艺术鉴赏达芬奇（精选8篇）
篇1：艺术鉴赏达芬奇
达芬奇艺术欣赏
灵溪三中林秀清
案例背景
●教材分析：
《蒙娜丽莎》是一件人们耳熟能详的作品，在人们的头脑中已经形成了一些习惯性的认识，“蒙娜丽莎非常美”，“蒙娜丽莎的微笑很动人”，这些表述已经成为这件作品的固定标签，把对蒙娜丽莎的认识给简单化、概念化了。
《蒙娜丽莎》是世界上最著名的油画，这幅画存在了500多年，也整整微笑500多年。500年中来，多少人为之倾倒，多少人为之沉迷，多少人为之研究。然而这幅画中有一些含糊的因素，似笑非笑，似有又无，若隐若现，给《蒙娜丽莎》的微笑带来了无数的可能。正是这些含糊的因素，给人想象的空间和余地，让人觉得微笑永恒而神秘。
●教学目标：
1、领悟达芬奇作品中的独特语汇。
2、让学生能从内到外真正领悟作品的内涵及艺术美。
3、丰富学生对这幅作品的认识，发现以前被忽略的细节
4、鼓励学生提出对这幅作品的个人见解。
●课前准备：
学生：课前查阅有关《蒙娜丽莎》这幅画的资料。
教师：
1、收集有关资料，并制作课件。
2、上课前播放林志炫的歌《蒙娜丽莎的眼泪》。
案例过程：
上课前播放学生熟悉的林志炫的歌——《蒙娜丽莎的眼泪》，创设情境，让学生跟着轻轻的吟唱。让学生明确这节课的课题——《蒙娜丽莎》。并让学生从歌词中获得有关《蒙娜丽莎》这幅画的一些信息，“在浪漫之都你看到了蒙娜丽莎的微笑„„蒙娜丽莎她是谁„„她的微笑那么神秘那么美„„” 导入：
问：有这样一个调查问题，你认为当今世界上最有名的油画是什么？
A、《蒙娜丽莎》B、《向日葵》C、《春》D、《呐喊》 生：A或B
师明确：在巴黎街头的调查中，选《蒙娜丽莎》的占85.8%，选《向日葵》的占3.6%，选《春》的占2.1%，选《呐喊》的占2.01%。《蒙娜丽莎》被认为是
世界上最有名的油画。
问：对这幅画你们知道多少呢？谁画的？
生：达芬奇。
问：世界上第一个设计人类飞行的科学家是谁？
简要介绍作者：达芬奇是集很多家于一体的多才多艺的人。达芬奇是意大利文艺复兴时期的文化巨匠，与米开朗基罗、拉菲尔一起，被称为意大利文艺复兴“三杰”。达芬奇是极富才华的艺术大师，他精力充沛，智力超群，留下了《最后的晚餐》《岩间圣母》《蒙娜丽莎》等艺术的顶峰之作。恩格斯称赞他：“不仅是画家，而且也是大数学家，力学家，工程师。在物理学的各种不同部门中都有重要的发现。”
问：这幅画现藏于何处？
生：卢浮宫。
师明确：（播放《蒙娜丽莎的眼泪》，歌词“在浪漫之都你看到了蒙娜丽莎的微笑”）这幅画现藏于法国巴黎的卢浮宫。“„„蒙娜丽莎她是谁„„”我们就借助歌词来探讨——蒙娜丽莎究竟是谁？
一、蒙娜丽莎究竟是谁
《蒙娜丽莎》这幅画令无数美术爱好者为之倾倒，同时，它也吸引了一大批历史学家将“蒙娜丽莎究竟是谁”作为研究的题目。
问：蒙娜丽莎她是谁？
（鼓励学生通过欣赏、思考及联想，大胆猜想，发表自己的独特见解。）猜想：
1、《蒙娜丽莎》画的是达芬奇自己
2、《蒙娜丽莎》画的是一位怀孕的母亲
3、《蒙娜丽莎》画的是一名妓女
4、《蒙娜丽莎》画的是一名肝炎患者
5、《蒙娜丽莎》画的是达芬奇的情人
师明确：目前流传最广泛的一种说法：蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，达·芬奇画她的时候（1503年画起），年仅24岁。这位妇女处于刚刚失去了自己心爱的女儿的哀伤和忧郁之中，画家为了让她面露微笑，想出种种办法：请乐队给她奏乐、唱歌，请小丑表演，让欢快的气氛帮助她展现笑容。达芬奇画这幅画画了四年，直到这位妇女去世，他才不得不就此搁笔，从这可反映出画家严谨的作画态度。
二、如何看待蒙娜丽莎这个人
问：蒙娜丽莎是否美？美，美在哪里？不美，又表现在何处？
生：没有眉毛、身材过于肥胖、人物的衣着灰暗等等。
师明确：没有眉毛----
15、16世纪意大利佛罗伦萨地区的妇女流行拔掉自己的眉毛，以此作为一种时尚和美。身材肥胖----当时的妇女以胖为美，这源于原始社会对妇女的生殖崇拜。我国唐代评价美女的标准就是以胖为美。
对女性美的评判有其一定的社会性、区域性和时代性。不同的时代有不同的美的标准。在那个时代蒙娜丽莎可能也算不上一个绝色美人。那时美的标准：头发是淡黄色。肤色是白是，前额的宽为高的一倍。
更有人认为，蒙娜丽莎的额头宽厚，眉骨凸出，腮帮鼓鼓，具有明显的男性化倾向。于是就有了《蒙娜丽莎》画的是达芬奇自己这样的猜想。
但蒙娜丽莎本人和作为艺术品的《蒙娜丽莎》毕竟不是一回事，不能说艺术品表现对象本来的人物不漂亮，就觉得这幅作品不美。我们更应看到的是达芬奇的才华，和作品的所具有的艺术魅力。这幅画为什么会成为人们心目中的最有名的油画，我们来看看它的过人之处。
三、作品分析
《蒙娜丽莎》是一幅肖像画，整个画面色调典雅柔和。画中是一位年轻、温柔这样一个西方女性的形象。问：比较两幅作品（和拉菲尔的《贵夫人肖像》做比较。）
生：背景不同。服饰不同。画面的色调不同。
1、背景。
问：为什么要在蒙娜丽莎的身后画上背景，这个背景有什么含义？
客观：达芬奇运用了空气透视法，把后面的山，小路，石桥和树丛和流水都推向遥远的深处，仿佛这一切都被笼罩在薄雾里，以此来突出形象的地位。
主观：从对人物内心世界的衬托方面，蒙娜丽莎所向往的自然空间，画家以此来衬托她的典雅气质。
2、衣着。
问：请给蒙娜丽莎你那的衣着加个形容词
问：蒙娜丽莎朴素的衣着对刻画人物有什么作用？以朴素的衣着来反衬人物高贵不俗的气质。达芬奇说过：“她正是我想描绘的那种女子，毫无修饰，情趣天然。”
3、眼睛的处理
问：请给蒙娜丽莎你那的眼睛加个形容词
她安静地坐在自然美景之前，神态很坦然地注视着我们，她的眼睛含蓄、多情。
问：蒙娜丽莎的眼睛没有象其他的肖像画那样，在眼中留出高光点，来表现
眼睛的水灵灵。到底是有高光好，还是没有好，为什么？
（教师利用多媒体技术，把经过处理的，在眼睛中点上高光的作品与原来的作品放在一起，让学生比较。）
在人物的眼中留有高光点，使眼睛看起来更水灵、有神。而达芬奇的作品中却没有这么做。不留高光，是为了作品中人物面部表情多一层含义，即有精神饱满，充满向往的微笑；又仍保留了丧子之后的余痛，使得人物的形象更为真实、丰满。高光也有可能是蒙娜丽莎的表情这么多年来充满神秘感的一个重要因素。
4、嘴的处理
5、手的处理。
问：请给蒙娜丽莎你那的手加个形容词
问：通过比较，在人物手的处理方面，哪幅画更突出些，为什么？
达芬奇作品中手的背景是深色，可以反衬出手的白皙质感。达芬奇在处理蒙娜丽莎服饰时弱化了衣纹，用衣纹的平面化来反衬手的体积感。这双柔嫩的手被画得那么精确、丰满，完全符合解剖结构，展示了她的温柔，更显示了她的身份和阶级地位。
6、坐姿
问：请给蒙娜丽莎你那的坐姿加个形容词
（让学生挺直脊背，双手轻搭放在膝盖上，模仿蒙娜丽莎的坐姿和神态。谈谈感受，换个姿态双手叉腰再谈谈感受。）
问：蒙娜丽莎的双手自然地交搭在一起，这样在坐姿好吗？还有没有更好的姿势？人物动态、手势、微笑与人物的内心是什么关系？
达芬奇改变了中世纪肖像画的呆板的侧面半身的习惯，以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形。蒙娜丽莎就显得更加安详、端庄、稳重、大方。
人物的神态、动态、手势与人物的内心是一致的。这样的坐姿，手势，微微翘起的嘴角流露出一丝微弱，平静微笑，我们可以感受到她的内心的一种愉悦。
四、蒙娜丽莎，微笑中的玩笑。
（1）大师们的玩笑
“蒙娜丽莎的微笑”伴随了世人整整500年，也留给了世人整整500年的争论。后世的艺术大师恐怕听烦了人们对蒙娜丽莎的溢美或是揣测，画家们开始用全新的方式来重新创作心目中的蒙娜丽莎。
首先是法国人杜尚。他认为任何东西都可以成为艺术品，甚至是现成品。他通过添加一撇小胡子，使蒙娜丽莎男性化，提出了达芬奇的同性恋问题。
达利将自己的尊容与蒙娜丽莎互换，恬静的夫人顿时成了横眉竖目的艺术哲
人。在这些艺术“狂人”的眼中，神秘的微笑并不是最终稿，恰恰相反，只是一个启发思维无限空间的出入口，可以突发奇想，可以随意涂鸦。
（2）地域特色的玩笑
在世界各地，人们把名画改变为自己心目中民族化了的形象，这样的微笑看起来会更迷人，更亲切。
在美国，美丽与性感不可分割，于是蒙娜丽莎的形象被确定为胸部丰满，眼睛硕大的女郎，金黄色的波浪头；非洲，蒙娜丽莎拥有着古铜的肤色，紧闭的嘴唇变得厚重而性感，满头黑人青年特有的个性化的麻花小辫子！中国人的想像力从来不输外国人。《蒙娜丽莎在中国》作者以蒙娜丽莎为载体，表现了中国女性衣着的变化。
在经济社会的今天，商人眼里的蒙娜丽莎的美丽不单单停留在画布上，同样有她的经济利用价值。
五、一千个人眼里有一千个蒙娜丽莎
问：当你看见你蒙娜丽莎时，你心中的蒙娜丽莎是怎样的？用一两句话来表达。
一个稚气的孩子看着《蒙娜丽莎》：“这位阿姨只是奇怪地扯动着嘴角。”一位端庄的少妇脸庞隐着一丝激动：“她一定想起了她亲爱的丈夫。”一位年轻小姐面颊上浮起两朵红云：“她是如此娴雅，淑女就应该像她一样。”一位架着黑边眼镜的学者：“她听到了自己心仪的乐曲才露出了会心的微笑。”一位飘泊已久的浪子走近，抬起他疲倦的眼睛，被岁月刻满沧桑的脸上渐渐展开了笑靥：“她的笑就像我母亲的那样，带着家乡的柔情。”修女露出了藏匿在紧密黑袍后的激情，虔诚地握紧手中的十字架：“她的笑像玛丽亚般圣洁，阿门！”为了生存而疲于奔命的小职员仔细地看过后，早已呆滞的眼神散发了些许神采：“她使我心灵如被洗涤滤过般宁静。”衣着前卫的小伙，听完狂躁的摇滚，观赏过奇异的抽象画，最后看到了这份古典，由衷地说了一句：“虽然我不解她的含义，但我读懂了她的美丽。”
忧愁的人感觉是悲伤的。乐观的人感觉是微笑的，究竟怎样呢？答案自在心中。有一千个读者，就有一千个哈姆雷特；有一千个欣赏者，就有一千个蒙娜丽莎的微笑。
总结：
蔑视宗教的权威，不断追求真理，努力把人的思想、情感、智慧，从神学的束缚下解放出来，恢复人的尊严。——人文主义的体现。《蒙娜丽莎》表现的不
再是神，而是活生生的人。《蒙娜丽莎》这幅画具有积极的意义，成为文艺复兴时期人文主义的旗帜。有人称，一个年轻女子的微笑，唤起欧洲人性的觉醒。
由于达·芬奇将《蒙娜丽莎》的微笑描绘得若隐若现，似有又无，所以才会让人觉得永恒而神秘，也因此给《蒙娜丽莎》的微笑带来了无数的可能。而每个人因不同的阅历、不同的心境、不同的角度去欣赏《蒙娜丽莎》时都会有不同的感受。
篇2：艺术鉴赏达芬奇
Leonardo Da Vinci，这是一个属于天才的名字，是人类智慧的代名词，是上帝的左臂。列奥纳多·达·芬奇，是一位思想深邃，学识渊博，多才多艺的旷世奇才，他不仅是艺术大师，还是科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家，他的才思包罗万象，几乎在每个领域都做出了巨大贡献。
他怀有神灵般的无限理想，试图重新创造世界的美，量度世界的广大无垠，解释世界的奥秘。他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切，他的追求是那无限高远的所在，是永远不可能达到的境界。探寻不到，宁可停下来，他努力去做的是“增多上帝的永久创造物”。他画的每一笔，哪怕是最屑小的一笔，在他，都是最宏大的工程，他要求自己的每一笔都能横跨渺渺千年，茫茫空间，撩动所有人的心弦。
列奥纳多的左手总是这样，抖抖瑟瑟，进进退退，画画停停，它承担着历史的负荷，要全新地表现人类的智慧与爱。
请原谅列奥纳多的迟疑和缓慢吧，那只左手一生都在探路、问询，企图开启未知世界的大门。它知道，只要稍稍有了重复和模仿，那神灵般的美便会哄然退去。他宁愿超期付违约金，也不肯草草作画;他宁愿受尽指责，也不肯追求平庸;他宁愿一日不动笔，也不肯盲目下笔。他执着如此，痴心如斯，只为追求高不可攀甚至根本不存在的艺术境界。虽然在别人看来，他的作品已无懈可击，却殊不知他为达不到那无上的境界而陷入整日的深深痛苦中，“智慧越高，痛苦越深”，旁人怎能理解他?
他的造诣，是米开朗基罗那个小泥匠所望尘莫及的，也是拉斐尔所不可比拟的，他是文艺复兴时期的开拓者，是最完美的代表。
他的一生虽走到了尽头，但留下的无数谜团还在，例如那幅筛子图，《最后的晚餐》里的那只多出来的没有主人的手，《岩间圣母》中人物古怪的姿势……他一定透过天堂的落地窗玻璃在微笑着看愚蠢的人们为此奔波劳苦的样子。
“芬奇的死，对每个人都是损失，造物主再无力造一个像他这样的人了。”
篇3：造型艺术在达芬奇作品中的体现
在艺术发展的历史长河中, 提到达芬奇, 已近乎达到了无人不知的程度。他是意大利文艺复兴时期的杰出人物。大家最熟悉的没莫过于他的绘画类的作品, 这里特别提到的是在他作品中体现出来的造型艺术特点。列奥纳多·达芬奇, 1452年生于佛罗伦萨, 于1519年卒于法国。他不仅会画画, 雕塑, 建筑房屋, 在军事武器方面也有研究, 他又是一个医学家、音乐家和戏剧家, 而且在物理学、地理学和植物学等其它科学的研究上也很有成就。在建筑上, 达芬奇也表现出卓越的才华。他设计过桥梁、教堂、圆屋顶建筑, 甚至城市下水道、城市街道等。正因为此, 也奠定了其在造型艺术中的重要地位。
本文旨在研究达芬奇作品中的造型艺术, 通过分析其作品中的艺术特征、形式、手段等。总结其在造型艺术上的成就, 并进一步运用更多的造型形式、手段等, 促进造型艺术的发展。
2造型艺术与达芬奇的艺术作品
造型艺术, 是艺术家使用各种可见的创造性手法, 通过视觉和触觉的传播途径, 再现人们生活中的事物或者虚构人们纯粹的想象, 表达自己对世间万物的感受和丰富的想象力, 使人们在视觉上、触觉上乃至心理上产生愉悦和共鸣的情感感受的行为过程。造型艺术的实质是对美术在物质材料和手段上的把握, 是存在于一定的空间中, 以静止的形式表现动态的过程, 主要依赖视觉感受;因此又被称为空间艺术、静态艺术、视觉艺术。
造型艺术的上述特征都是由其使用的材料和表现手段决定的。造型表现手段是指造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索, 精益求精, 是使艺术创作能表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。
在达芬奇的艺术创造中, 对造型艺术的探索是与对自然、科学达到研究一样地热衷。他坦言“一个自称能记住自然界所有形式和印象的大师, 在我看来必然幼稚得可爱。这是因为那些印象千姿百态, 无穷无尽。而我们的记忆能力远不能达到这种程度。”达芬奇的作品充分融合了造型艺术的多种艺术形式及表现手段, 在绘画作品中借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视, 来充分表现艺术形象。最有代表性的要算《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》和《岩间圣母》。
著名壁画《最后的晚餐》, 达芬奇通过对圣经情节中人物的心理刻画和戏剧性场面的描绘, 深刻地再现了这一斗争的场景。当耶稣说有人出卖了他时, 画面场景中的十二个门徒呈现出各种不同的表情和动作:惊讶的、愤怒的、诅咒的、紧张的, 特别是犹大张皇失措的举止, 刻画得惟妙惟肖。在此副作品中, 达芬奇充分发挥其在解剖学中的研究, 用人物的紧绷而又扭曲的颈部肌肉来表现当时戏剧性的一刻。整个画面, 情绪变化、性格表现、动势倾向、人物组合都具有明显的戏剧性和冲突感, 很好的隐喻了人间光明与黑暗、美善与邪恶的斗争。整个画作高4.6米, 宽8.8米, 画面利用透视原理, 使观众感觉房间随画面作了自然延伸。透视在造型艺术中是基础, 最常提到的熟语“近大远小”就是属于透视中的规律。在此副作品中, 达芬奇正是运用了平行透视法, 心点就在画幅中心基督所在的位置上, 屋顶、两侧墙的窗框形成了透视线, 突出了中心人物。餐桌长长的水平线贯穿左右, 形成了稳定的布局。同时, 全开放式的艺术布局, 使观众产生了身临其境的感受。为了构图, 使人物坐得比正常就餐的距离更近, 并且分成四组, 在耶稣周围形成波浪状的层次, 使得画面的造型感趋于运动感。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间, 他摊开双手镇定自若, 和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景, 明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外, 仿佛看穿了世间的一切炎凉。整幅画完美的构图、细腻的心理刻画, 昭示着古典美, 集中表现了善与恶、美与丑、真与伪的对立, 将自然科学中的空间、光影、对称、透视等体现得淋漓尽致, 堪称美术史上科学与艺术结合最完美的典范。从此作品中足以看出, 达芬奇的绘画, 严格用透视法, 生物学的科学知识, 数学概念应用于艺术, 高低远近, 明暗阴晴, 鼻眼骨骼的比例, 在色彩和尺寸上毫厘不爽, 数学和几何的最高真理和艺术的最完美展现, 二者在颠峰是二而为一的。
除《最后的晚餐》外, 在《蒙娜丽莎》中, 达·芬奇运用透视学原理和明暗转移法, 背景山水迷茫, 将蒙娜丽莎的形象与背景山水融合在一起, 给整个画面增添了一种神秘的浪漫主义气息。蒙娜丽莎是当时一个银行家的夫人, 此时刚刚丧婴。达·芬奇为了使她露出自然的微笑, 想尽了一切方法, 最终极其准确地捕捉到了蒙娜丽莎那一瞬间迷人的微笑, 用精湛的笔触描绘了她微妙的心理活动。她那垂落在右肩上的乌发仿佛连接着一条弯曲的山径, 左肩上的披肩仿佛连接着一座小桥, 不知要把观众的视线引向何方。背景的虚无缥缈增强了人物自身的实体感。
《岩间圣母》则是达·芬奇为圣弗朗切斯在其他科学领域里, 科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。达·芬奇运用了明确的几何结构来安排人物, 画中圣母居于中央, 婴孩圣约翰、耶酥以及天使与他组成三角形构图, 并以手势彼此呼应。而这个三角形的顶点就是圣母玛利亚的头部, 这种物理学中的稳定法被他所采用, 为当时盛行的金字塔式构图奠定了基础。背景则是一片幽深的岩石洞窟, 花草点缀其间, 达·芬奇将圣婴和天使绘制在画面的下方, 使得整个画面的构图非常稳定。而来自左上方的光源, 又将右下方的重量感进行了均衡, 这种平衡方法被后世的艺术家所广泛采用。同时达·芬奇很好地把握了洞窟的地质特点使整幅画具有了独特的诗意。
综上所述, 我们可以看出, 达芬奇正是通过更多的造型形式、手段表现出其想传达出来的艺术作品中人物形象的特点, 并将其结合得天衣无缝, 恰如其分地展现出其艺术作品的魅力。将艺术推向了一个前所未有的高度, 同时, 达芬奇在造型艺术其他领域--建筑、雕刻中很好地解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题并解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。正是如此, 达芬奇奠定了其在造型艺术中的重要地位。
参考文献
[1]查尔斯·尼科尔 (英) .达·芬奇[M].长江文艺出版社, 2006.
篇4：艺术鉴赏达芬奇
滨海湾金沙艺术科学博物馆于11月迎来世界最著名天才李奥纳多·达芬奇原稿在东南亚的首秀。《达芬奇：启迪未来的旷世奇才》是探寻历史上最著名艺术家、科学家李奥纳多·达芬奇的生活、作品与遗产的大型展览。该展览将展出达芬奇最大笔记本《大西洋古抄本》中的26页手稿，其中收录了达芬奇最重要的一些图纸与笔记，同时展出的还有六件李奥纳多流派原稿。
这些大师作品将从位于意大利米兰、世界最著名的文艺复兴博物馆――盎博罗削图书馆（Biblioteca Ambrosiana）到达新加坡。艺术科学博物馆通过Cardinale Federico Borromeo基金会与盎博罗削图书馆（Biblioteca Ambrosiana）进行合作举办开创性的全新展览《达芬奇：启迪未来的旷世奇才》，此展览将只在新加坡展出。该展览着重展出达芬奇在数学、自然科学、科技、建筑以及音乐这五大领域方面的天才技艺，将达芬奇的原稿与互动展览、科技、电影以及艺术相结合，让观众有幸见识达芬奇天才般的远见卓识已经使他可以塑造远超文艺复兴时期的未来时代。该展览于2014年11月15日至2015年5月期间开放。
艺术科学博物馆执行董事Honor Harger女士表示：“达芬奇是世界最著名的艺术家与科学家，没有比艺术科学博物馆更适合展出他作品的地方了。这不仅是我们在新加坡首次展出历史上最伟大天才人物之一的作品，更以别出心裁的方式强调了达芬奇由始至今所带来并持续的巨大影响。达芬奇具有远超其时代的视野，其作品天才般的描绘了艺术与科学之间的相互依存。艺术科学博物馆致力于不断努力展现艺术、科学与技术的创新魅力与相互关系，此次展览正为此应运而生。”Honor Harger女士是新西兰人，对技术的艺术应用以及科学在文化中的角色有着深厚兴趣。她以在艺术、科学和技术领域长达15年的交叉从业经历，负责为艺术科学博物馆制定总体发展方向和策略。
《大西洋古抄本》是现存最大的达芬奇图纸笔记合集，可以让我们深入了解达芬奇的艺术、科学方面以及对自然的痴迷。艺术科学博物馆将展出的这几页里仔细记载了达芬奇对各学科的细致观察以及他探究各学科之间联系的方法。
早在莱特兄弟发明飞机数百年之前，达芬奇就已经开始通过研究鸟类飞行来探寻实用的飞行方法。他设计了多种机械飞行装置。展览《达芬奇：启迪未来的旷世奇才》的亮点之一就是展出的一份名为《机械之翼（约1490年）》的图纸，这份图纸描绘了一种模仿鸟类的带翼装置，构成了现代飞机结构的基础，充分展示了达芬奇不仅是一位出色的发明家、极具现代意识的思想家，还是一位远超其时代的智者。
艺术科学博物馆还将让游客看到难得一见的李奥纳多流派绘画作品，包括《施洗者圣约翰Saint John the Baptist（约1480-1524年）》、《圣罗什崇拜The Adoration of Saint Roch（约1520-1530年）》以及《贵妇画像（约1490-1495年）》。在展出这些绘画作品及《大西洋古抄本》原稿的同时，游客还可以参观达芬奇笔记其他书页的复制品、视频投影以及根据他的发明而制作的模型和其他互动性创新展品，来体会这位大师对科学与艺术孜孜不倦的追求。
在艺术科学博物馆六个月的展期中，有三件绘画作品和13页《大西洋古抄本》手稿将在展出3个月后调换另一半展品。
篇5：读《天才艺术家达・芬奇》有感
原创： 陈宇晴
达.芬奇原名列奥那多・达・芬奇。他的《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》都是巧夺天工的传世名画，他是文艺复兴时期人文主义和科学精神的总代表和最高体现者。他不仅是天才的艺术家，还是杰出的工程师和着名的自然科学家。
达・芬奇从小便和祖父、祖母生活在一起，有一天，他帮农民做了一个盾牌，并把自己所熟悉的小动物都刻画在了上面还有一些奇怪的形状，父亲看了后，觉得儿子很有天赋，便把儿子送到弗里基俄的画室学艺，弗里基俄看了他的作品后，便显得十分欣喜、惊喜，并同意收他入室弟子。
弗里基俄不仅是一位艺术家，他对数学、天文学等自然科学方面，也有所涉猎，所以达・芬奇在这里不仅学习了绘画、素描、雕刻，还开始涉足科学研究，学到很多科学技术方面的知识。在这里，达・芬奇结识了一大批知名的艺术家、科学家和人文主义者，接受了当时最先进的人文主义思想。
1495～14，达・芬奇完成了举世闻名的艺术杰作《岩间圣母》和《最后的晚餐》从而奠定了他在美术史上不朽的地位。欧洲画坛也认为，《最后的晚餐》是所有伟大画卷中的最佳珍品，是欧洲艺术的拱顶之石，是千古不朽的.杰作。
1503～15，达・芬奇完成了另一幅世界名作――《蒙娜丽莎》这幅画的原型是威尼斯公爵夫人，当时威尼斯公爵请达・芬奇为其夫人画一幅肖像，而这幅画完成后，达・芬奇却因为太喜欢这幅画不舍得交工，就连夜打包，和仆人一起跑了。
蒙娜丽莎的右手被称为“美术史上最美的一只手”。
达・芬奇随机记录的五千多页笔记被后人研究发现，他在数学中首先使用加、减符号;他发现了杠杆原理，他明确得出结论，打破了亚里士多德的落体学，可以说开了引力学的先河，他在文稿中写过对传统“地球中心说”的怀疑与否定，提出人类可以利用太阳能为自己造福，这比哥白尼提出的“太阳中心论”早几十年……
达・芬奇还设计了很多机器如印刷机、钟表、计步器、里程表、起重机……
他还留下了大量的建筑图样，这些东西见证了他极勤奋、辛苦的一生和他无尽的探索精神，显示他的才华与抱负。
陈宇晴
吉林安图三道中学 七年级
爱基金：
他的成就大家都知道，但是为什么只有他有这些成就，我希望你的文章能告诉大家。仅仅是勤奋、辛苦和探索精神吗?
篇6：敦煌艺术鉴赏
一、课程心得体会
五次课即将结束了，我仔细的回忆总结了自己的收获，发现自己其实在学得一些零碎的知识外，也错过了很多有价值的精华。自己最开始是抱着对“敦煌莫高窟”这个著名的旅游景点十分向往，想要详细了解一下这个名誉全国的石窟到底有什么吸引力的心态报选了这门课程，在通过了老师的几次课程的讲解后，我发现我之前所理解的石窟太过浅显，太过单薄，石窟不仅仅只有壮观和雄伟，更多的是彩绘和壁画、以及那些掩埋在历史的尘埃中，千年不变的墓群背后的种族文化、宗教文化、文化艺术等等。敦煌有灿烂的古代文化艺术，他是一个文化艺术的宝库。但我自己并不是很喜欢艺术欣赏，而更多的是喜欢宗教的一些文化，我很喜欢老师上课讲壁画、雕塑时提到佛教文化，释迦摩尼、东方药师、西方弥勒，骑着狮子的文殊菩萨，骑着白象的普贤菩萨，以及尸毗王当年的割肉喂鹰，萨埵太子舍身饲虎，佛教中的燃指供佛等等让我对佛教文化有了一个更加深入与真实的了解。但说实话，自己也只是时不时的认真听老师讲这些自己感兴趣的东西，因为对艺术欣赏没有喜爱，所以在上课的时候都会选择性的接收自己喜欢的东西。我认为张新朋老师是十分优秀的大学老师，感觉您是一个博学多识的人，但一个优秀的老师仅仅具有丰富的阅历和知识是不够的，还要懂得如何将这些知识传授给自己的学生。我觉得《敦煌艺术鉴赏》这门课作为通识课来说，老师您的讲课是十分生动与有趣的。特别是讲到关于佛教文化知识的时候，你往往会给我们拓展，而不仅仅是局限于壁画、彩绘的艺术本身。我原本以为敦煌艺术鉴赏仅仅是鉴赏这些壁画、彩绘、雕塑是多么的巧夺天工和绚丽多彩，古人是多么的具有艺术修养。但听过老师的课以后，我发现并不是这么简单。敦煌还有的是这些壁画和雕塑背后一个个生动有趣并且寓意颇深的故事带来的艺术魅力，一个精美的故事就是一个艺术的结晶。
同时，老师也给我们讲了很多敦煌被认为是一个十分重要的文化艺术宝库的原因，以及敦煌莫高窟是如何被发现挖掘，以及那些极有价值的卷轴、雕塑是如何一步步的被外国人骗走的历史，使我深深的震惊与悲痛。这些宝贝本应是我们民族自己的文化瑰宝，却在那个时代由于官府的无知和不重视而被西方的一些探险家用完全不对等的价格“交换”走了，并且现在成列在他们国家的博物馆内，而我们留下的都是一些价值分量较轻或者保存不完善的卷轴。我认为老师给我们讲这些东西是十分必要的，艺术鉴赏的前提是你得有艺术，有艺术的前提是你懂得珍惜和保护自己的艺术，如果一个民族对自己拥有的文化艺术结晶都不认识，不懂得欣赏和重视的话，那这个国家和民族在发展与传承上将会遇到无比巨大的挑战和困难。宗教文化艺术伴随人类社会到永远，那么敦煌莫高窟艺术的意义也就是在这儿———它使我们看到了艺术的继承和发展，我们再也不要轻视我们的文化遗产了。假如说日本人、英国人、俄国人看我们敦煌石窟看得津津有味，而我们中国人自己却看不懂，那是多么的可笑与悲哀啊。
所以我认为老师的课程教学安排得挺好的，我自己也从老师的授课中实在的学到了一些东西，而非混混沌沌就为了那一个学分。老师在下课的时候给我们放《猫和老鼠》也是让我记忆深刻，真不知道现在还有多少的老师会关心同学下课的状态了，大多数同学下课就只会头也不抬的趴在那儿玩着手机，和上课没有任何区别。老师通过《猫和老鼠》的动画片让一些同学抬起头，笑一笑，放松一下，我觉得真的是很好的。而且我看到老师在看的时候也经常咧开嘴笑起来，看来老师也是童心未泯啊，感觉老师很有亲和力，很亲切。
最后，我觉得第一堂课给我的印象十分深刻，因为老师在最后一节课给我们放了一个CCTV拍摄的丝绸之路上的一个墓群的发掘纪实视频，通过声音、画面让我们用不同感官去体会丝绸之路上的厚重历史，我感到十分有趣也听得十分认真。所以我建议，老师应该坚持这样的教学方式，把自己的教案教学与有实际价值的纪实视频相结合的方式能够让课堂变得更加有趣和活跃，而不至于枯燥乏味。
作为我个人来说，是很喜欢这门课程，因为这不同于一些其他的通识课，它不肤浅，不讲一些大家在日常生活中都知道的东西，不枯燥得让人昏昏欲睡，通过它，我的确学到很多关于佛教、关于敦煌莫高窟的知识，虽不成体系，但也让自己丰富了学识，十分感谢老师！
二、喜欢佛教知识是否等同于信仰佛教
死亡是反映生命整体意义的一面镜子。
——索甲仁波切
诸法因缘生，法亦因缘灭。
在不久前，由于各种原因，我接触到了佛教，逐渐开始对佛教有了兴趣，但是我一直在思考的问题是，是否喜欢上了佛学，就是对于佛教的产生了宗教信仰？
曾经的自己是一个十分胆小恐惧死亡的人，我不敢想象与接受亲人的骤然离世，我不敢亲眼看遗体，甚至是遇到了灵堂也会避绕很远而行，这种恐惧是发自内心的，我也不清楚我到底害怕什么，就感觉内心冥冥中有种东西使自己抵触，使自己逃避死亡。但当我接触了佛学的生死轮回后，当我了解到色达五明佛学院天葬仪式后，当我看到了西藏贫苦百姓的煨桑、作法求医后，当我······我的意识被完全的改变了。我知道了人的生死是必然的，是正常的，死对于佛教徒来说是一种超脱，是一种轮回，此生的逝去必将在未来得到重生，这不是一种痛苦，而是一种更大的希望。我开始不再畏惧，而是坦然的接受，正如通过天葬仪式将灵魂超脱的肉体归还给秃鹫，归还给自然一样，亲人的逝去对于他来说是一种重生，向着西方极乐世界，向着又一次更加精彩的生命。同时，从另外一个方面来说，我也学得了生命的轮回也是给人心盖上一座房子，起到约束和净化心灵的作用。当有情众生“确信业报由各自负责”，才不会像赌徒那样，不计后果押注，恣意挥霍人生，才能自觉抵御诱惑，不造恶业。懂得善恶自作，苦乐自招，便不敢如野马般任性而行。相信生命的轮回，给人精神上的寄托。善有善报，恶有恶报，天网恢恢，疏而不漏。
这是我喜欢佛教文化的原因，因为它能使我自己的思想更为深邃，意志更为坚定，品格更为高尚，生活更为积极乐观，遇事可以处变不惊。这对于我自己来说，是一种信仰，但我认为我并不信佛，这种信仰是独属于我自己的，不极端，不偏激，不随大流，这是根据我自身的阅历以及价值观、世界观所确定的，是我自己内心中想要完善自我，做一个对社会国家有用之才的心灵井绳，我不会逾越它，我会一直追求它。正如我对生死轮回的态度，难道我是真正的相信**喇嘛的灵童转世吗？那些小孩真的是**吗？人死后真的会进入西方极乐世界吗？显然不是，我会在内心中通过我自己的价值观、世界观等等去判断是非，而不是盲目的追从与膜拜，我自己的信仰仅仅是为了让我正确的去认识死亡，在面对死亡时能够得到心灵上的宽慰和解脱，能够显得更为从容与平静。在《敦煌艺术鉴赏》课中提到的尸毗王当年的割肉喂鹰，萨埵太子舍身饲虎，佛教中的燃指供佛等等的壁画中提到的佛教徒的故事，我感到很惊讶也并不认同，我不知道佛是不是真的要那段枯焦的手指头，也不知道他是不是真喜欢别人用香烧灼后的烂皮肤。在《金刚经》中有提及四种相，即是无我相、无人相、无众生相以及无寿者相，实际上这四相都是讨论同样的事物，就是“我执”。法华经中除了燃指供佛以外还有刺血书经，剥皮抄经，砍头布施等等，这种种看似激烈的手段，都是为了破我执。根器猛利的大菩萨和上乘人，会通过此种方式明白这个身体是四大假合而成。顿悟“毕竟空”的奥义。但作为只是喜欢佛学的我来说，我觉得难以接受这样的信仰，甚至我一度觉得如果当越来越多的人都拥有了共同的信仰后，这种信仰容易变得极端与偏激，这一群人容易变成恐怖主义的刽子手，他们会用固定、简单的思维将这个世界两极化，把自己和那些拥有不同信仰的人群分为对立的两派，他们会潜意识的告诉自己，如若不遵从我信仰，那就只有灭亡，有太多的悲惨历史或正在发生的血腥现实为之佐证，这是极其疯狂与毫无理智的。所以，我的信仰并不是佛教，这种信仰是独一无二的。
在我看来，佛学带给我的最大影响是，我能够在佛学中学到很多使自己心智更为成熟与宽广的有益的东西，汲取这些精华，充实自己的信仰，让我在人生中，面对千变万化的世界能够更加从容与谦卑，做一个更为正直，对社会有益的人，做一个更好的人。
篇7：开国大典艺术鉴赏
一、观察与描述：
1、提出问题：艺术家是谁，年代，作品的标题，规格，种类。《开国大典》是董希文的油画作品。
《开国大典》长310厘米，宽176厘米，创作于1953年，属于布上油画。
2、描述人物，动物，景物的数量，形态，表情，动作等。
《开国大典》所描绘的是1949年10月1日中华人民共和国中央人民政府成立时天安门国庆典礼的盛况。主席台上有毛泽东、朱德、刘少奇、宋庆龄、李济深、张澜、高岗、陈毅、贺龙、李立
三、林伯渠、叶剑英、何香凝等56人。场面恢宏，喜庆热烈。蓝天白云，风和日丽，广场开阔，红旗如海，天安门城楼金碧辉煌。表达了在中国共产党的领导下，新中国人民豪情激昂，迎接辉煌灿烂的未来。
3、描述作品给自己的感觉是什么？选择适当的形容词来描述（悲伤、欢乐、压抑、激情„）
整幅画给人呈现出喜庆热烈的气氛。
二、形式分析：
1、提出问题：为什么会产生这种感觉？
之所以这幅画会产生如此喜庆热烈的气氛是因为首先画面所表现的是新中国成立，这一振奋人心的场景，其次画面上作者为了把握建国庆典庄严喜庆的气氛。以现实主义手法为基调，大胆地打破常规，创造性地运用构图法则，人物安排做到主次分明，以强烈的色彩美和巧妙构图，取得了形式与内容的完美结合。将建国初期蕴藏在人们心中特有的蓬勃朝气和对建设美好未来的坚定信念展现得淋漓尽致。
2、构图要素分析
（1）作品的形状(长卷形，方形，竖幅，圆形构图等)作品为纵式构图。
（2）近景，中景，远景的分析（强调，减弱，夸张，变形，寓意，平衡，对称，放射，平稳，动荡，锐利，圆滑，柔弱，刚强）
《开国大典》构图最基本的特点就是有着明确的宾主之别，构图的中心不是指画面的中央，而是指表现内容的中心，构成观众注意的焦点。
画面中心：城楼上毛主席立于众之前，居主要位置，身着深色衣服，手拿演讲稿，面带微笑，笔直的站立在画面最突出的位置。在高调的天空衬托下将其伟岸的形象显得更加突出。虽然国家领导人只在左侧占画面三分之一的部分，但在暖调子的红灯笼、红柱子、红地毯的衬托下，非常醒目。体现了领导全中国的核心之核心，并与远方千千万万的群众遥相呼应，共同为中国历史掀开新的一页而自豪。
朱德、刘少奇、宋庆龄等国家领导人位于画面左侧一角，从而消除了逆光与背向观众的印象，使画面显得更加明丽而喜气洋洋。
此外，画家还大胆的打破常规删减了影响主体形象的柱子和宫灯，扩大了画画的空间，使城楼上的领袖与广场上的群众遥相呼应，即庄重神圣又热烈取得了形式与内容的完美结合。画家在构图场面的处理上，体现出一个泱泱大国的气魄和风度。
（3）形式线的运用（水平线、垂直线、倾斜线、曲线、波浪线、锯齿线、对角线„）
毛主席的中心位置有五个因素都有利突出他的焦点：
一、最前面的灯笼，其灯穗很自然的随风摆动偏向毛主席头部。
二、众人头顶的（左上至右下）连线及众人脚下的（左下至右上）的连线延长的交点指向毛泽东。
三、栏杆及地毯的边线以及几个花盆的摆放也都形成有一定角度的斜面线穿过中心人物。
四、地平线在毛主席的胸部以下，突出了中心人物的胸部和头部的位置。
五、天上的白云皆以毛主席的头部内中心呈放射状分布，起到了对主体人物的良好的烘托作用。
3、色彩与技法分析
(1)总体色调（暖调、冷调、黑白灰„）画面整体呈现暖红色基调。
画面的喜庆气氛是由地毯、红柱、灯笼和广场上的红旗的红色基调所形成的，同时红色也有一种庄严与隆重的感觉，有力地烘托了开国大典的主题。(2)局部色调如何对比（邻近色、类似色、补色„）(色相、明度、纯度)单纯的色彩，强烈的对比。红地毯、红灯笼、红柱子及远处红旗的海洋与蓝天、绿树形成对比基调，使画面热烈而明快的；金黄色的菊花与蓝天、白云的对比。既点明了秋高气爽的季节，又与黄色的灯穗相呼应，增强了华贵灿烂、富丽堂皇的欢庆气氛。柔进了中国画法的工笔重彩绘画技巧和敦煌壁画用色的特点。（3）作品中哪些方面制造了笔触肌理的变化(平涂，渲染、厚涂„)画家在描绘红地毯时，还独具匠心地在颜料中加入砂粒而收到意想不到的艺术效果。画家深厚的艺术功底，使这幅画成为具有强烈艺术感染力的优秀作品。
三、背景解释：
1、提出问题：艺术家为什么采取以上形式进行创作？
是什么因素影响了艺术家的创作？
由于当时条件的限至，他只能根据现有的照片画些简写，并使得本来有较强明暗关系的照片变成处在平光中的美术造型形象，以此求得了所有人物在画面上的和谐统一。他借鉴了敦煌唐代壁画的容华贵，唐代人物画《步辇图》、《历代帝王图》的造型气质，以及明代肖像画的处理，不但将领袖们的仪表动态刻画的惟妙惟肖，而且将人物内在的气质和精神充分的体现了出来。
1、解释艺术家的民族、国家和文化特点以及作品诞生年代的历史背景，解释艺术家属于何种流派及其特点。
董希文：中国中央美术学院油画系研究室主任、教授，全国政协委员、中国美术家协会创作委员会委员和绘画组组长。
2、艺术家想通过艺术作品传递给我们怎样的讯息？作品的象征意义何在？小结艺术家创作的动机。
这幅画是政治要求与象征性手法的结合，毛泽东处于画面的中心位置，党的主要领导人也处于人物的前排，这无疑象征着中国共产党的领导，民主人士和各界代表则是全国人民大团结的象征，也是对中国政体结构的形象解释。在革命历史画中《开国大典》算是最有生命力的，它的出现正如靳尚谊所言；与当时的政治需要、画家的精神状态以及艺术上的追求是和谐统一的。
《开国大典》曾历经数次劫难：第一次抹去高岗，第二次改掉刘少奇，第三次按照指示在临摹复制的《开国大典》上删去了林伯渠。每一次改动都能听见艺术在政治的重压下沉重的喘息声，一幅画，总能折射出一个画家乃至一个时代的命运。因此《开国大典》不仅向我们展现了屹立于世界东方的巨人——中华人民共和国的诞生，也是民族油画发展史上划时代的里程碑，而且它被几次改动的坎坷经历，画面上被作为见证的明显痕迹，则永远刻下了那段另人难忘的曲折历史。
四、价值判断：
1、提出问题：作品具有怎样的艺术价值。
《开国大典》所取得的艺术成就是可观的，其重要的贡献是不可替代的。《开国大典》一直被誉为“共和国成立的艺术见证”。
2、自己对艺术家的印象如何？自己对作品的印象如何？
作为为庆祝新中国成立而执笔作画的画家，董希文成功的《开国大典》对新中国成立这一振奋人心的消息进行了成功的创造和完美的诠释。为纪念新中国的成立留下了不可埋没的巨作。《开国大典》在手法上以近乎平涂的手法和单纯、艳丽的色彩真实的呈现出这一盛况；在艺术上，作者则力图传达一种喜庆、明朗的气氛和具有民族特色的油画语言方式作者就在内容与形式上取得了完美的统一，准确地传达出作者的创作意图。从主题上看，艺术家的意图是要表达一个新时代的开始，艺术家选取了在天安门上由国家主席毛泽东宣布中华人民共和国成立的庄严时刻。着重塑造了在画面中心人民领袖毛泽东的庄严形象，在他的身后则是一批以朱德、刘少奇、周恩来、宋庆龄等为代表的党和国家的领导人，他们自豪、喜悦的心情溢于言表。这样，作者就在内容与形式上取得了完美的统一
3、作品与近代（当代）社会的关系比较；作品与西方艺术的比较。
《开国大典》作品强调了物体的固有色，减弱了随光线、环境而异的西方画法用色法。
篇8：艺术鉴赏的基本条件和鉴赏过程
在主体在鉴赏活动中获得了审美享受, 同时也获得了自我发现, 自我肯定, 自我升华的心理满足, 所以不得不承认艺术鉴赏是一种人类高级的精神活动, 是一种审美再创造的复杂精神活动。
一、艺术鉴赏的基本条件
(一) 主观条件
1. 鉴赏者必须具备一定的艺术素养
鉴赏者的艺术素养包括对艺术作品感受能力和理解能力, 想要提高这方面的能力最好的方法无过于在特定的艺术领域里不断训练, 不断观察和鉴赏的一种特定类型的美, 很明显, 这种艺术素养是后天大量艺术实践活动中我们有意识去训练出来和培养出来的, 并且这种艺术素养在集体的艺术活动中不断地丰富和提高。
2. 鉴赏者需具备一定的文化修养
鉴赏者需具备一定文化修养, 也就是主体鉴赏者须有知识水平, 只有了解艺术品当中所蕴含的丰富的时代精神和文化内涵, 才能够对作品创作的意图有所了解与体会, 也就不会导致对作品的创作意图不明白乃至形成误解和偏见。任何艺术品都是在一定的时代氛围中产生的, 完全不了解作者的时代和精神世界就会导致对作品的认识不明确。
3. 鉴赏者需具备一定的生活经验
人生阅历的短浅会给我们对作品的鉴赏增加很多障碍。对此鲁迅曾说;“但看别人的作品也很有难处, 就是经验不同, 既不能心心相印。所以常有极要紧及精彩处, 而读者不能感到, 后来自己也经历了类似的时, 这才了然起来。”
(二) 客观条件
1. 艺术品有审美价值
作为主体的我们在欣赏艺术作品的这个对象来说, 艺术品必须要有艺术上的魅力和审美上的内涵, 审美价值越高的艺术品就越能唤起欣赏者的美感和兴趣。只有美妙的音乐才能唤起人们在情绪上的感动, 诗词在赏析的过程中能“品尝出味道来”才是好的诗篇, 普普通通的“声音”或“噪音”, 根本无法给鉴赏者带来审美上的愉悦。
2. 实际环境的条件的要求
在生活的实际环境条件也可能会形成对欣赏活动的制约不如无法亲眼看见画家如何绘画或如何写作的, 看不见他们的原作是怎么完成的等等。
(三) 主体与客体之间的审美关系
就是说一件艺术品只有在欣赏的过程中才能作为真正的审美对象, 而在这同时主体的我们在欣赏艺术作品中必须抱有一种不同于日常心态和趣味的审美心态和趣味, 只有这样主体和客体这种关系才能真正地建立起审美关系。
二、艺术鉴赏的过程
(一) 直觉感受
1. 含义
鉴赏主体的感官是对艺术对象感想形式的直接把握, 鉴赏活动中我们人的认识活动往往是由最简单也是最原始“感知”开始的, 就像与陌生人的初次见面, 会使人留下第一印象。欣赏艺术作品时所面对的艺术作品也会是通过形式的感知产生美或者不美的第一感觉, 就如我们儿时读过的诗歌一样, 那时我们并不能讲出内涵或什么事情来, 领会不出它的涵义来, 但是直觉得它美, 读起来让我的精神上得到了一种新鲜的愉快感, 这样的例子很多。朱光潜先生有这样的体会, 他说:“我读音调铿锵节奏流畅的文章时, 全身肌肉仿佛在作有节奏的运动, 紧张或舒缓都产生及愉快的感觉, 如果音调节奏上有毛病, 我的全身肌肉都感觉局促不安, 好像听厨子刮锅似的。”这是有感官的直接经验所给我们带来的最初步的感受活动。
2. 特征
(1) 这种最初的审美活动审美过程的直接感受最显著的特征就是直接性, 这是审美主体对艺术品的把握和感受, 常常是刹那间直接完成的。在艺术欣赏的这个初级阶段, 主体是靠视、听知觉来接受所完成的, 就像美主要靠视觉来接受一样, 而就文辞和各种音乐来说, 是靠听觉来接受。
(2) 弊端。知其乐而不知其所以乐。在艺术鉴赏中, 直接感受是基础, 但是所获得的这种艺术感受是来自艺术品的感性形式对于我们感官最直接作用, 因此感受往往最为敏锐, 发现的最为独到。虽然发现的很敏锐, 但是初感却不一定准确, 虽然很新鲜, 但是不一定最深刻。
(二) 深入对作品的体验
所谓深入体验过程就是在直观感受基础上, 通过我们欣赏时用积极主动的心理活动, 包括联想、想象、情感等, 把作为外在的客体的艺术品转化为内在的我们自身的审美对象, 在对其反复的体味、欣赏中获得精神层面的审美体验和情感共鸣。
1. 具有表现性特征
不同的艺术品质中所蕴含的是创作主题内在经验和感受, 但这些内在的精神性的内容并不是直接明确地说出来, 是通过形象形式的手段隐约呈现在接受者的面前。深入体验首先要对初步的印象进行反复的回味, 对作品反复的揣摩。如在欣赏音乐时, 我们的听觉上会呈现出流动形态, 但在听觉上会产生印象和感受, 在音乐消失之后, 会长时间的回旋在听者的脑海之中, 就是所谓的“余音绕梁, 三日不绝”。
2. 使联想和想象积极发挥
深入体验使得我们的联想和想象得以积极地发挥, 欣赏者在初步感受的基础上唤醒记忆中已有的与作品内在相关的意识和情绪, 通过联想和想象活动, 将意识作品中所表现的内容在我们脑海中还原为活生生的意识境界, 活在想象中加入了新的内容, 从而感受到大于作者创作之境中更为丰富的优美境界。深入体验过程是欣赏着全面的深入到作品中, 运用联想和想象进入艺术在创造, 并达到强烈的情感体验。
(三) 领悟升华———“只可意会, 不可言传”
在艺术鉴赏活动中, 领悟升华可以说是艺术欣赏的最高境界, 是鉴赏主体在直接感受与审美体验基础上达到的一种自由的精神境界。主体在领悟升华的体会里欣赏完成了对艺术品深层含义的领悟与把握, 获得了在精神上的愉悦和满足, 从而实现了心灵上的净化和升华。
所谓领悟升华, 主要是因为创作主体将自己的深沉思想和浓厚的情感都表现在作品中, 构成了字里行间的精妙。这种深刻的领悟与理解, 可以用艺术的方式呈现, 不用话语表达, 而使用深深的体会, 正如陶渊明所说:“此中有真意, 欲辨已忘言。”领悟升华是艺术鉴赏的最高境界, 只有达到了艺术的最高境界, 才能使心灵和宇宙净化, 又使心灵和宇宙深化, 是人在超脱的胸襟里回到了宇宙的深境。从人生的思索、情感的徘徊, 到自然的永恒、宇宙的无垠, 艺术品展现给我们的“意味”是多么的丰富和深邃。就欣赏主体来说, 它不仅通过艺术品最终领悟到一个美的世界境界, 而且他的精神体验也超越了现实进入了虚拟博大的艺术世界。在这个艺术世界里, 主体的精神会留恋忘返, 感情得到了宣泄陶冶, 灵魂得到了净化和升华, 鉴赏主体将自己心灵完全沉浸在艺术的境界里, 在一刹那间领悟到永恒的无限之美和生命情趣。欣赏雄伟的抒情长诗《离骚》, 作者屈原无比坚贞的情感, 坚持美好的节操, 宁死不与世俗恶势力同流合污的高尚情怀, 为了理想而求索奋斗的意志和决心, 都使我们的心灵受到了洗礼, 使我们的心灵更加的高尚。
艺术鉴赏可以说是心里复杂因素的精神活动, 它包括情感、感知的审美享受, 我们在鉴赏的过程中要考虑到主观、客观或他们之间的要求。同时, 人们在欣赏过程中所经历的三个过程, 使欣赏者的我们真正的突破现实的局限性而进入虚拟博大艺术境界中, 使我们的灵魂在欣赏的同时可以得到净化和升华。可以说, 艺术鉴赏在审美艺术创作中发挥着重要的作用, 艺术鉴赏是整个艺术创作的过程中不可或缺的重要环节。
参考文献
[1]宗白华.意境[M].北京:北京大学出版社, 1987.