讨论，教师总结

1、在我们生活中每时无处不在的，人们在长期的生产、生活中非常注重营造美的环境，所以我们要学会去认识这些美好的事物，才能更好的生活。

2、鉴赏美术作品可以培养我们的审美鉴赏能力，帮助我们丰富对美的认识，并且认识到形式美的法则。

第三环节作业布置 按键，请同学们课后调查自己的周围是否有特别的“美术作品”，请分析它的美体现在哪里，写一份详细的分析报告。

第四环节结束语

按键，生活中并不缺少美，而是缺少发现美的眼睛。－－罗丹（法国）

（在这段话下面插入了一张美食图片，看似毫不相干，其实用心良苦。因为教师可以利用图片进一步解释罗丹的话，加深学生的理解。教师可以说：比如下面这张美食图片的内容，对于没有美术修养的人来说，他就是一盘可以享受美味、填饱肚子的烧鸡。而一个有美术修养的人从中却可以发现很多的美，他不但得到了物质享受也得到了精神享受。）

图像与眼睛（第二课【第一单元 美术与眼睛】）教学材料分析 教学目标 了解美术作品中形式构成的基本要素，以及根据图像的特点而划分的三大类别：具象美术、意象美术、抽象美术；掌握这三种图像类型的特征。学习活动分析

本课的“活动建议”主要是让学生根据美术作品的图像特征来划分三种美术形态，即具象美术、意象美术和抽象美术。在教学过程中教师可以帮助学生归纳要比较的内容，并制成图表。图表的内容大致可以包括：

也可以从形象入手来理解三种美术形态的特点，把比较的重点放在人的形象上：

“思考与交流”实际上也是对比三种美术形态。只是，在“活动建议”中，相同的因素是人这个形象主题，我们可以看到，从具象到意象到抽象，人也慢慢变得不好辨认，最后完全认不出来了。而在“思考与交流”中，相同的因素是水果，左边是具象作品，苹果和葡萄都很容易辨认；中间是桃子，已经有些变形；右边的水果虽然也可以辨认，但画面强调的是它们的色彩和形体，实际上是在抽象语言的意义上来运用它们的。教师在教学过程中可以用这些活动来导入，让学生对这三类美术形式有一个感性的认识，在此基础上进行进一步的教学。教学基本思路

我们通常把美术作品所展现出来的各种形象称之为“图像”，但是这些图像并不全是对现实生活中各种事物的描摹，而是有着不同的特征。为了便于理解美术作品中的各种形象，人们根据作品中形象的特点，把他们划分为三种类别，即具象美术、意象美术以及抽象美术。在这三类作品中，相同种类的作品虽然表现的内容甚至所用的材料不一定相同，但是艺术家在创作时所遵循的观念大致相同。所以在教学中首先要帮助学生从形象的不同特点入手，对这三类作品有一个感性的认识，然后再逐步对每一类作品进行分析，让学生理解各类型作品的创作观念和审美机制。

很多没有受过专业训练的人在欣赏美术作品的时候，往往喜欢用“像不像某种事物”这种简单的方法来评价作品，把作品中的物象与现实世界中的物象一一“对号入座”，似乎不能对号入座的就不是好作品。这种看法有部分的道理，因为它涉及的只是具象美术这种类型。实际上，美术作品中的图像除了可以表现我们眼睛所见的事物之外，还可以表现我们的幻想、梦境乃至我们的内心感受。对于具象美术作品，教材分析了它与客观物象之间的关系。具象美术作品所表现的形象来自于现实世界，因此观众在观看的时候可以很清楚地了解艺术家要表现的内容，甚至那些没有经过欣赏训练的观众也可以看得懂。教材中列举了东西方的三件绘画作品来帮助学生理解具象美术作品。它们在人物神态、气氛渲染、衣服的质感或空间的暗示上都显得很真实，仿佛我们可以走进画面。在这里艺术家追求的就是“真实”。

意象美术作品虽然与现实世界有着某种潜在的联系，但是更主要的是艺术家把从现实世界中获得的形象进行了主观化的、情感化的处理，突破了我们经验世界中的物理定律，创造出一些只有在艺术世界中才能存在的图像。教材中对艺术家创作这类作品的时候所运用的方法作了简单的分析，如夸张、变形、重组，或者突出结构特点、改变客观物象的比例以及打破经验性的时空概念等等。教材第5页的作品都属于意象美术的类型。它们的共同特点是，虽然我们可以辨认出画面上的形象，但它们跟实际生活中的形象有一定距离，不太符合日常生活的逻辑。

抽象美术指的是完全不可辨认的图像。这类艺术作品来源于艺术家的主观世界，脱离了客观形象的束缚，而强调艺术家个人情感的表达。抽象艺术的衡量标准不是形象的准确与否，而是要看作品形式所体现出来的平衡、对比、旋律、节奏等因素是否让人感觉舒服。在这方面，有人认为抽象艺术与音乐有相通之处，要靠自己的感受才能领悟。

教材中列出的抽象作品可以分为两大类，一是书法作品，一是西方现代派的抽象画。书法之所以能够当作抽象美术作品来欣赏，是因为它根本没有可资对照的现实形象，不存在像不像的问题。在欣赏这类作品时，要注意的是纯粹形式方面的因素，如点画的粗细轻重、结体的疏密、线条的快慢节奏等。齐白石的篆刻刀法苍劲有力，布局又有“疏可走马，密不透风”的强烈对比效果。虽然我们可能不认识张旭的草书，但行云流水般的线条已经具有一种美感。抽象画分为热抽象和冷抽象两种，康定斯基的热抽象作品使人感到自由、毫无约束；蒙德里安的冷抽象则使人觉得很平静，因为它不是描写什么物理对象，所以我们可以专心地体会各块面之间巧妙的平衡。教学建议

本课的主要内容是美术作品的一种最基本的分类方法，即根据图像反映物象的不同特点而分成的具象美术、意象美术、抽象美术三种类型。这三类作品在形象特征方面差别比较明显，所以教师在教学过程中可以多结合图片实例，让学生自己去进行分类和体会。教师在教学过程中要注意：1．在教学过程中要突破传统美术鉴赏课程依赖“讲授法”教学的通用程式，可以通过小组活动的形式，让学生自己去研究不同美术类型的特点，并归纳出一定的欣赏方法。2．教师在学生认识的基础上加以适当的总结，但不宜过于理论化。3．对于意象美术与抽象美术这些学生比较难于理解的作品形式，教师在教学过程中要着重进行启发和引导，帮助学生打破那种以“像不像某事”来衡量作品的欣赏方法，使学生意识到美术除了可以表现我们眼睛所见的事物，还可以表现我们的幻想、梦境乃至我们的内心感受。而且，对于不同的美术作品，其评判标准、欣赏方法也不尽相同，不能一概而论。不过，如果学生对这类作品一时不能理解，教师也不要操之过急，关键是让学生能够熟练分类并懂得这些作品同样具有审美价值，从而拓展学生的艺术眼界。本课建议用1课时完成教学。教学资料

重屏会棋图（五代）周文矩

《重屏会棋图》是描写帝王闲居燕乐的纪实之作。据史籍记载，南唐中主个性缓和而从容，与诸兄弟之间，情分深厚，相处和睦，又谦和下士，礼遇大臣，处处表现出儒者风范，他的形象也因此为人们所乐道。从这幅画看，中主端坐正中观棋，面庞丰满，细目微须，仪态气度确实出类拔萃。其余三人为中主之弟。虽然现在这幅画据考为宋人摹本，原作亦未必为周文矩所绘，但此画出于高手，且必有所依据无疑。本图设色古雅，与人物衣冠和室内陈设的简朴相协调。人物情态刻画细致，衣纹线描皆细劲曲折而略带顿挫，符合周文矩的人物画风格。周文矩，句容（今江苏句容）人，生卒年不详，活动于南唐中主、后主时期，工画佛道、人物、车马、屋木、山水，尤精仕女。这幅画之所以被称为《重屏会棋图》，是因为弈棋人物背后画有一榻及屏风，榻上摆设壶等器具，屏风上的人物画描绘白居易《偶眠》诗意，而屏风画人物之后又画有一山水屏风，由此造成一画三重棗画中之画还有画的特殊效果，故名“重屏图”。《重屏会棋图》是五代时重要的肖像画作品。不但在人物写真方面达到很高造诣，而且在空间处理上也表现出严谨的法度。观者可以注意到，画中对第三维深度空间的表现，一律采用与画面水平方向成45°角的斜线表示。就以围棋盘为例，每边有十九格的正方形棋盘在画中转变成锐角为四十五度的菱形。这样的处理在画中已成为一种规范，看来宋代界画中典型的空间处理模式在五代已经出现了。

古诗四帖（唐）张旭

《古诗四帖》属于狂草。狂草的前身是“连绵草”或“今草”，早在汉代就非常盛行，但将这种书体的艺术表现力推向极致者，当是唐代的张旭。狂草具有强烈的动感，篇幅大小能够直接影响激情的自由表达。一般来说，用狂草这种书体进行创作，篇幅不宜过小，过小就难以发挥它的优势。张旭深谙此理，毅然抛却前人“尺牍”格局，而以巨幅长卷形式书之，大开大阖，擒纵自如，好似老将驰骋沙场所向披靡，更似海面飓风骤起波澜壮阔，最大限度地凸现了狂草之“狂”！《古诗四帖》在前人基础上的创新，还体现于它的线条构筑。前人的狂草线条多以平动、绞转笔法完成，节奏感并不明显，而到张旭笔下，狂草线条的完成又加进了提按笔法，使节奏感大大增强，这与唐代楷书进入高峰期有关，也与张旭本人同时兼擅楷书有关，因为唐人楷书笔法正是以提按为主要特征的。其次，它的线条多逆锋起笔、中锋推进、浓墨匀吐，时而重若崩石，时而轻如蝉翼，曲直相间，攲正互生，自始至终含蓄圆畅，保持着一股刚健奔放的艺术激情。其三，线条与线条间的穿插，或疏或密，或实或虚，或仰或覆，或承或启，虽满纸烟云、豪放激越，但仍能给人以入规中矩、有条不紊之感。《古诗四帖》是盛唐之音的产物，更是张旭浪漫主义创作方式的产物。张旭为人倜傥放逸，不修边幅，且嗜酒如命，与李白、贺知章等号为“酒中八仙”。他常常在醉中作书，有时甚至以头濡墨，可见其癫狂达到何种程度。

鲁班门下印（现代）齐白石

此印是齐白石的篆刻代表作之一。为白文汉印，更准确些说应该属于将军印的风格。一般汉印，以平方正直为主。将军印因为军中急用，仓促凿就，故称为“急就章”，所以每多敧斜之笔。此四字中带斜之笔，不下十余处。斜笔又忌单向，“门”字向右斜，“班”字中间则向左斜以求协调。因为急就凿成，只能用简练的刀法。这方印的确是用单刀刻成的，刀痕利落，其用刀的方向完全可以分辨出来。当平口两尖刀攻石时，同一刀痕，可以明显地分出两侧不同的形态。受刃面，自然是光洁平坦；入锋面因刀尖的造成明显的崩痕，因而显得凹凸斑驳。但这一路印风需要很好地把握火候，不然一味追求痛快，往往会显得含蓄的韵味不够。齐白石（1864－1957），原名纯芝，后改名璜，字濒生，号白石、寄萍老人等，湖南湘潭人。齐氏的生平，可作为苦学成长的典型。他出身清贫，幼年曾和王冕一样放过牛。后习木匠，这方印以及“大匠之门”等印，都是为纪念自己这一段生涯的。齐白石最可贵之处，在于对艺术执著的追求，他勇于创新，决不随俗俯仰。他的印初从浙派入手，也终于为印学辟一新境。如从工整与豪放、工笔与写意上言，他立志于后者，故其书、画、印、诗均以豪放为主格，纯任自然、天趣横溢。

泼墨仙人图（宋代）梁楷

《泼墨仙人图》描绘的是一个袒胸露乳、放浪形骸又笑容可掬的仙人形象。衣袍以高度概括的阔笔泼写而成，豪放简逸，不拘细节。毛笔侧置，顺着衣袍的走势疾速的泼墨，可以鲜明地让观者感受到作者作画时那不可抑制的激情直泄无遗的情形。整个画面用笔劲爽，水墨苍劲淋漓，以墨块为主，只在人物面部、胸部粗略地勾写。人物极其夸张变形，头部以一个奇怪的上大下小的楔形圈出，五官几乎要挤在下部的一条线上，额头显得特别大，比例全失，眼睛细小而且倒垂，鼻子扁阔漫无边际，神态极为滑稽诙谐。仙人那形骸放浪、与世无争的神情也因此被极其生动地刻画出来，这也是作者豪放不羁、超凡脱俗的自我写照。《泼墨仙人图》中人物放浪的形骸、夸张变形的造型、放逸简括的笔墨，都显示出梁楷对传统人物画的离经叛道，正是禅风兴盛的外部条件迎合了他豪放不羁的性格，最终导致其艺术风貌的变革。

荷石水禽图（清代）朱耷 此幅墨笔画湖石临塘，疏荷斜挂。两只水鸭或昂首仰望。或缩颈望立。意境空灵，余味无穷。荷叶画法奔放自如，墨色浓淡，富有层次。八大山人曾自云： “湖中新莲与西山宅边古松，皆吾静观而得神者。”可见其画荷是观察入微，静观悟对而以意象为之，信手拈来，妙趣自成。款署： “八大山人写”，押“八大山人”白文印。八大山人，即朱耷。朱耷(约1626一约l705)，明亡后落发为僧，法名传綮，号雪个、个山、驴、驴屋、掣颠等，江西南昌人。弃僧还俗后取号八大山人，以前的字、号一概不用。江西宁献王朱权的九世孙。明亡后，国破家亡之痛甚切，装痴扮傻，佯作哑子。性情孤僻，常借诗文书画排遣郁闷。其花鸟画极富个性，成就卓著。师法林良、徐渭、陈淳等写意花鸟画诸家，其花鸟画简练、夸张，大多缘物抒情，如画鸟、鱼，作 “白眼向人”状，以抒愤世之情，署款“八大山人”，连笔如“哭之笑之”，寓“哭笑不得”之意。他的绘画在当时影响不大，但对后世的影响极为深刻，“扬州八怪”、“海派”以及齐白石、张大千、潘天寿等均深受熏陶。

我们怎样运用自己的眼睛（第三课【第一单元 美术与眼睛】）学习任务]学习任务 教学目标

了解美术欣赏的基本思路，培养从多层面、多角度欣赏美术作品的意识；突破思维定势和惯常的欣赏态度，学会以一种开放的眼光来欣赏美术作品；能够比较熟练地运用美术欣赏的四种基本方法对作品的形式特征、社会含义、内在精神以及文化内涵进行具体分析和综合体验。学习活动分析

本课共设置了两个活动，教师可以根据学生的实际情况结合“思考与交流”来灵活安排。这两个活动的主要目标都是引导学生以一种开放、探索性的审美态度从美术作品中获取多方面的信息，并且在有效获取这些信息的基础上运用科学的方法对其进行分析，从而加深对美术作品的认识。通过这些活动，使学生突破粗略、简单化的欣赏习惯，或者仅仅能够复述作品的内容而缺乏对形式的理解和个人创见。

两个活动都是针对《蒙娜丽莎》这件作品而展开的。《蒙娜丽莎》是一件人们耳熟能详的作品，通过这件作品开展活动首先有助于提高学生的兴趣，不会使他们产生畏难情绪，便于学生理解教学的基本思路；其次，对这件艺术史上已经为人们所熟悉的作品的评述也很多，可以鼓励学生去查阅一些这方面的资料，培养他们以一种研究的态度来对待学习。此外，更重要的是，对于这件已经被反复讲述的作品，人们的头脑中已经形成了一些习惯性的认识，比如说“蒙娜丽莎非常美”，或者“蒙娜丽莎的微笑很动人”，这些表述已经成为这件作品的固定标签，把人们对蒙娜丽莎的认识给简单化、概念化了。甚至很多人不是在用眼睛欣赏蒙娜丽莎，而是用“耳朵”和“嘴巴”在欣赏这幅作品——以一种鹦鹉学舌的方法复述对于作品的评价。但这种态度显然不能算是真正的欣赏。事实上，蒙娜丽莎的美是有时代性、典型性的，而并不是永恒性、普遍性的。因此，一方面要鼓励学生丰富对这幅作品的认识，发现以前被忽略的细节，另一方面要鼓励学生提出对这幅作品的个人见解。第一个活动主要侧重于让学生从教材谈到的美术鉴赏的四种方式入手，有目的地从不同侧面对作品进行分析。在活动过程中，要注重“理解观察角度”——“观察”——“分析与研究”这几个环节有机的结合。比如在感悟式鉴赏方面可以引导学生从自己的生活经验出发，对这件作品有一个大致的观察，例如蒙娜丽莎脸上露出了淡淡的微笑，神态安详、动人等等。在形式鉴赏方面，可以引导学生观察作品的色彩，明暗关系（明暗渐隐法，或称“晕涂法”、“薄雾法”）、构图方式（金字塔形构图）、人物姿态（坐姿，双手交叠在腹部），背景的空间效果（左边的视点是平视，右边的是俯视）等等。还有达·芬奇是如何通过形象的刻画表现人物的内心世界的。而社会学鉴赏，则可以引导学生结合第二单元第三课《心灵的慰藉》与第四课《人间生活》来了解一些相关的知识，从而认识到这件划时代的作品是如何打破了中世纪呆板的人物形象的。此外，达·芬奇用一种现实主义的手法，较为准确地记录了当时一位商人妻子的形象，人物具有鲜明的时代特征，比如说蒙娜丽莎将眉毛剃掉了，而且额头的头发也被剃掉了一部分，显得发际线较高，额头较宽，这些都是当时妇女中比较流行的装扮。此外，达·芬奇为什么要花四年的时间来表现这个普通的妇女？他表达了一种什么观念？这件作品为什么获得了广泛的承认？这些问题可以结合前两种鉴赏方式所获得的信息来解答。最后，在比较式鉴赏方面，可以与教材中所列举的波提切利的作品相比较，结合“思考与交流”来完成。或者选一些同时代或不同时代的其他画家的肖像画来进行比较。第二个活动主要侧重于鼓励学生从一定的广度与深度上来理解作品。可以建议学生对某一个问题作深入的研究，比如从形式角度研究达·芬奇所运用的绘画技法、色彩效果、构图特点、坐姿等等，因为这些因素都是达·芬奇发明或者加以完善的，也可以结合教材第7页的图表从多个角度来理解作品。教学基本思路

人对事物的观察是受意识控制的，不同的观念会影响到观察的角度和观察的结果。美术鉴赏虽然是面对一幅艺术家已经完成的、甚至是在艺术史上被反复提及的作品，但是鉴赏的过程仍然是一个能动的、开放的过程。只有按照这种思路来欣赏艺术作品，才能使人摆脱泛泛而谈的陈词滥调，从而产生对美术作品丰富、深刻的认识和共鸣。本课的教学重点在于一方面帮助学生突破以往简单化、概念化的欣赏习惯，使他们意识到一幅作品所传达的信息是多方面的；另一方面给学生提供一种较为合理、科学的鉴赏途径，让他们能够比较熟练地从形式和社会学等角度理解作品的内在精神，以及通过比较的方法来全面认识一幅作品，养成良好的欣赏习惯。教学材料分析

教材内容主要包括两个层面：1．对美术作品的认识并不是千篇一律的，我们可以从不同的角度来欣赏，而不同的欣赏角度所获得的感受和认识是不同的；因此，对美术作品的认识并不是固定不变的，随着社会科学的发展和人类文明的进步，我们可以有更新的方式去解读作品的内涵。2．理解并掌握美术鉴赏的四种基本类型：①感悟式鉴赏；②形式鉴赏；③社会学式鉴赏；④比较式鉴赏。需要指出的是，这四种鉴赏方式之间有相互渗透的关系，而不是彼此对立的。[资料]教学资料

夜巡（荷兰）伦勃朗

伦勃朗（1606.7－1669.10）是荷兰莱顿一家磨坊主的儿子，父亲让他上大学，想使他成为法律家。由于天性爱好绘画，伦勃朗只上了六个月大学就休学了，进入一位崇尚意大利画风的、很有名声的同乡画家拉斯特曼的画室。功成名就之后，伦勃朗的第一批作品是画他父、兄、母、姐的肖像，其中以他的一幅戴金盔的兄长肖像最出色，显示出了画家新的探索成果：用光的明暗强烈对比手法，突出形象的主要部分，造成心理刻画的效果。这种画法使主题鲜明，尤其受光部分的质感极为强烈，画面的其余部分则很暗，欧洲的美术史家称之是“紫金色的黑暗”。不久，他的巨幅《杜普教授的解剖课》（1632年作）的集体肖像画，又确立了他的艺术声誉。这种带风俗性的集体肖像画，是时代的需要。在照相术未问世以前，资产阶级同业公会都喜欢悬挂这种画。可是，在17世纪40年代，他画的一幅《夜巡》（1642年），竟引起了一场对他极为不利的诉讼，给艺术家带来了悲惨的晚年。油画《夜巡》的事件经过是这样的：1640年，阿姆斯特丹射击手公会（荷兰市区一种保安武装，受商行雇佣，他们自己组成一个职业公会）请伦勃朗绘制一幅巡警生活的群像画，准备张挂在射击手同业公会的房间里。题目原来并不叫《夜巡》，伦勃朗在画上把这批射击手巡警处理成以班宁·柯克为中心，整个射击手连在白天要去执行一项紧急任务出发前的情景。画面涂上的一层亮油由于年久而呈现黄褐色，才被误认为是“夜景”。画家没有按照订货者的要求，细致地画出每一个人的肖像，而是有节奏地处理这些巡警们，使画面成为一幕富有戏剧性的整体：右侧击鼓者的神气，左边挑着旗帜的巡警形象，班宁·柯克正在与他的少尉威廉·凡·雷伦勃克谈着话；其余人物都被安排在中景和后景。有的在擦枪筒，有的在举长枪，大有当年荷兰人民进行解放斗争的那种阵势。可是由于明暗变化强烈，有的人就被处在暗影中。这样一幅富有战斗性的构图，由于每个人的形象的清楚程度不同，便引起了轩然大波。巡警们因为出同样的钱不能在画上有同等的地位向画家提出抗议。画幅遭订货者的拒绝。为了索回画金，公会把此事诉诸法庭，并对画家进行大肆攻击；加上伦勃朗曾以他的妻子莎士基亚的裸体为模特儿画过一些宗教题材的历史画，而遭到维护旧道德的人们的非议。伦勃朗很快蒙受事业上的严重挫折，从此，订画者疏远了他。不久画家妻子莎士基亚去世，虽经双重打击，画家没有动摇自己的创作道路，他遗世独立，不去迎合当时资产阶级的胃口。油画《夜巡》无论从艺术性或思想性上看，都是无可指责的。伦勃朗坚持不修改，是坚持他的艺术信念和为人民所敬仰的现实主义艺术原则。

莲池（法国）莫奈

19世纪90年代，莫奈在自家宅地的池塘中架设一座日本式小桥，池塘的周围种植垂柳和多种花卉；在池塘里则繁殖了睡莲。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面了，睡莲成了他晚年描绘的主题。此后27年里，他几乎再也没有离开过这个主题。1900年底，莫奈在丢朗－吕厄的画廊里初次展出他的《睡莲》连作，共13幅，年代标着从1899到1900年。画上的睡莲隐隐现现，浮在水面延绵不绝。那座日本式拱桥在他的画上已被覆盖着索藤；池岸的背景是一片翠绿。《池塘·睡莲》这一标题在九幅画上重复出现，看来有些单调，可是在每幅画上，形象却别有一番情趣。从1904年起，他画的池塘已不见那座日本式拱桥了，池内的睡莲也更加简练，整个画面只露出一点点池岸。有的画面连天空也不见了，但他把水画得很深沉。1909年5月，巴黎的公众又一次在丢朗－吕厄的画廊里看到他的48幅《睡莲》水景连作，人人为之拍手叫绝。1911年5月，一次非同小可的打击袭来，莫奈的第二个妻子爱丽丝死了；紧接着，在1912年7月，医生确诊他的右眼患有退化性白内障。从此，莫奈开始了他那悲剧性的生命斗争时期：他想以最大的毅力来画完《睡莲》，与即将到来的失明威胁相抗衡。他开始一连几个小时呆坐在这幢宁静的水上花园里，观察水面。1914年，他又计划在住所的东北角建造第三个画室，以便在那里架起高183厘米长366厘米的巨大画布。施工沿着池边进行，一直继续到1915年8月。虽然第一次世界大战的硝烟在离他的池塘仅40英里的地方弥漫着，75岁的莫奈也全然不顾。这些巨大的画幅整整花去他12个年头。不过，这次他不再把画面分割成单幅，而让它构成一个连续体。当宏大的《睡莲》连作安装在巴黎奥朗热利博物馆一间圆形厅内四壁时，无边无际的池水与莲叶在富有装饰情趣的环形油画中展现出来，环绕在观众的周围，使人顿生一种奇幻感。1924年，莫奈只得凭颜料管上的标字来区别颜色，作画时要把眼睛凑得很近。1926年12月5日正午，莫奈在吉维尼自己的寓所去世，享年84岁。临终前，他嘱咐把他的《睡莲》连作赠送给国家。由于《睡莲》油画环形连作的独特与宏伟，当它被安装在奥朗热利的椭圆形博物馆内时，人们把它称作“印象派的西斯庭教堂”。

蒙那·丽莎（意大利）达·芬奇 《蒙娜·丽莎》是达·芬奇最负盛名的肖像杰作，它成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。

篇2：高中美术单元教学计划

教学目标：

这一单元是美术鉴赏的入门课程，在学生初步学会了用审美的眼光去看美术作品及日常生活中和美术相关的事和物后，本课在此基础上拓展学生的审美观念，了解美术作品的不同的形态特征，并针对不同形态的美术作品初步掌握不同的欣赏方法。

教学的重点、难点：

让学生了解美术形象的基本种类，理解具象、意象、抽象美术作品的基本内涵，突破只能欣赏具象美术作品的局限，并初步掌握欣赏的方法。

教学准备：

媒体播放工具。

把班级同学分成几个小组，一般以4——6人为一小组，合作学习。

教学过程

一、导入新课

美术作品所展现的主要内容就是图像，也就是我们可以用眼睛感知的各种形象。形象各不相同，今天，我们就来辩别这些形象以帮助我们欣赏美术作品。

（出示课题：图像与眼睛）

二、讲授新课

1、出示图片《勃罗日里公爵夫人像》

提问：这件作品有什么特点？对于这一类作品，你的印象是什么？

学生讨论并回答，教师总结

出示：具象美术作品

出示图片：《重屏会棋图》、《刘胡兰就义图》

提问：这三件作品有什么共同特点？学生讨论并回答，教师总结

欣赏图片：《韩熙载夜宴图》、《父亲》、《教皇》

请同学们思考：美术除了能够表现我们眼睛所看到的事物，还能表现什么？

学生回答，教师总结并引出意象和抽象美术作品

2、出示图片塞尚的 《圣维克多山》和夏加尔的《生日》

提问：

1、你从作品中观察到了什么？

2、你觉得艺术家要表现什么内容？

3、你在什么情况下会感受到这些形象？

学生讨论并回答，教师总结

继续分组讨论：我们欣赏意象美术作品能否用欣赏具象美术作品的方法来欣赏，为什么？

教师总结意象美术作品的特点及欣赏方法

欣赏图片：《李白行吟图》、《荷石水禽图》、《恋人》

学生思考、讨论并回答：这三幅作品分别运用了哪些手法？

3、出示图片康定斯基和蒙德里安的作品讲授抽象美术作品。

学生讨论并回答：你们从作品中看到了什么？这些作品令你们联想到了什么？它们带给我们的感受有什么不同？

教师总结抽象美术作品的特点

三、课堂小结：

篇3：单元化美术教学模式

使用新教材以来, 老师抱怨教材内容安排得太“散”, 一会儿纸工, 一会儿泥塑、一会儿又画画, 使得教学效率低下。针对这一普遍反应的现象, 进行有针对性的调研, 发现导致老师认为教材太“散”而影响教学效率的原因有三:

1. 心中无目标脉络。

老师对义务阶段的美术教学心中缺乏目标脉络, 对给小学低段、中段、高段学生及初中阶段的学生什么不清晰, 这样的不清晰容易导致老师不能有方向性地去把握和使用教材, 便出现“就事而事”的现象———教材第一课“我驾神舟游太空”便指导学生画关于太空的想象画;第二课“我们爱劳动”便指导学生画劳动动态;第三课“绿化家园”便指导学生折纸表现树———怪不得很多老师还怪教材太散了, 殊不知, 是因为老师自己缺乏目标脉络使得丢失年段目标, 而在心中无目标的情况下, 面对教材只会从内容出发, 今天做这个, 明天又做那个, 使得教学效率低下。

2. 课时内容与课时目标混淆。

缺乏学年段目标、学期目标还会导致老师上课时会把课时内容当成课时目标。比如《圆形纹样》一课, 老师的目标定位是这样的:能用各种骨式 (纹样的排列方式) 在圆盘上做一个圆形纹样。《漫画肖像》一课, 老师这样定位目标:能用夸张的手法画一幅漫画肖像。这不是把教学内容当成教学目标了吗?假如这样定位目标, 美术课很容易走向手工课, 那么, 教学效率就低下了。而若这样定位《圆形纹样》一课的课时目标:⑴通过看、摆等活动的参与, 认识纹样及其排列方式, 体味同一纹样不同的排列所呈现的不同的美感。⑵通过设计运用, 体味圆形纹样及其排列与环境的关系, 充分感受其装饰性。这样定位《漫画肖像》的课时目标:⑴通过看脸、找特征、画特征, 培养细致观察的方法和能力。⑵通过以夸张的方法表现脸部特征或表情特征或情绪特征或职业特征, 获得夸张的方法, 打开夸张的思路, 并充分感受夸张所获得的漫画效果———幽默。这样的目标定位, 会使教学环节的设计从美术教学的角度出发, 走向有效。

3. 教材内容安排以学生的美术活动形式 (如造型与表现、

设计与运用、鉴赏与评述等) 而成, 而不是以学生美术能力来安排, 使得一个学期的美术学习缺乏一定的有序性。

研究成员采用案例研究和行动研究, 以各自研究实践和小组深化研究相结合进行, 每月小组聚集一次, 对美术教学的重要性和学科特征有了深刻的理解。

从教育的最终目的是提高人的生活质量来说, 义务阶段的美术教学对学生而言有着两大作用:

一是拥有一双会发现美的眼睛, 会欣赏。通过美术学习, 使学生对自然界、生活中的各种美 (色彩美、肌理美、形态美及各种组织的美) 很敏感, 能迅速捕捉与感受到, 从而在享受的同时激发起内心美好情感。

通过美术学习, 使学生对视觉艺术产生欣赏兴趣, 并会鉴赏, 在鉴赏中不断提高审美品位。

二是拥有一双会创造美的手, 会生活。通过美术学习, 使学生会关注环境和用品, 并乐于对自己的生活、工作环境及一些用品进行美化装饰, 使生活在“美”中洋溢着快乐和浪漫。

美术学科要追求眼睛对美术语言及表现要素的认识, 要关注学生感觉的美术学习引导。

二、美术课堂教学单元化教学模式

1. 把美术新课标和现用新教材放在一起研读

把两者放在一起研读, 目的就是要老师带着美术课程的总目标和年段目标的充分认识去审视教材, 领会教材编者的意图, 思考教材的有效运用。比如, 当老师很清楚小学低段主要目的是让学生对美术各表现要素和造型要素有充分的感性体验, 使其拥有相当的感性积累, 为小学中段初步的理性学习作好充分的感性准备, 那么, 老师就会理解教材编排的意图了。如浙美版第一册教材是这样安排内容:走进新天地、有形的世界、色彩魔方、我的胸卡、小雨沙沙、我心中的太阳、来来往往的车辆、窗花花、花式点心、甜甜的棒棒糖、鸟的天地、大鱼和小鱼、威武的狮子、我做的笔筒、能站立的折纸动物、大气球飞呀飞、有趣的脸、大家成为好朋友, 老师看着这些内容能明了:原来教材所提供的是让学生在看似“玩”的美术活动中, 学生很容易参与进去做并且比较容易就能做好的作品实践里, 获得对色、形、点线面、大小关系、平面与立体、视角等方面的比较深入的感性体验。当对教材有了这样的认识和理解, 就有了有效教学的基础了。

2. 进行学期目标指引下的单元化教学

教材内容根据学生的四项美术活动形式 (造型与表现、设计与运用、鉴赏与评述等) 构建而成, 我们这里所说的单元化则是把教材内容按照美术能力来组合, 如以上所说的第一册内容, 旨在通过这些内容的学习, 使学生对色、形、构图 (大小、点线面的关系) 、平面与立体方面有充分的体验, 那我们何不按照这些美术能力为块, 把内容进行这样的单元组合:以起始课《走进新天地》为例。

色的体验:《色彩魔方》、《我心中的太阳》、《甜甜的棒棒糖》、《大气球飞呀飞》。

形的体验:《有形的世界》、《甜甜的棒棒糖》、《来来往往的车辆》、《窗花花》、《鸟的天地》、《威武的狮子》、《有趣的脸》。

构图 (大小、点线面的关系) 体验:《小雨沙沙》、《大鱼和小鱼》、《我心中的太阳》、《气球飞呀飞》、《来来往往的车辆》。

平面与立体的体验:《我的胸卡》、《花式点心》、《我做的笔筒》、《能站立的纸折动物》。

篇4：美术特长班古诗单元高效教学反思

首先，与学生玩游戏，激发学生学习热情，拉近师生距离。我知道学生对新老师肯定充满了好奇心，所以新学期的第一堂语文课我没有马上讲新课，而是跟学生们玩了一个成语接龙的游戏。至于玩什么游戏我上课之前是经过了一番思考的，本想让他们进行初高中所学诗歌背诵比赛，勾起学生对古诗的记忆，以便导入第二天即将要学的古诗单元。但考虑到特长生语文底子薄弱，学过的古诗未必能记住多少，玩这个游戏怕打击学生的自信心，所以后来改成难度较低的成语接龙游戏，果然学生的参与热情很高。从中我欣喜地发现许多学生活泼胆大，集体荣誉感强，很在意小组的加分，这无疑有助于高效课堂的实施。

其次是培养特长班学生学习古诗的兴趣。我一直认为古诗教学应以诵读为主，在诵读中感知诗歌的音韵美，体会诗歌语言的精炼。所以在预习课上，我并没有按常规教学方法要求学生从思想感情、表现手法等角度去思考，也没有要他们提出问题。因为以他们的基础提不出有价值的问题，即使提出来了，也是从参考资料上获取。所以只要求他们先准确流畅地朗读，然后再背诵。这两个要求对于特长生而言是完全可以做到的。但他们的耐力不够持久，注意力容易分散，要紧紧抓住他们的心，确实需要费很多的心思。在朗读时我要求学生以小组为单位进行齐读，其他小组注意纠错，或者是个人朗读比拼，以加分进行刺激，读的和听的都十分积极认真。让我印象深刻的是有一位基础较差的男生，在读《山居秋暝》时读得不怎么准确也不怎么流畅，但他声音洪亮，还配以摇头晃脑，读到“随意春芳歇，王孙自可留”时，还把手一挥，把头一摆。他在朗读时似乎心领神会了王维欲远离尘嚣、隐居山中的那份洒脱。这种令人耳目一新的朗读方式也给我们带来了无尽的快乐，赢得了同学们的掌声。在背诵时我抓住学生渴望加分的心理，提高加分额度，学生在我指定的时间内拼命记忆，争相背诵，课堂气氛热烈。一节课下来学生因参与而有了收获，因收获而产生了兴趣。

再次是充分发挥学生的特长，树立自信心，让特长班的古诗教学也能高效起来。传统观念认为文化成绩优秀的学生才是好学生。而特长生有一小部分是因为兴趣爱好选择了学特长，大部分是因为文化成绩不好，学特长能增加考上大学的机会才选择了学特长，很少有文化特长兼优的学生。他们受传统观念的影响，也认为自己不是好学生。曾经有不少学生在周记里写到他们是被学校、老师瞧不起，被尖子班、重点班的同学鄙视的一个特殊群体。当然这只是他们的自卑心理在作怪而已。记得英国的约翰逊·塞缪尔在《蒲柏生平》中说过“自我信心是伟大行动的首要条件”。哈兹里特在他的《文学贵迹》中也谈到：“如果你相信你能得胜，你就会得胜。信心是胜利所必需的。”可像这样一群自惭形秽、妄自菲薄的孩子，把他们的自信心树立起来才是学好语文的前提。我一直在寻找他们的专业与语文学科之间的契合点，以发挥他们的特长，从而树立自信心。古诗单元给了我一个机会。苏轼评王维的山水田园诗是“诗中有画，画中有诗”。所以在学习《山居秋暝》时，我让学生用画笔展现诗中那“空山新雨后，天气晚来秋。明月松间照，清泉石上流。竹喧归浣女，莲动下渔舟”的优美画卷。学生兴趣盎然，跃跃欲试。在画作呈现活动中，学生相互鉴评，互相探讨。因为是他们熟悉的领域，人人都有发言权，所以参与度高，场面热烈。学生竟然在不自觉中准确把握了诗人王维在诗中营造的清新、宁静的优美意境。学生不是被动接受，而是主动探究。课后学生向我感叹到：“没想到诗歌学起来还这么有意思。”鉴于此，在学习苏轼的《赤壁怀古》时，我让学生把“乱石穿空，惊涛拍岸，卷起千堆雪”的画面画出来，看谁最能理解“穿”“惊”“卷”这几个词的妙意。学生目前最擅长的是人物画，所以我让他们用画笔勾勒苏轼笔下的周公瑾形象，白居易笔下的琵琶女形象。这样就促使他们去研读文本，准确把握人物的形象特征，调动了学生的主动性，了无痕迹地达到了我的教学目的。课后学生普遍反映古诗学习变得不再枯燥乏味，不再高深难懂。尤其是能发挥他们的特长，让他们树立了自信心，并找到了学习古诗的乐趣。

多年的教学经历告诉我，研究学生比研究教材要难得多。教师应当根据不同学生的认知水平、学习能力以及自身素质，选择适合的教学方法，以发挥学生的长处，弥补学生的不足，激发学生学习的兴趣，树立学生学习的信心。这应当就是孔子所说的因材施教吧。高效课堂同样离不开因材施教，只有结合学生实际，真正做到“以教师为主导，学生为主体”，才能真正地实现高效。

篇5：高中美术单元教学计划

[教材]新的实验 [学习任务]学习任务

教学目标

了解20世纪50年代以来艺术发展的新动向，特别是艺术家在对艺术的看法、艺术作品的创作方法、材料、技巧等方面的变化。在此基础上，树立一种理性的态度来对待现当代的艺术实验。

学习活动分析

本课共安排了两个活动，教师可以结合教材的内容以及“思考与交流”来灵活安排。这些活动的目的是为了让学生能够更好地理解现当代艺术的形态与观念。20世纪以来的艺术通常被称之为实验性艺术，主要是因为艺术家打破了原有艺术的界限，不断为艺术寻求新的发展空间。特别是在第二次世界大战之后，新的创作观念和材料不断被纳入到艺术创作中。这些艺术形态虽然打破了传统的艺术形式，但是他们并不是不可理喻，而是针对一些问题做出的反应或者对艺术观念的拓展。

在活动过程中，教师要引导学生深入研究教材所列举的图片和相关分析，学会举一反三。可以采用分小组活动的方法，使学生在集体讨论的基础上确定自己的观点。对于第一个活动，教师可以建议学生将要进行分类的内容按照教材中所列的五个方面制成图表，然后逐一对号入座。不过在活动中要注意，实际上某个作品所体现出来的特点可能不止一个方面，所以产生不同的意见也不足为奇。

第二个活动具有一定的综合性，教师在组织这个活动时要先让学生进行比较充分的准备才能够有的放矢。对于辩论的正方，传统艺术的审美规则不能评价现代实验性艺术，教师可以从几个方面引导学生进行思考：1．传统艺术产生的社会背景是什么？（如农业社会，人们凭借手工业来制造物品、人与自然关系密切、宗教对人们的影响等等）现代艺术产生的社会背景又是什么？（机械化生产，记录、复制形象的方法层出不穷、人与自然的关系较为紧张、寻求自我、张扬个性等等）2．艺术是否只能比较客观地记录物象？（不一定，像中国的书法就是一种抽象性的艺术，而中国明清时期的文人画也摆脱了对物象的客观描摹）照相机、录像设备出现之后，人们是否也可以将这些因素纳入到艺术领域？3．艺术是否应当反映现代社会的生存经验，比如新材料、新的生活环境、新的社会经济文化问题？4．改变过去艺术由手工制作的定义，将生活中的一些普通的物品纳入到艺术领域是否对我们的生活有益？（有一定帮助，拓展我们的审美视野和审美思维）

而对于反方，传统艺术的审美规则可以评价现代实验性艺术，教师可以引导学生从如下问题入手思考：1．从历史角度来看，传统艺术发展的历史有多久，而现代主义发展的历史有多久？2．从艺术标准角度来看，艺术标准的丧失会带来什么问题？（鱼龙混杂，信息量增大）3．从人们的内在感受来看，传统艺术的标准是否已经内化成为人们潜在的评价标准？4．从接受的角度来看，如果不遵循已经被公众所接受的传统艺术的标准，艺术家会不会变成“自言自语”、“自行其是”？

这个活动不求最终取得什么一致的意见，关键是要求学生思考并参与其中。

教学基本思路

现代实验性艺术的“求新”，主要是相对于传统艺术的观念而言，所以教师在进行本课的教学时，可以采用对比法，将本课内容与前面所讲述的内容进行比较。在比较的时候，首先要将本课所讲述的内容进行分类，有针对性地找一些作品来进行对比。分类的方法可以由教师根据教材的内容从几个方面入手，如绘画形象的来源与处理（波洛克依赖自发冲动作画、波普艺术将流行的形象作为灵感来源、拼贴、对古典绘画的挪用与修改等等）；雕塑等领域空间观念的变化（贾科梅蒂改变过去雕塑的体量感、考尔德的活动雕塑、大地艺术对空间占有方式的变化等等）；新的媒体与材料的运用等等。也可以按照教材中的“活动建议一”来分类讲述。也可以二者有机结合，根据学生的接受情况有针对性地讲述。

教学材料分析

教材内容主要包括三个方面：1．20世纪中期以后绘画领域创作观念与材料的变革。2．雕塑领域对空间占有方式的变化。3．伴随新材料、新媒体而出现的新的艺术形式。

自第二次世界大战以来，现代实验性艺术的发展步伐明显加快。在各个领域都出现了很多新的艺术现象。教材大致从三个角度对这种变化进行了分析。首先是在绘画领域，教材中主要谈到了：1．波洛克的“行动绘画”，这种绘画形式完全打破了传统的绘画创作方法，画面中没有具体的形象，也没有中心；整个创作过程完全依赖内心的自发性冲动，具有偶发性和无理性的特征；艺术家的创作过程也是艺术作品的一部分。2．以美国艺术家安迪·沃霍尔为代表的波普艺术，将流行的、转瞬即逝的、大众化的形象作为艺术模仿的对象，对这些形象进行大量的复制。3．对古典主义绘画的挪用与修改。如毕加索、培根等。4．拼贴，如马蒂斯和汉密尔顿改变了过去手工绘制形象的做法，将图案或者杂志上的照片直接拼贴到画面上。这些艺术家从不同的角度对传统的绘画创作方法进行了突破。

其次，在雕塑领域以及一些新的艺术形式中，对空间的理解发生了很大的变化。教材中主要谈到了：1．雕塑家贾科梅蒂的作品，改变了过去雕塑的体量感，给人一种轻盈、收缩的感觉。2．雕塑家考尔德改变了过去雕塑是一种静态艺术的概念，使雕塑在自然力的作用下产生运动感。3．被称之为大地艺术家的罗伯特·史密斯将大自然作为创作对象，改变了过去的艺术只能够在博物馆展示的定律，将自己的作品置于自然的广阔空间中来展示，改变了局部的自然景观。

此外，还有一些艺术家运用综合性的手段或者随着技术的发展而出现的新媒介来创作艺术作品，也有一些作品强调与观众的互动等等。在这方面包括教材中所列举的白南准的“摄影雕塑”、博尔坦斯基的作品与霍克尼的摄影作品等等。

以上这些作品说明了自20世纪中期之后，由于多方面的原因，使得艺术的概念在不断扩张。不过对于这些作品，我们既要认识到它们的创新之处，但同时也要保留我们评价的权利，因为其中的很多作品尚处于一种没有定论的状态。教学建议

本课主要分析了西方现代主义艺术实验的主导观念、形式探索的角度与方法等内容，不过由于学生的理性分析能力以及欣赏能力的局限，可能起初很难理解其中的一些作品，所以教师在教学过程中要注意从学生现有的经验出发，因势利导，使学生能够理解教材的教学思路。在教学过程中教师可以从如下几个方面引导学生理解现代主义艺术实验的价值：1．现代主义艺术的出现不是偶然的，而是源于艺术家对一些具体问题的回应，比如说：①照相机的出现动摇了传统写实性艺术的基础，使艺术家开始探索美术发展的其他可能性。艺术家们并不是不会画画或者雕塑，而是有目的地打破传统的造型观念和美学标准。②现代生活的变革为美术提供了新的视觉素材（比如波普艺术）。③现代技术的发展为美术创作提供了新的材料、技术支援。④社会生活观念的变化使艺术家重视自我、重视原创性、追求新奇等等。2．认识创新的价值。现代主义艺术的出现，拓展了人们的审美意识和观念，使艺术的概念大大拓宽。教师可以从美术创作的主题（如波普艺术），空间观念（如大地艺术、考尔德的作品），形体观念（贾科梅蒂的作品），创作方法（波洛克的艺术、拼贴等等），新技术、新材料的运用等等方面来进行分析。

在教学过程中，教师要注意如下问题：1．教师自身一定要吃透教材，对现代主义艺术要有较深的认识。实际上20世纪以来的视觉艺术探索对文化的其他领域都产生过影响，很多新的观念正是源于艺术家的探索与实验。教师首先要开拓思路，不能仅仅站在传统艺术的立场上去理解一切问题，这样的话就很难认清现代主义艺术实验的价值。2．对于现代主义艺术，教师可以鼓励学生多发表个人意见或者自己按照艺术家给我们提供的思想方法来创作一些作品。教学方法一定要灵活多样才能激发学生的兴趣，才能使学生理解现代艺术在观念上的突破。

本课建议用1课时完成教学。[资料]教学资料

号叫的教皇（英国）培根

弗朗西斯·培根是20世纪40年代英国最独特的现代主义形象画家。所谓形象画家，是指他专以画人物肖像或人物为主。他早年的作品风格近似后期的立体主义，1932年后又转向超现实主义。在抽象派艺术统治英国画坛的时期，培根的作品异军突起，成为人们议论的中心。他是一个自学成才的画家，受澳大利亚画家罗伊·德·梅斯特的指导，正式创作约从1944年开始。第二次世界大战后，由于长期经受欧战中人民的痛苦形象的折磨，在他作品中出现一些怪诞的、充满痉挛和恐怖的人物形象。他们不是精神性格被扭曲了，就是长期被囚禁在阴森的牢房里的单个人物。材料多半来自照片，或借鉴影片中某个人物镜头，或诙谐地模拟某个艺术大师的作品的形象，再予以异化或悲剧化，以突出人物的精神崩溃性。这幅作品，便是借用西班牙画家委拉斯贵支的《教皇英诺森十世》并加以变形的。培根就这幅名画画了多幅变体性创作，故意让教皇英诺森十世显得滑稽可笑。在这幅画上，坐在金交椅上的教皇似乎很孤寂，为了发泄，他正伸直脖子，张着大嘴大声尖叫。画家自己说，他要“力图把某种感情形象化”。培根的“肖像”感情的歇斯底里性质，还通过流动的油画笔触，即添上瀑布流水似的屏幕来展现。教皇的前面有展览场的围栏。他那粗犷的处理方式，令观者困惑和不安。杰克逊·波洛克

杰克逊·波洛克（1912.1～1956.8）的名字如今已成为美国抽象表现主义中“行动绘画”的象征。他那在画布上滴溅颜色的作画方法，创造了绘画活动与下意识活动相结合的新途径，对从事抽象绘画的艺术家有很大的影响，人们把这种新方法称之为“行动绘画”。杰克逊·波洛克出生于美国怀俄明州的科迪，1928年入洛杉矶艺术学校，接受插图画家史温科夫斯基的指导。这时期他对欧洲的现代美术接触较多，在生活上还曾经是一个神秘的宗教信徒，故对欧洲超现实主义美术所强调的潜意识活动很感兴趣。1930年开始移居纽约，进入美国现代画家本顿所领导的纽约艺术学生联合会学习。这时他所作的大多是小幅风景画，1938～1943年间，他的第一批参展作品显示了某种模仿毕加索、米罗，甚至马宋等画家的性质，除了运用象征和发挥超现实主义的幻想之外，手法是半抽象的。真正开始把画布铺在地上，以所谓直觉或偶然因素来表现画家的下意识，形成洒滴颜色的作画方法，大约是在1947年。读他从1947～1951年作的抽象画，会发觉画家所“构成”的是一种总体均衡的美，有流动的和谐和自然激情的艺术魅力。色彩在画上的不同质感的流动与趋势，寓有他由个性所支配着的合奏的力。持续变动着的色泽堆砌，造成了丰富多变的组合，在个别部位还有点像我国古代绘画的“大泼墨”似的，具有一种内在的、蓄意表现的韵味。

教皇英诺森十世（西班牙）委拉斯贵支

1649年初，委拉斯贵支奉命第二次去意大利。此行目的有二，一是学习意大利传统的造型艺术；二是为西班牙国王搜罗一些艺术珍品。在罗马的一年多时间，他不仅见多识广，还为罗马上层贵族画了一些杰出的肖像。其中最成功的就是这一幅《教皇英诺森十世》。这幅肖像画使他的艺术声望很快传遍意大利与西班牙各地。教皇英诺森十世热诚地欢迎委拉斯贵支这位西班牙宫廷御用画师，画家便以这幅传神之作予以回报。在这幅著名的肖像画上，画家以卓越的写实功力揭示出这个诡诈、阴险而又十分毒辣的意大利统治者形象的本质。他嘴唇紧闭，双眉深锁，目光斜视，脸上布满阴沉气色。色彩敷设得那样富有表现力，火红的法衣与袍服的白色相对照，更衬托出这张营养极好的红润而富有光彩的脸。连教皇本人看了也情不自禁地发出赞叹声：“啊！太逼真了。”缎子质料裁制的法衣披肩，在室内光照下闪烁着光芒。他的眼神像鹰一样直盯着画外，显出了他的专横、欺诈和自负的样子。麦克斯威尔在他的《西班牙画家列传》（1910年出版）中就这一幅画讲了这样一则轶闻：当肖像完成后放在大厅中央时，一位主教经过大厅，偶尔从半闭的门道里窥视一下里面，便慌忙回头向正在大声说话的同僚说：“讲话轻一些，教皇坐在房里呢！”这个笑话很快传遍画界。委拉斯贵支的高超画技受到普遍的赞扬，他把人像简直画“活”了。教皇本人也一再向画家表示，赞美他“画得太像了”。西班牙宫廷闻悉之后也来信要求画家再画一幅带回。画家不得不连画了几个副本，其中之一被送回了西班牙。自此以后，罗马的显贵纷纷请他作肖像。[教案]参考教案

教学目标

了解20世纪50年代以来艺术发展的新动向，特别是艺术家在对艺术的看法、艺术作品的创作方法、材料、技巧等方面的变化。

教学重点与难点

1．现代艺术实验的探索角度与方法； 2．现代艺术实验的价值。

教具与学具

教具：幻灯机、幻灯片、实物投影仪、画册或者多媒体播放工具。学具：笔记本（或者作业纸）、笔。

教学过程

1．导入教学：教师提问，传统的艺术观念是怎样形成的？ 2．学生结合前面所学的内容，分小组讨论并回答。

3．教师总结：从最早的原始美术，到用于“礼仪与教化”的美术作品，以及宗教美术、表现世俗生活的美术乃至中国的文人画等等，都是在特定的历史时期出现的，这说明美术的观念与形式在不断拓展。也就是说，传统的美术观念也是出现于某一个历史时期。

4．展示作品：教师展示教材中的一些现代美术作品，请同学们欣赏，问同学们能否接受？如果接受，为什么？如果不能接受，为什么？ 5．同学们分小组讨论、思考并回答。

6．教师继续提问：这些我们觉得不能接受的作品，有没有它独特的价值？ 7．同学们分小组讨论、思考并回答。

8．教师总结：现代主义艺术也被称之为“实验艺术”，也就是说艺术家尝试着突破传统的美术观念，不断实验新的观念与技巧。既然是实验，那么就意味着创新，就意味着改变。这实际上大大拓展了我们的经验。如果美术艺术家不去实验这些因素，那么我们可能也看不到这些有趣的变化。

9．教师要求学生阅读教材第50、51、52页，并且将内容填写在作业纸上。在这个过程中教师要引导学生思考：

①在我们的现代生活中充满了各种明星、广告等题材，美术可不可以把这些内容纳入到它表现的范围之内？为什么？

②美术作品的创作方法上可不可以有所变化？为什么？ ③现代艺术家对形体的认识有哪些变化？举例说明。④现代艺术家对空间的认识有哪些变化？举例说明。⑤可不可以将新的技术和材料用于美术创作。（在我们今天，照相机、影像技术、电脑技术不断发展的情况下，应不应该把这些技术纳入到美术创作中。）⑥你对教材第51页“思考与交流”中所列举的说法怎么看？ 10．学生分小组讨论并回答，鼓励发表不同意见。

11．教师进行总结，指出20世纪的“艺术实验”试图将我们社会生活的方方面面都纳入到美术领域中。它们的出现都是有一定原因的。同学们能不能够结合自己的阅读，按照某一位艺术家的方法来创作一幅作品（只谈作品构想即可），你在思考这个作品的时候，体会到了什么？

12．教师进行总结，对一些观念进行具体分析。例如，大地艺术将艺术创作与展示的空间置于广阔的自然之中，改变了过去美术作品只能在美术馆中展示的状况。也有人把中国的长城也称之为一个伟大的大地艺术。（在这一部分，教师对每一类型的作品尽量分析得细致一些，特别是作品对传统观念的突破方面。）

篇6：高中美术单元教学计划

[教学任务]教学任务

教学目标

了解摄像机的基本结构以及摄像机上常用键的功能；观看镜头里的画面，体会画面与平常所见场景的不同视觉感受；通过欣赏镜头画面，了解基本的画面构成原则，学会处理主体与陪体之间、主体与环境之间的关系；通过分析影片中的光线、色彩的运用，让学生关注到影片情节以外的东西。

教学活动分析

本课设置了两项学习活动建议，教师可根据实际情况，结合前面的“思考与交流”来灵活安排。第一个活动是让学生在了解了摄像机的结构与功能后，亲身感受摄像机的性能，试着用它来拍摄某个场景。此活动侧重于尝试性的体验。在拍摄完后，通过交流与互评，试着用摄像术语来评论拍摄效果。第二个活动则是此课所学知识的综合运用，在拍摄时考虑技术含量更高的因素，同一组静物，利用不同的构图、在不同的光线下、不同的色彩氛围中都会呈现出不同的感受，让学生自己去尝试、去体验，看如何将静态的东西拍得更富生气与变化。两个活动都重在强调学生自己动手拍摄，自己感受摄像机，通过探究性的学习提升自己对影片的审美能力以及操作能力。

教学基本思路

本课的重点是镜头里画面效果的处理。教师通过多媒体的展示，让学生了解摄像机；接着分析镜头画面，让学生掌握摄像里的基本术语与基本原则，可以边讲解边演示镜头，也可以让学生自己拿起摄像机感受镜头画面；然后分析画面中其他的元素：光线与色彩，这是摄像时必不可少的既能增强画面感又能推动情节发展的两个很重要的元素，教师在讲解时可以结合摄影或色彩学来讲授。最终的目的是让学生能自主动手感受摄像，综合考虑种种元素拍摄一段素材。

教学材料分析

摄像艺术已越来越接近平常人的生活，相信在不久的将来也会成为一门人人都能进行简单操作的艺术形式。教材开始部分的文字就是拉近摄像艺术与学生的距离。首先，了解什么是摄像艺术。摄像艺术须掌握必要的技术设备并在一定的技术条件下进行。它以光学镜头、摄像机和胶片为主要工具和材料，经过曝光、洗印、放映等主要工艺过程，在银幕上呈现为一系列活动的影像。这个影像系列，可以再现对象的主体形态、轮廓形式、表面结构、空间透视、色彩层次、运动速度和节奏，具有四维（长、宽、高、时间）的特性。其次，根据教参第68页的图片讲解摄像机的构造与功能。

教材内容的主体部分包括三部分内容。每部分内容都是摄像艺术的入门知识。第一部分是此单元课的重点，主要是将镜头里的画面定格，来具体分析拍摄距离、画面中主体与陪体的关系、画面中的环境、人物的摄像构图原则、画面中的地平线、画框外空间的表现（即与下个镜头的转接）和主体运动时画面的处理等七个知识点。而且都配有相关的“思考与交流”，旨在使学生在学习了知识点后，能马上融会贯通地运用到影片的欣赏中，运用到实际拍摄中。

首先要确定摄像中画面的概念，画面是电影最小的构成单位、映现于银幕上的活动视像、一幅幅电影摄像的构图。摄像是运动的艺术，它的构图不同于绘画、照相的构图，它不是静止的，而是活动的、变化的。但在一定时间内，拍摄对象又有相对稳定的时间，这就构成了摄像中的画面。

接下来是此部分的第一个知识点——摄像中的景别, 景别是摄像机与被摄对象的不同距离或用变焦镜头摄成的不同范围的画面。景别分远景、全景、中景、近景和特写五种。远景是摄像机摄取远距离景物和人物的一种画面。这种画面可使观众在银幕上看到广阔深远的景象，以展示人物活动的空间背景或环境气氛。还宜于表现规模浩大的人物活动，如炮火连天、硝烟弥漫的战场，人如潮涌的游行示威，千军万马的对阵厮杀等。全景是摄像机摄取人像全身的一种画面。这种画面可使观众看到人物的全身动作及其周围部分环境。全景具有较广阔的空间，既能展示出比较完整的场景，又可使人物的整个动作和人物相互的关系得到充分的展现。在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。全景和特写相比，视距差别悬殊。如果两者直接组接，会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃。运用得好，常能取到特有的艺术效果。中景是影片中只取人像膝盖以上部分的一种画面。这种画面可显示人物大半身的形体动作，是影片镜头中占数量较多的一种景别，常在叙述剧情时使用。中景的视距比近景远一些，能为演员提供较大的活动空间，既可以使观众看清人物表情，又有利于显示人物的形体动作。由于取景范围比近景宽广，能在同一画面中拍摄几个人物及其活动，因此它在展示人物关系上尤显便利，演员也不会因为空间窄小而与周围气氛、环境脱节。中景在影片中，大部分用于需识别背景或交代动作路线的场合。其运用得当，不但可以加深画面的纵深感，表现出一定的环境、气氛，而且通过镜头的组接，还能把某一冲突的经过叙述得清清楚楚，揭示出人物的复杂关系和不同性格。近景是影片中摄取人物上半身或人体局部形象的一种画面。这种画面能使观众看清人物的面部表情或某种形体动作。近景有时也摄取景物的某一部分。近景的视距比特写稍远，有些摄取人物腰部以上的镜头，又称为中近景。近景中，人物上半身活动和面部表情占据画面显 [教学建议]教学建议

摄像是门新兴的艺术形式，考虑到教学条件的限制，并不是每个学校都能配备相关的摄像器材，所以此单元课主要是以欣赏为主，实际操作为辅。在了解摄像基本术语的基础上，提升他们对各类影片的欣赏水平，不再简单地停留在对影片情节的关注上，更多的是技术方面的问题，揭开摄像艺术的神秘面纱，使其贴近学生生活，引起学生的学习兴趣。教师在课堂上应该注意营造这种平近感，可通过一系列经典影片的欣赏唤起学生对摄像艺术的兴趣，对于掌握它有十足的把握。

本课可分为4～5个课时进行教学。

第一课时：先了解摄像艺术的“武器”——摄像机。教师可用最常见的DV摄像机入手，对摄像机的结构进行全面分析，了解其各个部分的作用与用法。有条件的学校可进行实物展示。然后让学生手持着摄像机进行拍摄，可以不考虑情节。然后再将摄像机放在三角架上再拍摄一段，拍完之后对比着放给学生看，观看过程中适时地指出拿摄像机的第一要诀：稳。指出初学者拿摄像机拍摄时，每个镜头可停留3～5秒后再移动位置，并告诉学生一些基本的持机姿势。接下来观看电影片断，感受景别变换的视觉变化，每个景别的侧重点在哪。可以让学生用数码变焦或是自己移动的方式试拍景别变换的镜头，拍完之后做对比播放，让学生自评、互评讨论两种方法的好处与不足之处在哪。

第二、三课时：教师在进行这一部分教学时，可节选一些影片的片断或是定格其中一个画面，结合知识点来讲解画面构图的基本原则。然后设计一些尝试性的练习，设计一些故事情节，让学生用手绘的形式将这些情节场景表现出来，看哪种构图形式比较合理，比较能反映主体与陪、主体与环境的关系。

第四课时：还是以欣赏片断为主，讲解光线的强度有强、弱之分，能带给人物表现怎样不同的感觉，分别用来表现怎样的场景。光线的方向有顺光、逆光、侧光等，不同方向的光线也能营造出不同的视觉感受。让学生欣赏影片，表述不同方向的光线会带来什么样的环境氛围。光线的色调，不同的色调会使镜头画面呈现出不同的色温，因此白平衡的调整是个很重要的技巧。教师应给予着重讲解。另外，光线有自然光与人造光之分，可以让学生结合“思考与交流”进行尝试性的练习，试着使用调节光线不可少的白板。最后，让学生分析影片中哪些场景是自然光，哪些是人造光，适合表现什么样的情节。

第五课时：以欣赏影片入手，综合色彩学的知识，看色彩在影片中是怎样被运用的。播放黑白影片、彩色影片，在黑白影片中运用色彩或是在彩色影片中有黑白片断的场景，让学生分别感受这些特殊处理的作用，试着写出一篇关于电影中色彩运用的小论文。

教学评价可以采用学生自评、同学互评、教师评价相结合的方式。课程中有许多实际操作的活动，如某位同学在课堂中播放他自己拍摄的影片，然后让同学们进行评价，分析在这个影片中该同学注意到哪些构图原则以及运用到哪些拍摄技巧，并指出其优点与需要改进的地方。接下来让该同学自己讲解他的创作意图和注意到的原则以及拍摄技巧，根据同学们提出的意见，构思一下重新拍摄的思路。最后，教师进行总结，将学生阐述的内容进行归纳，对所学知识进行复习与扩展。[参考教案]参考教案

第二单元 第一课 经营画面 棗——奇妙的光影效果

教学目标

通过对电影片断的欣赏，初步掌握摄像艺术中光影效果的处理。并能对电影中的光影效果进行评析，讲出处理的方法。

教学内容

摄像艺术中光线的知识与运用。

教具、学具准备

教材、优秀电影片断、摄像机、白板或是白纸

课时安排 1课时

教学过程

（一）导入

带领学生感受不同的光源。根据天气而来，如果是晴天带学生来到户外，感受太阳光，看阳光照在物体表面有什么样的感觉。然后进入教室，拉上窗帘，感受光线缺少时带给人的感觉，然后打开教室内的照明灯，看又带来什么感受。教师还可带来有色纸罩在灯管上，让学生体验不同颜色的灯光会制造出什么样的氛围。并将这一切用摄像机记录下来。

（二）探究

1.欣赏不同光线强度的电影片断：强光场景、弱光场景。

提问：强光多用于什么场景，弱光用于什么场景，分别带来什么样的感受？

2.欣赏不同方向的光线的电影片断：顺光场景、逆光场景和侧光场景等。教师出示光线布置图。示范反光板的用法。

让学生分析不同方向的光线用于什么样的场景，用来表现什么情节内容。

3.将最开始拍摄的自然光下的教室和灯光下的教室画面播放出来，便能发现色调跟我们肉眼所见的不同。在这时适时提出白平衡。然后讲解白平衡的校正，怎么使用白平衡，以取得跟我们实际观看的情景色调相近的效果。可以让学生进行实际操作。

4.光线的运用是根据情节的需求，因此在自然条件受限制的时候，大都会用上人造光线，一来不受天气约束，二来能制造出许多特殊的效果。在电影拍摄中，运用自然光或人工光是一门艺术。涉及照明器材的使用，光线设计，现场布置，光位、光比、影调及光影效果的确定，镜头布光处理等，播放一些电影片断，让学生分析哪些场景是自然光，哪些是人造光，而且这些光线的方向是怎样的，尝试画出灯光布置图。

（三）小结、评价 小结：光线的运用是灵活多变的，光线的色彩、不同角度的灯光运用，都能给影片增色不少。给物体补光或是挡光，以及进行白平衡校正也是不可缺少的技巧。