奥斯卡绿皮书影评作文（精选7篇）
篇1：奥斯卡绿皮书影评作文
奥斯卡绿皮书影评作文
《绿皮书》这部电影很像一部法国电影《无法触碰》讲的都是黑人与白人经过两个人的相处用友情化解了由肤色带来的歧视。这部电影也很好看，很轻松搞笑，也推荐看一下。以下是2019奥斯卡绿皮书影评，与大家分享。
今年的奥斯卡上《绿皮书》拿下了包括最佳影片在内的三项大奖，称得上是最大赢家。在同事的推荐下看了这部我以为我会睡着结果没有的电影。推荐大家去电影院看看这部轻松的.商业喜剧片。
两位男主分别是白人保镖男主兼职司机(小白)和优秀的黑人爵士钢琴家(小黑)，小白作为小黑的司机带着小黑去南方巡演，当时美国的南方很歧视小黑这种成功的黑人，劳动的黑人不接受小黑有才有钱，白人不接受他的肤色，因此，虽然小黑在已经很有名(途中进了监狱，然后给肯尼迪打电话释放的)但是一直缺乏自信，电影的主要内容就是在巡演的过程中，小白帮主小黑克服各种歧视和困难在小白的帮助下，小黑知道光靠天赋并不能接触人们的偏见，还需要勇气。最后完成了在南方的演奏。
两位主演演技也是尤为精彩，黑人是去年夺得奥斯卡最佳男配的月光男孩的男主角，白人是指环王中的阿拉贡(看的时候并不知道，之后百度才知道)，两位在影中十分的幽默与搞笑。一个傲娇，一个洒脱，一个端着架子下命令，一个鸡贼的反抗，让这部影片变得不那么枯燥，这是使我没有睡着的原因之一。
我认为这部片子想表达每个人都有自己的世界观和生存法则，就是这种不同的碰撞，带来了是跨越阶层和肤色的朋友，简单来说，这就是一部讲两个好朋友之间的故事，在这对好朋友的故事中包含了平权的理念，一点也不刻意的去表现歧视，反而十分感人。这一场看似平常的工作却成为了小白和小黑的心灵之旅。
篇2：奥斯卡绿皮书影评作文
这部电影信息量非常大，130分钟里没有一分钟是浪费的，很多信息都是隐藏在细节里，简直让我意犹未尽，想去二刷。为了表达我的感动和理解，我列出一些关键词来说这部电影。
「尊严」——钢琴家雪莉博士就是一个用尊严捍卫自己人权的人，长年以来，虽然自己才华横溢，博学且教养好，有钱也有地位，但是因为自己的黑人种族备受白人社会的各种侮辱和欺凌。他没有用暴力去反抗这一切的不公平，而是用自己的品质、勇气，用行动捍卫了自己的尊严，也受到了包括托尼在内的白人尊重。
「孤独」——雪莉博士是非常孤独的，这种孤独不仅仅因为他受到各种白人社会对黑人的不公平和歧视;还有他本身没有家庭，没有朋友，只有不断的去音乐巡演。他不是典型的黑人，他和那些底层的黑人也没有交集和共同语言(影片中有一段他和底层劳作的黑人对视的那段特别让人动容)。不是有人说天才都是孤独的，雪莉博士是音乐天才，但音乐之后就是酒和孤独，有一个不联系的兄弟，失败的婚姻，性取向比较特殊……每当夜晚一个人的时候，他自己也在苦恼自己到底是谁?就像他在雨中咆哮的一段精彩台词——「我既不够白也不够黑，甚至还不够男人，那你告诉我我是谁?」。这一段是剧情的高潮，看着特别动容。
「勇气」——勇气可以说是全片的主题关键词，也是激励大众共鸣的主题词。雪莉博士明知道当时的美国南部对黑人的种族歧视很严重，越往南越严重，可是他还是选择要去南部巡演，去经历去突破自己的舒适区，用自己的行动去感化去捍卫大众的认知。勇气在雪莉博士身上是贯穿得很透彻，包括一路上他也开始用手吃炸鸡，后来他去黑人酒吧和大众黑人一起狂欢，拒绝不让自己在那里吃饭就取消演出、最后还到托尼家过圣诞的结尾……托尼其实也是很有勇气的，开始他也对黑人抱有社会的偏见，但是后来他慢慢也很尊重雪莉博士的音乐才华和人品，并且慢慢变成朋友的那种，他观念的改变也是需要勇气的。电影还通过博士的演奏同盟点出了电影关于「勇气」主题的中心台词——「因为光有天才还不够，改变大众的想法需要勇气」。
「浪漫」——电影托尼给妻子不断写信的片段可以说是剧中最温情最浪漫的桥段了。托尼的教育程度，刚开始连句子都写不清楚，只能记流水账，还到处错别字，连dear还写成deer;可是他虽然很粗俗也没有文化，但是他对妻子的情感和爱是真心的。在雪莉博士帮他写的那些句子里，我想不仅仅是托尼的妻子感动，任何一个人就算是观众听了也会起鸡皮疙瘩的。那些非常有文采的句子只有莎士比亚才能写得出吧，你说是有浪漫呢?
「温情」——这部电影的温情不断，从一开始描述托尼家的情况开始——托尼虽然生活艰难，但是一家人包括妻子和孩子还是很温情的，为了赢取奖金还去参加大胃王比赛;即将合钢琴家去南方远行的时候，把预付的薪水信封交给妻子，让她存起来的时候也很温情;雪莉博士演出时候的光彩夺目，托尼温柔而又欣赏的鼓掌也很温情;博士教托尼写情书的片段也很温情;最终雪莉博士和托尼一家人过圣诞的HAPPY ENDDING也很温情。
篇3：奥斯卡绿皮书影评作文
2012年12月初，极具影响力的电影杂志《视与听》（Sight & Sound）率先晒出“2012年度十佳影片”，正式拉开影评人颁奖季大幕。
《视与听》杂志是英国电影学会主办的专业电影杂志，每年都会邀请一批世界各地的影评人各自提名5部影片，学会对提名汇总整理，给出最终的年度十佳榜单。2012年的榜单上，美国导演保罗·托马斯·安德森的作品《大师》荣登首名；在第62届柏林电影节上获得阿尔弗莱德奖的影片《禁忌》（Tabu）位列第二；获得2012年戛纳金棕榈大奖、由迈克尔·哈内克执导的《爱》位列第三。
12月3日，纽约影评人协会奖（New York Film Critics Circle）揭晓；12月5日，美国国家评论协会奖（National Board of Review）颁布；12月9日，洛杉矶影评人协会奖（Los Angeles Film Critics Association）、波士顿影评人协会奖（Boston Society of Film Critics）和纽约在线影评人协会奖（New York Film Critics Online）三个奖项同天公布。
一部电影或者一个演员能获得影评人协会的认可，自然是好事。问题是，影评人协会的奖项能在多大程度上影响奥斯卡评委们的选择？
对此，业内人士各执一词。不过，从历年情况看，影评人协会奖的选择极少和奥斯卡结果重合，因为后者更倾向于从更宽泛、更大众化的范围做出选择。以2010年为例，当时大卫·芬奇执导的《社交网络》几乎登顶所有北美影评人协会年度十佳评选，拿影评人协会最佳影片奖拿到手软。然而，就在所有人都认为《社交网络》摘得奥斯卡桂冠毫无悬念时，却在最后一刻遭《国王的演讲》逆转，与小金人失之交臂。
今年又是一番怎样的景象？
《林肯》男主角丹尼尔·戴-刘易斯是影帝最热门人选。刘易斯在纽约影评人协会、波士顿影评人协会和纽约在线影评人协会公布评选结果之前就已众望所归；《爱》极有可能摘得奥斯卡最佳外语片奖，对此，纽约影评人协会、美国国家评论协会和纽约在线影评人协会也都心照不宣。
不过，影评人们也有不少“另类”选择。
比如纽约电影人协会把最佳女主角奖颁给了主演《蔚蓝深海》（The Deep Blue Sea）的蕾切尔·薇姿（Rachel Weisz），而洛杉矶影评人协会、波士顿影评人协会和纽约在线影评人协会则不约而同地把最佳女主角奖颁给了《爱》的女主角——85岁高龄的埃玛妞·丽瓦；洛杉矶影评人协会则把出演《南方的野兽》的德怀特·亨利（Dwight Henry）评为最佳男配角，这位演员之前几乎是默默无闻，而美国国家评论协会把最佳女配角奖颁给了《顺从》（Compliance）的女星安·唐德（Ann Dowd），奥斯卡评委中看过这部影片的人恐怕也寥寥无几。此外，纽约影评人协会、波士顿影评人协会和纽约在线影评人协会都把最具分量的最佳导演奖和最佳影片奖留给了再次杀出男性竞争对手包围的女导演凯瑟琳·毕格罗和她的作品《猎杀本拉登》。
在最佳动画长片奖上，纽约影评人协会、波士顿影评人协会和洛杉矶影评人协会都认为最佳动画长片奖非《科学怪狗》（Frankenweenie）莫属，而美国国家评论协会则把这一奖项颁给了《无敌破坏王》（Wreck-It-Ralph），纽约在线影评人协会更是“别出心裁”地选择了《奇可和丽塔》（Chico & Rita），这部前年发行的动画片甚至没有资格进入第85届奥斯卡奖候选名单。
再比如最佳纪录片奖，美国国家评论协会、洛杉矶影评人协会和波士顿影评人协会的选择依次是《寻找小糖人》（Searching for Sugar Man）、《守门人》（Gatekeepers）和《瘟疫求生指南》（How to Survive a Plague ）；而纽约影评人协会和纽约在线影评人协会则把这一奖项颁给了《第五中央公园》（The Central Park Five），这部纪录片也没能入围奥斯卡奖相应奖项的候选名单。
篇4：奥斯卡绿皮书影评作文
在美国的19世纪60年代前，白人对有色人种的歧视很严重，大多白人种族觉得自己是最优秀的种族，其他种族像黑人等都是垃圾民族，白人们从内心里歧视有色人种，为此，美国还爆发了南北战争，林肯因为解放黑人农奴被称为美国最伟大的总统之一。
绿皮书是政府就某一重要政策或议题而正式发表的咨询文件，起源于英美政府。因为报告书的封面是绿色，所以被称为绿皮书。 绿皮书被视为政府对国民征询意见的一种手段。电影《绿皮书》，是一本专为黑人而设的旅行指南，标注了各城市中允许黑人进入的旅店、餐馆，是现实中真实存在的一本“黑人出行攻略”.
故事内容很简单：托尼由于夜总会关门装修，也亟需一份工作。有个朋友建议他去参加一位音乐博士为了寻找司机所举办的面试。当他到达豪华公寓后，发现这位博士是个名叫雪莉的黑人古典乐钢琴家，钢琴家正需要一个司机，负责在他举办南方巡演时的接送工作。当然，两人心里都十分清楚，在二十世纪六十年代种族隔离严重的南部地区，他们很容易身陷麻烦之中，但托尼需要钱，而博士需要一个能照顾他的专业司机。给托尼付钱的唱片公司给了他一本“绿皮书”指南，上面列着当地黑人可以吃饭睡觉的地方，因为很多旅馆和餐厅都是只限白人，在一路开车南下的过程里，截然不同的两人矛盾不断，引发了不少争吵和笑料。但又在彼此最需要的时候，一起共渡难关。行程临近结束两人在观念上逐步达到统一，黑人白人和谐相处，雪莉学会了与人共处，与大家一起享受快乐，托尼的灵魂变得高贵，观念修养得到极大提升。
种族歧视是对人类尊严的践踏与凌辱。
在雪莉和托尼两人的公路旅行中，听到的“黑鬼”称呼，看到的黑人不能晚上出现在村庄，餐馆可以扣下黑人洗碗，黑人不能用屋里的卫生间，不能和白人一起出现在高雅的餐厅里，这都是对黑人尊严的践踏。
众生平等，人生而平等，不是白色人种就是天生高贵，有色人种就是天生低贱。
人们印象中的黑人应该是粗俗、不修边幅，而主人公雪莉博士却住在像城堡一样的豪宅里，是一个拥有三个博士、会八国语言的钢琴家，有着良好的教养和学识。
人们脑海中的白人则应是西装革履，非常具有绅士风度，而另一名主角托尼却大腹便便，和一大家人挤在狭小的公寓里，会为了赚50美元而和别人比赛吃汉堡，碰到事情的处理方式往往是挥拳头，市侩而粗鲁。
为尊严而战，让人类精神高大。
俄罗斯著名作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基曾评价雪莉博士说：“他精湛的技艺配得上神”(His virtuosity is worthy of Gods)。作为世界上最伟大的钢琴家之一，雪莉博士本应家喻户晓。但他一生低调私密。
雪莉博士为什么要去南方为白人演出?为什么受尽不平等待遇，还要给白人表演，跟白人握手?
故事发生的背景，1962年也是个奇妙的年份。1963年，联合国大会通过了《联合国消除一切形式种族歧视宣言》。随后美国也相继有30个州公布了反对种族歧视的法律条文，但这30个州中没有一个是南方(马里兰州以南)的州。在这之前的1962年，正是黎明前最黑暗的时刻，而雪莉博士巡回演出要去的地方，就是问题最严重的南方各州。
雪莉博士就是要通过一场场表演来证明，有色人种并不低贱：他们一样有礼貌，有才华，有涵养。
进行这么憋屈和危险的巡回演出，雪莉博士并不只是为了他自己，而是为了他的兄弟姐妹，为了改变世人的观念。个人灵魂的贵贱跟肤色没有任何关系：一个白人也可能是个乞丐或小偷，内心卑鄙险恶;一个黑人也可以是个博士或医生，高尚而善良。
要改变人心，需要的不仅仅是天赋，更需要勇气。
篇5：奥斯卡影评
标题：对自由的追求
-《飞越疯人院》观后感
姓名：郭凯敏系别：电子信息与电气工程气系专业：08通信工程学号：20080205002
3在观看影片美国经典影片《飞越疯人院》的时候，不得不承认，这部片子给我已有的观念带来了很大的冲击，我甚至无法给这部有口皆碑的影片做一个简单的五星评分。我不能只单纯的考虑它超越制度，超越文化的 “不自由毋宁死”的象征意义。
麦克墨菲用他的顽劣与桀骜试图应对所有想要将他驯服的清规戒律，他的出现像一块投入死水中的卵石，打破了疯人院死寂的湖面。只是与许多表现自由精神的摇滚电影或者政治电影不同，麦克墨菲的极端反叛行为并不是由于他接受了某种先锋教育或者摇滚精神熏陶，他对自由的渴望和依赖仿佛是与生俱来的天性，是上帝重新创造出来还给人类的品质。这种品质因为在现代文明过于平静的秩序中十分稀缺，所以非常诱人，贫瘠压抑如精神病人也会在他的鼓舞下享受到了正常人一样的对自身需求的满足和快乐。他带领病友外出捕鱼，晒日光，与女孩嬉戏那一段戏拍得非常感人。
疯人院最大的权力掌控者、规范的执行者和监督者是护士长拉奇德（赞一下她的扮演者，十分到位地刻画了这个角色），这是一位冷冰冰的清教徒一般的中年女性，在今日的眼光看来应该是那种尽之尽责、雷厉风行的职业女强人。这位从动作，神态，面部表情都透露着一种不近人情的冷漠的管理者，一面口头上时刻都挂着那种服务行业装腔作势温情僵硬的礼貌用语，一面不可动摇地维护着疯人院里的神圣秩序。她，及她一丝不苟的头发与白大褂，连同不停播放的、声响足以妨碍正常听力的“抒情音乐”，为这座死气沉沉的疯人院穿上了一件人道、慈爱、祥和的外衣。
尽管影片似乎有意将拉奇德塑造成为该片最大的反面角色，然而我对于这样一个曾任职于军队、从一名小护士熬到一间精神病院的护士长的女性还是不自觉的产生了同性之间的某种理解和同情。整日与精神病人生活在一起是常人无法体验的高压且枯燥的工作，或许她年轻时也是一位温柔仁爱的好姑娘，或许她曾无数次被发病的患者攻击过，无数次的为没能控制好一个忽然躁狂的病人而偷偷抹眼泪，但是她终究还是累了倦了，丢失了年轻时的爱心和耐心、笑容和理想，最终变得坚硬麻木。她是被权威制度同化和改造过的人，顺理成章地扮演了卫道士的角色，不可动摇地服从制度也不过是以一种最省时有效的方法执行自己工作职责罢了。说到底，她也一直囵于制度的压制之中，虽然是管理者，却也是牺牲者。
这部影片拍摄在70年代的美国，60年代时美国接连爆发的反战运动、黑人民权运动、学生运动、妇女运动、嬉皮士运动、性革命等一系列政治文化运动兴起了一场反传统、反秩序、反主流的文化思潮，这股思潮几乎席卷了那个时代青年人的价值观，所以文艺作品中创作出麦克墨菲这样一个狂野放任气息十足、宁可咆哮着死，不愿屈膝着死的反叛权威者，自然也迎合了这种价值观念认同。然而悖论在于，社会之所以称作社会，是有其约定俗成的社会文化认定和理想模式标准的。那些与正统的观念冲突，不受社会主流文化认可的行为就可能被界定为“异常”或者“疯癫”，而有遭受到不公正的待遇。米歇尔?福柯在《疯癫与文明》阐释了他对“疯癫”的理解，他写道，疯癫的现代概念就是一种实施控制的文化发明：曾经被接纳为社会和荒唐人生一部分的疯子们被视为一种威胁，他们被隔离到了精神病院里，变得悄无声息。
在人道主义主宰社会主流价值观的今天，或许像用麦克墨菲最后被强制实施的“前额叶摘除术”那样手段来诊治精神病人的历史时期已经过去了，但是如何尊重精神病患者或者任何一类的“少数”人群作为一个人的权利仍然是我们需要思考的话题。
篇6：奥斯卡《黑天鹅》影评 简介
片
年
国
类名 代 家 别 Black Swan 2010 美国 剧情/惊悚
语言 英语
片长 107 Min
导演 达伦·阿罗诺夫斯基 Darren Aronofsky
主演 娜塔莉·波特曼 Natalie Portman....Nina
文森·卡索 Vincent Cassel....Thomas Leroy
米拉·库妮丝 Mila Kunis....Lilly
薇诺娜·瑞德 Winona Ryder....Beth MacIntyre
詹尼特·蒙特戈里 Janet Montgomery....Madeline
芭芭拉·赫希 Barbara Hershey....Erica
Ksenia Solo....Veronica
塞巴斯蒂安·斯坦 Sebastian Stan
托比·海明威 Toby Hemingway....Tom
影片简介：
妮娜是生活在纽约的一个芭蕾舞演员，和她的同行一样，妮娜这一生中的绝大多数时间和精力都奉献给了芭蕾舞。她和自己固执的妈妈艾瑞卡住在一起。艾瑞卡曾经也是一名芭蕾舞演员，现在她不再跳舞，但是为了让女儿能在舞蹈上有所建树，她对自己的女儿施行着令人窒息的管教。
现在，妮娜所在的芭蕾舞团要排演《天鹅湖》。导演托马斯?勒罗伊也准备替换掉原先的首席芭蕾舞演员贝丝?麦金泰尔，使用妮娜做为这出新演出季的首演演员。妮娜是他的第一选择，但不是唯一选择。现在妮娜有了一个竞争对手：一个叫做莉莉的芭蕾舞演员一样用自己的表演打动了托马斯?勒罗伊。《天鹅湖》是一部对演员要求极高的芭蕾舞剧。女主演既要能扮演纯洁、高尚、善良的白天鹅，还要能扮演邪恶、凶线、狡诈的黑天鹅。
妮娜试演了白天鹅，她的表演相当完美，打动了导演；与此同时，莉莉饰演的黑天鹅一样获得了众人的赞赏。两个年轻的舞者在对角色的竞争过程中产生了令人不能接受的情感，而妮娜似乎也阴暗面--这种阴暗最终将会毁掉她的生活和才华。
一句话评论：
不管是《红菱艳》还是《彗星美人》都没有《黑天鹅》这么令人坐立不安。如果你想在讲述芭蕾舞演员的影片中找到某种硬核的内容的话，那么《黑天鹅》会是你的最佳选择。
--《好莱坞报道》
阿罗诺夫斯基掌握了早期波兰斯基或者是柯南伯格的那种游刃有余，不紧不慢的拍摄电
影的技巧。影片的后三分之一的那种令人惊悚和震惊的心理戏，像极了波兰斯基的《冷血惊魂》和《罗斯玛丽的婴儿》。
--《每日银幕》
幕后制作：
从一个小小的构想开始
导演达伦·阿罗诺夫斯基对芭蕾舞产生浓厚的兴趣并不是最近的事情，早在许多年之前，他的妹妹在学校里的表演课中学习芭蕾舞的时候，阿罗诺夫斯基就开始构想一部关于芭蕾舞演员的影片。后来，这个框架又融合进了一个摔角手的故事，不过由于篇幅的限制，达伦还是放弃了这个宏大的计划，先拍摄出了《摔角王》。
《黑天鹅》的大体情节，来自一个叫做《替补演员》的剧本。剧本的故事发生在纽约的戏剧界，讲述了一个演员通过角色发现了自己的心理阴暗面。对于这个剧本，阿罗诺夫斯基的印象很好，他说：“这个剧本看起来有《彗星美人》的感觉，但是其中的惊悚元素又是彻头彻尾的罗曼·波兰斯基的面孔，那些双重人格和虚实莫辩的幻想和对手，又是脱胎于陀思妥耶夫斯基的中短篇小说集《双重人格》。”不过，对于这个故事，阿罗诺夫斯基并不是太满意，因为在他看来，这样直接切入一个演员的内心世界太过于唐突和直接。拍摄这部电影，最好的方式是让舞台上的人物和现实中的人物有所呼应。阿罗诺夫斯基说：“如果舞台上的人物有了分裂的倾向，那么现实中的人物的分裂就可以更加完善而且有理由；如果现实中的人物有了分裂，那么也可以反过头来促使舞台上的这种分裂更为彻底。这是一个相辅相成的过程，缺一不可，这样讲述这个故事才是最好的方法。所以我想到了《天鹅湖》这部芭蕾舞剧。于是便构想着要把故事的背景搬到芭蕾舞台上来。”在《天鹅湖》中，有白天鹅和黑天鹅两个角色，这两个角色是互为补充的镜像。对于阿罗诺夫斯基来说，没有什么比把《天鹅湖》放在影片中更为合适的。阿罗诺夫斯基说：“我觉得这出舞剧非常有戏剧性、也很有代表性。尤其是这样的影片能够营造出来一种狭小和逼仄的空间感。”
影片在威尼斯电影节上首映之后，有很多评论文章称影片有波兰斯基和柯南伯格的感觉，实际上，主演娜塔莉·波特曼和文森·卡索也是这么认为的。波特曼说：“影片里的这种心理暗示和人格分裂，很像是《罗丝玛丽的婴儿》。”卡索则认为《黑天鹅》有着大卫·柯南伯格早期作品的影子。达伦则承认说，自己受到了波兰斯基的《冷血惊魂》和《怪房客》的影响。
两个出色的女演员
2000年，阿罗诺夫斯基找到了娜塔莉·波特曼，告诉她自己有一个关于芭蕾舞演员的电影正在考虑之中，希望她能参演到这部电影中来。那个时候，影片的剧本还没有成型。阿罗诺夫斯基和波特曼说了讨论了一些影片中的场景和他最喜欢的情节设置。听了阿罗诺夫斯基的讲述之后，波特曼决定要在这部有惊悚情节的剧情片中扮演主角。
波特曼回忆说：“达伦告诉我的故事深深地吸引住了我，我对这部电影非常感兴趣。因为它在诸多方面都有开拓性的创意，比如影片展示了一个舞蹈演员的内心世界，它讲述了一个人和一个角色的两面性。无论是戏中戏的设置还是人物的情感，这部电影对于我来说都是难
得一见的。因为我所从事的工作也是在银幕上扮演别人，我也曾经有过崩溃和不适。可以说，饰演影片中的主角，让我有了一个反观自己生活的机会。”在确定出演这部电影之后，波特曼推荐了自己的好朋友米拉·库妮丝给达伦，她希望米拉能在影片中扮演自己的“敌人”莉莉。在一次非正式的简短了解之后，达伦敲定了由米拉来扮演莉莉。米拉说：“我的角色没有娜塔莉的角色那么复杂，但是她显然更有激情，也更有看点。如果说娜塔莉的角色是内向的、是自省的，那么我的角色就是外向的、是富有攻击性的。我和娜塔莉的角色是完全互补的。”
为了能在银幕上扮演好芭蕾舞演员，尽量少出破绽，波特曼和米拉在影片开拍前半年就开始了芭蕾舞的专项训练。她们要把自己的肌肉、形体和状态尽可能地调整到专业芭蕾舞者的水准。戏份吃重的波特曼最为辛苦，她每天除了接受五个小时的芭蕾舞训练之外，还要接受形体训练、游泳和气质训练等等。在开拍前，波特曼还特意去学习了一段时间的舞蹈编舞。米拉在这段时间里进行了大量的有氧训练和普拉提训练，她们的目的只有一个，要在电影里完全展示出专业芭蕾舞演员的气势与素养。米拉说：“我曾经跳过芭蕾舞，知道这其中的困难和艰苦。当我们站在台上的时候，会跳就是会跳，不会跳就是不会跳。根本没有办法假装或者是做戏。身体的协调性、用肢体去表达舞蹈的内容和情绪，都是没有办法作假的。所以我们为表演这部影片做了长时间的训练，目的就是尽量减少破绽与遗憾。”
长达十年的等待
从看到最初版的《替补演员》的剧本，到达伦找到《摔角王》的编剧马克·海曼再次给他编写剧本，再到影片拍摄完毕上映，整整过去了十年的时间。在这十年里，达伦拍出了一部金狮奖影片，波特曼也在导演方面小试了身手。不过，要问这部影片为什么这么姗姗来迟，达伦会告诉你，还是机缘问题使然。
2007年1月，达伦曾经把一份有详细细节的拍摄计划交给过环球公司，希望能得到拍摄的启动资金。当时的环球公司给了达伦一个答复，他们需要达伦用短平快的方式制作出来这部影片，也就是说用尽可能短的时间把影片拍摄完毕。不过，当时达伦还没有一个确定的剧本，所以这部影片也就因此而在环球公司流了产。在这之后，达伦拍摄了马克·海曼的编写的《摔角王》。影片大获成功，在成功的刺激下，达伦再次邀请了海曼，让他将《替补演员》改编为《黑天鹅》。2009年6月，迟迟没有开拍的《黑天鹅》被环球公司周转了出去。进入自由市场的《黑天鹅》因为有着达伦和波特曼的号召力，而显得格外吸引人。很快，福克斯探照灯公司看上了这个项目，并且投资给了达伦1200万美元。在这笔钱的帮助下，《黑天鹅》得以开拍。
2009年的年底，《黑天鹅》正式开拍，因为资金的限制，达伦在纽约完成了影片的拍摄。他在影片中展示了和《摔角王》极为相似的色彩和颗粒感，手持式摄影的使用精准地传递出了人物内心的挣扎和苦痛。达伦说：“十年时间，我觉得这段时间让我成长了很多。正是因为有了这些拍摄的经验和基础，我才能拍摄好这部电影。如果当时就这么开拍了，可能这部电影会非常幼稚和粗浅。”而波特曼则表示说：“十年时间里，我似乎又在演员这个染缸里染上了一层别的颜色，似乎离角色的内心又近了一步。”
花絮：
·导演达伦·阿罗诺夫斯基认为《黑天鹅》和《摔角王》是姐妹片。
·影片中有一场两个女人之间的床戏，为了能让娜塔莉·波特曼不那么尴尬，米拉·库妮丝建议她在拍摄前喝一点酒。于是波特曼便喝了整整一瓶烈性的龙舌兰酒。在接下来的一天半时间里，波特曼不得不醉倒在床上。对此，阿罗诺夫斯基感到非常愧疚。
·剧组最早曾经考虑要在法国和匈牙利的布达佩斯拍摄全片。但是最终由于预算问题而放弃了这个想法。
·影片最初的剧本叫做《替补演员》（The Understudy），故事全部发生在纽约大剧院内。阿罗诺夫斯基很喜欢这个剧本，但是建议要把故事改成芭蕾舞演员的生活。
·为了拍摄好那些发生在后台的故事，阿罗诺夫斯基特意在林肯表演中心的后台观察那些演员们是如何准备上场和下场之后的表现的。
·男主演文森·卡索把自己在影片中的角色比作纽约芭蕾舞团的编舞大师乔治·巴兰钦。在卡索的眼中，巴兰钦是一个懂得指导舞者的狂热艺术家。
·娜塔莉·波特曼推荐自己的好朋友米拉·库妮丝扮演莉莉。米拉·库妮丝从小就接受过专业的芭蕾舞训练。阿罗诺夫斯基用Skype的视频聊天就确定了让米拉·库妮丝扮演莉莉，没有搞正式试镜。
·影片的作曲是克林特·曼塞尔，他和阿罗诺夫斯基合作了从《梦之安魂曲》开始的所有影片。在《黑天鹅》的原声中，他使用了很多来自于芭蕾舞剧《天鹅湖》的音乐元素。
·纽约芭蕾舞团的演员、编舞Benjamin Millepied，是本片的编舞并且在影片中扮演了一个小角色，他也是娜塔莉·波特曼的男友。
·早在2000年，阿罗诺夫斯基就敲定了娜塔莉·波特曼来扮演影片的女主角。
·梅丽尔·斯特里普曾经是扮演妮娜母亲艾瑞卡的候选。
·布蕾克·莱弗利为莉莉这个角色来到过剧组试镜。
·这是第一部没有演马克·马格利斯参与的阿罗诺夫斯基导演的剧情长片。
篇7：奥斯卡绿皮书影评作文
百年经典的主题与现代艺术的融会贯通
美国“街头音乐歌舞片”的经典之作
一幕“罗密欧与朱丽叶”式的现代都市爱情悲剧
1961年出品
导 演：罗伯特·怀斯
杰洛姆·罗宾斯
主 演：娜塔莉·伍德
罗斯·坦布林
理查德·贝默
第三十四届奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳摄影、最佳男配角、最佳女配角、最佳服装设计、最佳音响、最佳剪辑、最佳歌舞片配乐、佳艺术指导十项大奖
美国百部经典名片之一
《西区故事》原是由著名舞蹈家杰洛姆·罗宾斯设计的歌舞剧，经常作为百老汇的保留节目，久演不衰。1961年，电影导演怀斯与罗宾斯合作，运用电影手段，将它相当完美地再现在银幕上。
影片从摄影棚布景的圈子里跳出来，把观众引到纽约街头，以曼哈顿西部贫民区为背景，展现了现代罗密欧与朱丽叶的爱情悲剧以及流氓阿飞的暴力活动情景。《西区故事》是美国“街头音乐歌舞片”的经典之作，其中许多歌舞场面都是在真实的环境中展开，罗宾斯设计的舞蹈动作奔放明快，充满活力，颇具纽约芭蕾舞剧团的风格，加上导演的处理富于跳跃感与社会气息、摄影机的移动自如，结果使影片大获成功。片中许多歌曲如《玛利亚》、《晚上再见》等都随着影片的热播而迅速流传开来。
当时好莱坞正处于新旧交替之间，对具有新意的作品和新冒出来的人才比较推崇。《西区故事》触及种族矛盾问题，音乐的处理颇有独到之处，充满美国式的活力，这些迎合了时代潮流与大众所好，因此独占第34届奥斯卡10项大奖，其获奖项之多仅次于《宾虚》。
以动作为主导的中国武侠电影进入西方人的电影视野，首先是由于他们看到了武侠电影所蕴藏的具大的商业潜力。其实，在动作设计上由于美国电影缺少像中国电影那样完整的根基--就像中国歌舞片缺少像美国百老汇那样坚实的舞台剧的根基一样--所以中国至今没有像《西区故事》那样脱胎于完美的舞台艺术的音乐歌舞片。
--著名影评人 贾磊磊
这是一部根据百老汇的闻名舞台剧改编拍摄的“罗密欧与朱丽叶”式的现代歌舞片。影片运用电影手段，将现代戏剧、现代歌舞剧和现代芭蕾舞融为一体，摒弃了传统的舞台表演模式，让演员置身于真实的生活环境，随着摄影机的运动，银幕上充溢着青春的活力，为美国的现代歌舞片闯出了一条新路。
--影评人 王 纲
《西区故事》既不是舞台原作的豪华模仿，也没有大牌明星压阵，根据莎翁名剧改编的革新模式也并不新鲜，但它却能以充满动感的韵律而博得人们的好感，其处处体现的热情奔放的现代风格让人们陶醉，而街头舞蹈与现代音乐相结合的方式也成为此后好莱坞歌舞片公认的模式。
--佚 名
这部改编自《罗密欧与朱丽叶》的音乐剧获得的巨大成功是有其原因的，因为剧中多处直指美国的社会问题，这在一定程度上引起了人们的关注，同时，著名指挥家兼作曲家伯恩斯坦创作的音乐理性而感人，也是影片获得好评的一个重要因素。
--佚 名
20世纪上半叶，西区是纽约的贫民窟集中地，那里鱼龙混杂，来自各地的不同种族的人汇集在一起，种族矛盾尖锐。在不断的争斗中，有两个流氓集团势力逐渐强大，一个叫“火箭帮”，由当地的白人组成，它的头目是里弗;另一个叫“鲨鱼帮”，由外来的波多黎各人组成，头头是贝尔纳多。两个帮派势不两立，经常挑衅争斗，酿成流血事件。本地区的警官克拉基曾多次在其中调和，才使他们之间的争斗没有升级。
一天夜里，西区举行了一场规模盛大的舞会，两个帮派之间也展开了一场独特的“竞赛”。贝尔纳多的女友艾妮塔和妹妹玛利亚也参加了这场舞会，艾妮塔警告玛利亚不要接近“火箭帮”的人，可玛利亚并没有在意。
在众人的呼喊声中，里弗的好友托尼和贝尔纳多的妹妹玛利亚相遇了。两人一见钟情，全身心地投入，就像在梦中似的一起跳着舞。贝尔纳多发现了他们，他暴跳如雷地扑过来，强行让手下带走了玛利亚。
回到了家的玛利亚还在回味着同托尼跳舞的情景，正当她收拾停当准备上床时，忽然听见有人在窗子下面呼唤她。她走近窗口，看到了托尼。两个人都很兴奋，他们在月光下互诉衷肠。
可是，两个人的恋情公开后，“火箭帮”和“鲨鱼帮”的人都被惹恼了，他们相互警告、威胁着，警官克拉基努力从中斡旋，但都无济于事，他们约定展开决斗。
玛利亚听说这件事后，便偷偷地去找托尼，希望托尼能去阻止他们。托尼答应了。
晚上，“鲨鱼帮”和“火箭帮”在街头相遇了，两伙人正准备动手，托尼匆匆赶到，他试图阻止他们之间的斗殴，但贝尔纳多不但不理睬，还一拳把托尼打倒在地。里弗见状便动了手，当里弗用刀逼住贝尔纳多时，托尼要里弗停手，里弗稍一犹豫，贝尔纳多的刀先捅进了他的胸膛。托尼奔过去抱住了里弗，贝尔纳多又持刀向他刺来，托尼眼明手快，拿起里弗的刀刺进了贝尔纳多的胸口。
玛利亚对哥哥的死十分伤心。贝尔纳多的女友艾妮塔用最污秽的话骂她，责备她，但她始终忘不了托尼。托尼不知从哪儿获悉玛利亚忧思而想轻生，便陷入了绝望。
贝尔纳多生前曾希望妹妹嫁给他的好友奇诺。但奇诺看到玛利亚钟爱的竟是杀兄的仇敌，一时狂怒之下，身藏着手枪去找托尼算帐。玛利亚得知之后迅速赶到托尼处报信，但就在那一刹那间，奇诺的枪响了，无情的子弹夺去了托尼的生命。玛利亚悲痛欲绝……
评百老汇的名作《西区故事》
一部音乐剧的诞生是整个创作团队齐心协力创作的结果，是集体智慧的结晶。在创作过程中，导演、制片人必须与作曲者、编剧和舞蹈编导不断沟通，以寻找大家共同的创意诉求。
良好的人员配备可以打造梦幻创作团队，这一点可能在百老汇名作《西区故事》身上体现得最为明显。这部作品可以说集合了20世纪50年代活跃在音乐剧舞台上的最为出色的大师们，无论是编曲、剧诗创作还是编舞，都是当时最为显赫、最为有名的创作大师。让我们看一看《西区故事》豪华的创作阵容：配乐者伯恩斯坦是当时在百老汇乐坛闯荡20余年的领军人物;剧本作家亚瑟·劳伦斯在当时百老汇剧本改编界是最为著名的;制作人兼导演普林斯是当时刚崛起的导演大家，日后更是一手开创了百老汇的导演时代;舞蹈编导罗宾斯更不用多言，在当时的舞蹈界可以说是呼风唤雨、炙手可热;剧诗作家是年轻的桑德海姆，这个年轻人后来成为百老汇历史上最出色的作曲家之一，但在这部作品中他向世人展现的是他同样出类拔萃的戏剧才华。除此之外，这部剧作的蓝本是大名鼎鼎的莎士比亚的名作《罗密欧与朱丽叶》，这部家喻户晓的著作无疑成了剧作的“活广告”，观众们在理解剧情方面几乎不会遇到任何困难，所有这一切都预示着《西区故事》将取得极大的成功。
伯恩斯坦在剧中的音乐创作充分显示了他深厚的专业技巧，他的音乐极富时代气息，充满活力的节奏和新颖别致的曲调完美地结合起来，生动地刻画了纽约西区街头帮派的那种咄咄逼人的气势和粗俗率真的性格特征。剧中那首婉转动人的《玛利亚》已经成为百老汇的经典歌曲，而《晚上再见》则让你可以领略年轻人那活力四射、粗野奔放的情绪。可以说，伯恩斯坦的音乐为《西区故事》提供了一个富有想像力和创造力的灵魂。
劳伦斯在剧本创作方面也毫不逊色，他成功地将戏剧主题通过一个个鲜活的艺术形象来实现和昭示。剧中的人物形象一个个栩栩如生，美丽善良的玛利亚、热情正直的托尼、血气方刚的贝尔纳多……他们都给观众们留下了深刻的印象。同时，该剧的悲剧结局也揭示了那些挣扎在社会最底层的青年人的悲惨境遇，以此来呼吁并引起人们和整个社会的重视。
年轻的桑德海姆尽管是第一次参与到这么大的创作团队中，但他没有显示出半点的生疏和胆怯，他的戏剧才华在他创作的剧诗中表现得淋漓尽致。
至于罗宾斯在舞蹈方面的贡献，这里就不用赘述了。《西区故事》正是罗宾斯最为得意的一部代表作，他创造性地引入芭蕾，将现代戏剧、现代歌舞、现代芭蕾和谐地融为一体，打破了传统歌舞片的陈旧模式，为现代歌舞片闯出了一条新路。
普林斯作为该剧的导演和制作人之一，可以说是功不可没的。他不仅很好地完成了剧作的排演和编导任务，更为重要的是，他成功地将整个团队中的大腕们很好地团结起来，从而能够促进他们的交流和沟通，使之充分发挥各自的特长，达到最佳状态。
《西区故事》上演之后，该剧的深刻内涵和高超的编排技巧让观众们为之神魂颠倒，随之风靡百老汇，并最终成为经典剧目之一。可以说，这些成就的取得是同该剧豪华的梦幻创作团队分不开的，由此可见，只有齐心协力的梦幻团队，才能够有经得起时间考验的经典音乐剧作品的问世。(黄定宇)
☆由舞王金·凯利自导自演的《雨中曲》被公认为是电影史上的最佳歌舞片。本片虽然没有在奥斯卡角逐中赢得任何奖项，但并不影响它在影迷心目中的崇高地位。尤其是金·凯瑞一个人在雨中边舞边唱一场戏更是歌舞片中经典中的经典，呈现出好莱坞电影在歌舞片中所能达到的最高水准。
《雨中曲》的原创音乐由纳斯可·哈勃·布朗和兰尼·海顿联合谱写，片中几首插曲如《摩西以为》、《让他们笑》以及《早晨》等配合舞蹈场面的演出都发挥了不俗的烘托之功，词曲与情景的水乳交融，气氛与技艺的相互辉映，使得这部影片成为不朽之作。
☆ 《红菱艳》的故事是从安徒生童话《红舞鞋》演变而来的，它被誉为是一部观赏性与艺术性并重的影片。影片描绘了一个年轻的芭蕾舞女演员和一个青年作曲家的爱情悲剧，它向人们提出了一个疑问：当爱情跟事业发生冲突的时候，到底应该怎样抉择?
☆ 影片的表演如行云流水，一气呵成。同时影片用特技手法避开舞台限制，让人感觉新鲜。影片还穿插了不少芭蕾舞剧片断，如《红舞鞋》、《吉赛尔》、《天鹅湖》等，充分体现了芭蕾浪漫而轻盈的美，令人陶醉。