数码摄影基础课程

数码摄影基础课程（精选8篇）

篇1：数码摄影基础课程

关于数码摄影基础的感想

这学期选修课我选了刘老师的数码摄影基础课程。我本身对摄影就很感兴趣。喜欢拍照片，喜欢看一些有趣的照片，喜欢欣赏一些优美的照片。在选选修课时，我看到有摄影这门课时就迫不及待的选上了，并被幸运的抽签抽到了。

第一堂课，我怀着对知识的渴望来到教室，聆听老师传授的知识。之后每节课我都按时上课，不只为了学分，还为了获得一些有关摄影的知识。在近一学期的学习中，我学到了何时调焦；如何对光，补光；对摄影的美感有了新的认识；学会了ACDsee，photoshop等电脑软件的基本使用技巧。我还了解了如何分析照片的好坏，还看到了一些老师搜到的有趣的照片，觉得特别有意思。

摄影跟照相是两个概念，我们都会照相，但不都会摄影。我喜欢照相，喜欢用相机记录下生活的点滴。生活中不缺乏美，只是缺少发现美的眼睛。用自己的眼睛发现生活中简简单单的美好。通过相机把美好记录下来。记录下不同时间，不同地点的美景。闲下来的时候在网上搜索一些有趣的照片，看看一些照片在PS高手们手下变的好玩有趣。搜索一些摄影展的照片，看看摄影家们用自己的相机记录下的那些美好的瞬间。学习一些摄影的基础知识，了解世界的摄影文化，让自己的生活充满乐趣，更加丰富多彩。

热爱摄影，热爱生活。摄影让生活更美好。

篇2：数码摄影基础课程

第一节： 人像摄影

一：基础知识

1． 人像摄影器材 ：长焦距镜头

什么镜头拍肖像最好？一只中等望远的变焦或定焦镜头就能胜任。如果使用35毫米胶片拍摄的话，这就意味着应使用85至135毫米焦距的镜头。因较短的焦距（50毫米以下）拍肖像常常会夸张人物面部的特征，有时会使鼻子显得比实际的大，人物会变形。

使用经常被称为人像镜头的85至135毫米的较长镜头时，透视则有所压缩，这样面部特征就会表现出正确的比例。而若要使用200毫米以上长焦距镜头的话，则会使面孔显得太平。

用中等望远镜头来拍摄肖像效果比较好。用35毫米广角镜头靠近拍摄的面容太难看。而用105毫米长焦距镜头拍摄的肖像压缩了透视和面部特征，把被摄者表现得自然悦目。

2．靠近点：

没有经验的人像摄影师拍摄失败的另一个原因是他们在拍摄时没有尽可能地靠近被摄者。如果你拍摄的人物在画面上太小，以至于其面容和表情看不太清楚，无法达到预期的效果。解决的办法就是再靠近一些拍摄，你可以走上前去靠近被摄者，或者是使用较长焦距的镜头拍摄。“近产生美”著名战地摄影师罗伯特 ·卡帕说：“如果你的照片拍得不够好，那是因为你靠得不够近”。对人像照片来说这是很重要的。

3．使用大光圈：

拍摄人像应避免使用 f／11到 f／22的小光圈。用小光圈对于在强光下拍风光是好的，但是对于拍摄人像则会出问题。小光圈能使背景显得相当清晰，会转移对被摄者的注意。f／1.8至f/4的大光圈能使背景虚化,使之处于焦点之外，而让人物成为照片中唯一让人关注的目标。不过，大光圈有可能使景深太浅，如果被摄者的一只眼睛比另一只离相机更远，那么距离较远的那只眼睛也许会处在焦点之外。补救的办法是在取景时舍弃背景，这样就可以使用较小一挡的光圈，或者是调整被拍者的头部位置，使其双眼与相机的距离相等。

人们的注意力会集中在摄影师所希望的地方：被摄者身上。然而虚化背景并不总是必须的。你不妨试拍一种环境人像,为此，你需要保持周围背景清晰,通过环境特点和细节来对被摄者加以介绍。4．试用竖画面构图：

人像摄影新手常犯的错误之一是把人像拍成横画面。这种横画面的构图对于群像来说是好的、但当你拍摄单人时就要把相机转到竖画面的位置。竖画幅取景比较适合单人肖像，因为这种画幅与头部本身或头与上身的立式长方形造型相对应。立式结构也适合拍摄夫妻照片，特别是当他们拥抱的时候，能让两人亲密无间的浪漫情调淋漓尽致地表现出来。

采用横画幅时要注意一些问题。对人物最自然的剪裁要选择在身上最窄的部位，如脖子和腰等。5．要避免刺目的光线：

拍人像最忌讳的就是使用从头顶上直射下来的阳光。它将在眼窝、鼻子周围和下巴底下造成黑影。为了避免这种破坏性的光线效果，职业人像摄影师喜欢选用开阔的阴凉场地，如晴天时大树底下，四周有大量的反射光可以对局部阴影进行补光，在人物脸上形成流畅的没有阴影的照明。如果你不得不在正午时分抓拍人像，你可以很容易地自己创造一个开阔的背荫条件，即让被摄者把背对着太阳，从技术上说这叫逆光。这对于你的相机测光系统会形成一种挑战，下面介绍的方法可以解决这个问题。为了改善用直射阳光拍摄的效果，可用一把半透明的白伞遮挡中午的阳光。另一种办法就是采用这光照明来解决问题，不过被摄者周围的强光会干扰你的测光而造成人物曝光不足。为了避免这种情况，你应靠近被摄者直接从其面部测取曝光读数。或者如果你的相机带点测光劝能，那么就用它测取被摄者面部的反射光好了。

6．选择简单的衣着：

令人目不暇接的彩色服装只会转移观众对被摄者的注意，要采用朴素的设计和沉静的色彩以突出人物神态。

人物的着装要保持简单。花哨的着装会使人们把对被摄者五官的注意力转移到人物身上。在色彩方面，保持简单的着装通常是行之有效的。鲜艳的原色能为人像增添生气，但要注意选择能与被摄者的本色般配的服装。如果可能的话，让被摄者自己选择衣服颜色，这效果会最理想，几乎所有的人都知道什么颜色会让他们最好看。

拍人像时选用简单的衣着

二：人像摄影构图

有人认为，所谓摄影就是记录下决定性的瞬间。拍摄人像，要抓住人像的神韵。

画面的和谐，完美是我们的追求。也就同时诞生了一些一般性的法则。

1．拍摄角度：

通过姿式篇，我们可以明显的感到，平行的角度是常见角度，而仰拍，俯拍都不常见。仰拍，易使得人物的下巴变宽，反过来说，也可以使人物面部变得丰满。

而俯拍，改变了身体的线条，使他变瘦，成功的利用这种变形使得人物生动起来。但因为两种角度失去了人物的亲近感，所以并不常用。

2．使用相机和镜头：

一般的拍摄应该用标头或者长焦，广角会使人物变形。

标头如果离得太近也会产生变形

长焦镜头的优点是使焦距变短，使背景虚化，更加突出人物，所以常常被使用；缺点是，用长焦的话，拍摄者与人物的距离太远了。

3． 人像摄影用光：

人像摄影的用光或者说如何照明，既是一种基本功，又是体现摄影师水平高低的重要内容。与调度人物的姿势、安排道具和选择背景相比，用光在人像摄影最终完成的影像上所起的作用是决定性的，因为摄影本来就是在用光绘图。

我们经常看到拍摄男性的照片采用的是阴阳脸布光，就是让男性面部的一部分沉入黑暗中。以面部来说，照亮光亮面的主光和照亮阴暗的面光的强度对比，称为光比。男性的光比大，呈阴阳脸样子，而女性的光比一般较小。这是有道理的。女性的美，主要是种温柔细腻的美。光比小的平光，使得女性的面部起伏不大，兼之呈现出的面部柔滑的线条，给人一种亲近温柔的可人感觉。失败案例： 由于强光照在鼻子上，使得人物有了个突出的大鼻子，同时使得脸部向下凹。

作为人像摄影，逆光是个高档次的选择。逆光和侧逆光要注意对面部暗部进行补光，否则面部就会很暗，可以用反光板和闪光灯。如果不进行补光，而又想让人物清楚一些的话，那么背景就会因为曝光过度而看不清楚。4．图底分离：

人物照的另一个原则就是让人物从画面中突出出来。方法一是色彩，根据背景色选择着装颜色，使人物从背景色中分离出来。

有的时候，为了保持主体与环境的整体统一，人物着装与背景用同一种色系。此时，背景和主体的繁杂与重复的对比，也可以使图底分离。

图底分离的另一个更为常见的方法就是让背景虚化。这是在外景拍摄中的常用手法。

当然，图底分离同样存在色彩的对比与搭配问题。虚化背景的方法，一是使用长焦镜头，二是开大光圈。使用单反相机时，一定要注意用手动功能，把光圈开到最大，否则下面照片的背景虚化效果是出不来的。5．整齐： 许多景点的拍摄中，我们常常采用的是对称的构图，这里要强调的是对称中的细节不能是完全对称。对称构图，给人一种稳定感，所以常常用来表现安静，庄重的女性。

一张照片应该是相似与变化并存的

6．前景与后景：

之所以选用这张照片，是因为作者构思的巧妙，主体的人物其实是“镜中人”，前后景中的植物，将主角包含在中间，引起视线的注意！前景中的树丛，遮挡掉了因为蹲姿可能带来的身体臃肿感。7．人像背景的选择：

以人物为主体的照片，背景的作用十分重要，通过人物与背景的相互关系可揭示人物的内心世界。从人像摄影的实践来看，背景可能是多种多样的，有平面的，有纵深的，有室内的，也有室外的„„如何借背景刻画被摄人物的性格特征，可从以下几方面来考虑：

（1）根据照片所欲阐明的主题来选择背景

拍摄人物照片，摄影者通常具有很明确的创作主题，由于主题的不同，摄影者在选择背景时就应根据具体的情况分别予以合理的取舍。譬如欲显示被摄者的职业特点，我们可把其工作现场作为背景，并采用现场自然光线拍摄，力求画面产生常态的气氛，把环境作为画面的一个重要组成部分，以环境来衬托人，用环境来提示人物的内心世界。

假如照片反映的是人物的容貌、气质，那背景就应以简洁、朴素为佳，这样，就可以在很大程度上强化主体，使人物形象显得很鲜明、生动。

（2）根据背景的内容来选用不同的光圈

一旦确定了背景内容，采用何种方式来表现背景便成为一个关键的问题。具体该采用何种方式来表现背景，这就要看背景的内容，如果背景是整个画面中一个有机的、重要的组成部分，通过它可以传达出许多有助于观众了解被摄者的信息，那应该采用缩小光圈的做法，使背景的细部有相当的清晰度。要是背景仅是用来作为一种有别于主体物的影调成分出现在画面中，就可以采用放大光圈的方法，让其在画面中显得模糊。

（3）掌握背景在画面中所占位置的比例

背景在画面中究竟该占多大合适，没有一个规定，但是有些原则是可以参考的。如你拍摄一幅表现被摄者职业的环境肖像，那么背景可以用得大一些，只要不是大到喧宾夺土的程度即可。拍摄人物旅游照片，画面中有名胜古迹出现时，背景所占的地位也可以尽量多些，避免把景色拍得残缺不齐。还有，拍人物全身像背景宜多些，以免造成局促感，而拍胸像照、头像照，背景则宜少些，使观众的视线更集中于主体之上。

（4）避免一些不良的背景

好的背景能起到烘托、美化被摄人物的作用，而不良的背景则会影响画面的美观。在摄影中，以下一些景致一般不宜充当背景：

 景物零乱繁杂。

 喧宾夺主的亮色块的景物。

 具有冷色调的景物（因为当它反射到被摄物脸部时，会使人物显出一种病态的样子）。 反差异常强烈的景物。三：人像摄影关键要素

1． 什么是人物摄影？人物摄影成功的关键是什么？

人物摄影是以静态或动态人物为被摄对象，着重描绘其外貌和精神面貌，从而直接表现人的一种摄影。凡是内容涉及人物而以人物为主体的各种题材，都属于人物摄影的范畴。诸如：人像、家庭生活、亲朋欢聚、情侣相悦、婚寿礼仪、童年纪实、校园动态、老人晚景、旅游揽胜、时装穿戴、舞台演出、体育活动、工作现场、佳节盛会、风土人情、社会新闻、人体艺术等，题材广泛多样,到处可选。总的来说，摄影艺术领域里，与此相应的具体门类，除人像摄影外，更有家庭、儿童、旅游、婚礼，以及体育、舞台、社会纪实乃至人体等多种摄影，各具特色，相互关联，又常兼归于人物摄影系列之内，统称为人物摄影。

自从1839年摄影术诞生迄今为止，人物一直就是摄影艺术中的主要课题，而归纳人物摄影成功的关键，在于“形神兼备”。在现实生活中，每个人的外貌和性格特征各不相同，精神面貌更是千变万化。一幅人物照片，如果抓住了被摄对象的神态和情感，但外貌没有表现好，就经不起细看, 缺乏应有的艺术表现力；反之，如果外貌酷似，而神态和情感未经刻画，则人物表现势必呆板，没有韵味。因此，人物摄影不能限于拍像，而是应当根据主题，对人物的外貌扬长避短，突出美感，以便通过外貌，能更好地传达和刻画人物的精神面貌，从而使照片中的人物看起来比真实的被摄对象更美、更生动、更有精神。只有首先作到“形似”，才能传神。

为使人物摄影符合“形神兼备”的要求，摄影者除正确掌握照相机使用技术外，还要在观摩优秀摄影作品和学习有关摄影知识的基础上，经常对生活中的各种人物细致观察，认真思考，养成敏捷的思维和判断能力，以便在人物摄影实践中，能别具慧眼，刻意求新，不失时机地选取题材，并抓住被摄对象典型而生动的瞬间，拍出一幅幅栩栩如生的人物照片来。

2．人物摄影有哪几种拍摄方式？

人物摄影的拍摄方式，不外乎摆拍、抓拍和摆抓结合三种。各有特点和要求，又互相联系，互相配合，分别构成人物摄影所不可缺少的造型手法。（1）摆拍

即整个摄影过程中，始终让被摄对象完全知道有人在为自己拍照，从而使摄影者可有较充分时间，在做好拍摄准备并对被摄对象加以摆布后，完成拍摄。因此，这种拍摄方式也称为摆布，或者可以叫做主体全知的拍摄方式，为肖像照、团体照、纪念照、广告照等所采用。但在摆布的情况下，摄影者应多方设法，使被摄者思想放松，以便配合拍摄。（2）抓拍

即整个摄影师过程中，根本不让被摄对象知道有人在为自己拍照，就由摄影者直接摄取人物活动中的典型而生动瞬间。因此，也可以叫做主体不知的拍摄方式。采用这种方式拍摄，也许构图、用光不尽人意，而被摄影对象却处于无拘无束的活动状态，神情举止都较自然。但被摄者需要较丰富的生活经验和敏锐的眼力，在转瞬即逝的各种人物活动中，善于抓取被摄对象最典型、最完美、最耐看的时刻，及时按下快门。（3）摆抓结合

即整个摄影过程中，虽然让被摄对象知道有人在为自己拍照，但并不告知确切的拍摄时间，以便使被摄对象的注意力仍集中于所从事的事物，而摄影者得以有一定的时间，选择最佳角度和光线，并经过较小范围的调整和摆布，在适当时间按下快门。这种拍摄方式，兼采摆拍和抓拍两者的长处，做到抓中有摆，摆中有抓取。因此，又称为摆摆抓抓，也可以叫做主体半知的拍摄方式。

3．人物摄影怎样布局？

人物摄影的布局，要根据主题要求，简化和排除与主题无关的一切东西，将主体人物安排在主导位置。这个主导位置，不宜处于画面的中央，因为这样似乎使画面分为两半，显得呆板、生硬、缺乏艺术表现力。通常，主体人物可安排在黄金分割点上。此外，还须注意，人物和其它景物的安排，要主次分明、疏密有致，不可堆积充塞。有时，除了对主体人物的位置作适当安排外，往往还要通过另一些人物和景物，起到培衬或均衡的作用。关于动态人物照片，例如幼儿学步、自行车比赛等，则要在动态人物的前方，多留些空白部位，以便可有向前伸展的余地，从而符合平时观察事物的习惯。

4．人物摄影怎样掌握画面均衡？

均衡，是力学上的一个概念，应用于人物摄影构图，就是指画面中的被摄对象处于相对平衡状态，从而使人物照片能在视觉上产生稳定感、舒适感。为了掌握人物摄影画面均衡，一般要注意安排以下几个方面：（1）人物头脸方面

人物摄影的头脸，在视觉上，脸部为重，后脑较轻。因此，拍摄侧面像时，影像需偏后一些，甚至后脑的后面可不留空间，使脸部前方空间大于后脑。这样，既可给脸部的视线以伸展余地，又能保持画面的轻重平衡。但也有些表现“冲力”情节的题材，人物脸部前方空间小于后脑，以致画面有失重之感，这是根据主题需要而作的特殊位置安排。（2）主体方面

人物摄影画面中，被摄对象俯、仰或倾斜等姿势，往往导致失重不稳的感觉。为此，可通过主体自身的肩头和自身的手以及与主题有关的书、花、茶杯、扇子等陪衬物体作“衬垫”，就能使失重的主体起到稳重作用。（3）主体与陪衬方面

有景物作陪衬的人物摄影题材，在视觉上，人物为重，景物较轻。为此，可将人物所占空间的面积安排得小些，而对景物占有的空间则安排得大些，以取得画面均衡。例如，拍摄人物写字的半身场景，其中较大面积的人物，可安排偏于一边，与此相应，在桌子的另一边，可放置墨水瓶或砚台等对象，使画面得以保持均衡。（4）明暗深淡方面均衡

人物摄影构图中，对于明暗深淡，视觉上的轻重也有所不同，一般以深色为重，淡色较轻。通常，可用小面积的深色块与大面积的灰色或淡色块进行平衡。如果某一部位太深或太浅，轻重不够协调，可在太深的部位选择淡色的景物作“衬垫”；也可在太淡的部位选择深色的景物作“衬垫”。但要严格注意，深底淡景与淡底深景，都要有一定的对比度，才能起到增减重量、平衡画面的作用。（5）色彩方面

篇3：数码摄影基础课程

任务驱动教学设计是从学生的基本心理需求出发, 它主要是一工作过程为基础展开的一种探究式教学方式, 通过教师把所需要教学的新知识植入到一个或者多个工作方案中, 通过一定的引导, 让学生在执行任务的过程中, 明确工作过程的重点。在老师的指导和帮助下找出解决问题的方法, 通过一系列任务的完成, 满足学生的成就感, 他们才会感到学习是有意义的, 才会愿意学, 才会学得好。

与传统的教学方法相比, 该方法有着三个明显变化, 即, 教学中心从传统的教师专项了学生;把传统的课本教学转化成了任务教学;把传统的课堂教学转向了具体的工作任务。并在课堂中教师除了对相机的使用方法进行教授以外, 还能够逐渐提升学生的审美能力与创新意识, 让学生知道了“怎么拍”和“拍什么”。培养学生高素质、高技能的综合职业能力。

二、基于工作过程为导向的“任务驱动式”教学法课程设计

在进行数字摄影教学时, 最为重要的环节就是对学生学习兴趣的激发, 跳动学生的学习热情。在借助网络教学进行摄影欣赏的同时, 可以通过对各类摄影作品的创作思路以及表达手法进行分析从而激发学生的穿凿欲望。其次在欣赏不同创作手法与风格做平的同时, 还可以对学生的视野进行进一步的扩展, 增强学生的创作灵感。最后, 在对学生作品的展示, 可以增强学生的自信心, 让学生真正的知道摄影创作斌不是高不可攀的, 以此来增强学生的学习和创作欲望。

“任务驱动式”教学法的设计 (以第二单元为例)

三、任务化教学在高职艺术设计专业数码摄影课程的应用

本文將从“设计任务”、“执行任务”、“成果展示互评”三个方面进行阐述。

(1) 设计任务

为了培养学生的感受力和观察力, 任务命题为“春赋”, 授课时正值春天。任务的完整性和可行性是必须考虑的, 从任务设计直至完成, 都必须保持在学生的认知范围之内。

选题考虑到同学们切身感受的生活实际, 所以可操作性很强, 不会“无物可拍”, 在基本掌握摄影的器材使用和基本技能的基础上, 完成自己力所能及的作品时, 不会出现挫败感。

任务制定后, 可以用1课时的时间, 讲解任务中可能涉及到的技术问题与评价标准, 介绍观察方法和表现手法。

(2) 执行任务

任务化教学的关键在于任务的执行, 在任务执行的整个过程之中, 学生能够让自己的知识、情感、意境得到充分的提升。目的为了培养学生的创造性和创新能力, 提高审美修养。任务执行前同学们已有了浓厚的兴趣和强烈的创作欲望。再按照任务需要分组, 一般按照自由组合为宜, 3-5人一组, 每组执行前先确定好任务方向。

因为分组较多, 不能每组都跟进指导, 可以结合学生创作主题的难易程度、创作的新颖独特情况予以指导。指导中尽可能让学生自己动手, 感受实践工作过程, 真正做到“在做中学”, 在动手中积累经验建构知识。

(3) 展示与互评

任务展示与互评是验证任务效果的重要环节, 老师可以安排每组中的一个同学进行任务做平展示, 在说明穿凿思路、过程的同时, 还必须要求其对所使用的摄影技术、表达主题进行讲解与疑问解答。这一过程能够真正的实现学生之间的相互学习、取经, 在学生和老师之间充分的获得只是养分。

学生在实践工作过程中对技术上的运用很有兴趣, 如:这是“怎么拍的?”, 其实要想回答此类问题, 技术问题是最为直观的回答方式, 它也是最容易触及的, 老师在对学生深度讨论与思考进行引导的同时, 应该仔细的对自己多补充的内容进行推敲, 教师要善于发问, 启发思考。

篇4：数码摄影学堂——基础篇(7)

不知不觉，半年多过去了。今天我们要上的这一课，是数码摄影学堂基础篇的最后一课，这一课的内容，还是与光线有关。Tom Xu疑惑地问：“我们不是学过曝光，也讲过如何运用光线了么？怎么这一次还是老生常谈！”没办法，谁让摄影是门光线的艺术呢？有好光线要拍，没有好光线创造光线也要拍！这就是闪光灯的用途，别把这三个字看轻了，想要研究清楚，玩得转，学问大得很呢！

闪光灯的基本知识

闪光灯分为很多种类型，常见的有相机上面自带的小型闪光灯，支在相机脑袋瓜子上外置闪光灯(新闻记者必备)，用于影棚影楼、需要外接电源并支在专用架子上的大型外置闪光灯等等。

即便是一个卡片式的小数码相机，也都具备内置的小型闪光灯，如图1，而专业一些的高端数码相机的内置闪光灯是弹出式的，平时蛰伏在机身顶部，关键时刻按下按钮就会弹起，闪得你眼冒金星(如图2)。

安装在相机顶部的外置闪光灯，是通过一个卡槽连接在相机上的，这个连接的卡槽，叫做热靴(如图3)，没啥典故，英文Hot Shoe的直译而已。

通过这个热靴，你可以安装上相应规格的外置闪光灯，如图4。

许多人可能会纳闷了，既然相机上已经带内置的闪光灯，还要外置的干什么？功率更大、控制更灵活是主要的两大原因：

在这里我们有必要普及以下有关光的物理知识：光(电磁波的一种)的照射(辐射)强度和到光源距离的平方成反比，也就是说同样强度的光源，照射到2m外的强度是1m外的1/4。相机闪光灯使用一个叫做闪光指数(GN值)的参数来描述闪光灯的最大功率，这个指数除以光圈值，所得出的结果就是该闪光灯所能够覆盖的最大范围。以上的描述有一个前提，就是相机的感光度为ISO 100。

普通的数码相机内置闪光灯指数通常只有10到12，就算是在F2.8的较大光圈下，也只能照亮约4m远的物体。

能否理解闪光灯的工作距离(最大照射距离)是普通人和摄影爱好者的最根本分别。大家应该经常在电视上看到，在大型体育盛会的开幕式上，场地看台上不时有闪光灯一片狂闪，其实这些闪光灯对于数十甚至数百米外物体的照明作用可以忽略不计。

外置闪光灯的闪光指数通常达到了30至50，甚至还有更高的，这意味着配合F2.8左右的光圈，可以照射到接近20m的范围，一般的会议、小型演出、新闻发布等环境下，外置闪光灯的工作距离都足够。指数高是一方面，另一方面外置闪光灯所在的位置比镜头高出不少，与成像的光路形成了一定的夹角，这样能够减少眼镜、玻璃、漆面等反光、减轻被拍人的红眼现象。你还可以个把闪光灯的灯头角度任意调节，让它朝向天花板或者墙壁反射，取得更好的闪光效果(后文详述)。

至于影棚、影楼的大型外置闪光灯，对于初学者来说暂时很少接触，如果有机会我们会在将来的课程中介绍。

如何让闪光效果更出色？

了解了有关闪光灯的基本知识后，相信对于一些实用技巧就会更容理解。我们下面来教你一些小贴士：

何时需要使用闪光灯？

虽然本课的主题是闪光灯的使用，但有一个建议还是不得不说：只要光线允许，还是尽量利用自然光、环境光线进行拍摄，这样能够更好地还原现场的气氛，而无论你如何想方设法去控制闪光灯，总会对现场气氛和光线造成影响。对于静止的物体，加上三角架在弱光下拍摄得到效果不会让你失望;如果光线弱并且被摄物体是移动的(或者不稳定的)，你就需要使用闪光灯了，这也就是所谓的没有光纤创造光线也要拍。此外，当你逆光拍摄人像时，由于背景太亮，拍出来的照片人脸发黑，这时候也需要开闪光灯。

统一场合下闪光与不闪光的气氛对比

如何避免被摄人出现红眼？

用闪光灯拍人物是我们最常遇到的情况，比如出去游玩，到了灯火通明繁华热闹的地方，你想来一张到此一游，又或者是你要拍摄站在昏暗主讲台上的演讲者，就需要用灯去“晃他”。

然而在昏暗的场景下，人的瞳孔(即眼球的光圈)会放大，眼底的血管会被闪光照亮而发红，这就是常说的红眼现象。使用闪光灯的防红眼功能有一定作用，它可以先预闪一下刺激被摄者的眼睛收缩瞳孔，这让眼底的血管就不那么明显了。使用外置闪光灯也有一定作用，因为闪光方向与成像方向有一定的夹角，反射主轴是偏离成像方向的，红眼现象会有所减弱。

当然最好的办法是把闪光灯脱离机身，使用热靴延长线，将闪光灯用手举高或者举偏，这样能够更好地消除红眼现象。

如何平衡闪光与环境光的平衡？

在夜间拍摄人像的时候，你经常会苦恼：不开闪光灯一切都是虚的，开了闪灯则之后人是亮的，背景一团漆黑，根本看不出来是在哪拍的。这个时候，你需要使用慢速快门，或者提高感光度并对背景测光来确定拍摄时的快门和光圈。

慢速快门比较容易理解，在闪光的一瞬间，主体人物被照亮并凝固，剩下的时间较慢的快门速度会让背景环境充分曝光。但大多数时候，没有带三脚架的你无法保证这样慢速快门的稳定性，这时候就需要提升感光度来加快快门速度，按照拍风景的办法先保证背景能够正确曝光，然后在手动曝光控制下打开闪光灯，从而使主体和背景都曝光正确。这一点对于逆光拍摄人像也是适用的。

如何使闪光效果更柔和、更均匀？

在拍摄人物时，就算你使用了外置闪光灯，所获得的照片也经常会显得太生硬，人物脸上一片惨白，没有任何层次和色调，并且可能还会把细微的出汗拍成油光满面的效果。在这个时候，你需要尝试使用闪光反光板或者闪光柔光罩，使闪光变得均匀柔和，另外一个办法是充分利用天花板。如果天花板高度不是很高(5m之内)，如果天花板不是镜子，如果天花板不是深色(好像大多数房间的天花板都是浅色甚至白色)，那么你就可以让外置闪光灯的灯头朝向斜上方，利用天花板反射的光线来照亮人物，只要你使用得当，效果会远远胜过直接闪光。

题外话：使用闪光的礼节

请记住：不是所有的场合都适合使用闪光灯，一些场合下使用闪灯是很不礼貌的，甚至是很不应该的：

音乐会、舞台表演等最好不用闪光灯，一方面是闪光灯会对表演者造成干扰，另一方面舞台的灯光设计都是很完善的，并且灯光亮度非常高，不用闪光灯也能获得足够的快门速度，并且更有利于气氛还原；

体育比赛请勿使用闪光灯，例如台球、射击、跳水、棋牌类、保龄球等等，你的闪光灯会严重影响选手的视线和思维；

对于婴儿不要使用闪光灯，因为婴儿的眼睛发育还很不完善，不具备对强光的自我保护能力，所以闪光灯会损伤婴儿的眼睛；

博物馆、文物展请勿使用闪光灯，因为闪光可能会对古老的文物造成损害，加速老化。

篇5：数码摄影学习心得

这次看到苏州市教师网上培训中有数码摄影技术培训，我毫不犹豫地选择了数码摄影技术培训。在整个培训课程学习过程中，我怀着饱满的学习热情认真学习,坚决看完并且消化每一次课程。虽然这是一次网络培训，但我倍感珍惜。通过网络学习，跟着专家引领进行实践，对摄影技术中关键要领如光圈、快门、感光度等有了较多的认识理解。另外，与其他老师的交流也使我受益颇多。以下是这次学习的心得体会：

二、曝光时力求保持相机的稳定。

作为新手来讲，有时相片影像模糊并不是由于对焦不准，而是因为相机把持得不稳。一般情况下，对于新手来说，当曝光速度低于1/60秒时己有可能影响成像的清晰。要保持相机稳定，一是要持机姿态和力度正确，二是要按快门键的力度适当。要练出这个基本功看来似乎很简单，却非一日之功可得。

其一最简单，就是给身体或手找个依靠物;其二，把相机皮带挂在脖子上，把相机向前抻至皮带拉紧，就形成了3点支撑，持相机的稳定度就大大提高了。第三个办法就是用三脚架。

三、扬长还要注意避短。

数码相机的摄影响应比较迟钝，从按下快门到摄影启动的这段时间明显要比光学摄影长得多，所以拍摄运动中的物体时往往抓不住或抓不准镜头。这方面还需要继续训练。

四、独特的拍摄角度与别致的构图。

艺术贵在创新，不但体现在意境上，同时也应体现在画面的形式美上，要使作品别开生面，耳目一新，就要通过形式美的手段，不断创造新的视觉感受。

关于构图，运用黄金分割、井字格焦点等原则，就像是画国画有一条原则：注重“留白”，也就是说不要把画面填得太满。

通过这次摄影学习，使我更热爱这个世界，热爱美好的生活。我也正如热爱生活那样热爱着自己的工作。我会把摄影当作自己生活、工作中的一种爱好，甚至是一部分，用我手中的相机去留住生活中最美妙的时刻。

关于教师网上培训，我觉得是一种非常好的形式。这种基于互联网络和远程教育网络进行培训形式，我认为有下面几大特点：

1.快速通畅。学员有问题，在很短时间内就可以通过qq群与指导老师和其他学员交流。

2.经济节约。网上培训只需电脑和互联网络，教师不用出门，就可以在网上和指导老师以及其他学员进行沟通，反映情况，研究问题，节省了出差的费用和时间以及购买资料的费用等。

3.灵活多样。网络培训可以采取双方认可的任何形式的交流、研讨。可以发邮件，也可以写下来作延时交流。内容可大可小，时间可长可短，人数可多可少;可以上班时进行，也可以下班后进行;可以在办公室、电脑室进行，也可以在家里或在网吧进行。不受人数、时间、空间、内容、方式的限制，更容易取得实效。

4.针对性强。直接地、有针对性地解决学校和教师发展过程和教学过程中的具体问题。

5.受益面大。主要体现在两大方面一是教师得到发展，有更多的教师能够享受到优质教育资源地培训，从而提高教师的专业水平。二是学校得到发展。教师专业化水平提高，解决学校和教师教学中的实际问题，缓解教师的压力，使学校的教学质量有可能得到大面积提高。

一、多拍精选。

篇6：数码摄影学习心得

一、摄影感悟

1、感悟很重要。摄影是一种感受!是对生活对人生甚至人性的感悟与理解。摄影有三种境界“初级的比设备、中级的比技术、高级的比思想”，说的就是这个意思。比如我平时拍照时，很少采取多方位的角度，尤以平视的角度拍摄为多，这样的角度拍摄的照片，当然感觉视角平平，没有冲击力;另外，我这个人拍照时，喜欢大而全，这样，有些照片拍出来后，让人感觉杂了点。在此，特别感谢领导和同事们给了我许多中肯的意见和建议，对我的帮助是巨大的，更是我进步的动力和源泉。也让我真切地领略到“峰回路转”的洒脱，“蓦然回首”之后的轻松。

2、既要“悦目”也要“赏心”，形神兼备。外美与内美的统一，才能做到赏心悦目而经久耐看。单纯追求光影或者色块线条构成，只能得到形式美，照片没有内涵是不耐看的。例如:拍风景不是地图记录;拍摄花草鸟虫，不是为了搞标本，而是要拍出神韵和趣味来，这就要求带着爱心和感情去拍摄。二、摄影体会

1、劝君用好说明书，少走弯路快提高。要学好用足相机的使用说明书，现在数码相机的说明书编写得还真不错，初级指南、高级指南分开来，循序渐进，使用起来还是很方便的。阅读说明书与拍摄实践应同时进行，循环往复，逐步掌握和提高。出门时把说明书带在身上，遇到问题翻一番，还真是管用。对说明书，要看细、看透，每看一遍你都会有新的收获。

2、曝光时力求保持相机的稳定。一般情况下，当曝光速度低于1/60秒时已有可能影响成像的清晰。要保持相机稳定，一是要持机姿态和力度正确，二是要按快门键的力度适当。要练出这个基本功看来似乎很简单，却非一日之功可得。其一，最简单，就是给身体或手找个依靠物;其二，把相机皮带挂在脖子上，把相机向前抻至皮带拉紧，就形成了3点支撑，持相机的稳定度就大大提高了。第三个办法就是用三脚架，最好用10秒延时拍摄。

3、善于选择天气和时段。同一个风景和景物在不同的天气，拍出的照片效果大不一样。比如晴天和雨后拍的照片清晰、锐度高、色彩鲜艳。这是因为光照好以及光的散射少。拍风景，天气不好宁可不拍。要想景物清晰、色彩明快，并且背景有蓝天白云，必须顺光拍;逆光拍，色彩不那么艳丽，天空白苍苍的没有生气(要逆光和剪影效果例外)，要学会选择时段。景物面向东的，上午拍;面向西的，下午拍。

4、熟练掌握自己的相机。要拍好照片，拍摄技术是基础，也就是熟悉相机的光圈、速度、对焦、测光、白平衡等等功能以及电脑的图片处理软件的功能，想要对拍摄技术熟悉掌握，应该多用手动档去拍摄;前期拍好了，尽量减少对后期电脑处理的依赖，以免处理过火而失之自然。

三、工作照片的拍摄技巧

1、关于会议摄影及人物摄影。会议摄影不受时间限制，可以随时拍摄，技术必须是“狠、稳、准”，要动中有静，静中有动，有情有趣。对于人物摄影应该具备敏锐的形象观察力，善于利用摄影的视觉语言传达信息和感情，对形象的变化有细致的辨别能力，并熟练运用摄影的造型技术和技巧，也是摄影取得成功的原动力。只要我们比平常人多用一只眼睛去观察，那只眼睛就是心灵，用心去感受周围的人或事物，手中的相机记录的就是一个瞬间里的辉煌。

2、电视画面的摄影。通常情况下拍摄的电视画面上有快门条纹。这是我国电视系统每秒传送25幅画面，如果快门速度高于1/30秒，就会出现快门条纹。普通相机拍摄电视画面，快门以1/15秒为宜。

3、团体合影照片前几排清晰，后几排模糊。凡是多排合影照，要保证每个人影像清楚，就要做到三点:一是选择性对焦。五排人合影，选择第二排的对焦;七排人合影，选择第三排人对焦。二是光圈不要设定太大，一般以f4-8为宜，以保证有足够的景深。三是快门速度不要低于1/60秒，以免有人头部转动使影像发虚。

4、主体人物模糊，背景清晰可辨。有两种可能，一是手动对焦相机对焦时，焦点没有对着主体或是主体对焦后，在构图中又移动了位置，未重新对焦，使主体不在景深范围之内;二是使用自动对焦相机时，没有按快门“锁定”焦点再重新构图，使焦点在构图中向别处飘移。

篇7：数码摄影的常用技巧

一、摄影，你最需要什么？

请牢记纽约摄影学院摄影教材中的最经典的三条基本原则：

1．一幅好照片要有一个鲜明的主题（有时也称之为题材），或是表现一个人，或是表现一件事物，甚至可以表现该题材的一个故事情节。主题必须明确，毫不含糊，使任何观赏者一眼就能看得出来；

2．一幅好照片必须能把注意力引向被摄主体，换句话说，使观赏者的目光一下子就投向被摄主体；

3．一幅好照片必须画面简洁，只包括那些有利于把视线引向被摄主体的内容，而排除或压缩那些可能分散注意力的内容。

只要根据这三条基本原则开始思考，你就会发现你作为摄影者的生活开始发生变化。你会用新的标准去观赏一幅美丽的照片。更重要的是你会用全新的方式去观察这大千世界，从而用全新的方式捕捉画面。你会开始运用摄影家的眼力通过取景器去观察世界！

这里所讲的三项基本原则，是你赖以进步成长为一个摄影家的基础。

二、摄影基本技巧

随着数码的不断普及，数码相机(DC)已不再是罕有的物体。而数字化的今天，对人们在原来的拍摄技艺的基础上又提出了新的要求，不少初级用户反映：数码相机拍摄出来的图片暗淡，欠缺活力、噪点多、景深浅（特别在微距模式下）、 等。但摄影本来就是心灵与光线沟通的桥梁，要掌握传统拍摄技艺并非易事。下面就让笔者为大家简述一下数码相机在拍摄中必需注意的问题，同时也讲述一些拍摄前后的事项。

1、浏览说明书

很多用户都不喜欢厚而繁琐的产品说明书，一般数码相机购回后都喜欢自行摸索。当然，在摸索过程中会出现一些惊喜，但这会花费不少的时间，而且也不能以最短的时间系统了解你手中产品的特性；如果看过说明说后再操作的话可以避免一些错误操作。因此在初接触新品时，应简要先浏览一回厂家为大家用心汇编的说明书，熟悉一下数码相机的基本菜单与功能。以后再有所不明时也可以翻一翻它，会有所收获的。

2、合理选用图像格式

我们都很清楚，数码照片的质量与象素（分辨率）有关，象素越高图像质量就会越好。而经实际情况的推算，200万象素的数码相机大约与1200dpi的扫描仪拥有同等的数字影像撷取能力，而600万象素的数码相机则可视为与2400dpi的扫瞄器同级。若只是使用一般的平台扫描仪进行相片数字化，那么数码相机只要200万～300万象素就可轻易地胜过35mm相机了。不过，如果输出4“x6”，约A6大小，使用200-300万象素足可满足一般人的需求。而若只是用于电脑72dpi的显示器，要求就更低了，分辨率为1024X768，才约为80万象素，任何一台二百万级别的DC都可以游刃有余。因为数码相机储存空间有限，因此我们要因地制宜，合理选用分辨率，如：只用于PC的，对于本人的SONY DSC-S75一般使用1280X960；如应用于印刷，一般采用1600X1200；拍生活照时当然用2048X1536。在要求不高的情况下，压缩标准也采用STANDARD，这可比FINE的压缩标准存多一半的图片呢！

3、构图与思考

对于摄影有一定了解的用户来说，都清楚明白准确构图的重要性。如：若不是拍摄特写，一般应把主体放在画面的1/3处，同时尽量避开杂乱的背景，从特别的视角来拍摄，尽量捕捉物体的细节与个性，利用一些斜线或曲线的背景构图会让整体画面看上去更为生动。

另外，我们要善于运用二维的眼光观察。因为摄影只有二维空间，它通过透视关系（即光和影的造型效果为参照物）来表现空间感，不同于从两个不同角度观察事物的三维人眼。不过，现时的数码相机绝大部份都有直观LCD取景屏，而且其视野率均在90%以上，有些接近100%，如S75就达99%，

资料

可以直截了当地观察到空间感和距离感是否足够，可做出及时的调整。不过一般的数码相机LCD的分辨率都比较低，清晰度一般不能令人满意，但笔都对S75还是挺满意的。可也不能迷信于它，因为在实际上使用中发现：在LCD中显示曝光轻微过度，在电脑的显示器中显示曝光量度刚好。这也是有部份用户总是拍出暗淡图片之因。 而且LCD耗电量也一直让“色友”们头痛，因此有不少“色友”在拍摄中还是习惯于使用光学取景器，就考虑到光学取景器的视野率只有80%-90%，而在拍摄近特写还要记得它可是旁轴的呀！当然，想拍出壮观的画面还得闭上一只眼睛，用两只手的拇指和食指搭一个“镜框”，把眼前的景象想象成一幅印在书里或挂在墙上的`画……

??总之，相机是拍摄的结束，之前的过程才是关键。

4、不要迷信DC的自动模式

首先，和传统相机另一个最大的差别是DC有一个白平衡。这有点类似于传统摄影中的色温，也正是由于初学者没有重视这白平衡，所以才会生产 。DC一般都提供有自动、室内、室外、手动四种模式，初学者都信赖AUTO，可往往拍出的图片偏了某一颜色，只要我们细心注意LCD取景窗是可以看出的。当我们刚拍摄到某一实物，该实物一般偏重某一颜色，假如蓝色，这时DC的白平衡会自动偏向于蓝色，再拍摄其它实物时自然也是会 的了。这点虽然在LCD中会体现出来，但初学者一般都没发觉。同时，有些模式也不尽完善，如：SONY的DC在室内模式下都有“蓝色综合症”现状，因此我们还是尽可能使用手动白平衡为好。而且，还要密切留意LCD的色彩变化，一发现该白色的不是白色，就得重新对白色的实物取光修正白平衡。另外，有些数码相机也具备了自动包围式白平衡的功能，以便记录准确的色彩信息。

其次，光圈、快门的控制。建议若有手动的也应使用手动模式，因为自动模式下通常拍出来的图片暗淡，特别是窗内，噪点也多。因为在室内拍摄时，DC一般会自动提升ISO值，如：SONY DSC-F505V在室内一般达282左右，而感光度与影像质量成反比关系，即选用的等效感光度越高，影像质量越差。这和传统感光材料的特性类似，只是在数码相机上这种特性表现更为明显。因为传统摄影中，我们通过选择不同的感光度胶卷或者通过“提速增感”来改变拍摄时的感光度，但是数码相机就不能这样做，它只能通过提高CCD的灵敏度以及电路的增益来提高CCD的反应速度，即牺牲滤波性能和分辨率指标为代价，这样做就会产生一个信号噪声的问题，并最终在画面上留下痕迹，这一点和传统的高感度胶卷的粗颗粒十分类似。所以在用数码相机拍摄时，若想获得好的成像质量应尽可能地选择低的等效感光度，或直接固定在最小值。

再次，DC都有微距模式，而且数码相机的广角一般较大，达F2.0左右。在自动模式下，相机的程序也倾向于使用较大的光圈以缩短快门时间，防止震动。但摄影常识告诉我们，照相机镜头的收缩一般从最大光圈收缩两级左右拍摄的照片效果最好。尤其是在微距模式下，如：SONY DSC-S75在拍一些手机按键时，只有中间部份清晰细腻，周边的都带轻微的模糊。因此，我们最好使用光圈先决或全手动模式，使用较小的光圈以扩大景深。如果相机没有光圈优先功能，可以试着尽量提高环境亮度，让相机自动选择较小的光圈或者使用闪光灯，图像质量也能有所改善。

5、正确用光、与光线对话

光是摄影的灵魂。因此我们要留心光线的变化，不仅是光的强度，还有光的方向，用心与光线对话。如：落日把晚霞染成红色，象征着浪漫；阴暗的天空呈现出灰色的冷色调，象征着忧郁；树荫中撤下一束阳光，透射出欢乐、愉悦的情绪……。

分辨光的强度

讲究用光角度

数码相机摄影技巧

篇8：数码摄影基础课程

1数码相片后期处理的功效

数码照片处理技术, 就是如何通过电脑软件对照片重新编辑和润色。Photoshop的广泛应用正说明了它图像处理技术强大全面, 如果能够熟练掌握该技术, 将会对实际的工作生活带来极大的效益。数码照片处理就是对各类的数码图片或使用数码相机拍摄的数码照片使用图形图像软件进行编辑处理, 以达到美化和修饰照片的目的。创造性的想象成就了数码照片如今的地位, 要实现创造性的想象就需要掌握数码照片处理技术, 数码照片的创作才能体现出数码照片处理的境界和发展方向。

数码照片处理技术可以说是摄影爱好者以及美术设计工作者的一个新世界。[1]以现有的技术条件, 数码照相机中接受图像的是对光线非常敏感的电荷耦合器组成的传感器, 它能将不同的光能转换成相应的电模拟信号, 然后将这种不断变化的电流变成用来表示数字的电流脉冲, 并将这些数字电信号送入数字存储器内储存, 所以在色彩还原、解晰度等技术指标方面未能达到传统的胶片相机。数码照相机拍摄拍摄出的照片进行后期处理, 是专业设计、专业的摄影不可缺少的一步。经过后期处理可以表现出对自然色彩的主观印象再现, 通过图像软件进行再次编辑, 把图像的色相、明度、色彩饱和度、曝光、锐度、等进行重新编辑、调整, 使照片的色彩更圆满、更丰富多彩。在数字摄影技术革命之前, 摄影师只能使用暗室对照片进行缩放, 调整对比度、色彩饱和度, 并通过对照片的特定区域加光或减光来改进照片的效果。

2 Photoshop的“暗房”

Photoshop对图像的色调调整主要是对其明暗度的调整, 包括“色阶”、“自动色阶”、“曲线”3个命令。图像的色调调整主要是对图像色相、饱和度、亮度以及对比度等属性进行调整, 在Photoshop中有对比度、色彩平衡、色相/饱和度等。在我们的数码照片中经常会出现照片曝光不足、曝光过度或反差不足, 使很多照片看上去太暗、太亮或灰蒙蒙的一些情况, 这些由于当时的环境、技术等原因造成的, 我们可以通过简单调整图片的色阶和曲线来解决这一问题。

一幅需要调整数码相片, 我们要针对它所使用的要求来进行处理。如果仅仅是为了弥补前期摄影所造成图片清晰度、光线等不足, 通过photoshop菜单命令图像—调整中使用它的自动调节功能“自动色阶”、“自动对比度”和“色彩平衡”, 可以根据照片的情况单独或综合使用, 这些命令使照片在曝光基本准确的情况下取得一个明显的增色的效果, 以达到对数码照片调整的一个基本要求。

色阶是Phontshop增强图像反差的一种方法。RGB色阶是衡量像素明暗的一个尺度, 红、绿、蓝各个通道分别有它们各自的色阶来表示像素。色阶表示的是图像亮度强弱的数值, 色阶图自然就是一张图像中不同亮度的分布图。横坐标表示“色阶指数的取值”, 标准尺度在0~255之间, 0表示没有亮度, 黑色;255表示最亮, 白色;而中间是各种灰色。纵坐标表示包含特定的色阶值的像素数量, 所以色阶的像素越多值就越大。调整图片的时候色阶的曲线图中显示的横轴表示色阶值, 而竖轴表示图片中是这个色阶值的像素的数量。调整色阶能改变较高的饱和度和过多的反差。自动色阶命令对照片会很均匀的把RGB三个通道色调平分, 所以在需要一些特定的色调时候就会造成色彩的失衡, 这种情况下就应该使用色阶命令来调整。色阶是在图像颜色淡, 颜色不分明的情况, 来调节图片颜色的对比强度, 可以让图片颜色鲜明对比更强。通俗的来说就是让深颜色更深, 浅颜色更浅。打开菜单栏中图像—调整—色阶来调整图片, 在色阶视图中, 黑色小三角滑标代表图像的暗部, 灰色代表中间调, 白色代表图像的高光。黑色滑标向右移动就会使图像的暗部更暗, 将白色三角向左移动就会使图像的亮部更亮。通过这样调整就可以使照片达到自己预先设想的效果。

在photoshop中, 曲线被誉为“调色之王”, 曲线工具几乎可以替换其他的调色工具, 它对色彩控制能力在photoshop调色工具中是最有优势的。曲线是反映图像的亮度值, 一个像素有着确定的亮度值, 可以改变它使它变亮或变暗, 甚至可以让一些很差劲的照片重新焕发光彩。在照片的后期处理中, 最简单最效率的秘诀就是掌握曲线的应用。相对于photoshop其他调色工具来说曲线是最方便快捷的一种工具, 曲线过渡点平滑, 图像对比度、色调范围以及色彩的调节都是通过简单的操作曲线就可以精确地完成。调色过程中为了节省时间, 可以选用曲线来代替其他一些工具, 特别是对同一类型照片, 如果用曲线调色并将数值进行复制, 可在一定程度上进行成批的调整。

通常数码照片中图像是三种颜色按照比例组合在一起的RGB模式, 这种颜色模式中经常会遇到室外阳光下的照片偏蓝, 室内灯光下的照片发青。所以在相机白平衡设置、光源等因素影响, 会改变某种颜色原有的比例, 即这种颜色参数过高或过低, 打破了照片中色彩的平衡关系, 就会产生偏色。调整图像的色偏是比较复杂的过程, 只是一般大多数数码相片只有轻微的偏色。用“色相/饱和度”调整色彩是大多数时候选取的命令, 它调整整个图像和单个颜色成分的色相、饱和度和明度值, 的功能全面, 也可以通过着色命令将图像调整为单色调图像。“色彩平衡”命令可以用来控制图像的颜色分布, 使图像整体达到色彩平衡, 调整图像的颜色时, 根据颜色的补色原理, 要减少某个颜色, 就增加这种颜色的补色。[2]照片滤镜适用于专业的摄影, “色温滤镜”是专用于调整进入镜头光线的色温, 以满足彩色照片对光线色温的要求。色温滤镜的作用是可以调整光源中的色温, 根据色温理论看出室内的灯光和室外的阳光的色温是有差别的, 甚至同一天当中早晨、黄昏光线的色温和中午光线的色温也不同, 所以选用合适的色温滤镜是校正出理想照片效果的一个关键。“色彩补偿滤镜”也是是一种常用的滤镜, 摄影师常用于户外拍摄彩色幻灯片。

应用photoshop的这些菜单命令可以对数码照片的色彩、曝光等等进行重新的编辑, 这对于设计与数码摄影来讲成为了一门专业技能, 在不断的学习中掌握具体的参数设置, 才能准确的让图片在原有的基础上增色, 所以要掌握好这些命令就必须要进行长期系统的学习。

Photoshop是现在摄影、设计中应用最多的软件, 它不但能对数码照片拍摄当中出现的色彩问题进行后期处理, 也可以把一些因为时间、人为原因造成残缺或是扫描出来的有污点和划痕的图像, 利用Photoshop中修复工具对一些不完善的图像, 还可以利用修复工具仿制像素来进行修改和设计。修复工具主要包括仿制图章工具、修复画笔工具、图案图章工具、修复画笔工具和修补工具。这一类工具在设计当中是必不可少的, 强大的仿造功能使我们能对数码图片的本身不足进行后期的弥补, 也是photoshop暗房功能的新体现。数码照片的后期处理也不仅仅体现在照片的润色于修复上, 更不是追求模仿传统摄影的写实的功能, 它可以利用photoshop的各种工具创作出具有数码照片特点的作品。

摘要：Photoshop的数码照片处理技术为摄影爱好者、美术设计工作者开辟了一个新天地。它是一个优秀的图像处理软件, 集图像扫描、编辑修改、图像制作、广告创意, 图像输入于一体。它具有着强大的数码暗房功能, 可以对数码照片的色彩、曝光等等进行重新的编辑, 在色相、饱和度、亮度以及对比度等属性进行调整, 让拍摄出的数码相片得到一定的增色效果。

关键词：photoshop,数码照片,暗房,后期处理

参考文献

[1]聂潇潇.浅谈数码相机在刑事技术中的应用[J].科技信息 (学术研究) , 2008.10.