《美术鉴赏》论文（共6篇）
篇1：《美术鉴赏》论文
高中美术鉴赏 高中美术鉴赏探究性教学模式的研
究(3)
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高中美术鉴赏探究性教学模式的研究 ● 鲁 浩
随着美术新课程改革的推进，对教学模式提出了新的要求。这次改革是一次涉及美术教学目标、教学理念、教学内容、课程评价、教学方法等一次全面的深刻的改革。我们必须构建一套综合的、系统的能够为学生成长和发展提供有效的教学模式和方法，这样才能为教师教学提供有效的教学条件，提高教学质量。
一、研究性教学模式的背景
《高中美术课程标准》在“美术鉴赏”模块中明确指出：美术鉴赏的首要教学目的是让学生学习美术语言与鉴赏方法，以多种方式了解和感受美术作品的艺术魅力，积累审美经验，认识美术的价值和作用，提高美术素养。
美术能促进人的思维发展，认知是左脑的功能，情感是右脑的功能，人脑的功能应全面开发，协调发展。著名的科学家李振道认为：科学是认知领域的顶峰，而艺术是情感领域的顶峰，二十一世纪将是艺术与科学的双峰聚会。科学家大多是热爱艺术的。文艺复兴时期著名的艺术家达芬奇不仅在艺术上有杰出的成就，而且在数学、医学、物理等领域都有巨大的贡献。我国著名科学家钱学森的名言是 “ 科学家不是工匠，科学家的知识结构中应该有艺术，因为科学里面有美学 ”。所以，美术教学能促进情感领域的发展，在美术教学中引进探究性教学模式，能促进学生情感的发展与认知的发展相结合。
探究性教学思想起源于20世纪初，美国心理学家布鲁纳倡导“发现教学模式”、美国探究教学专家萨奇曼提出的“探究训练教学模式”、美国教育家杜威主张进行的“问题教学法”以及美国芝加哥大学教授施瓦布提出的“探究式学习”等都属于探究性教学模式。
探究性教学思想是相对于被动学习、机械学习的方式，是指导学生在教师指导下，通过自己的探索与实践、总结与归纳，获得经验与体验，发展智慧与能力，形成积极的情感、态度和价值观的教学实践活动。
二、探究性教学模式的基础
1.主体特点：学生的心理特点和认知特点
“ 学起于思，思源于疑”。学生好奇心强，对学习的知识喜欢提出问题，也喜欢回答问题，且高中学生又已具备了较为广博的知识基础和一定的逻辑思维能力。因此，在教学中教师设置一些有一定难度的思考题，让学生运用已有的知识经验，通过判断、推理，探究新的知识。既发挥了学生潜在的能力，又促使他们积极主动地发展。另外，青年时期也是世界观、审美观和道德观初步形成的基础时期，高中学生对理想、未来、社会、人生都有了一定的看法。在审美欣赏中，他们不仅能够对审美物的外在形象与表面的美等方面做出评价，并力图在形式、内容结构以及内在的美等方面做出分析和评价，因此在高中美术鉴赏的教学中，教师应积极引导学生对作品的形式、内容、内在情感等进行探究，以培养学生形成高尚、健康的审美情感，丰富他们的内心世界，满足他们情感上的要求。
2.理论基础：探究性学习理念
现代教学论强调：学生学习的性质是“开发、创新 ”，课堂教学的核心是 “ 培养学生的创新意识和能力”，要变“ 以教为中心” 为 “ 以学为中心 ”。“ 以教师演绎活动为主” 为 “ 以学生体验、推理、创新为主”。现代教育的教学过程不单纯是传授知识，更重要的是培养学生独立获取和运用知识能力的过程；现代教育对受教育者的要求已经不仅是“学到什么”，更主要的是“ 学会怎样学习” 了。因此，教师的使命，不应该只是“传道授业、解惑”，更应该指导学生掌握学习的方法，进而主动地去获得知识和能力。探究性教学法是一种按照教学规律进行的，在教师指导下，学生学习探究知识，提高能力的教学方法。运用“探究性教学法” 进行教学，重视发展学生的智力，启发学生创造性思维，培养学生的自学能
力和独立解决问题的能力。整个教学体现了以学生为主体，教师积极引导学生逐步学会的思想。因此，探究性教学法把知识的传授和能力的培养统一起来，改变了传统教学中的“教师讲，学生听” 的教法。探究性教学法是一种按照教学规律进行的，在教师组织和指导下，让学生运用已有的知识经验和技能进行尝试性地探究学习，结合教师的点评，学生再体验，不断提高学习能力的教学方法。
三、探究性教学模式的意义
这种探究性教学真正体现了国际教育界流行的“You do，you understand”的思想，也体现了新一轮美术课程改革的基本观念，其意义有：
1．有利于确立学生的主体地位。探究性教学体现了“以学生为本”的理念。改变了以往单向的师“授”生“受”的教学方式，调动了学生学习的主动性、积极性、参与性，凸现了学生的主体地位，使师生在平等、民主、和谐的气氛中进行对话、交流和合作。
2．有利于开展“问题教学”。探究教学以问题为中心，要求学生始终围绕问题进行仔细调研观察、查找资料、访问专家、实地考察、认真思考等，有利于培养学生的观察力、分析问题解决问题的能力、探索创新能力。
3．有利于开展“情境教学”。探究性教学改变了以课堂、教师和教材为中心的教学模式，使学生在真实的情境和现实生活中学会和探究，即增长了知识和技能，又培养了情感、态度和价值观。
4．有利于学生掌握科学的探究方法，提高探究的能力和水平，培养尊重客观事实，坚持真理以及锲而不舍的毅力等科学素养。
四、高中美术鉴赏探究性课堂模式的实施 1.探究性课堂模式的构建
其教学过程可以概括为“确定探究目标 —— 建立问题情境 —— 形成假说——整合资料 —— 得出结论 —— 小结反思”。探究性教学法既有教师讲解，学生看书或查阅资料，也有师生谈话，也有学生作练习，把几种基本的教学方法有机地结合起来，构成一个最优的组合。2.建立问题情境 —— 引起兴趣，激发动机
兴趣是学生学习的基础，美国心理学家布鲁纳说过“学习的最好刺激，乃是对所学材料的兴趣”。兴趣是一种心理现象，是人们力求认识某种事物或爱好某种活动的倾向，是学习自觉性的特点。学生对学习有无兴趣，其学习效果是截然不同的。有兴趣就全神贯注，积极思考，甚至会达到废寝忘食的境地；没有兴趣就会精神颓废，感到头昏脑胀，无异于一种苦役，甚至会对学习厌而生畏。古人云“知之者不如好知者，好之者不如乐之者。”也就讲的这个道理。学生的兴趣总是在特定的情境中发生的，离开了一定的情境，学生的学习兴趣、愿望就会成为无源之水、无木之本。此，在教学中，教师须将那些不知与知，浅知与深知之类的需要学生解决的矛盾问题带到一定的情境中去，以激发学生的探求兴趣。由于美术具有形象性、情感性等特点，教师创造问题情境时可根据教学内容和学生的实际，选择情绪感染力强，美术形象鲜明的作品来营造课堂的氛围和问题的情境，迅速集中学生学习的注意力，并激发学生的学习兴趣和学习愿望。教师可将视频、画面、语言等进行组合设计。创设一定的问题情景，让学生的多种感官同时受到刺激，引起兴趣。比如在欣赏毕加索的《格尔尼卡》的时候，首先观看有关揭露德国法西斯入侵的短片，引起学生对法西斯罪行的痛恨，产生共鸣。然后在背景音乐中出现《格尔尼卡》的画面，学生思考“画面的内容是什么，表现了画家怎样的情感？”如此通过问题情境的设置并提出问题，激发学生了解毕加索的《格尔尼卡》的背景和画面内容，以及画家的表现手法等。3.合作探究 —— 点拨指导
（1）小组探究。当学生在教师创设的问题情境中情绪被感染，兴趣被激发以后，可以放手让学生根据已有的知识经验和能力或结合教科书的提示，有时还可布置学生在课前查找一些相关的资料，如查找有关画家的资料等。在课堂教学中，将
学生按四人一组分成若干个小组，每组确定一名组长，并让各组组员合作进行一些尝试性练习，即让学生自己先找一找（资料），议一议等，对所要欣赏的画面进行充分的分析，充分发挥学生的主观能动作用。这时教师要到各小组了解情况，并参与学生讨论，倾听学生的观点，进行点拨和指导。这样的教学既创设了教学民主和谐的课堂氛围，又使学生学到了必要的基础知识和基本技能，真正使学生 “乐在学中”。
（2）师生互动。在鉴赏课堂中，可以通过师生互动，将课堂的气氛推向高潮。如在介绍中国陶瓷艺术的时候，学生根据已有的知识设计模仿中央电视台“鉴宝”栏目。把准备好的图片资料发到各个小组，通过各小组的“专家组”进行现场鉴宝。学生即把中国瓷器的发展、特点等灵活运用，又在活动中巩固、激发学生对民族工艺的热爱，同时获得成功体验，增强自信心，升华情感；促进交流，沟通人际关系，从而形成良好的身心状态与社会适应能力。
篇2：《美术鉴赏》论文
对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。如果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘画者的作品面世之后所引起的效应。当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。这里先从技巧说起。在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。
素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。
这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。既然是造就艺术品，首当其冲是绘画者的主观功能。可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。
办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。绘画者的悲凄、哀伤、郁闷、愤怒、欢乐以及心灵的飘洒逸然，都能够通过作品传达给参观者，从而引起共鸣，这是造型艺术的功能。有人这样描述：“如果把造型艺术作品比作一面镜子，那么镜子里的映象就是创作者的意识和情感的投入，欣赏者可以从艺术作品这面镜子里获得映象所传递的信息，即艺术家创作中的意识和情感信息，从而受到一定的艺术感染。也就是艺术形象信息在审美主体意识和情感上的感应作用，使艺术家和欣赏者之间达到心理沟通。
作为绘画者，当是造型者，根本责任在于在自己的作品中注入独立的创新的意识和情感，才能够感动你的作品参观者；如若你的作品本身就清淡如水、轻薄如纸，要叫你的参观者喟叹不已、心神动荡是不可能的，正如民谚所说：打铁先得自身硬。为什么一幅好的艺术作品越看越爱看，越看越觉得美？为什么一首动听的乐曲会使我们激动万分、难以忘怀？是因为画家和音乐家把情感倾注于作品之中，通过自己的思想情感以心造境、以手运心，借景抒情，达到情景交融的美好境界，这才使欣赏者引起共鸣，这才使欣赏视感为之一新，心灵为之一震。作品的意趣、情感和力量所激发的美感效应，是蕴含着丰厚的精神潜流的感性生命体，这生命体的灵魂便是创作者思想情感的陶冶和对生活及客观事物的深刻认识、理解。
这就是说，你的作品，你的展览，欣赏者惨淡，怨不得参观者，也怨不得作品展示的组织者，只能怨你作者本人，责无旁贷。对于绘画者，对于艺术品的作者，尽管你有娴熟的技巧，尽管你为取得娴熟技巧经过长时间的不辞劳苦的努力，尽管你在向学生或者别人讲述技巧的时候可以滔滔不绝于口，然而你的作品却不能为世人瞩目，不能为评论家褒赏，那些技巧只是过眼烟云，你的作品生命短暂。中国现代文学翻译家傅雷说：“凡是一天到晚闹技巧的就是艺术工匠而不是艺术家。一个人跳不出这一关，一辈子也休想梦见艺术。艺术是目标，技巧是手段。”对于绘画，你的技巧纯熟，把物体描绘得逼真再逼真，那叫匠气冲天。
一幅作品，要讲究艺术，讲究适当，讲究鲜明，更讲究创造。绘画者即令是进行面对实物的写生基本训练，也要经过深入的观察，通过分析、研究去发现新的感受，从微妙的无穷无尽的变化中去吸取创作源泉。要使自己在整个创作过程中（有心人应把写生认作是一种创作），都处于饱和的炽热的冲动之中。对于面前的实物或人物，可以选取戏剧性的动作，可以夸张表情，可以在平淡中表现出潜在的激情，也可以截取平淡中的平淡，那是对激情岁月的反衬。创造新美，是绘画者眼中的真实和内在情感形象的体现。美术美术，美是目标，术是技法，技法为目标服务。美术之美，不仅是绘画者的功力，更是绘画者的心力。对于绘画，虽然可以先从解决造型入手，然后上升为表达思想感情，却不可以停留在形似。形似，绝不是造型艺术的全部。形似只能是一种起步，而要在形似、明暗和色彩中注入绘画者的情感，跃动绘画者的情感，点燃绘画者的情感，这样才算真正走入了创作。
美术之美，是绘画艺术的最高标准，也是唯一标准，再好的绘画作品如果不能给人以美感也便会不屑一顾。然而，美的内涵却容不得理解得那么浅显。视觉上的花花绿绿反而不是真正的美，美的容貌不一定赋有美的灵魂，粗糙的贝壳却可能孕育着珍珠。美是发自内部的生命之光。美是一种心灵体操，它使我们的精神正直、心地纯洁、情感和信念端正。美让人变得高尚文雅，富有同情心，憎恶丑行。优美吸引人，壮美感动人，美是力量。美不仅是一种轻松、逸然、欣喜，更是一种感动、呼唤、号召、振奋；美可以启动人的心智和行为，向着光明进军。如此之说，一幅绘画作品的成功，虽然在于它的形似、线条、色彩、质感、空间感，更在于它引发观赏者、激励观赏者的深厚内涵。这样的观赏者从展览会上买上一幅作品，绝不仅仅是为了装点他的房间，而是获得了一份无价之宝。
作为一名美术教师，既要有技法的丰厚，又要有思维的丰厚，其实两个丰厚又是一个丰厚，是不能够分开的。丰厚的根本在于深沉，深沉才是真正的丰厚。用美学培育或者抚育成长的一代新人，将来不一定去当画家，然而他们的情操、他们的眼界、他们终生的身体力行都会达到一个新的水平。我对美术鉴赏的认识
美术，对我来说一直都是那么的遥不可及，直到上美术鉴赏课，我才知道，原来美术一直就在我们身边，伸手可触：汽车，服饰，装饰„„
跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。美术鉴赏即是对美术作品进行评价和欣赏，实际上是一种审美活动，它是鉴赏者运自己的感 知能力、情感、审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力、陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美情感的作品，二者相互作用而产生的一种心物感应、物我交融的复杂心理过程。
首先谈谈我对美术鉴赏课的感想。美术鉴赏课把我带都一个全新的世界，一个我从未涉足过的领域，带到艺术的殿堂，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这么表达，原来智慧真的是无极限。在美术鉴赏课上，我不禁学会课运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析与判断，并获得审美、享受，理解美术作品与美术现象的或动。在美术鉴赏活动中，我们欣赏、鉴别与评价美术作品，审美能力提高，并形成热爱民族文化、尊重世界多元化的情感和态度。其次谈谈我对美术中绘画的鉴赏绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。就像梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候，正是他对 自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于 20 世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的 激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共 同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之梵高笔下的向日葵不仅仅是植物；而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵，爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我，我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前，我有一种自信的感觉，展示着那个成功、全新的我；我在看见向日葵时，心里总有种暖洋洋的感觉。我看见梵高背着画夹，在向日葵丛中专心致志地画着那幅热情奔放的向日葵。我看着向日葵明朗的脸，眼睛一亮。我对梵高喊道： “你必须面对自我，绝不能逃避。不管这有多么困难，需要多大勇气!”其实这句话不仅是对梵高说的，也是对我说的。虽然梵高已经成为过去，而我却可以改变。我要感谢的不仅是那扇窗，更要感谢窗外精彩世界为我带来的美好遐想。
篇3：《美术鉴赏》论文
一、立足“美术”课, 构思“好课堂”
(一) 具有学科特点
我们在鉴赏一幅美术作品的时候, 既可以从图像学的角度分析作品的形式, 也可以从社会学的角度分析社会背景和作者的创作意图, 还可以从女性的角度理解作品的内容, 更可以从符号学的角度进行能指、所指的分析。因此, 我们在准备一堂美术课时, 需要根据课题的特点找准设计角度。
抽象艺术最大的特点就是“抽象”“无形”, 缺乏故事性, 学生不容易掌握和理解。由于作品最初的吸引一定是来自图画本身的形式和美感, 而非背后的故事。因此, 笔者认为对抽象艺术的欣赏和理解应该更多的从图像学和符号学的角度进行欣赏和分析。
(二) 具有节奏感和美感
需要在满足教学目标明确、教学手段恰当、教学过程具有逻辑性、教学环节具有完整性的基本课堂要求的基础上, 应该具有从教学环节的设计角度具有节奏感和美感。一首音乐如果没有高低起伏的节奏感, 那肯定会缺乏音乐本身的魅力;一幅作品如果仅有一种色彩或仅有一个事物, 那不仅不真实也不会具有美感。而一堂课, 如果没有节奏感, 课堂就会失去重点, 学生就无法辨别重要的知识点。
二、分析学情把握课堂
认真的分析学情才能准确把握课堂的难度和环节的控制。
(一) 教授内容分析
作为人类三种主要艺术类型之一, 抽象艺术也是人类认识和把握世界的一种重要方式, 只不过它使用的是纯粹的艺术语言, 这是它与具象艺术和意象艺术的区别所在。因此在教学目标的设置上, 我们需要注意抽象艺术与具象艺术、意象艺术的区别与联系, 重点突出抽象艺术的特点。本节课我课程目标从三个角度进行设计:
一是知识目标, 本节课需要掌握抽象艺术的定义、分类、代表人物、两种抽象艺术的特点及抽象艺术出现的原因;二是技能目标, 学生要能区分热抽象和冷抽象作品, 并能运用所学知识进行抽象艺术创作;三是情感目标, 通过学习抽象艺术, 学生能够学会多角度、换思维看问题。
(二) 认知结构分析
认知结构1, 简单来说就是学生头脑中的知识结构。广义上, 认知结构是学生已有的观念的全部内容及其组织;狭义地说, 它是学生在某一学科的特殊知识领域内的观念的全部内容及其组织。学生已有的认知结构会影响学生对美术作品的欣赏和理解。
学生在前期已经学习了具象艺术和意象艺术, 这对学习抽象艺术有了一定的基础。但学生长期以来形成以“像与不像”评价作品的方式对本课造成了一定的难度。因此, 本节课在教授方式上应该采用对比的方式进行, 更容易让学生理解抽象艺术的另一面世界观。
比如, 在导入环节, 我采用的方式是将“现代抽象艺术的奠基人、俄国艺术家康定斯基“发现”抽象艺术的故事”变为教学情境, 让学生做一回“康定斯基”发现抽象艺术。即我选择两幅莫奈的睡莲作品, 将其倒置, 请同学们欣赏。同学们发现, 无法准确判断具体形象的画面也可以让我们感受整个画面的色彩美。然后, 教师再把作品放正, 学生们才“醒悟”出, 原来画面中画的是一塘睡莲, 这是一幅有具体形象的画面。
通过这个魔术般的情景还原, 同学们不仅对抽象艺术有了初步的概念性理解, 同时还初步了解了抽象艺术不是凭空幻想的, 也是来源于生活, 为后面的进一步探讨抽象艺术的产生埋下了伏笔。
三、环环相扣注重逻辑
教学中的每一个环节都需要环环相扣, 上一个环节要为下一个环节做好铺垫, 否则学生无法真正理解老师讲授的内容。
(一) “异质同构”, 打开鉴赏抽象艺术之门
康德认为想象力:“它有本领, 能从真正的自然界所呈供的素材里创造出另一个想象的自然界”。2例如:齐白石画中的虾之所以让人感到游动嬉戏, 徐悲鸿笔下的马之所以让人感觉奔腾飞驰, 都是由于欣赏者的想象使艺术家注入到作品中生命力重新复活。
在讲授冷、热抽象艺术时, 首先解释一个心理名词“异质同构”3, 这是鉴赏抽象艺术的主要途径。然后, 请同学对直线、斜线、折线等线条以及红、黄、蓝、黑等四种色彩进行实物的联想。如, 倾斜的小短线, 让我们想到急速落下的雨滴;红色可以让我们想到太阳;黑色可以让我们想到夜晚等等;
再请同学们进行情感联想。如, 急速落下的雨滴给我们带来速度的情感体验;给我们带来光和热的太阳会给我们带来活泼、热情、大胆、新潮的情感体验;黑黑的、宁静的夜晚, 给人沉稳、庄重、冷酷、神秘、静寂、悲哀、严肃、刚健的情感体验。
通过这两个小练习, 同学们发现:首先, 不同的线条、色彩会给人带来不同的情感体验, 这就是美术欣赏中的“异质同构”;其次, 美术作品的艺术语言具有自己独特的语言特征和情感特点, 它们可以独自给人情感体验, 而不一定要有具体的形象。
(二) 巧用原理, 探析冷、热抽象之别
在理解了抽象艺术欣赏的关键途径的基础上, 请同学们运用“同质异构”原理来感受、分析、欣赏分组讨论热抽象代表作品康定斯基的《红-黄-蓝》和冷抽象代表作品蒙德里安的《百老汇的爵士乐》。
康定斯基倡导即兴作画, 以表现艺术家的需要。他认为精神因素是艺术中最重要的东西, 艺术不是对自然的模仿或精心制作, 而是内心的需要。他特别强调绘画同音乐的结合, 他认为绘画必须创造出一个与自然对象相和谐的新的现实。绘画中的色彩犹如音乐里的音符, 它本身就能够打动观众。画家以这种抽象艺术来表达自己的内心世界, 在观众中唤起音乐所产生的那种难以用语言表达的艺术情感。康定斯基的抽象作品带有很强的个人情感, 因此有人称他的艺术为“热抽象”艺术。
荷兰的蒙得里安始终想象着用最简单的美术语言要素—直线和纯色组成他的画。他从大大小小的原色块和矩形直角形状的组合中寻求所谓“表里平衡, 个性和集体平衡, 自然与精神、物质与意识的平衡”等。他认为这才是反映了宇宙最本质的客观法则。人们称他的这种抽象画为“冷抽象”, 也称几何风格派。
有了前面的原理学习, 同学们很快就发现了两幅作品的异同点。共同点是, 两幅作品都没有具体的形象, 只有艺术语言, 而且都与音乐有关;不同点是, 《红-黄-蓝》以色彩为主, 线、点是辅助, 而且无论是色彩还是线条都没有规律, 像是即兴创作的一样, 充满了各种的可能性;《百老汇的爵士乐》则是由横平竖直的色线组成, 看上去很有有规律, 很严谨。这也是冷抽象和热抽象的基本特点。
(三) 自我创作, 增强个人抽象艺术体验
在经历了学习原理、欣赏作品后, 请同学们根据老师通过的情景进行课堂创作, 不仅检验了课堂效果, 而且增强了学生创作抽象艺术的欲望。
提供两首不同情感曲子。请同学们分组在五分钟内利用老师提供的色块和色条进行抽象艺术创作。由于有了前面很好的铺垫和学习, 同学们不再觉得抽象艺术很难理解, 很快大家就创作出了自己的抽象绘画。同学们的创作经验分享将整堂课推向了高潮。
四、注重引导, 突出学生主体地位
新课标要求, 课堂上要突出学生的主体地位。但学生主体地位不代表是把问题直接抛给学生, 而是需要教师有针对的引导, 然后让学生通过思考、讨论, 最后总结出论点。
(一) 细化问题, 引导有方
将一个问题细化成几个不同的问题, 更有利于学生进行有针对性的思考。例如, 在分析冷抽象和热抽象的特点时, 如果直接问“请分析冷抽象和热抽象的特点”, 那么同学们会一头雾水, 不知如何下手。但若是改成“请分析两幅作品中体现了哪些艺术语言, 它们有什么异同点, 给你什么样的情感体验”, 那么学生就会顺着老师的思路去思考、判断, 最后自己总结出冷抽象和热抽象的特点。
(二) 定组定工, 有效合作
小组讨论或合作创作, 教师上课常用的体现学生主体地位的手段, 但小组合作的有效性则是因人而异。为了提高课堂的有效性, 我在课堂上采用了定组定工的分组方式, 即指定分组、明确任务。
如, 在“听音作画”的环节中作出以下安排:
第1、2组:以冷抽象的表达方式表现 (提供彩色方块纸, 不可以随意撕扯) ;
第3、4组:用热抽象的方式表现 (提供彩色纸和油画棒, 可以随意撕扯) ;
注:每一组创作一幅作品, 并推选一名组长与大家分享本组创作的感受。
通过这种定组定工的方式, 同学们可以迅速定位自己的目标, 并进行有效的讨论。在分享的过程中, 由于一组只选一人进行分享, 既分享了经验, 也节约了时间, 提高了小组合作的有效性和实效性。
五、小结
本堂美术课, 立足“美术”, 从图像学的角度对作品进行艺术分析和鉴赏。注重课堂的逻辑性和节奏性;注重学生的主体地位和情感体验;将美术鉴赏课与创作相结合, 促使学生更深刻的理解抽象艺术。
本节课还有很多值得深思的地方。例如, 在“听音作画”环节, 对音乐的选择可以再斟酌。两首曲子不一定是情感对比最强的, 可以是有所偏向的就好。
世上没有完美的课堂, 只有最求更好的课堂, 在追求好课堂的道路上, 我们任重道远。
摘要：美术作品是艺术家的情感表达, 课堂教学则具有很强的逻辑性。美术鉴赏则是通过鉴别之后对作品进行欣赏, 实现从理性向感性的升华。一堂好的美术鉴赏课堂就需要教师处理好情感与逻辑的关系。本文以具体的教学实践为案例分析美术鉴赏好课堂的构建。
关键词：美术鉴赏,课堂教学,情感,建构
参考文献
[1]王宏建袁宝林《美术概论》1994年
[2]黄茜《抽象艺术在中学美术欣教学中的实践与探索》华中师范大学硕士研究生论文
[3]吴廷玉、胡凌《绘画艺术教育》人民出版社, 2001年版, 第四章.
[4]王大根:《学校美术教育目的论》1994年版.
篇4：《美术鉴赏》论文
【关键词】美术 鉴赏 看 听 说 画 做
【中图分类号】G 【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2016）04B-0163-02
一、现状分析
（一）高中美术鉴赏教材（湘版）
毋庸质疑，被选入美术赏析教材的美术作品几乎都是经典的，值得广大学生了解与欣赏。但问题是很多作品已经大大的远离了学生的生活，所以学生很难激起兴趣。但是这些经典的作品学生不喜欢，难道就不要学了吗？答案肯定是否定的。那么就需要教师通过怎样的方法让学生有兴趣学，并在学习中体验感悟到美术的美。
（二）学生赏析的参与性
大部分教师都以为美术欣赏课很好教，在课上放一些美术作品让学生谈谈作品内容，作者创作思路，最多再介绍一下作品的背景，似乎很简单，很轻松。但实际上，确实是太“轻松”了！试想，就是连着看，连续几幅看下来，又有几个人不觉得单调、枯燥呢？所以要提高美术鉴赏效果与质量，让学生真正受益，必须通过多元化的参与方式来充分调动学生的学习积极性与兴趣，并在参与的过程中，体验到美术作品的魅力与自我价值的存在。
二、解决策略
通过看、听、说、画、做“五位一体”美术鉴赏法充分创造让学生积极参与的途径，在参与中激发兴趣、开放思维，体验美术作品带来的审美体验。
（一）看
美术是视觉的艺术。在课堂上，教师要创造一个良好的视觉环境，一方面是硬件的保障，有一个宽敞明亮的美术教室；布置一个有艺术氛围的美术教室，挂一些美术家的图片、作品与名言。另一方面是看者的素质，告诉学生要做一个文明的观众。在初期赏析美术作品时，不允许学生私下交流，先通过画面看自己的观点，就好比在音乐厅中观看演出一样，必须等一首曲子终了才能离座，这样的素质在第一节美术课中就要给学生要求。还有一方面是看的策略，根据需要可以整体看与分段看，重点看与辅助看相结合。看的过程中还要带着教师提出的问题，做到看中有思考。例如在鉴赏作品《韩熙载夜宴图》的时候思考美术作品的主题是审美，整个过程是怎样变化的，随着场景的变化，主人公的情感有怎样的差异。
（二）听
听，这里是指欣赏一幅画前，可以先了解这幅画的一些信息，有助于我们进一步的去欣赏画面。听，可以包括听教师讲解，听熟悉作品的同学给大家介绍，听一些诸如《国宝档案》等节目的视频信息等。随着多媒体信息技术的普及，多媒体在教学中的应用极大的提高了学生的学习兴趣，因此教师要有效的利用新型媒体技术来激发学生的兴趣，提升课堂效率。由于条件的限制，不可能经常到美术馆观看画展，但是美术是视觉的艺术，我们可以有选择的带领学生适当的去参观扬州美术馆、南京博物院等场所，听解说员的讲解和介绍，有助于我们赏析一些高质量美术作品取得更好的学习效果。
（三）说
这里的说指的是学生的讨论与辩论。讨论指在欣赏一幅作品过后，给时间让学生进行交流。辩论指在上有关章节时，教师组织学生分组围绕某一问题发表自己的看法。例如在上《新的实验》一课中，学生对波洛克绘画的方式产生了分歧。部分学生认为，艺术作品特别是美术作品，就应该有她的样子，通过作品展现美，传递美，而不应该具有这么大的随意性；也有学生认为美术嘛，就应该随时代发展，体现它的时代性、创新性，而不受限于固有的形式。
对于这样的分歧，教师可以充分拓展。组织学生根据自己的观点分成两组，收集资料，包括文献资料与音像资料，并说明自己坚持的理由。通过这样的活动，学生主动去研究学习的效果远远好于教师的讲授。同时准备的过程中体现了合作学习，辩论的活动中也体现了交流学习。这样的方式学生也特别喜欢，对提高学习兴趣也很有帮助。
（四）画
美术赏析课不是只看不画的课，有些作品要想更深入的去了解，去感知作者的作画意境，肯定是要动手试一试的。但是这种试一试是有度的，不可偏离了美术鉴赏的初衷。
在美术鉴赏教学中，相对的欣赏和理论的知识较多，学生真正的实践很少。学生亲自的体验和尝试性实践，既能培养学生对于课堂的兴趣，又能让其感受到在课堂中自己的感知学习，效果必然更好。湘版美术《新的实验》中，有关于波洛克艺术的部分，笔者在上课之初先带领学生走进画室，去用颜料在画纸上随意挥洒来感受波洛克的艺术特征，在此基础上再来讲解其艺术表现形式和时代的关系等。这样的形式，让学生在实践中真实的感受了艺术的本体性特征，更好的便于学生去理解现代艺术。同时在欣赏一些国画作品的时候，让学生拿起毛笔，去尝试诸多的皴法，感受皴法不同所形成的画面效果，这些都是更有利于我们教学的深化的。因此，美术鉴赏教学离不开实践，必要的时候还是要动手画一画。画的好坏已经无关紧要，关键是有没有尝试到领悟到，有没有感知到艺术的本质魅力。
（五）做
“做”主要分为两个部分，一方面指老师要做的事：
1.做足备课工作。教育界留着这样一句话“要给学生一杯水，自己要有一桶水”。简而言之，就是教师要比学生懂得更多更丰富的知识，才有资格成为一名教书育人的教师。欣赏美术作品，看似简单，如果教师备课不充分，只是单纯的就美术画面谈美术，那也会很枯燥。因此在教学中教师要适当的去联系画家的生平，美术作品时代背景，包括画家的生活背景和当时的社会背景甚至是画家轶事等。有了这些知识，美术课才会生动、丰富、鲜活乃至具有人文意义。
2.灵活运用教材、教法。记得有这么一句话：“一个善于思考的教师应该永远没有固定不变的教材，应该敢于昂首做学科的教育决策者。”在原有教材的基础上，教师适当的可以“教教师所擅长的，教教师所爱好的，教学生所喜欢的。”
3.善于运用教师的美术作品。美术欣赏课，书本上大多是一些大师的优秀艺术作品，学生长期欣赏必然会产生枯燥感，这种情况下就需要教师去调整和改变教学设计安排，适当的引入教师自己的作品，激发学生的兴趣，俗话说得好“亲其师信其道”，一个美术教师，没有像样的美术作品是无法让学生信服的。
另一方面是指学生做的事：
1.课堂是学生展示的舞台。美术鉴赏的学习既是一个学习认知的过程，也是一个审美提升的过程。这个过程是学生获得充分发展的必需，因此在课上，教师需要适当的降低“话语权”，退至后台当“导演”，把活跃在舞台的主动权还给学生，实施教学手段的多重组合，把紧张、枯燥的学习过程转变成愉快的活动。“智慧是动作发端，活动是连接主客体的桥梁。”在课堂教学中教师应该设计多种多样、灵活多变的教学实践活动，让学生在活动中学会学习，在学生的对话中获得能力。
2.合作是学生必要的素质。合作精神是现代人所应具备的各种心理品质之一，在美术教学活动中，有许多内容是合作性很强的，作为教师就应该千方百计地创设合作机会，使学生在合作中学习，在合作中体会集体的力量，在合作中学会与人交往的能力。
“对于美术教育，我最终关注的不是美术的内容，而是能让人产生愉悦的、精神的探讨。”这是一位美术教育家所说的，它提升了美术教育的内涵，同时也对美术鉴赏教学提出了要求，要求我们在美术鉴赏中，必须始终坚持以激发学生学习兴趣为主导，充分尊重学生是课堂的主体地位。在鉴赏美术作品时，整合各种教学手段，拓展多元化的参与途径，解放学生，让他们在平等、轻松、愉快的气氛中体验美，让学生保持一种对美术学习的积极心态和愉悦体验，使美术鉴赏课堂成为学生精神世界的家园。
【参考文献】
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[3]尹少淳.美术及其教育[M].长沙：湖南美术出版社，1995
[4]李景真.浅谈美术鉴赏的素质教育意义[J].商丘师范学院学报，2002（2）
篇5：《美术鉴赏》论文
摘要：
关键词：美术
西方艺术
中国画
美育的意义
这学期我选修了薛文勇老师的美术鉴赏课，本来只是修着玩玩的心态去的，因为从小到大我都感觉我自己是一个没有艺术细胞的孩子，和美术这类艺术根本无法挂钩。可是近半学期的美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足的领域，带到了一个艺术的殿堂。尤其是课堂上老师的幽默谈吐、漂亮的PPT、精明的视频让我受益匪浅。这些都让我对美术鉴赏有了新的认识。
美术鉴赏 老师第一节课就给我们谈了，什么是美术，艺术，鉴赏以及为什么要学美术、会艺术、会鉴赏。通过他的一席话使我了解了学习美术的必要性。下面结合资料信息来了解美术鉴赏的含义。
纵观人类的所有活动，我们可以说，美术是最具人性意味的，因为它具有非常强的综合性，既诉诸人的心理，又诉诸人的生理，既针对人的理性，又针对人的情感、感性。在这方面，科学可能要逊色得多。因为科学主要诉诸于人的理性，如果处理不当，会人的其他方面造成影响。所以，鲁迅先生说∶“盖举世唯知识之崇，人生必大归于枯寂，如是既久，则美上之感情漓，明敏之思想失，美术活动一般而言，必须与人的理智发生联系，这几乎是无争的事实。文艺复兴时期美术中科学原则的确立，就已经说明了这一问题。
在美术活动中，主要诉诸的是视觉，而视觉又是人的主要感觉。心理学的研究已经证明，人所需要的信息，80%以上是通过视觉所获得的。视觉不仅给人的生存提供必要的信息，而且也是人生乐趣与幸福的一个重要源泉。
然而，我们中的很多人并不善于运用自己的视觉，这样既使得信息量相对减少，更使得生活的情趣大为降低。科学与美术一样，均需用眼，但两者运用的方式并不一样。科学只是将世界的表象作为导向把握其本质的一个途径，美术同样注意世界的本质，但似乎更为注意对世界表象的观察和玩味。我们的眼睛应该既看事物的本质，又看事物的外表，在这方面似乎只有美术家做得最好。一般人在儿童时期，还比较注意事物的外表，而一旦长大就抛弃了这一良好的习惯。
而所谓美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏又称“美育”——美术教育。美术鉴赏有助于人的全面思维。美术鉴赏通过审美活动可以陶冶人的情操，增强人的审美感受，造就健全的人格。提高审美修养最终目的是使人成为个性全面发展的人，成为心理结构完善发展的人，成为与自然、社会和谐统一、协调前行的人。而在谈美术鉴赏之前先讲讲艺术是什么。艺术，此前一直以为只是人在物质生活得到满足之后，对精神生活的一种追求，直到选修了这堂美术鉴赏课后才对艺术有了一个大概的系统 的正确的认识。艺术不仅仅是人们在温饱之后才会有的消遣，事实上，只要有人类生存就有艺术的存在。比如远古象形字就是艺术。从网上得到的艺术定义为: 反映当地社会生活，满足人们精神需求的意识形态。事实上，艺术是一个空泛、混乱的词，通常需要更加空泛的 语言来描述这个词，结果导致人们知道有艺术这个词，却不知道艺术具体指的是什么；一个不能统一的概念，实际上人类不统一的感知系统才是 这个词的基础，也导致了艺术的相对有限性。然而，人们还是在一定程度上对艺术给出了定义：
1、艺术是对现实生活的模仿和再现。
2、艺术 是创作主题情感的传达和心灵直觉的显现。
3、艺术是一种有意味的形式。而对艺术的含义，还有一种相对抽象一点的诠释：所谓艺术,就是指人 类根据社会生活运用一定的物质文化实体,遵循一定审美或反审美规律，创造极具大美学特征的精神文化的创造性行为或结果。
而美术鉴赏的含义呢？美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美 术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。
而经过了一学期《美术鉴赏》课的学习，我欣赏到了许多中西方不同类型的美术作品、绘画风格，对西方美术的发展有了进一步的了解，并从中感受到了西方艺术的特点和与东方艺术的异同。
首先接触的是东方绘画，主要是中国画。对于此，我也有了一些了解：
中国画是中国传统绘画的主要种类。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。
中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。
中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
.而通过半学期的课程，我也了解到西方造型艺术是以模仿自然为目的。为了栩栩如生再现自然，西方绘画努力发明着种种技巧和手法来实现这一目的，尤其在以人物为主题的绘画中表现最突出。艺术家在模仿事物外在形象的时候，通过比例、对称、完美地表现事物。达芬奇的《蒙娜丽莎》、凡高的《自画像》、拉斐尔的《圣母图》虽然他们给人的感觉是不同的，但他们都很像，表现真实的一面，都达到了艺术的高峰。
在我欣赏的众多作品中，让我印象最深的是《蒙娜丽莎》神秘的微笑。它的神秘让我深陷其中……当我们注视画面上部分时，我们能感觉得到弯曲的嘴角，淡淡的微笑，然而当我们直视画面中蒙娜丽莎嘴巴时，那微笑又仿佛消失一样。确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。这神秘的微笑就是达芬奇利用了独特的技巧巧妙地勾勒出来的。数百年来，我们不断寻找那神秘微笑背后的故事……在反复欣赏幅画，我不得不感叹西方艺术的高超，并为达芬奇的才能所倾倒。是这位伟大的画家发明能创造神秘微笑的技巧，创造了让世人迷恋的《蒙娜丽莎》……
在课堂中鉴赏的绘画作品中，我还喜欢拉斐尔的圣母画。他的一系列圣母图像，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。拉斐尔的艺术深沉，含蓄，富有理智，充满智慧……我喜欢圣母的慈祥，深情注视的目光，孩子的纯真、浪漫。在一系列的圣母图中，我们可以感觉到整体画面极具古典美，神圣，温馨。仿佛我们可以感受到人物里的温暖互动，深情的母爱。在《阿尔巴圣母》首先给我们整体画面感觉宁静、祥和。我喜欢这幅作品犹如天国仙境的背景，置身其中的圣母深情注视着她的孩子，孩子正天真玩耍。从画面传递的幸福是我们感觉得到的美。
对于这学期选修的这门美术鉴赏。我觉得这门课我选的很正确，我们每个人都应该有鉴赏的能力，知道好与不好，知道好在哪不好在哪。这样我们这些思维偏逻辑的人也能以艺术家的角度观察周围的一切，说不定会有新的思路，问题说不定会迎刃而解。
而大学开设美术鉴赏课就是为了更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕刻和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是专一多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。
篇6：美术鉴赏笔记
美术分：绘画、雕塑、建筑，和艺术设计。建筑以实用、坚固、美观为目的。
艺术设计又有造型美（如民间建筑补实简洁，宫廷建筑为庄重华美）、材料美、色彩美和总体设计与结构美。
美术欣赏是对美的追求和享受，美术的本质在于使欣赏者感到愉悦：一是发现形象美，如古希腊米罗的维纳斯虽然残缺了手臂，但能从她的外在形象感知到另一种美。二是在抽象中发现真谛和奥秘，如荷兰凡高的画。
史前工艺：
一、玉器
良渚玉器是中国玉器史上最辉煌的典范，玉器也是良渚文化的核心。其图形最重要的是族徽——一种戴着冠状饰物的头像。
二、陶器
黄河流域是彩陶的策源地。
史前绘画：
一、彩陶绘画
中国最早的彩陶出自泾水、渭水流一带的老官台文化。彩陶文化遗址中最具代表性的是仰韶文化。但后来发现与之性质相同的其他新石器也称“仰韶文化”。
二、原始岩画
足腾空。
绘画理论研究的发端，以谢赫的《画品》为标志，他提出绘画的社会功能和品评标准，促进了绘画开始成为一个专门领域。
炳灵寺是汉语“万佛寺”之意，其石窟，佛像得以完好保存，是由于栈道被毁。
吴道子，又名吴道云，河南禹县人，世称“画圣”，开始学书法，后以笔法入画。传说他画人有超常的写实能力和默写能力，使得江洋大盗越狱逃脱后，因吴道子默写肖像画再次被抓获。
经唐代几次大的战乱，长安、洛阳两京300余幅寺观壁画无一幸存，宫廷收藏吴道子的92幅画也未有一件存世，现在只有《送子天王图》目前保存在日本。
他的画格外传神，有人将他与张旭的草书，的剑术合誉“三绝”。也有将李的的诗，张旭的草书和裴旻的剑术合誉为“三绝”的。
山水画分出“青绿”和“水墨”两大系。“青绿山水”以墨线勾勒造型，用笔细致周密，敷色以石绿为主，有时为醒目，更以金粉勾线，画面金碧辉煌，华丽壮观。“水墨山水”，是以水和墨来表现山石、江河、树木、建筑等。故墨线之外，渲染是主打的技法，而用笔往往粗放简约，注重笔的情趣、墨的韵味。黄筌传世的《写生珍禽图》为其子学画所作的课徒范本。
李思训、李昭道父子是“青绿山水画”的真正代表，后被合称“大水李将军”，李思训有“国朝山水第一”之美誉，又被称北宗山水创始人。王维是“水墨山水”代表，后被称南宗山水奠基者。王维不仅
宋代五大名窑：汝窑、官窑、哥窑、钧窑和定窑。官窑为皇室烧陶瓷
哥窑是龙泉窑中的上品，景德镇尚未充分发展之前，浙南的龙泉窑一直是山口量全国之最。创始人为浙江处州章氏兄弟，哥哥章生一所烧不“哥窑”，弟弟章生二所烧为“弟窑”。由于釉面与胎体的膨胀，收缩系数不同产生龟裂纹开片，有种天然的肌理之美。
定窑是五大名窑唯一的白瓷窑。
赵孟頫承前启后，被分认为书坛盟主和一代宗师。
明清的北京城有外城、内城、皇城、紫禁城（宫城）四重城垣。
色相：是色彩的最大特征，指色彩的感性形象。
纯度：指色彩的鲜艳程度及色感强度，又称颜色的饱和度。明度：指色彩的明亮度，亦称光度。由于反射光量的区别，就产生颜色的明暗。黄色的明度最高，蓝紫色明度为最低。红绿色为中间明度。
色光三原色：红、绿、蓝。