对我油画创作的影响

对我油画创作的影响（通用8篇）

篇1：对我油画创作的影响

编号：

山 东 艺 术 学 院 毕 业 论 文

油画创作中如何实现情感表现的自由

朱建国

指导教师：

毛岱宗 专业名称：

绘画（油画）

学位级别：

学士

班

级：

2006级油画第三工作室

学

号：

200602120

论文提交日期： 2010年06月06日

论文答辩日期： 2010年06月08日

油画创作中如何实现情感表现的自由

油画创作中如何实现情感表现的自由

摘要：情感自由表达，通过绘画来表现时，离不开对形式的依赖。形式是内在情感的外在表现。

创作中，实现情感自由的表达，也需要在意识和精神层面上 树立自己的观点。

关键词：情感表达；自由；形式；意识

正文 ：

油画创作是人心灵的一种艺术的表达，然而要完成这种艺术的表达，我认为其实现情感表现自由成为必然。在艺术创作中要是心灵得到真诚的阐释，那么情感自由的表达成为了很重要的要素。只有实现自由的表达，其由形式表现出来的作品才能给人以深刻的感染。情感通过形式来表现，而形式中也渗透着情感。更具艺术表现的情感是心灵自由的释放，情感自由表现的实现是艺术创作的本质需求。要实现情感表现上的自由需要一些条件和解决一些障碍和束缚。

我觉得这些障碍和束缚应该从下面几个方面去解决: 一.是从情感表现的形式上（包括技术方面）去解决情感表现上的障碍。

绘画不仅是再现客观的事物和通过客观事物来表达情感，还有对客观物象情感体验的形式进行美化。情感自由表达，通过绘画来表现时，离不开对形式的依赖。形式是内在情感的外在表现，马蒂斯说过：艺术家的表现手段应当完全从她的气质中产生，他必须是通过一种谦逊的精神，相信自己画的仅仅是他所看到的东西。情感是重新体验到的情感，情感在油画创作中的形式表现问题：主要涉及到节奏韵律.虚实，点.线.面，笔触肌理，色彩.材料.结构.空间.等方面，他们直接反映主体的情感。

油画创作中如何实现情感表现的自由

情感在形式技术中的表现，往往会通过一些抽象的要素去实现，如节奏韵律.虚实...节奏韵律是情感表现中很重要的形式，生活中到处充满了节奏韵律。只要我们用心的观察就会发现那其中鲜活的跃动。要想在油画造型中表现出情感的节奏美和韵律美，就需要对形状和色调等进行分析和体验。节奏往往会通过各种要素来表达，如画面的笔触肌理，线条.物象边缘线的转折虚实强弱.块面的安排等。拿线条来说:只有对线条有充分全面的认识和把握和超强的驾驭能力，才能表现出优美的节奏韵律。对线条的表现，首先要在轮廓上去感受和体验事物的情态，在结构上去表现事物的本质。线条是情感自然流露的形式表现。如果在形式上线条的问题没有解决，那么情感的的自由表现就不会顺畅。要提高线条的表现力，首先最重要的还是要有深刻的感受，经常训练多用线条去表现事物，或通过一些触摸式素描（或线描）的训练，尝试用多种线的方式去表现物象，还可以多临摹一下大师的作品等等。

色彩，也是作者表达情感的重要手段，也是作品形式美表现的重要因素之一。形式中的每一次转折变化都会引起色彩上的变化。所以形与色的搭配一定要协调适当。只有在深入的了解色彩的造型意义后，才能自由的利用色彩。自由的表达色彩，要以画面的关系和营造的氛围为基础，要符合主体的情感内在需要，熟练掌握色彩的表现规律，色彩在视觉上往往会给人强烈的心理暗示。要培养敏锐的色彩感觉，通过在自然中对光色的捕捉，逐步增强感受性。在对物象进行色彩表现时，创作主体要处于主动地位，根据情感的需要强化色彩关系，对绘画中色彩的选择要有强烈的主观意识。当然色彩的表现也要配合点线面等抽象要素以及他们之间的距离和相互之间的转换，架构起带有韵律美的色彩结构。绘画中色彩的表现节奏是随着情感自由变化的。在画面色彩中，相同或相近的色彩在画面中多次出现，便产生了色彩的节奏感。只有是绘画色彩具有了节奏韵律的美感，才能表达出强烈的艺术感染力。色彩节奏的交替出现也丰富了画面的表现力。色彩节奏作为一种抽象的形式表现因素，需要主体具备自觉地发现和操控节奏的能力。

色彩与情感发生共振，便产生了感情色彩。感情色彩的表现也是创作主体艺术个性的重要表现。感情色彩自由顺畅的表现，会产生强烈的生命活力，造成主体内

油画创作中如何实现情感表现的自由

心的激动。创作者往往会通过感情色彩来组织画面的结构和秩序，自然物象给创作者提供了敏锐的色彩感觉条件，感情色彩和色彩感觉共同塑造出具有强烈个性的创作者，使他们的情感得以自由的表现。

用油画语言来表达情感，首先要了解油画材料的特点和性能。油画材料有强烈的艺术表现力，覆盖能力较强，容易修改，颜色细腻丰富，不易变色，易于保存等。

艺术作品的结构直接与创作者的情感紧密相连。作品的结构如何安排是由作者当时情感的状态决定的，有什么样的情感就要表现出与之相适的结构形式。其形式结构的外在表现也是情感结构的表现，所以对画面结构的操控能力演得尤为重要。对画面结构的安排首先要遵循一定的审美规律：对立统一。也要与画面的空间联系起来，我觉得画面结构是空间的抽象安排。对结构的把握也要像大自然一样，使其架构起来的形式具有强烈的生命力，循环不息，活力永在。

二.是从精神和意识层面上，树立自己的观点，摆脱束缚.创作中，实现情感自由的表达，也需要在意识和精神层面上 树立自己的观点。

通过形式来表达情感，当然要通过“感受”的方式。体验作为一种感受方式，比较贴切的反映生活真实，与人的情感和生命需求有着紧密的联系，总是在主体的心理情感层面上产生。《淮南子.范论训》：“故圣人以身体之。”① 通过体验的方式来感悟生命与主体的情感同步进行，能够敏锐的反映当下的状态，从而情感得以自然的流露。通过体验的方式，感悟生命的情态和强烈的生命力，使主体和物象交融在一起。创作主体全身心的投入到客体之中，两者彼此融合，达到物我两忘的境界，实际上是主客的高度融合。这正暗合老庄的“虚静”，内心平静专一.没有杂念是艺术创作的一种心态，也是情感自由飞翔的一个开口。体验的特点：从创作主体自己本身的切身体会和感觉状态出发，把主体放置到到客体对象中来领悟，需要全身心的投入。体验作为一种感受形式，总是以现在状态的感觉存在着。在进行创作时，需要以往经验的积累，但开始创新的时候，更需要对现实当下的体验。人的意识感觉并不是静止的，物象所处的环境也是随时在变化的。在创作中，如果不能换起新

油画创作中如何实现情感表现的自由 的体验，就不能达到主客交融的境界，很难使情感得到自由的表达。王国维说过：“吾人之胸中洞然无物，而后其观物也深，而其物也切。”②克罗齐也说过：“艺术家们一方面有高度的敏感和热情，一方面又有高度的冷静，或奥林比亚神的静穆。这两种性格并行不悖，因为他们所指的对象不同；敏感或热情是指艺术家融汇到他心灵机构里去的 丰富的素材；冷静或静穆是指艺术家控制和征服感觉与热情的骚动所用的形式。③

创作主体个人要不断地进行自我超越，走出“惯性思维”的束缚，对生活要时刻充满着激情和新奇。通过对现有固定形式模式的突破或否定来实现个体的创新表达。马蒂斯说："准确描绘不等于真实”。④ 所以说创作者首先要表达的是自己最真实的感受，创作主体要按照自己对物象的认识和理解，不能完全照抄物象的表面，要根据自己的情感感受适当的进行夸张变形，把事物的特征情态淋漓尽致的表现出来。

艺术作品的个性也是情感实现自由表达的重要表现。即艺术作品的个性化是实现情感自由表现的结果。每个人都有独特的心理个性。创作主体在表现中所表现出来的感觉.兴趣.能力是不同的，内心比较敏锐的可能喜欢表现一些细节，有的表现的简约，有的表现的繁复，不同的笔触和色调，不同的表现形式。通过体验的方式来增加主体的情感积累，形成自己独特的生活感受。油画的创作过程是是内心逐渐向主观世界发展的，通过以自然物象为载体，来表达自己内心情感的需要。创作主体在创作时一定要有自主自觉的意识，利用自己的头脑去思考认识生活，积极的表达自己的审美情感和思想观点，实现自己情感表现的自由。

主体在创作中，可以尝试用非逻辑的的意识，非理性的的观念，发挥自己的直觉和本能，是自己融会于物象之中，忘记了自己，通过那神秘的下意识和情绪体验来实现对物象的把握和情感的自由抒发。在这个通过非理性的观念体验的过程中，不要强制自己去附和一些规范模式，达到什么样的效果......要放下一切，顺其自然，这样才能获得表现上的自由。罗汝芳：“不追心之既往，不逆心之将来，任他宽洪活泼，真是水流物生，充天机之自然。⑤

油画创作中如何实现情感表现的自由

参考文献：

①刘安著，陈惟直译：《淮南子》，重庆出版集团，重庆出版社，2007年版。②王国维 ：《文学小言》四，《王国维文学美学论著集》，北岳文艺出版社，1987年版。

③克罗齐著，韩邦凯.罗梵译：《美学原理》，外国文学出版社，1983年版。④（美）杰克·德·弗拉姆编，欧阳英译：《马蒂斯论艺术》，山东画报出版社，2004年版。

⑤黄宗羲：《明儒学案》卷三十四《泰州学案三》，中华书局，1985年版。

篇2：对我油画创作的影响

摘要：油画艺术是起源于西方国家的绘画创作之一，油画艺术有着深厚的艺术文化底蕴，在油画的发展历程中，受各地文化的熏陶和影响，逐渐形成了不同流派和不同艺术风格的油画创作方式。我国是历史悠久的文明古国，油画艺术起源地虽不在我国，但油画流入我国时间较早，在我国有着漫长悠久额发展历程。但纵观我国现阶段油画风格和作品，多数为对西方油画作品风格的模仿，没有形成具有我国特有文化特点的油画艺术风格，课题研究由此出发，分析研究油画技术和我国民间文化结合的全兴油画艺术形式。为我国油画艺术的创作研究提供借鉴。

关键词：民间美术;美术图形;油画;应用

我国是四大为名古国之一，有着上下五千的历史文化传承。民间美术艺术随着我国的文化传承一起走过了几千年的岁月。我国国土广阔，地大物博，不同地区民生风俗差别较大，经过千百年的传承逐渐形成了格式各样的美术表现方式和美术语言。随着社会的不断发展，人们对艺术形式的追求发生了变化，民间美术艺术独特的风格和浓厚地方民俗特点的体现深受人们的喜欢，也赋予当代油画作业更多的艺术灵感和启迪。

一、民间美术为中国当代油画创作提供养分

古人生产之余，农闲之时，会通过特有的方式进行娱乐活动，这些活动的形式内容以及相关产物逐渐形成了地方特色鲜明的民间美术。经过千百年的文化传承，初见形成了成熟的民间美术艺术形式，如剪纸、面塑、皮影等等。等具有悠久文化传承，和极高艺术价值的美术艺术。画家从此类作品中能获得全新的艺术创造视野，丰富自己的艺术语言。我国民间美术艺术与地方文化的高度结合等特点，是西方艺术无法比拟的`。我国油画艺术家在进行油画作品创作时，可以通过通过了解学习民家美术艺术，去体会民间美术作品中者对于自身情感的表达方式，以及民间美术作品中存在的文化底蕴，让这些艺术养分融入到自身的作品创作中，为作品添加新的色彩以及活力，如我国油画艺术家顾黎明在自己通过民间美术作品门神获得灵感，开创了全新的中国特色油画作品新风格。

二、在油画构图中借鉴民间画图体裁样式

年画是具备中国特色艺术风格民间美术作品的代表之一，我国人民在新春佳节到来之际，通过制作年画的形式表达对新春佳节带来的喜悦，以及对新的一年美好生活的憧憬和向往。顾黎明选取了极具中国特色的木质们年年画作为其油画创作的灵感来源，经过不断的研究和创作，重于形成了具有较强中国文化特色的油画作品风格，顾黎明此系列的油画作品，给观赏者带来了全新的视觉体验，在此系列的作品中，顾黎明老师一改传统油画对于油彩较较为厚重和堆叠的使用方式。采用平面化的挥之方式。并结合年画作品中对人物抽象刻画的艺术表达手法。王华祥老师在创作的《路遥知马力》油画作品中，画面布局借鉴了我国传统中堂的布局样式。画面背景中包含大量的国画元素，而人物刻画延续了西方油画的惯用方式。在画面两侧设计了极具中国特色红底对联，赋予了油画画面设计全新的视觉特点，打破了传统油画中难以渗透中国特色文化的艺术创作限制。王华祥在该作品的创作上大胆的进行了中西文化结合，将中国和西方国家的艺术特色进行拼接，赋予了作品全新的艺术风格。

三、民间美术元素的运用，丰富了画家艺术语言的个性化表达

民间美术有着种类庞大、艺术形态多样化、文化元素较多等特点，将民间美术艺术与油画艺术结合，可以丰富油画的表现形式，让作者在进行油画创作中，对于自己内心的情感表达有了更多的选择，中国画家从接触艺术到形成自己的艺术风格，整个过程都在中国的艺术文化特色中熏陶成长。而油画是一种起源于西方国家的艺术形式，中国画家油画创作中，想要通过西方艺术准确表达出自己情感具有一定难度。正因为如此我国油画作品多数为模仿西方作品风格，而民间美术与油画结合的全新艺术形式则可以有效的解决上述问题，画家通过在油画中艺术民间美术元素，可以更好的对自身情感进行个性表达，让油画作品更具灵魂。同时也可以让民间美术通过油画的形式得以继续传承，提高民间美术艺术影响力，也我国油画作品在世界上获得更高的地位。

四、民间美术多元的造型特色在当代油画中的运用

民间美术在对人物的造型和刻画张，手法夸张表现方式多样化，对人物的某些特点进行了放大，注重人物的内涵特点表达，与西方人物刻画重视人物外形还原相比，我国民间美术人物刻画不仅仅是对外形的模仿，更多的是通过心灵反应事物。正因为如此，民间美术作品是我国各个民族在不同的历史文化环境下形成的宝贵文化财务，通过民间美术作品可以感觉历史和文化的演变与传承。将民间美术多元化的造型特点和艺术表达形式赋予到油画作品中，可以让西方的艺术形式具备中国的文化特点，如王怀庆老师，对中国的剪纸艺术有着深厚兴趣，剪纸艺术古典的艺术表达形式和文化内涵，让王怀庆老师在油画作品中创作中有了新的灵感和启示，结合西方抽象主义的理念，王怀庆老师最终开创了具有中国传统文化特色的抽象艺术形式。

五、民间美术装饰性色彩对当代油画的影响

民间美术色彩的选用都深受我国地方历史文化特点的影响，我国人民长久以来具有积极向上的思维，对未来的生活充满希望与憧憬，民间美术作品中也以红色为主，彰显着我国人们对美好生活的无限向往。傣正杰的作品中颜色的选取受民间年画的影响，红色、绿色是他主要使用的颜色，这符合人们的审美习惯。他的作品《跨世纪的婚礼》以进行婚纱摄影的人物为主角，背景设置大量的年画图案，色彩之间形成强烈的反差。。我们可以看出民间美术的色彩大都是充满活力的，很少有灰暗、沉闷的色调。油画艺术同样有着很强的色彩感染力，可以在一定程度上借鉴民间美术的色彩表现手法。

参考文献：

[1]王晓菊.20世纪80年代以来中国油画中的陕北风景画创作研究[D].陕西师范大学，.

[2]张炀明.宋代山水画的线性语言在当代山水画中的延承与拓展[D].哈尔滨师范大学，.

[3]何湘云.中国传统戏曲题材在当代油画创作中的表现研究[D].湖南科技大学，.

[4]胡日查.民族元素在中国油画中的体现[J].中国艺术，(04)：140-141.

篇3：对我油画创作的影响

赵开坤是一位近年来活跃在我国画坛上的实力派的画家, 代表作品有《老师照相机》《长白老林》《通往白山的路》等。由于赵开坤长年的居住在东北, 创作出了许多的有关长白山地区的风景油画, 并形成了赵开坤油画风景的独特风貌, 他这种所特有的油画魅力深深的感染我, 给我的风景油画创作带来了深刻地影响。在诸多现代流派中, 赵开坤所代表的表现主义是其中最重要的流派之一, 他的作品有着特殊的一种“语言”, 他还将视觉艺术上升到了“语言”层面和一种绘画状态, 他把自己的“感觉”透过画面给“表达”出来, 给我们带来了巨大的视觉盛宴。

二、赵开坤的表现性艺术手法带给我的启示

(一) 赵开坤作品中色彩、笔触带给我的启示

油画的灵魂是色彩, 一个有成就的艺术家, 必须有自己的色彩体系。色彩的表现方式与地域性的自然因素和文化因素是密切相关的。赵开坤对色彩语言的掌握, 打破了那些传统画家对风景画的固定颜色模式, 赵开坤的色彩自由、大胆而奔放, 他于笔间透着一种激情与力量。如作品《白桦林》, 赵开坤用了绚烂的色彩和粗矿的笔法来表现秋天里生机盎然的白桦林。白桦林里深色的阴影与明亮的树干形成了强烈的对比, 在灰蓝色的天空的映衬下, 金色的草地变得更加明朗、树叶更加绚烂、白色的树干就像一群在舞蹈的白色精灵, 深深地打动着人们的心。

赵开坤有着自己的色彩体系, 他所画的长白山地区的油画风景, 都有着相似的色彩, 我们只要看到赵老师的所有风景画中, 就能很容易的辨别赵老师画的哪些是长白山地区的风景油画, 哪些是江南地区的风景油画, 有人会说能辨别是因为建筑的不同, 所以我们能很轻易的识别出来这些不同, 这是一方面的原因, 其实最主要的原因还是从色彩上看出来的不同。赵开坤老师的色彩, 无论是人物油画、风景油画, 我们都能很快的识别出是否是赵开坤老师的作品, 因为赵老师的色彩很有辨识度。

在我去长白山写生期间, 潜心钻研赵老师的画作, 赵老师的色彩鲜亮, 对比强烈, 颜色非常的有活力。在我写生期间, 我借鉴了赵老师的作品中的色彩, 颜色用的很鲜活, 很有生命力。一开始, 我会刻意的模仿赵老师的色彩, 在单画一个物象的时候很不错, 可是组在一起, 会很不搭、不和谐。后来慢慢悟出, 自己画的景物颜色都太明亮了, 组在一起没有虚实, 没有对比, 所以画面看起来不和谐, 慢慢的, 我不再刻意模仿赵老师的作品, 只借鉴了他的颜色, 久而久之, 自然而然的形成了自己的一套色彩体系, 同学也都能轻而易举地识别出来我的作品, 就这样慢慢有了自己独特的色彩体系。

风景油画中笔触的运用, 也受到地域性因素的影响, 表现不同地方的景物, 用笔的手法也是不一样的。赵开坤的风景油画, 由于受到地理位置和气候的影响, 用笔大部分都是比较刚强、粗矿、朴拙、奔放的。就像他的作品《松花江的春天》里, 描绘的山村农舍的红色房子被线划分成块状, 视觉上给人感觉非常硬朗, 他的笔法坚固有力, 深深地刻画在画中。

在风景写生期间, 看了赵老师许多的作品, 我也了解一些赵老师的用笔, 赵老师的用笔是大块的, 但又很流畅, 给人一种视觉张力。虽然赵老师是大块色调, 但他的作品还是有细节的刻画。我尝试过赵老师的那种大块的用笔, 可效果不尽人意, 效果给人感觉是在敷衍, 没有细节的处理。本打算放弃这种大块用的笔的, 想另觅出路, 可又不想这么轻言放弃, 又细看了赵老师的作品, 看到了他的作品中有些许用到刮刀做效果的, 后来我就尝试把大块用笔改成大块用刮刀铺色, 把刮刀代替了笔, 有时不好把握, 看的效果不是很好, 可当你把画面铺完, 效果还是很好的, 因为这里面还是有明暗关系、有造型, 只是工具变了而已。这些都是赵老师的作品带给我的灵感, 对我油画风景写生有着很大的帮助, 让我知道认真专研一些东西是有用的、收益良深的。

(二) 赵开坤作品中的构图对我的启示

赵开坤老师的构图是很有特点的, 他经常采用全景式构图, 给人一种大气饱满又很有魄力的视觉享受, 如《松江图》, 就是采用的全景式构图。《松江村》是描绘长白山冬天的广袤苍凉, 画中近景农舍错落有致, 小路清晰可见, 远处的松柏矗立在白雪皑皑的山梁上。远处蓝色天空与红色农家房子相互映衬, 使得各种景物在色彩的对比中充满了青春的活力, 整个画面更是生动鲜活, 耳目一新。

在看了赵老师的众多风景油画作品后, 发现了他的构图大多都是近处的景物特别大, 远处的景物特别小, 赵老师把这种近大远小做了夸张的处理, 这何尝不是是一种创新。赵老师还对中国画有一定的研究, 所以在他的作品中也出现了中国画的构图, 散点构图, 赵老师的这种构图, 打破了西方原有的传统构图, 赵老师把西方油画中的构图加入了中国画中的一些元素, 变成了我们国家的中国式的油画, 这对我们民族来说是一种创新、一种突破。

赵老师的这种中国式油画让我了解更多构图方面的知识。以前, 我只知道一些基本的构图, 像三角型、S型、C型, 圆型等这些传统的构图, 认为画各种画都可以套用这些构图, 一直都过于刻板, 不会创新, 也没想过要有突破, 自从看了赵开坤老师的作品后, 我认为构图是可以研究出新的式样, 新的板式。所以, 今后我要在油画风景构图方面有所突破、创新, 向赵老师看齐。

摘要：本文首先介绍了赵开坤的作品以及所属流派, 本文是从赵开坤老师的三幅风景油画作品中的色彩、笔触、构图来分别对我风景油画创作中产生的影响和启示。

篇4：图像素材的应用对油画创作的影响

【关键词】 油画创作；图像素材；计算机图像处理技术

一个崭新的数字图像时代已经到来，在这个时代中，社会上的所有人都可能成为图像制造者，图像处理技术的日益发达更是拓展了艺术家们的想象空间，令其作品展现出丰富多彩的时代风貌，这些都为油画的创作提出了新课题。将计算机的图像处理技术巧妙运用于油画创作中，用图像资源代替自然资源来催化油画创作，这种新颖的创作手法为传统油画创作注入了新的活力。在这种创作手法中，如何维持油画作品时代性与艺术性的平衡是我们需要探究的重点。

一、图像素材应用于油画创作的优点

广义的图像是画面的一种，只要该画面具有视觉效果，那它就可以称为图像，不限画面载体，纸介质、底片、照片、电视、投影仪、计算机均可。因此，图像可以说是这个视觉时代最主要的一种信息载体。根据定义可以看出图像素材和油画的相同点，在表现方式上，二者都是平面化的；在艺术特征上，二者表现的都是静止的一瞬间；在空间表现上，二者都要借助于光暗变化、色彩色调、线条分布、构图布局等表现元素。因此，图像素材的许多艺术特点可以令油画创作产生更丰富的造型方法，比如图像素材那特殊的肌理质感、取景视图的剪切形式等等。

印象派对油画创作中应用图像素材的方法贡献很大。印象主义以有别于古典主义的新型构图角度创造了新的构图方式，即不使用完整场景构图，而是选择一个生活片段，用画框进行任意切割，这种新的构图角度与方式正是来自于摄影图像。

图像素材的创作应用发展至今天已经发生了极大的发展与变化，现代化的发达科学技术与网络的普及令图像资源无论是在深度上还是广度上都达到了以前难以企及的高度，在深度上大到宇宙星辰，小至微观世界，在广度上则几乎没有边界限制。极端丰富的图像资料开拓了艺术家的视野，也给他们带来了更多的全新艺术创作思路。通过对所需图像素材的处理与艺术加工，艺术家可以更具独创性地完成自己的油画作品。

二、图像素材应用于油画创作的问题

平衡是油画创作的关键因素，图像素材在油画创作中的应用虽然有许多优点，但如果过度使用进而产生过度的依赖性，破坏了其与艺术性的平衡，那油画艺术势必将走向末路。许多艺术家沉迷于丰富的网络图像资源，导致了视野的狭窄，只看得见屏幕上的图像，却看不见生活中更加丰富的创作素材，本末倒置，对艺术创作有害无益。

需要注意的是，图像素材只是油画创作的途径之一，而不是唯一途径，如果单单只执着于这一种手段，必然大大损害作为油画艺术灵魂的创造性。绘画之妙，正在于似与不似之间，过度应用图像素材，会使油画作品沦于一味描摹抄袭的下乘境界，不只在表现力上显得空洞贫乏，更无法创造出新的形象。艺术家如果完全依赖于图像素材，就等于放弃了感受自然、体验生活、感受万物、沟通世界的宝贵机会，最终只沉醉于图像素材那狭小的天地里，令自身的创造性枯竭殆尽。

油画创作有一些必要的创作过程，比如提炼概括形象、表现色彩个性、取舍不同的造型等，这些过程都是需要数量庞大的训练与推敲的，可以说是创造的积累与沉淀。而过度应用图像素材会令这些过程严重简化，底稿的绘画只依靠对图片的抄袭临摹甚至图像喷绘来完成，既没有对生活的真切体验，也缺乏对绘画性的思考与研究，这种恶性的模仿循环会令绘画艺术的本来意义不复存在。

因此图像最有效的运用方式是将其作为一种辅助物或备忘手段，只用于辅助油画创作或者代替速写、写生的相关细节，而不是与图像创作混同，成为使用油画颜料的复制与仿制。

对图像素材的不当应用令油画创作被形式主义禁锢束缚，更令油画艺术沦为复制图像的方法，这种不良现象使大量油画创作者产生了严重的惰性，只依赖于图像，将写生与观察的过程完全抛弃，最终导致了绘画技术的退化和主观把握能力的缺失。因为写生过程是对多方面美术创作技巧的一种练习，在进行写生时，写生的对象并非如同图像一般是完全静止不动的，而是会与绘画者一直产生某种细微的变化，这种细微的差异正可以培养绘画者的主观把握能力，让他能通过主观判断将这些细微的变化从多角度总结概括成最终的图画，这种能力的培养是图像素材所做不到的。

三、图像时代我国油画创作的发展

我国的当代油画自85新潮美术史始，一直致力于探索多元化绘画形式，但图像素材的广泛运用是在90年代后。这以后图像不再只作为参考素材，而是在油画创作中被直接加以运用，画家拼合历史、政治与流行图像，在作品中留下鲜明独特的图像符号。这一改变是大众文化开始进入艺术领域的象征。

90年代末期，图像素材在油画创作中的应用产生了新型的独特方式，一些油画家首先利用摄影技术，对景物摆拍或者抓拍，然后使用计算机对图像进行处理，再将处理后的图像转换为油画。这种绘画方式相当于对计算机处理的图像进行了再创作，不只是作品的表现方式方面，连造型与画面效果也因此得以呈现出崭新的面貌。

80后的艺术家们近些年也已逐渐成长起来，他们的油画作品里淡去了伤痕的影子，少了对现实的描述，更加注重于内心世界的表达与因境而生的感悟。丰富的幻想与更多的资讯令80后艺术家的作品充满活力与生命力，这其中的一类代表就是卡通油画。卡通油画中不仅使用了众多的卡通视觉符号，而且风格极其混杂多变，是现代社会年轻人新型价值观的体现。

四、计算机图像处理技术与油画创作

早期的图像处理技术功能性很差，只能处理部分规则图像，这使得其几乎没有什么表现力。但随着技术的进步，图像处理不仅能对设计进行辅助，更可以对传统艺术进行模仿，这为画家们将该技术应用于油画创作提供了前提条件。油画的创作者们可以以图像处理软件对图像素材施以符合自己创作需求的处理，包括剪裁、色调变化、拼贴合并、画面变形等处理方式，通过将这些处理过的图像灌入感情，赋予涵义，并应用到油画中去，可以大大影响油画的创作意义。计算机上的图像处理软件可以按照工作原理进行分类，分别是像素图软件、矢量图软件和三维软件三种。三种软件各有用途和长处，目前应用于油画创作上较多的是像素图软件中的Photoshop软件，其操作简单，功能强大，可以进行图像编辑、图像合成、校色调色、滤镜等多种图像处理，是将图像素材应用于油画创作的绝佳辅助工具。

五、结语

虽然图像素材的运用不只为油画创作带来了便利，更促进了油画创作的思维拓展，但它归根结底只是一种辅助手段，用于表现艺术家的创作构思，协助完成最终的艺术创作。因此切忌本末倒置、反客为主，将图像素材当作油画创作的主体。新时代的油画创作需要的是继承与创新并重，借鉴大众视觉图像所提供的创作素材，接受这种新的审美取向，拓展全新发展空间，将图像素材和其他媒介相互融合，从而创造出油画的新样式，让油画创造焕发出新时代的蓬勃生机。

参考文献：

①尼古拉斯·米尔佐夫.视觉文化导论[M].江苏人民出版社，2006

②阿莱斯·艾尔雅维茨.图像时代[M].长春：吉林人民出版社，2003

③贾永红.数字图像处理[M].武汉大学出版社，2003

④刘淳.中国油画史[M].中国青年出版社，2005

⑤黄专.图像就是力量[M].湖南美术出版社，2002

篇5：油画创作心得体会

艺术来源于生活而高于生活，艺术创作总是以我们的生活体验为基础的。作为艺术创作，它反映一定的主题、思想、情感，而创作主题、情感又来源于生活的积累。任何艺术家在进行创作之前都是经历了一个深入生活、积累生活、体验生活的过程，并在生活中选取触动自己心灵的素材来进行加工和创造。脱离了生活基础的作品，缺乏深刻的精神体验的作品，是没有生命力的、矫情乏味的东西。

绘画语言的构成除了视觉因素的形、光、色外，在另一层面上看绘画语言也是一种精神产物，绘画本身也传达了一种观念，绘画语言不应仅仅停留在技巧和形式的探索之中，它是将技巧、知识、直觉和感情与材料融合为一体而形成的。艺术是精神和物质的结合。而油画作为绘画的一个重要门类，它是在二维空间内，通过色彩、线条和形体来模拟客观事物的形象的。其中油画创作是每一个从事油画事业的人，在学习过程中非常重要的一个环节。油画创作包括许多方面，如创作的来源，立意，题材，画面构成，色彩，工具用法等等。但归根结底，我认为其中最根本的要素，就是创作的来源及创作的意义，我们以生活为深厚的创作源泉，创作源于生活，高于生活。源于生活就是要求我们尊重生活的真实，尊重生活的体验，以生活为原本，有感而发;高于生活就是要求我们用个人的艺术语言高度概括地表现对生活、对艺术的认识，使我们能够在普遍的司空见惯的生活中发倔真善美。

艺术创作是人类所涉及的艺术活动的核心部分，在人类社会历史的长河中，艺术活动从诞生开始，随着人类社会的发展而产生了众多的艺术门类。每门艺术的创作表现方法各异，但它们对人类的意义却是具有共性的。它们共同来表现了人类的情感和社会实用功能。艺术即取决于社会和个人，又对社会发展和个人生活产生着重大的影响。

苏珊·朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”所以首先，艺术创作是人类抒发情感的需要。是人类表达情感的一种表达方式。而美术作品中，通过一些形象的反映和色彩的应用，表达作者丰富的情感。

人生有顺境与逆境，有成功与失败;有进取的斗志，也有堕落的颓废;有悲欢离合，也有喜怒哀乐。而这些种种人生际遇与情感都是艺术永恒的主题。我的油画创作“蝶韵系列”灵感便来源于我对青春的理解，也是我对青春理解的一种表达方式。每个人都有属于自己的青春，人生中青春是最最美好的，精彩的阶段.的确，我们一生最美好的季节莫过于青春。“青春是生命之晨，是日光之黎，充满了纯净、幻想及和谐。”青春像朝露，蒸腾着热气，散发着热量，放射着耀眼的光芒。青春是一股清泉，一种质朴的情愫，一股奔涌而出不可遏制的力量，一种过人的睿智。青春的时光是用金子铸成的，比什么都可贵。青春带给我们的感觉是那么的美好，那么的想抓住，当它悄悄溜走时总是让人显得是那么的无奈。所以人们总是感叹着生命短暂，青春短暂。但是我认为青春不仅仅只是人生的一个时期，它并不只是一个时间的概念，更不只是朱唇红颜，而是一种坚定的意志、丰富的想像、饱满的情绪。青春的内涵是战胜胆怯的勇气、敢于冒险的精神。是一种面对人生的态度，我想尝试通过我的作品让自己永远记住这种青春的心态，也希望看画的人通过我的作品能够记忆起曾经青春带给他们的梦。

“蝶韵系列”两幅作品主要由人物和蝴蝶组成，画面笼罩在一种青春气息很浓的氛围中，我想摆脱明暗对色彩的束缚，发挥它本身对人的情感和心理的影响作用追求鲜艳夸张的色彩刺激。画面中女孩儿白皙的肤色，清澈的眼神，俏皮的动作，处处体现出青春的美好，在背景色彩上我采用了单纯的平涂方式，色彩以亮色为主，画面追求色彩的平面性，通过较为夸张明确的色块层次来实现画面的强烈对比，塑造出青春的形象，来透彻的表达自己的主观感受。而蝴蝶则是作为一种象征性的符号出现在了每张作品的不同地方。它象征着青春之旅并不仅仅是鲜花满地与阳光普照，更多的时候是疾风骤雨，是磨练与洗礼，并不是每一只蚕蛹都能破茧成蝶的，它们也要经历风雨，痛苦的挣扎，不懈的努力然后展开那双美丽的翅膀飞向空中。前方的路程无法丈量，穿越的过程便是追求的证明。

篇6：油画创作心得体会

(二)色彩观念 色调以光线明暗、彩度之强弱为油画之生命，一张完美的油 画作品，必然其色调之表现、颜色之彩度、光线之明暗，均 赖以彩色运作之变化无穷，以彩度魅力呈现于画布上，更能 显示出画家的崇高理念。因此在整体画面上必须顾虑到每处 部位，色与色之间运作，高彩度画面，充满了作品本身之生 命力与活跃气息。 所以一张完整油画，必须有计划性，多次在原画面上做其色 调配运作，才能呈现其色调运作效果。

(三) 适当之绘画技巧运作 一张油画作品，除了能以完整构图，即相称之配色及强烈彩 度外，需注意到画家下笔之粗、细，广层面之处理、细线条 之力向运作;熟练之笔触，能控制整张画面。融合于作品中， 表达「优美」、之感。此及美术创作最高境界。(依赖作画 经验陶冶出来)往往有些画家为求作品之质性，偶而以画刀、精笔、细笔、松笔等巧妙技术之描画、或重点毅力之强调， 助长了其作品之特征。又以彩度之变化层次，彩色间交互配 作，让画面更呈显出高雅之感。

(四) 画面须具生命价值 艺术家精心创作一件作品，必须在作品上显现出该作品之生 命、力量。 作品平坦、无生命、无活力、毫无价值可言。一般人欣赏作 品中能体会到真实感，油画能扣人心弦就是画家的成就感， 所以艺术家完成一件好作品，必然在该作品上，每一个角落， 除分别重点、次要点、配点外，能凝聚整体生命力。无论是 作者、欣赏者都能深入其境，领悟到无数之生命，堪称良作。

篇7：油画创作学习心得体会

我们并不是要对选择何种形象入画和以哪种方式进行表达做一番褒贬，实际上，直呈视觉图像对应的恰恰正是这个时代最为鲜活的现实情形。大量的带有鲜明图像符号的创作还构成了“商标化”的时代潮流，大家有意识地“抢注商标”或“制造话题”的行为折射出当今整个文化形态的某些征貌。批评家杨小彦曾深入分析了从1992年广州双年展得到的艺术操作的重要启示，那就是——重要的不是“作品”，而是“话题”，作品会因其包含的刺激性“话题”而受到提升和关注，“名声”雀起，进而获得市场。因此，策略性地命名是能够创造历史的。

在当代艺术的这种场境里，罗琦选择的是另外一种表达方式和介入现实的态度。从他创作的图式语言演变来看，这种选择经过了一段仔细寻思和重新定位的过程。

在较早的作品《关于食者的第一百零一种说法》中，他不厌其烦地塑造了数量众多的吃苹果的人物肖像，紧张的面部表情和咬动的肌肉张力让观者备觉心理紧促。其后他又描绘过戴着高度近视眼镜、弯腰寻找东西的瘦削男子(《寻找》)，很容易让人联想到对这个社会失落的价值观念的找寻，给评论者一个话题和想象的空间。其画面弥漫的焦灼感，既与现时代青年在纷繁芜杂的社会状态中的真实心理处境相关，同时也与当代绘画图式人物神情的“普遍相”有关，也就是说，“焦灼”已经成为当代绘画图像的一种流行款式。

但很快罗琦就敏锐地觉察到了这一点，他谨慎地与时尚拉开了一定距离，保持着与自己心性相合的思考空间。他采取了一种审慎的观察者的视角来对待周遭事物，画面的人物形象也就逐渐褪却了那种紧张、焦灼的基色而变得松弛平和起来。准确地说，开始，他的画面语调开始发生较为明显的变化。当然，从画面图式来看，其中又有不同的取向。比如《牧鹤图》、《兰花美人》两幅，带有某种隐喻象征的意味。拄着伞把、凝神侧看的老汉与身旁曲颈回头的白鹤形成寓意深远的关系，似乎暗合仙翁雅士优游林下的古趣，但画面主角却又毫无仙人墨客的飘逸感，只是闲适的市井老百姓;幽兰与丽人相映照，给人多少遐思，然而画面中，在一簇兰花前拖腮凝思的妇人也不是什么艳若天香的美人，而只是衣裳松散、神情慵懒的平常少妇。

其他的画面人物，如《寒江独钓图》中跷着二郎腿、揣着钓竿在打盹的男子;《书梦乍醒图》中从石桌上翻身醒过，趿着拖鞋、拿着书卷、斜眯着眼睛、一副倦容的退休老汉;《饲鸡图》中俯看着吃食的母鸡，缓缓洒落米食的光膀子中年男人;《戏鱼图》中以花枝戏鱼陷入呆滞的老伯;《悠闲》中敞开上衣、手持烟斗小憩的老汉;《相遇图》中于岸边悠闲聊天的两男子;《夏日清风图》中着背心短裤，缓缓摇动扇子的大伯……选择的表现对象多为赋闲的普通中老年人，拖沓、悠闲、略显寂寞，与当今时代迅疾的生活节奏格格不入。当然罗琦的笔下也不是没有其他类型的人物，如《春风小立图》中斜挎着小包的稚气女孩，但他总会含蓄地将人物置于一个凝滞的空间里而不显得跳跃。

与此相对应的，他原来那种带有弗洛伊德式的紧凑结实的笔法也开始松动，轻盈、温润、平和，布满迷离而怡情的光泽;布景也不似真切可触的实景，而像是来自悠远年代的山水图景。他在刻意与当代社会的流行情绪保持距离，但并非真正要做隐于市而陶然自乐的局外人，从他的画面，我们不难看出一种淡淡的落寞的悲凉感。这是对社会中不合时宜、被人忽略的普通人物处境的一种真实的体悟。他假装要营建空灵超然的古典文人情境，而又将毫无古典美感的人物形象纳入画面，造成一种适度的尴尬和颠破。就这样，他与现实和往昔都保持着恰当的疏离。

在这个急剧变化的时代，我们的眼睛总是紧盯着那些“与时俱进”的弄潮儿，我们身随其中，生怕做个落伍者。从古代文人的入仕抱负到现当代我们对所谓的“多余人”的责难，中国文人群体中一直难以培植起与时代主流相左的思考力量。说这些“多余人”是不切实际的空喊也好，悲观孤愤无力也好，沉迷于心造幻影的苦境也好，但他们的存在就保持了某种异质的声音，使得我们的社会有时不会那么轻易地便陷入集团式的疯狂。

篇8：对我油画创作的影响

一、清末民初我国民间音乐的发展

1840年鸦片战争之后,随着封建统治在我国的土崩瓦解,供统治者“享受”的雅乐由此逐步走向衰亡。而俗乐的命运和雅乐恰好相反,因为其没有了统治者的压制和歧视,并且和广大社会公众的日常生活密切相关,使民间音乐较好地、较为完整地保存下来。中华民国初期,城市经济得到快速的发展,在城市发展过程中,市民们更加注重享受和娱乐,各地城市的剧院蓬勃兴起,成为市民休闲娱乐的重要场所。而全国各地交通运输事业的发展,给人们之间工作和生活带来极大便利,同时也为不同地域之间文化的传播创造了更加良好的基础性条件,我国各地的民间音乐、民族文化、传统习俗之间跨区域传播、相互影响,有效促进了民间音乐的发展。

民间音乐创作于民间、生存于民间、发展于民间,依靠人民群众在其生活变化中以音乐的方式表达对生活的感受。由于社会生活的极端复杂性,民众在社会生活中的体验多种多样、千差万别,在20世纪初期,我国城市小调、新民歌的总量节节攀升。有的民间歌曲反映反封建反帝国主义的爱国热情、抗争精神,有的民间歌曲反映了工人在官僚买办之下的苦难生活,有的民间歌曲歌颂对美好爱情生活的向往,有的民间歌曲对北洋军阀的无道予以猛烈抨击。传统民间音乐的内容随着社会生活的改变而不断改变,随着社会生活的丰富而不断丰富和发展,民间音乐内容是紧扣时代发展主题的,而曲调则可保持更大的延续性,这就产生许多通过古典曲调反映新时代主题的民间音乐。相同的曲调,可能被不同时代的人填上不同内容的词,真实地展现不同时代的社会生活状态,某些曲调甚至在整个国家的大部分范围内得到传唱。相同的曲调填上不同的歌词,同时也可能逐步“缓慢”地改变原有曲调,从而促使歌曲曲调反映各地不同的民族特色、区域特色。

清末民初时期,随着交通的发展、城市的发展,歌舞音乐成为人们的重要休闲方式。而在歌舞音乐得到迅速发展的同时,也有效地促进了民族乐器的发展。在该时期,民族乐器合奏形式多样、丰富多彩,比如,山西、山东地区的“鼓吹”,江浙一带的“丝竹”、“锣鼓”等,在具体的民间音乐传承中,产生了诸如《三六》、《放驴》、《一封书》、《行街》、《满庭芳》等优秀的传统合奏曲目。孙中山领导的辛亥革命爆发之后,天津、无锡、上海、济南等地还出现了许多专门开展民族乐器演奏的团体,比如1919年成立的“国乐研究社”、1920年成立的“大同乐社”、1925年成立的“霄兆国乐会”、1929年成立的“云和乐会”与“吴平音乐团”等,组织各种新式的音乐演出,研究探讨音乐理论问题,为繁荣民间音乐发挥了十分重要的作用。

二、民间音乐为清末民初钢琴创作带来的生机活力

作为民间音乐的享受者、表演者和创造者,广大人民群众从生活中汲取养分创作而成的民间音乐,是经济社会发展的体现。人们对原有音乐可进行改编、重新演绎,同时也重新创作新的民间音乐,极大地丰富了我国民间音乐的宝库,这为我国清末民初钢琴创作产生了十分重大的影响,为钢琴创作带来了勃勃生机。钢琴音乐在国外已经流行了几百年之后,我国才逐步得以引入,我国清末民初处于钢琴音乐艺术的创作初期,但此时国外的钢琴音乐艺术已经较为发达,已经形成了系统的钢琴创作手法、和声体系、曲式等,并且已经产生了众多钢琴经典名曲。正因如此,我国进行钢琴创作的初期,在和声、曲式、织体和钢琴作品等方面均注重模仿和借鉴外国的钢琴音乐作品,这实在是一种十分正常的现象。许多钢琴作品,不仅在曲调上,而且在和声、旋律和装饰音等方面的应用均带有西洋古典的风格。在钢琴引进之初、我国进行钢琴创作的初期模仿西洋国家,这较为正常,并且难能可贵的是,仅仅注重模仿西洋钢琴音乐的时间并没有长时间持续,音乐家们都在积极寻找一条将钢琴和我国民间音乐结合起来的特色之路。在长达数千年的历史长河中,我国音乐主要是以旋律作为线条,而对和声效果的表达不够重视,我国钢琴创作的初期,人们自然地将我国的民间音乐中的旋律融合到钢琴创作之中。钢琴中融入了民族的旋律,由于民众对这些旋律耳熟能详,非常熟悉,这就使国外引进的钢琴作品能够迅速被民众所接受。当初的许多钢琴创作者也深刻认识到这点,除了将民族的旋律融入钢琴作品以外,当时的钢琴创作者还将中国人民的情感融入钢琴之中,通过再次加工和重新创作的方式使所创作出来的钢琴音乐作品具有我国民族的旋律、民族的感情。当然,在摸索的过程中也有许多不当之处,出现了我国民族音乐的旋律配之以西洋和声的现象,此种现象是极为奇特的,表明创作还处于较为低劣的阶段。

《花八板与湘江浪》系我国第一首钢琴作品。赵元任创作此首钢琴作品时,模仿传统弦乐器的节奏,并大量运用了倚音,这对民族风格之旋律的突出大有裨益。以目前的眼光来进行观察,这是一件很简单的事情,实现这样的音乐创作并不是什么了不起的事情,但是,在我国的钢琴音乐创作才刚刚起步的20世纪初期,赵元任能将钢琴音乐创作和传统民间音乐结合起来,依然显得独到而精湛。

除了赵元任之外,20世纪初期在我国早期钢琴创作中作出较大贡献的还有江定仙、陈田鹤、贺绿汀等人。江定仙(1912—2001),是20世纪二、三十年代非常活跃的作曲家,江定仙所创作的钢琴音乐作品从形式到内容均体现出一种音乐学者的特征,其钢琴音乐作品具有严谨的逻辑、洗练的技术、完整而精致的形式、稳重内向的情感,富有十分显著的民族特征。他于1934年创作的钢琴独奏曲《摇篮曲》就富有中华传统民族特色,这并不是艺术家无意识在作品中的表现,而是作者在创作的过程中有意识地“追寻”传统民族的元素,《摇篮曲》整首作品以五声性的民族音调作为基本旋律,不仅如此,还在部分和弦配置上也体现出了中国传统文化的特征。陈田鹤(1911—1955),我国20世纪初期著名音乐教育家,自小对越剧、昆曲、道士音乐、小贩叫卖声、渔民号子等具有十分浓厚的兴趣,陈田鹤的这些兴趣给他的音乐和创作带来极大的帮助,音乐创作中从大自然寻求灵感,作品也具有浑然天成的特征。由于当时我国刚刚引进西洋钢琴,陈田鹤的钢琴音乐创作注重模仿西洋钢琴的技法,其本人也受到了严格的西洋钢琴作曲技法的训练,但是在对钢琴技法较为熟练之后,陈田鹤的钢琴作品有意识地融入中华民族的传统文化元素。比如,1934年创作的钢琴曲《序曲》,融入了民间音乐的成分,在调式和旋律特征上表现出明显的我国传统民间音乐的特点。《序曲》通过典型的三部曲结构表现音乐的旋律与气氛,第一、第三段通过C羽调式、五声调式旋律,配之以和弦,热烈的气氛、高兴的气氛被烘托得淋漓尽致。第二段中,以D调式,配之以和缓的节奏与旋律,和第一段形成对比。贺绿汀(1903—1999),亦属当时钢琴作曲家的代表人物,其所创作的钢琴曲《牧童短笛》,成为民间音乐影响钢琴创作的典范,在钢琴曲中充满我国民族特色的旋律,整首作品的旋律构建在我国传统民间音乐的基础之上,同时,也严格运用西洋钢琴音乐的技法,实现西洋钢琴技法和我国传统民间音乐的融合搭配[1]2。贺绿汀说“:我所写的《牧童短笛》……是地地道道的中国民间风格。”[2]39作者已经将西洋钢琴技法和我国传统民间音乐元素“协调”地融合在一起,《牧童短笛》的创作,也标志着我国的钢琴音乐作品的创作,在我国钢琴音乐创作历史中具有举足轻重的地位。

三、民间音乐对我国早期钢琴改编曲的影响

因为西洋钢琴音乐在20世纪初期新近引进,我国民众对此还不熟悉,而通过钢琴改编的方式,能够逐步培养我国听众的欣赏习惯。比如,我国民众对纯粹的钢琴音乐并不熟悉,不熟悉导致不喜爱,甚至有观众在钢琴演奏会上熟睡。而李斯特的钢琴演奏会,为维持“欣赏者”的兴趣、避免其打瞌睡,经常性以改编曲代替声乐等其他音乐样式。我国传统民间音乐对《花八板与湘江浪》、《偶成》、《音乐瞬间》等早期钢琴改编曲产生十分重大的影响。比如,《花八板与湘江浪》作为一首典型的钢琴改编曲,其题材为广大人民群众所熟悉,所以改编而成的钢琴曲让人们听起来感觉十分亲切,受到广大民众的喜爱,从而使其具有旺盛的生命力,一经创作而成便深深地扎根在广大民众中间。赵元任在创作《偶成》这首钢琴改编曲中,为了更好地突出我国传统民族特色,《偶成》中保留了原来旋律当中的“花奏”“,花奏”具有装饰音的功效,但是并不完全等同于西方音乐作品中的装饰音。赵元任《偶成》中,其“花奏”是一种圆而快的弹奏,和民歌唱法当中的滑音和传统乐器当中的滑奏较为类似,其具有十分显著的中国传统音乐的特征,但是西方钢琴音乐中的装饰音讲求的是“准”和“清”。

总之,我国传统民间音乐对清末民初钢琴创作具有十分重大的影响,清末民初我国的早期钢琴创作,就是国人生活方式、民族文化心理在钢琴作品上的体现,是对民族变迁的真实记录,蕴含了十分丰富的人文精神。

参考文献

[1]戴鹏海.贺绿汀音乐创作概述[J].人民音乐,1991(5).