钢琴即兴演奏

钢琴即兴演奏（精选十篇）

钢琴即兴演奏 篇1

关键词：钢琴即兴演奏,性质,技能标准

钢琴即兴演奏的实用性较强, 应用面较广, 其内涵指的是:钢琴演奏者结合一定的乐曲旋律在事先没有经过缜密思考、充分准备或者是事先编配和声的情况下, 能过较为快速的将旋律所表达的意境、情感等通过钢琴演奏体现出来的一种综合性的音乐艺术。主要是通过一定的和声与织体的融合, 需要演奏者具备相当强的钢琴演奏技巧、和声基础、灵活的头脑等等。在此, 笔者从钢琴即兴演奏的性质、钢琴即兴演奏的技能标准、钢琴即兴演奏技能的培养措施三方面来谈钢琴的即兴演奏。

一、钢琴即兴演奏的性质分析

音乐理论界对于钢琴即兴演奏性质的界定有着多种的说法, 可以说是从不同的角度分析可以得出不同的性质、概念界定。即:从演奏形式方面来说, 钢琴即兴演奏属于是人们大脑中的即兴思维, 是对钢琴键盘的一种自由运用和对音乐的一种自由表现, 属于是现场发挥、弹奏乐曲;从演奏的内容角度来分析, 钢琴即兴演奏内容形式不受限制, 一般是根据演奏者自己的意愿或者是观众的要求或者是一定的环境需求, 随时演奏的, 相对来说, 内容比较丰富多样, 其显著特点是演奏内容是欣赏者的共同意愿;从演奏的功能角度来看, 钢琴即兴演奏融合了人们的创新能力、想象能力, 需要演奏者有着很强的发散思维能力, 能够较好的体现音乐艺术的娱乐性和审美性。整体上来说, 钢琴即兴演奏能够充分体现演奏者的综合素质和技能, 李祥霆教授提出:即兴演奏是“思想的流动, 灵感的连接”。综合所述我们可以找出其各个观点的共性, 即:无限制性、随时性、即兴性等。由此可以看出, 钢琴即兴演奏的情境是结合环境需求一边演奏一边构思的, 最终形成完整的乐曲, 属于是音乐创作的初级阶段。

二、感情即兴演奏的技能标准

1.钢琴弹奏技能标准

钢琴弹奏技能可以说是钢琴即兴演奏的重要保障, 也是基础性的内容。演奏者必须要达到一定的标准才能够确保自己演奏思维的灵活表现。即:正确的弹奏姿势, 其中包括:演奏者的坐姿、身体姿势、脚摆放的位置、手臂和手腕的形态、弹奏时触键的手型、灵活的手指运用等;弹奏的基础知识, 主要有:连音、非连音、跳音、双音 (包括三度、六度、四、五度和八度等) 、和弦以及快速弹奏音阶、琶音等基础性的钢琴演奏技能;钢琴指法的灵活运用, 对钢琴指法能够混合使用, 即:必须具备能够运用不同的指法来即兴演奏一旋律;踏板的活用, 即:掌握不类型踏板的使用方法和技巧, 如:全踏板、二分之一踏板、四分之一踏板等等, 并能够做到钢琴演奏时的层次感、清晰感, 充分展示音乐魅力, 提升音乐表现效果。

2.创作音乐能力标准

通过对钢琴即兴演奏性质的分析, 我们可以看出, 钢琴的进行演奏过程属于是音乐创作的初级阶段, 同时也是对演奏者整体音乐素养、技能的一种考核。我们知道:即兴演奏是在毫无准备的情况下进行的, 因此, 演奏者需要有着较为深厚的音乐创作功底。鉴于此, 我们可以将创作音乐能力的标准定为:掌握基本的写作旋律, 如:曲式分析能力、和声顺序规则、音乐风格特征与织体形式相吻合等;

3.音乐综合技能标准

钢琴即兴演奏作为音乐艺术的表现之一, 其中包含了大量的细节, 如:节奏、韵律、声律等。对此, 音乐综合技能的标准也较为整合、较为有高度和难度。即:需要有着较强的音乐感、节奏感、韵律感、力度感、层次感、速度感等等。因此, 需要演奏者具有较强的音乐综合技能, 如:音乐鉴赏能力、表现能力、演奏能力、音乐想象能力、音乐反应能力、音乐创作能力等。

三、钢琴即兴演奏能力的培养措施

1.扎实的钢琴演奏基本功训练

钢琴的基本演奏技巧是钢琴即兴演奏顺利进行的有利保障, 也是其必备的条件。因此, 必须要训练演奏者具备扎实的钢琴基本功。第一, 能够正确的认知和了解音乐谱。要知道, 乐谱是演奏者弹奏乐曲的依据, 是钢琴弹奏的前提条件, 其中需要注意的是:旋律的走向和和声的选择走向问题;第二, 进行科学的、系统性的指法训练, 培养钢琴弹奏者在演奏过程中手指运用的灵活性和独立性, 注意要对每个手指进行练习, 进而在逐渐增加难度, 如:音阶、瑟音。尤其要灵活掌握24个大小调。

2.和声的配置训练

和声是钢琴演奏的重要组成部分, 和声的配置问题直接影响其歌曲的整体表现状况以及其音乐美。从音乐角度来说, 和声属于钢琴演奏的理论知识, 其涉及的内容较多, 如:三和弦、七和弦、变和弦、非三度叠和弦, 其中三和弦与七和弦又分为正三和弦、正七和弦、副三和弦、副七和弦;变和弦又分为功能性变和弦、色彩性变和弦;非三度叠和弦分为附加音和弦、替换音和弦、省略音和弦。而演奏者需要掌握这各种和声中各个级上和弦的特点、技巧并能够熟练运用。如:其在配置方面以C大调的歌曲为例, 其I级为135, II级为246, III级为357, IV级为461, V级为572, VI级为613, VII级为724, I级为主和弦, IV级为下属和弦, V级为属和弦, 这三个和弦都是大三和弦。通常最基础或者说是最初级的钢琴即兴伴奏就是从I级、IV级、V级开始, 然后慢慢的深入, 和弦范围的扩大, 直到可以灵活的运用这七个级数的和弦或者更多的一些七和弦, 九和弦等等。

3.织体的选择训练

织体的选择对于钢琴即兴演奏也有着一定的重要作用, 他属于是音乐的语言之一, 能够很好的体现音乐的风格和体裁。这也就是说, 选择不同的织体就能够产生不同的音乐风格。一般钢琴即兴演奏的织体有三种形式:柱式和弦、半分解和弦和分解和弦。其中, 柱式和弦织体伴奏, 所表现的音乐风格是深沉、严肃、饱满的, 如《五星红旗》, 同时也适合较为简单的节拍歌曲;分解和弦的织体伴奏所体现的是柔情, 较使用抒情类的作品, 如《小夜曲》;半分解和弦织体伴奏展示的是欢快的节奏, 有着舞蹈的韵味, 如《阿拉木汗》。演奏者必须要牢记这些织体形式的特点, 结合不同的环境选择不同的织体伴奏, 循序渐进, 力争形成对这三种织体形式的灵活运用。

4.旋律的分析训练

旋律关系着整个乐曲的表现效果, 对钢琴即兴演奏有着整体性的影响。想要能够即兴弹奏钢琴, 演奏者就必须认知和了解旋律, 即:懂得分析和欣赏旋律。因此, 要加强对旋律分析的训练。第一, 从歌曲的需求出发, 钢琴演奏者要明确钢琴是为音乐歌曲服务的, 是对其音乐内容的一种丰富, 可以说钢琴演奏是音乐表现的背景, 能够很好的烘托音乐氛围。对此, 演奏者要学会分析歌曲的创作背景、前奏、间奏、后奏、歌曲的曲式、钢琴织

浅析维瓦尔第小提琴协奏曲《四季》之《春》第一乐章

柯莉娟罗宁 (江西赣南师范学院音乐学院江西赣州341000)

摘要:小提琴协奏曲《四季》是维瓦尔第最著名的作品, 其中的旋律至今仍长盛不衰。本论文将以维瓦尔第小提琴协奏曲《四季》中的第一主题《春》的第一乐章作进一步分析, 根据维瓦尔第当时创作的背景, 通过分析该曲的小提琴演奏技巧所体现的音乐特点, 结合每段不同的构思, 在欢快的旋律中更好的带领人们领略春的气息。

关键词:维瓦尔第;四季;春;曲式分析;小提琴技巧

前言

穿越在三百多年历史的音乐海洋中, 回首西方音乐发展史上那个灿烂辉煌的巴洛克时期, 让我们追寻着令人心旷神怡的美妙乐声, 漫步于高雅诗意的意大利, 走进数百年来弥漫着浪漫情调和梦幻的艺术之都威尼斯。著名的音乐天才维瓦尔第就诞生在这块土地上, 他是巴洛克时期非凡的创作和演奏技巧于一身的、杰出的音乐大师。他最著名的小提琴协奏曲《四季》风靡全世界, 本文就该协奏曲的第一主题《春》第一乐章展开进一步分析, 根据作曲家当时的创作背景, 通过分析小提琴演奏技巧和该曲所体现的音乐特点, 以及结合创作背景和每段不同的构思, 更好的感受作曲家创作该曲的特点和憧憬, 让我们领略诗一般的春天。

一、辉煌的维瓦尔第

安东尼奥·维瓦尔第 (Vivaldi Anntonio, 1678—1741年) 是意大利著名的作曲家和小提琴演奏家, 1678年出生于威尼斯, 他的父亲是一位职业小提琴师, 从小在父亲的熏陶和指导下学习小提琴, 之后向莱格伦齐学习音乐。维瓦尔第一生中创作大量的歌剧、交响曲、协奏曲等音乐作品, 其中小提琴协奏曲就有200多首, 作为独奏协奏曲的代表人物, 他开创和确立的这一体裁, 使他迄今为止成为小提琴协奏曲的大师。

维瓦尔第是创造标题音乐的先驱, 将音乐与优美的诗意结合, 他最著名的代表作小提琴协奏曲《四季》就属于标题音乐, 通过美妙的旋律, 配上辉煌的小提琴演奏技巧及配诗, 描写了一年四季的美丽景色, 带领我们领略大自然绚丽的风情。

二、巴洛克风情之《四季》

巴洛克时期最早应用于建筑学有关的艺术, 并且它反对文艺复兴时期的庄严、统一协调的风格特点。巴洛克时期最重要的成就之一, 就是诞生了歌剧这一音乐与戏剧相结合的综合艺术形式, 它是文艺复兴时期音乐发展的结果。巴洛克时期确立了器乐的发展及重要器乐题材, 奏鸣曲和协奏曲是这个时期新的器乐的种类, 其中小提琴组系最为重要。巴洛克时期音乐作品中具有独特的音乐特点:华丽、复杂、自由、不协和, 以及音乐作品中的节奏以已有规律重复出现的重音为基础, 以低音部为支柱, 连绵不断的节拍使音乐充满活力, 维瓦尔第就抓住其特点, 在灵感之下创造出这首脍炙人口的小提琴协奏曲——《四季》。小提琴以轻巧明快的运弓以及其演奏辉煌技巧的能力, 将这首具有巴洛克时期音乐特点的旋律演绎得淋漓尽致, 使这首风靡全球的乐曲充满巴洛克风情, 尤其作品在当时的时代抒发的世俗情调, 以及在形式音乐时代以标题音乐形式演绎出浪漫韵味和在复调音乐中呈现出的主调音乐风格, 便使《四季》在巴洛克时代成为音乐独立体层次等, 进而, 让演奏者在潜默移化中结合当时的表现环境、大众的需求来选择歌曲体裁、风格、确定主题思想等直到能够自己组合旋律为止。

总而言之, 钢琴即兴演奏涉及多方面的因素, 除去需要掌握的钢琴基本技能、音乐综合技能之外, 还需要演奏者有着较强的心理素质, 进而, 在特定的环境中能够临危不惧, 在最短的时间内确定演奏的结构、旋律、风格等。因此, 需要钢琴演奏者进行全方位的训练, 借以来达到对音乐综合技能的灵活运用, 满足大革命的旗帜。

三、小提琴协奏曲《四季》之《春》第一乐章的分析

第一乐章以回旋曲形式写成, 其主要主题华丽而洒脱, 具有欢快的春天气息。开曲即展开轻松愉悦的旋律, 使人顿时联想到春天的葱绿和生机。音乐描绘出春光重返大地, 小鸟欢愉地歌唱, 森林枝叶随风婆娑, 呢喃私语。突然, 电光乍闪, 春雷惊蛰, 万物苏醒。这一乐章是整部《四季》中最为著名的乐段。

(一) 曲式分析

维瓦尔第在总奏与主奏交替形成的复奏形式上, 巧妙地配以标题, 使音乐具有鲜明的多样性, 其中第一主题《春》的第一乐章以欢快、明朗的旋律最为著名, 听上去犹如春风迎面, 仿佛看见一片充满生机的葱绿, 带来了春天的气息。《春》的第一乐章是快板, 4/4拍, E大调欢快的旋律, 明朗而辉煌, 让整个乐章充满春天的气息。

这一乐章采用回旋曲式, 图示是由A (主部主题) +B (第一插部) +A (主部主题) +C (第二插部) +A (主部主题) +D (第三插部) +A (主部主题) +B' (第四插部) +A (主部主题) +C' (第五插部) +A (主部主题) 组成。

全曲的主部主题又分两个部分, 开始部分是第一主部主题 (如图示) :

(第一主部主题)

该乐段是全曲的核心主题, 第二主部主题部分在乐曲中较多次出现, (如图示) :

(第二主部主题)

第一主题均属不完全再现, 第二主题较多次出现。其中有五个插部, 6次合奏中插入5次主奏的复奏形式, 其中第三个插部中的旋律由E大调转为B大调 (如图示) :

(第三插部)

转调的出现使整个旋律出现不一样的感觉。最后2个插部是两个主部主题的变化再现。整首曲子的和弦织体主要是以Ⅰ、Ⅳ和弦为主, 所以整首曲子的效果非常明朗、清晰, 充满着欢快的感觉。

(二) 小提琴技巧及音乐特点分析众和环境的需求, 提升自身的音乐素养。

参考文献

[1]代百生.钢琴教学法[M].武汉:湖北科学技术出版社, 1998.

[2]赵晓声.钢琴演奏之道[M].长沙:湖南教育出版社, 1991.

[3]徐慧林.林棣华.钢琴即兴伴奏实用教程[M].北京:人民音乐出版社, 1990.

钢琴即兴演奏 篇2

关键词：高师钢琴即兴伴奏教学；实用性；分类教学；融合教学

中图分类号：j624 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2013）24-0099-02

钢琴即兴伴奏是钢琴伴奏形式中一种最实际、最常用、最快捷的演奏技能，它要求伴奏者将钢琴演奏技巧、键盘和声手法、作曲理论知识结合起来，在旋律条件的限制下，在事先毫无准备的情况下进行瞬间的艺术再创作。钢琴即兴伴奏课程已成为全国各师范院校的必修课，是师范院校钢琴教学的重要课程之一。

钢琴即兴伴奏对于高等师范院校学生的实用性体现在：它是声乐伴奏、舞蹈伴奏、视唱练耳、乐理、和声课程的课堂教学及中小学音乐课程的课堂教学中必不可少的组成部分，是学生在毕业以后作为音乐教师从事音乐教育工作中不可或缺的音乐教学技能。在钢琴即兴伴奏教学中，只有体现实用性，学生才能真正体会到钢琴即兴伴奏这门课程的重要性和实用性，才能更好地掌握这门技能，从而真正从根本上缓解当前音乐教师因缺乏钢琴即兴伴奏技能而制约音乐课教学水平的提高这个现状。

如何根据它的实用性进行教学呢？笔者根据多年从教经验，总结出以下几点：

一、在钢琴即兴伴奏基本功技能教学的基础上增加声乐伴奏、舞蹈伴奏、少儿歌曲伴奏、合唱伴奏版块的分类教学

（一）声乐伴奏板块

在声乐艺术的表演实践中，钢琴伴奏是音乐作品不可分割的重要组成部分。中外无数优秀的艺术歌曲更是以重要的钢琴伴奏作为歌曲发展的纽带和基础。然而不是所有声乐作品都附有钢琴伴奏谱，我国很多声乐教材上的曲谱甚至是单旋律的简谱，这就要求声乐教师或者伴奏者掌握熟练的钢琴即兴伴奏技能。

钢琴即兴伴奏在声乐伴奏中的运用，主要指简谱声乐作品这部分。简谱歌曲的钢琴即兴伴奏应如何教学？

首先，要求学生掌握首调唱名法及移调能力。对钢琴上的12个大小调的位置，要求熟练掌握，能快速地反应并奏出。这就要求学生对12个大小调的每一级音，调内的每一个和弦及功能在钢琴键盘上能够熟练奏出。这不是一两天时间就能练成的，需要长时间积累，可以从《粉刷匠》、《小星星》这类旋律、和弦、织体编配都非常简单的歌曲入手，从c大调开始，逐渐增加调号进行练习。

其次，要求学生具备歌曲中前奏、间奏、尾奏的创作能力。有些歌曲只有主题部分，学生要学会创作出前奏、间奏及尾奏，让歌曲达到完整的效果。如何创作前奏、间奏及尾奏呢？最简易的方法是，重复歌曲最后一个乐句作为前奏和尾奏，尾奏还可根据需要移低或移高一个八度进行重复。或者根据歌曲的风格和情感，进行模仿创作。间奏的创作要注意与前后段落的承上启下。前奏、间奏和尾奏不仅能使歌曲更完整，还能给演唱者起到提醒的作用。

再者，要求学生把握歌曲的风格与情感，选择合适的伴奏织体进行编配。伴奏织体即伴奏音型，伴奏织体一般情况下分为三种：柱式和弦音型、半分解和弦音型与分解和弦音型（琶音）。

柱式和弦音型多用于表达豪迈、庄重、气势雄浑的风格与情感，如《长江之歌》；半分解和弦音型多用于表达活泼、灵巧、跳跃的风格与情感，如《蓝精灵》这类儿童歌曲；分解和弦音型多用于表达抒情、连绵、悠长的风格与情感，是最常见的织体，如《走进新时代》。伴奏织体的适当运用，在声乐伴奏中非常重要，如果没有运用得当，就会导致伴奏与歌曲的风格与情感不符，从而影响整首声乐作品的表达。但不是每一首歌曲都用一种伴奏织体，而要根据歌曲不同段落、不同乐句所要表达的不同情感而编配相应的织体。

最后，声乐伴奏要配合好声乐演唱而进行，不能喧宾夺主。这就要求学生在伴奏过程中做好静与动的处理。一般情况下，采取你静我动，你动我静的形式，即演唱者在演唱时，伴奏者静下来，演唱者停下来或演唱长时值的音符时，伴奏者才动起来。静与动可用音的弱与强、音符的少与多来处理。

（二）舞蹈伴奏板块

钢琴即兴伴奏在舞蹈伴奏中的运用，主要体现在舞蹈基本功教学的训练动作调整中。在舞蹈教学课堂上，由于舞蹈教师经常根据学生的学习情况调整授课内容，将训练动作调整或把几个动作或几个技巧融合在一起教学，在这种情况下就需要伴奏者有较强的即兴伴奏能力，能够根据舞蹈动作的需要迅速对伴奏音乐作出调整，处理好乐句的结束、节奏型的转换、节奏的快慢、力度的强弱等，有时还得满足舞蹈教师临时对不同音乐风格的需求。因此，伴奏者的即兴伴奏能力在舞蹈教学中是十分重要的。所以，在教授钢琴即兴伴奏课程时，要注重提高学生这方面的能力。

首先，要求学生积累大量的舞蹈伴奏曲目，使之能够在舞蹈教师在做教学的动作调整时，挑选与该动作相符合的伴奏曲，在挑选好曲目后，能够将曲目进行缩减、扩充或拼接组合，使之与舞蹈动作相配合。比如教师把擦地和踢腿组合起来训练，擦地要求两个八拍，踢腿要求四个八拍时，伴奏者要在挑选好擦地和踢腿的伴奏曲目后，将擦地的伴奏曲缩减成两个八拍，踢腿的伴奏曲缩减成四个八拍，再将两首曲目进行拼接组合，使之成为一首完整的伴奏曲，为了配合舞蹈基本功动作的节奏时长，有时还需要将原曲进行改编，使之能在同一时间与舞蹈动作结束。

其次，要求学生具备一定的编曲能力，能够根据舞蹈基本功训练动作的风格编写相对应的伴奏曲，这就要求伴奏者必须了解舞蹈专业基本功训练的动作类型及每种基本功的动作要领。舞蹈专业基本功训练的动作类型有擦地、蹲、踢腿、弹腿、跳跃、转、翻身、控制等，伴奏者在编曲时要根据每一种动作的动作要领来编写相应的音乐作为伴奏曲。比如平转这个训练动作的伴奏，应选用与该动作相匹配的音乐形象来编写伴奏曲，可以选用十六分音符的音阶作为旋律，选用半分解和弦音型作为伴奏音型，体现灵活、动感的动作特点。

（三）中小学音乐课程中的歌曲伴奏板块与合唱歌曲伴奏板块

钢琴即兴伴奏在中小学音乐课程教学中的运用，主要体现在少儿歌曲伴奏和合唱歌曲伴奏方面。

少儿歌曲钢琴伴奏的教学方法在我国各个音乐院校中的各种钢琴即兴伴奏教材中均有体现，可是学生在就业过程中面对中小学音乐教材上的歌曲 “不会配弹伴奏”的现象仍然屡见不鲜，笔者经过多年从教经验，认为解决这个问题，首先要“对症下药”——学生不会配弹中小学音乐教材上歌曲的伴奏，那教师就教中小学音乐教材上歌曲的伴奏。其次，中小学音乐教师要具备一定的移调能力。当学生学习的歌曲不在他们的音域所能承受的范围内时，教师要能根据学生的演唱能力对歌曲进行移调，从而避免学生因达不到音域还使劲唱，造成学生对歌曲乃至对音乐产生畏惧感甚至厌恶感。

合唱歌曲的钢琴即兴伴奏教学，要注意的是和弦的选择。合唱歌曲不像单旋律的声乐歌曲，它至少由两个声部构成，这就要求学生在伴奏时，不能只根据主旋律声部进行和弦编配，而要考虑其他声部与主旋律声部构成的纵向和声关系来进行和弦编配。其实合唱歌曲伴奏的和弦编配较单旋律声乐歌曲伴奏的和弦编配更容易，特别是四声部合唱歌曲，因为四个声部的音符即构成了和弦内的音符。所以我们在编配和弦时，就根据合唱声部纵向的和声来进行即可，当然，偶尔也会出现合唱歌曲声部中隐藏和弦音的情况，这时还得根据和弦编配原则——横向和弦的功能序进来进行编配。

二、各科音乐理论课程与钢琴即兴伴奏融合教学

音乐理论课程包括乐理、视唱练耳、和声、曲式等课程，在这些理论课程中，都有涉及到钢琴即兴伴奏课程的理论知识，如乐理学科中的音程、和弦、调式等知识是学习钢琴即兴伴奏的理论基础。如果我们在教授音乐理论知识时，能结合钢琴即兴伴奏进行融合教学，真正做到理论结合实际，达到相互促进教学成效的作用。这种融合教学方式，不会使学生在学习音乐理论课程时，因为纸张谈兵的枯燥教学方式影响到他们对音乐理论基础知识的掌握，而掌握这些理论知识又是进行钢琴即兴伴奏这类具有实践操作技能的前提，也不会使学生在学习钢琴即兴伴奏这类实践操作技能课程时，因为音乐理论知识的基础没有很好的掌握而影响到实践操作技能的掌握，而得到一举多得的教学效果。

如何进行各科音乐理论课程与钢琴即兴伴奏课程的融合教学呢？

以乐理课程为例，在教授和弦这一知识点时，教师可先把和弦在钢琴即兴伴奏中的运用以演奏的方式呈现给学生，以提起学生的学习兴趣。教师可先弹奏一曲学生感兴趣的乐曲，使学生从听觉上感受和弦在音乐中的魅力，再从理性上讲解和弦的概念、类型、色彩、构成方法等，待学生掌握好和弦的基础知识后，再教学生和弦在钢琴即兴伴奏中的运用。这样的教学方式，不仅可使学生更好地掌握枯燥的乐理知识，且可为学生学习钢琴即兴伴奏课程打下良好的基础。

再如，视唱练耳课程教学中，在学生掌握好该节课重难点内容后，可加入视唱曲目的钢琴即兴伴奏配弹内容，学生在课堂上不仅学会了视唱，同时还学会了对视唱曲目进行即兴配弹，能力得到全面提高，更为学生今后成为“会教又会弹”的视唱练耳教师打下良好的基础。

钢琴即兴演奏 篇3

关键词：即兴曲 曲式结构 演奏技巧

一、 曲式结构与作品分析

这首作品篇幅较长，为无展开的奏鸣曲式。音乐情绪复杂多变，时而委婉、时而激动。从这些创作手法上，我们不难看出舒伯特作为19世纪早期浪漫主义作曲家在创作思想上和创作理念上的革新精神。这首即兴曲，舒伯特虽刻意保持了原有奏鸣曲式的基础框架，但却对其内部结构及规模等要素进行了调整。在整个呈示部中，除了用极富浪漫主义色彩的和声进行创作之外，还用不寻常的、体积超大的连接部和副部来彰显其特有的浪漫主义情怀。

1.呈示部（1-128）

整个呈示部由主、连、副、结，四个部分组成。舒伯特用一个带有装饰音的柱式和弦将当时流行的音乐元素及主部主题的调式调性展现出来，之后又用一串下行排列的“音阶式”附点音型将整个主部音乐引向半终止。最后，用速度和情绪上的变化制造出一种紧张的气氛，为连接部中出现的舒缓情绪埋下伏笔。

连接部从第13小节开始，到第67小节结束，作曲家用了54个小节使这个规模庞大的连接部与其他部分形成不对称关系，并用不同的织体来表现其不同的阶段性，具体可分为四个阶段。

第一阶段由交替的16分音符构成，这种16 分音符与左手柱式和弦共同描绘出稳定、有象征意思的和声效果；音乐情绪上并没有较大的起伏，主要为第二阶段的变化重现做铺垫工作。

第二阶段可以说是第一阶段的升华，材料与第一阶段相同，但是作曲家在第二阶段开头处，将整个音位提高了三度，并用“模进”的创作手法使整个旋律呈现出“螺旋式”上升的姿态。舒伯特用这种创作手法，使音乐的色彩不断的产生着变化，一方面表现了他在同一问题上反复纠结的心态，一方面又充分的调动了听众的好奇心。第22至29小节，作曲家用单音排列取代原有的柱式和旋，用这种方法使左、右手形成了两个平行的声部，并用不同的音乐材料使得两个平行的声部可以各自讲述不同的音乐内容，其和声色彩也由之前的浑然一体转成现在的清晰可见。弹奏时，我们除了要注意手指触键的准确性之外，还要注意踏板的应用，要根据乐句的起伏和剧情的需要做及时的调整。

第三阶段中，作曲家用明显的强弱对比使整个音乐变得躁动不安，就像是自述一般，时而表现出对生活的美好向往，时而又爆发出对社会、对现实的抵抗与愤怒。整个第三阶段中，除上述特征之外，我们还应该注意到的是，这是一个多声部、纵、横双向运行的段落，其“层次感”类似于巴赫的复调音乐，这就要求我们在演奏时，除了要表现出激动的情绪之外，还要注重声部的运行和乐句的划分，力求可以从纵、横两个方面完成整个段落的立体化进程。

第四阶段与第三阶段联系的比较紧密，虽然作曲家依然使用了第三阶段中的材料，但由于速度和力度的变化，使得整个音乐听起来温柔、显得和蔼可亲，仿佛是上帝正在以亲切的语气开解舒伯特一样。最后，舒伯特用下行分解式和弦使整个连接部平稳、和谐的结束在第67小节上。

副部主题的规模与连接部相似，可分为三个部分。其中，第一与第二部分几乎完全相同，但是小节数有所不同。作曲家在第一部分中选用8+8的结构来进行创作，而第二部分则变成了8+6，这种不规则的变化不仅在结构上打破了古典奏鸣曲式的传统，还在创作理念上凸显出强烈的浪漫主义色彩。整个副部中，右手始终处于中声区，用均匀而摇曳的16分音符来充当伴奏声部，而左手则迂回在高、低音声区，将旋律声部的两个音乐形象清楚的展现出来。这一部分中，作曲家除了在原有材料基础上进行变化性发展之外，还用新的织体使整个音乐情绪从躁动不安转为宁静祥和，并最终结束在降A大调上。

整个结束部更象是副部的重复，结构短小、材料和音乐情绪都没有明显的变化，作曲家只是在结尾处用连接部中的下行分解式和弦来表示音乐正在渐渐的远去，并在最后一小节上引出再现部。

2.再现部

再现部的创作从旋律、织体、演奏技巧等几个方面来分析，几乎完全与呈示部相同，但是调式调性产生了剧烈的变化，严格按照古典奏鸣曲在调性上的要求进行的创作。笔者认为，这种创作手法不仅体现了调性回归的原则，还展现了舒伯特游走在古典与浪漫主义之间，特殊的思维方式。

分析完全曲的曲式结构之后，我们对这首即兴曲的基本框架及整体布局有了充分的了解，下面笔者就将结合以上基本内容来浅析一下该首即兴曲的演奏技巧。

二、 演奏技巧分析

这首即兴曲从演奏技巧和难易程度上来说，比其他几首即兴曲要稍复杂一些，一般要求演奏者具有中、高级以上的演奏水平，其中触键和踏板的应用十分复杂，所以笔者准备以这两方面问题为核心内容进行阐述和分析，力求可以解决在演奏中遇到的困难，使音乐与技巧可以更好地融合在一起。

1.触键

该首即兴曲中多次出现三连音、八度音、装饰音及同音反复等音型，这些音型不仅是民族民间音乐的体现，也是舒伯特创作特征的标志。古典主义时期单一、垂直的触键方法已经不能满足浪漫主义作曲家的要求，为了让音乐能够更好的表达浪漫主义思想，作曲家们开始采用新的触键方法来挖掘千变万化的音色，使钢琴音乐显得更加细腻、更具有歌唱性。

（1）八度音

八度音是本曲呈示部与再现部的重要组成元素，舒伯特使用大量的八度音符进行创作，意图用这种音型来寻求力度和色彩上的变化，并用下行二度的排列方式结合小连线，使两两一组的八分音符迸发出短促、有力的音响效果。弹奏时肩部、肘部、腕部的力量要上、下贯通，触键动作要迅速，不能犹豫或者呆滞。之后马上调整手部动作，利用以手腕为轴心、用指尖“轻抓”琴键的弹奏方法，将一串由小字一组逐步向小字组前行的八度音符弹奏出来。动作运行时，肩膀和前臂要控制力量的分配和触键的速度，不能将所有的力量在瞬间全部推送出去，而是要像“蜻蜓点水”一样在琴键上“点奏”，这种方式弹奏出来的声音即清晰又微弱，不仅可以表达出作曲家的创作意图，还可以为下一阶段新材料的出现做铺垫工作。

（2）三度音

双音弹奏对于每一位演奏者来说都是困难的，长短不一的五个手指要被分成两两一组，弹奏时不仅要考虑触键整齐的问题，还要考虑每两个音符在行进过程中主次化分及连贯性等问题，这对于演奏者来说无疑是个不小的挑战。

本曲呈示部第69-74小节，83-89小节中出现的双音连奏，就是这种难易程度较高、层次运行较复杂的类型。它实际上扮演两个不同的音乐角色，作曲家要求我们用同一只手不间断的跨越两个音区去完成这个任务，为了使音乐的形象更加逼真，笔者建议在低音区弹奏双音时要突出下行音符，在高音区弹奏双音时要突出上行音符。这样做不仅可以按照作曲家的要求完成这个复杂的任务，还可以准确地将双音分为两个声部，拉大它们之间的距离感。

（3）和弦音

古典与现代主义作曲家都避免使用过多的、连续的和弦音进行创作，但是在19世纪浪漫主义钢琴作品中，和弦的使用却随处可见。虽无资料显示浪漫主义作曲家是受舒伯特创作的影响，大量使用这些和弦音进行创作的，但笔者认为舒伯特这样独特的创作手法一定对后来的浪漫主义作曲家有深厚的影响。本曲中舒伯特用同音和弦来绘制和声上的色彩，来固定音乐中的形象。为了使每一个和弦音都能拥有好的音质，笔者建议首先应进行“分拆式”练习。顾名思义，“分拆式”练习，就是将和弦音拆开，像弹奏单音一样进行练习并倾听它们的声音，待音质醇厚、闪烁钻石般光亮之后再整合起来进行弹奏。这种练习方法不仅能够提升和弦音的质感，还可以帮助我们分析其中的线路与线条。和弦连接的线条一般可分为纵、横两个方向。纵向运动的线条一般凸显音乐的和声效果，具有立体性感觉；而横向运动的线条则往往具有叙述性，常被认定为是乐曲的旋律声部。分析和弦中的线条，对于每一位演奏者来说都是非常重要的，它是保留原有创作意图，帮助我们完成二度创作必不可少的重要环节。在实际应用中，不仅可以帮助我们解决虚实不当、主次不分的问题，还可以帮助我们提升演奏的效果并增强演奏的自信心。

（4）装饰音

装饰音的种类很多，包括颤音、回音、波音、倚音、小琶音等等，舒伯特8首即兴曲中几乎全部涉猎这些装饰音，在作品142之1中舒伯特更是钟情于“小琶音”和“回音”这两种类型，他用小琶音及附点音型来完成整个主部主题的创作，并用回音将主部主题加以变化性发展，使整个音乐听起来有拨弦乐器和打击乐器的音响效果。本节中要特别提醒的是，弹奏回音时不能随心所欲，要根据作品的具体要求来决定回音的起、始方向。因为不同时期的作曲家、不同时期的音乐作品对于回音的弹奏方法及要求也有所不同。例如，在弹奏本曲第7小节时，回音就应该从本音上开始，向上做回型环绕，而不是向下进行环绕，因为这种向上环绕的弹奏方法，更符合舒伯特音乐发展的方向，可以帮助我们更加轻松的表现出音乐的流畅性；反之则会阻碍音乐的长足发展、影响音乐的听觉效果。

（5）重复音

重复音一般可分为单音重复、双音重复等类型，单音重复通常指“轮指”练习，弹奏时用掌关节带动手指快速轮换击键，要求手腕、手臂放松，弹奏具有颗粒性。双音重复一般应用在乐曲的伴奏声部，弹奏时要控制触键的力度，不能快慢不均、凹凸不平，更不能毫无理由、毫无控制的突出某一个音符。例如，在弹奏本曲呈示部第13-21小节，再现部141-144小节时，我们就应该遵循这个原则把握好触键的强度和力度，力求用手腕来阻断整个手臂的力量，并配合手指轻击键盘的做法，营造出神秘、安静的音响效果。

以上所阐述的音乐类型、技术动作及个人看法虽然种类繁多，难易程度参差不齐，但笔者认为它们最终都是为乐曲的歌唱性、叙述性而服务的。所以每一个音符，每一个动作都不能小视，必须进行不断的研究和反复的练习，只有这样我们才可以更加准确的表达出音乐的风格，才能将钢琴音乐的特质以优雅的姿态展现出来。

2.踏板

在19世纪初期，钢琴虽得到了改进和发展，但整体音响效果与现代钢琴仍无法比拟，特别是踏板这个装置，几经周折之后才终于可以将手指无法保留的音符借助机械原理延长并连接起来。舒伯特的钢琴音乐虽不是为现代钢琴而作，但是它已经在现代钢琴上被演绎，所以笔者认为适当、合理的使用踏板是学习和演奏舒伯特钢琴小品必不可少的一部分。下面，笔者就将结合本首即兴曲的音乐色彩及和声变化等特点来阐述一下踏板的具体使用方法。

（1）音后踏板（延音踏板）

音后踏板又叫延音踏板，当两个音符或者两个和弦要用一个无缝隙的、不模糊的音效连接起来时，就要使用这种踏板。这种踏板在乐曲中的应用十分广泛，大家一般用他来增强旋律的色彩和音乐的混声效果。本首即兴曲中，笔者在呈示部、展开部中多次使用这种踏板，用它来凸显旋律的抒情性和歌唱性。在使用这种踏板的时候，我们要注意聆听并随时调整它与旋律声部之间的关系，避免出现过度混声，或者浑浊的音响效果，因为这种踏板的实际操作难度较大，稍不留意便会破坏整个音乐的起伏及清晰程度。所以，笔者建议大家，在使用这种踏板的时候一定要结合具体情况进行反复练习，只有这样我们才可以驾驭它，才可以使它为我们的音乐增光添色。

（2）节奏踏板（同音踏板）

节奏踏板是一种与音符同时起落，并依据不同节奏类型进行不断变化的应用方法，它具有机制、灵活的特点，在弹奏中常常被用来表现生动、活泼的气息，是我们完成重音（﹥）、突强（sf）等音响效果的最佳选择。笔者在本曲连接部和副部中用这种踏板来配合小连线及同音反复，使短小、急促的音符得到滋润，并用这种方法使音乐的震撼效果得到最大化的发挥。

（3）旋律踏板

顾名思义，根据旋律的走向和划分来使用踏板即被称为是旋律踏板。这种旋律踏板的使用随着旋律线条的变换而变更，在实际操作中与节奏踏板有异曲同工之处。弹奏时，演奏者必须清楚旋律线条的起、始位置，并根据旋律的走向及时调整踏板的使用方法，做增加或者减弱的处理。本曲呈示部第68小节至再现部，笔者大量使用了这种踏板，意图用这它来增加和声的效果及旋律的连贯性。

众所周知，每一台钢琴踏板的深度及灵敏度都是不同的，所以踏板的使用方法也不是三言两语就能参透的，这个复杂的过程需要我们结合自身的情况，根据乐曲的发展及踏板的特征来做科学的应用和细致的调整，每一个动作都必须经过悉心的研究和反复的磨练才能最终成为有效音乐的一部分。所以笔者建议大家，在学习和演奏这首即兴曲之前一定要做好准备工作，使曲式结构、演奏技巧与踏板应用等环节可以有效的结合一起，充分发挥它们的职能性，为呈现“舒伯特”式浪漫主义音乐做好准备。

结论：舒伯特用短暂的一生为世人留下了丰富的音乐遗产，是非常值得我们爱戴的一位音乐家。诚如舒曼赞美舒伯特的那句话“他的那支笔包含月光和火焰”一样，他的音乐不仅多情而且新颖。本文从曲式结构、演奏技巧及音乐语言等方面着手，解读“舒伯特”式浪漫主义抒情特质，并通过一系列的研究和学习，对西方音乐是如何从古典向浪漫过度的，有了更深刻的了解和体会。笔者希望这篇文章可以对喜爱舒伯特音乐的人们起到抛砖引玉的作用，也希望可以有更多的人们加入到探索舒伯特音乐的队伍中去。最后，让我们以一颗诚挚的心去聆听、去感受舒伯特的音乐吧。

参考文献：

[1]蔡良玉.西方音乐文化[M].人民音乐出版社，1999.

[2]钱亦平，王丹丹.西方音乐体裁及形式的演进 [M].上海音乐出版社，2005.

[3]蔡良玉.西方音乐文化[M]. 人民音乐出版社，1999.

[4]约瑟夫·班诺维茨.钢琴踏板法指导[M]. 上海音乐出版社，1992.

[5]李超.声乐艺术发展史[M].中央音乐学院出版社.2011.

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[7]沈旋，谷文娴，陶辛.西方音乐史简编[M]. 上海音乐出版社，1999.

[8]杨儒怀.音乐的分析与创作[M]. 人民音乐出版社，2003.

即兴钢琴演奏之探讨 篇4

钢琴作为一种大型键盘乐器,它有其独特的优越性,它音色丰富、音域宽广、表现力强,能同时在左右手声部奏出多层次的和声、旋律,产生类似管弦乐队的音响效果。演奏者既是演员又是“乐队指挥”。力度适当变化时,它的轻声吟唱就像空谷悠扬的回声、虚无飘渺的白云,而全力以赴的演奏则像排山倒海的巨浪,进发出震撼人心的非凡乐音。钢琴要手指触键精确。音乐是声音的艺术,要把钢琴这种没有文字的声音艺术语言化,让观众觉得生动易性,就必须在触键上下功夫。

钢琴即兴伴奏主要表现在,伴奏人员利用钢琴在事先毫无准备的情况下,它具有很强的技艺性、灵活性、应用性、实践性等综合技能,对渲染音乐气氛,表现音乐内容,塑造音乐形象等起着十分重要的作用。临时根据歌曲或乐曲的主旋律,利用钢琴演奏技巧,键盘和声手法、音乐作品分析方法等多种音乐元素于一身的瞬间艺术创作和即兴演奏。

二、对钢琴即兴演奏者要求具体几种能力

当人们沉醉于钢琴演奏家的音乐时,人们会认为他的技艺精湛。那么如何才能成为一个有能力的钢琴即兴演奏者那?

1、要求对演奏者技巧需要熟练的掌握

苏联的钢琴家、音乐教育家涅高兹说:“手是钢琴的执行者,是钢琴弹奏的直接创作者”。手指的熟练技巧性是即兴钢琴演奏者的能力之首,华丽的炫技与声部交错看似平静却有丰富内涵,这一感觉是倾听者对演奏者的第一印象。

2、要求对视谱能力的培养

要进行成功的即兴伴奏学习,首先要具备熟练的视谱能力。而熟练的视谱能力的培养,必须要以与视觉同步的、准确表达音符所蕴含的音乐情感之理论知识作为基础。就是说,要对歌曲或乐曲进行即兴伴奏,在瞬间内必须对乐谱中出现的各种音乐表现符号,有快速、准确的理解和强烈的表现意识。这种表现意识也包括对调号、拍子、音程、节奏音型、乐句、调性、曲式结构等所有音乐要素的正确理解。要能做到:看见调号,就可立即明了调,并能进一步根据旋律主要支点音,立刻理解调性或领会调式,以致理解调、调性和调式在该乐曲中所要体现的意义;要做到:看到拍子,就等于明白了旋律重音的基本规律和节拍感的基本律动意识,也就等于抓住了旋律的脉搏;看到不同音的结合,就可从两音之间的音程关系,判断旋律的起伏并进一步增加对音乐情绪的浓淡意识;再结合着音高看节奏音型,便也能断定旋律音型的稳与跃和音乐情绪的缓与急。

3、要求对和声的听觉的建立与思维能力的培养

在即兴伴奏教学中,最重要的也是最困难的任务,就是培养学生的和声思维。所谓的和声思维,实际上也就是对和声音响的想象力与和声语汇的组织能力。在配弹中,和声的音响效果应该是在头脑中预先构思完成,然后再通过手指弹奏出来的。

4、要求对音响色彩象征或暗示某种景象

音响色彩与绘画中的色彩在某种意义上是有联系的,但音响色彩只是刺激感官的音响组合,是有象征或暗示的目的,为听众创造一个幻想世界。我们可以从贝多芬的《E大调交响曲》第一乐章的发展部看,它突破了古曲传统的限制,运用频频的转调、不协和的和声、切分节奏令人震惊的爆发以及对位、复调等丰富的作曲手法,如大幅壁画一般,展示出英雄复杂的精神生活、艰难的斗争历程、辉煌的战斗业绩。

5、要求对音响运动、造型象征某种视觉形象

音乐的音响不总是静止在一个高度,而是不断地在上行和下行的运动着,它在时间的过程中勾画出一条条旋律的线条。从视觉上看,这些线条无疑是抽象的,这种抽象的线条感往往能使人们的心灵产生共鸣,引起各种各样的联想。所谓音响造型实际上它是通过特殊的音响组合象征地体现出某种空间感。贝多芬《第六交响曲》中第四乐章《暴风雨》,其中弦乐的快速进行,短笛刺耳的叫声,低音提琴深沉的呼喊及长号定音鼓的轰鸣,构成了一个复杂的多层次的音响结构。

三、对身体几个部位的综合运用

1、手指的运用

十指是演奏最前哨最直接最敏感的部位。因此,十指的力量,灵敏、速度,以及千变万化的触键方式和控制能力,是基础之基础。

2、手腕的运用

手腕处于十分重要的位置,是连接指尖与大臂的桥梁,是大臂向指尖输送力量的必经途径。手腕必须是坚挺的,不是软弱无力的,否则手腕会下塌,手臂的力量就会在手腕处消失而达不到指尖。但又必须是富有弹性的,不是僵硬呆滞的,否则,声音会僵硬,没有弹性,没有变化。手腕的灵活表现在它的动作方式。

3、躯干的协调配合

钢琴大师阿劳曾经说过:每天练习的时间应随着每个人的体力、精力而定。最重要的是身体不觉得疲劳,提倡身体放松,精神集中地演奏音乐。钢琴演奏是个名副其实的“从头到脚的全身运动”,是全身各部位的高度配合、协调与统一。演奏钢琴,躯干既要放松又要用力。我们可以引出一个科学的结论:钢琴演奏在用力上的最大秘密是极度放松中的能量高度集中,或者说,松弛中的爆发、柔和中的内劲、平缓中的强力。

总之,音乐作品中体现的画面和视觉形象,都不是听众从音响中直接感知到的,它必须通过想象活动所产生的情感才能完成。钢琴即兴伴奏具有很强的吸引力、迷惑力。就是这种吸引力、迷惑力,使学生产生了兴趣。兴趣是最好的老师,是学生学习的内在因素,只有感兴趣才能自觉地、主动地、竭尽全力去观察它、思考它、探究它,才能最大限度地发挥学生的主观能动性,容易在学习中产生新的联想,它能吸引学生对它做出感情、时间、物质上的投资,进而进入创新思维。

摘要：钢琴,是众多乐器中唯一可与交响乐相比拟、相对应、相抗衡的独奏乐器,钢琴的即兴表演伴奏是一种瞬间的艺术创作和即兴演奏的发挥,钢琴即兴伴奏就是演奏者如何综合钢琴演奏技巧、键盘和声手法和作曲理论在事先毫无准备的情况下进行即兴创作,是钢琴伴奏形式中一种最实际、最常用、最快捷的演奏技能。本文从即兴演奏的概念、具体具备的几种能力及学生的求知渴望程度、社会的需求等方面分析钢琴即兴伴奏进行探讨。

关键词：钢琴,即兴,技校

参考文献

[1]冯德钢.歌曲钢琴即兴伴奏[M].重庆:西南师范大学出版社,1999.

钢琴即兴伴奏说课稿 篇5

系部：艺术教育系 教师姓名：王晓宁 时间：2014年10月

《正副三和弦在儿歌伴奏中的运用》说课稿

各位评委老师，大家好！我是来自艺术教育系的王晓宁，今天要为大家讲的课题是 《正副三和弦在儿歌伴奏中的运用》。下面由我向大家汇报下关于本课的设想，本节课我将从说教材、说学情、说教学目标、说教学重难点、说教学方法、说教学过程六个方面来进行说课。

一、说教材：教材的内容：我今天说课的内容为高等教育出版社出版的中等职业学校幼儿教育专业实验教材《儿童歌曲》中的《小毛驴》、《上学歌》、《我是一个粉刷匠》为例。而即兴伴奏中正三和弦和副三和弦在小调中都是非常重要的和弦，但是他们怎么在幼儿歌曲中区分开来，合理的编配就是我们这节课要重点学习的内容。主要任务是要让学生能够自弹自唱，掌握这三首曲目。

二、说学情：学前教育专业就是要以技能表现为主要特征，全方位地反映和培养了学生各方面的素质。对于音乐教育专业的学生来说，即兴伴奏技能是必须掌握和今后从事学前教育教学的一项重要基本技能。

三、说教学目标：

1、通过教师的讲解，使学生了解键盘乐器演奏的基本常识。老师通过即兴的演奏同学们耳熟能详的歌曲或乐曲，来激发学生学习键盘乐器即兴伴奏的兴趣。

2、掌握大小调正三和弦、副三和弦的基本知识。学习给幼儿歌曲编配伴奏的基本步骤。

3、掌握并用正三和弦、副三和弦为小调儿童歌曲配伴奏的方法。

4、以视觉、听觉为先导，创设音乐氛围，激发学生学习儿童歌曲伴奏的兴趣，同时培养学生团结协作的精神。

四、说教学重难点：

教学重点：为简单的儿童歌曲配伴奏以及节奏型的学习。教学难点：将节奏型运用到实际的儿歌伴奏中。

五、说教学方法：本节课教师采用钢琴的实际操作以及与学生的互动相结合的方法，使得教学过程中有愉悦轻松的课堂气氛，教师通过实际演示操作使学生亲身感受即兴伴奏的魅力。

六、说教学过程：

1、首先给学生讲解C大调和a小调的音阶，指法、琶音、和弦，使学生能够认识这些基本的伴奏元素，并找出它们之间的关系。

2、教师讲解C大调和a小调中的正三和弦和副三和弦。

3、如何判断调式和运用大调中的正副三和弦为歌曲《小毛驴》配伴奏。

4、学生自己练习，并在练习的过程中移调到F调。

5、不同风格的乐曲要求用不同类型的伴奏音型，在练习的过程中一定要注意把握乐曲的情绪，根据乐曲的风格和情绪编配伴奏。

七、课堂小结。

钢琴即兴伴奏探微 篇6

关键词:钢琴即兴伴奏;钢琴技巧;和声基础;伴奏织体;综合能力

中图分类号:J624.1 文献标识码:A 文章编号:1000-8136(2010)27-0152-02

钢琴即兴伴奏是一项非常实用的技能。一方面,在工作和艺术实践中会经常用到;另一方面在扩大自己的艺术视野,提高自己的艺术实践能力等方面也具有很大作用。

钢琴即兴伴奏是指在没有写成正规伴奏谱的情况下,为歌曲或乐曲所弹奏的钢琴伴奏,具有很强的即兴性,但是也不可随意弹奏,可以事先有所准备。比如,分析一下作品的体裁、风格、曲式结构、情绪、作一下和弦标记、设计一下伴奏织体等等。

钢琴即兴伴奏涉及到很多方面的知识和技能技巧,所以要想将其弹好不是一件容易的事。但是从另一个角度来讲,只要用心,多听、多想、多练、多学习、多实践一步一个脚印,踏踏实实地将问题一个一个地解决,是完全可以弹好钢琴即兴伴奏的。下面就从几个方面谈一谈弹好即兴伴奏应注意的问题。

1钢琴技巧

这一点很容易理解。要想弹好即兴伴奏,就必须具有一定的钢琴基础。钢琴技巧方面,除了要掌握技巧课中要求掌握的演奏法、表情记号、速度、力度等方面的演奏要求之外,还应熟悉各大小调的音阶(包括半音阶)、琶音、和弦。这些内容是弹好即兴伴奏的基本功之一,所以应每天练习。

2和声基础

钢琴即兴伴奏属于多声部音乐范畴,当然离不开和声基础。对和声掌握的好坏直接影响到即兴伴奏的表现力。

在钢琴即兴伴奏过程中使用的和声,应以西洋大小调体系的传统和声学理论为基础。先掌握正三和声(主、下属、属和弦)之间的进行力度、功能特征、风格特点、连接方式等方面,并在键盘上练习熟练。而后再加入副三和弦、重属和弦、副属和弦、副下属和弦等,辅以各种转位,和声色彩就丰富了。

在为旋律选配和声时,应以正三和弦、终止式为框架,以明确旋律的调性及其结构。再根据作品的体裁、风格等,适当加入副三和弦、重属副属和弦等,丰富其色彩。

例如下面旋律片断,乐曲的开始和结束处均为正三和弦,结束于正格半终止。再看选配和声方案(1)与方案(2)的比较。方案(1)所用的都是正三和弦,很规范;方案(2)在(1)的基础上,将第三小节的IV用VI代替,第七小节的I用V/V7代替。经过这样处理后,其和声效果明显要好于前者。变动不大,但效果却好了许多。

在为具体的作品配弹伴奏时,选择的和声应以简捷为主。要根据作品的风格、体裁等特点选配和声。如果是进行曲、欢快的歌曲等,和声的力度一般都较强,宜多选用原位的正三和弦,根音关系上四度的和声进行,以突出其进行的强力度;如果是较为抒情的歌曲,就需加入副和弦,并适当使用和弦的转位,减弱和声进行的力度。

3掌握一定量的伴奏织体

掌握了一定的钢琴技巧,和声基础,就要用一定的形式进行陈述。伴奏织体就是和声基础应用于具体作品中有规律的陈述形式。而这个形式是否恰当,怎样选择才能恰当,应当有一定的根据。如伴奏织体的特点与表现力、演奏方法以及钢琴技巧、综合应用能力等。伴奏效果的好坏,除了和声效果以外,主要就是伴奏织体的应用了。因此,设计好伴奏织体对于弹好即兴伴奏很重要。

伴奏织体大致分为和弦式、分解式、半分解式和综合式几种类型。每一种织体类型既有其本身的特点,又表现了某些相同之处。

和弦式:表现坚定有力、气势磅礴、庄严宏伟等形象;分解式:表现抒情流畅、跌宕起伏、波澜壮阔等形象;半分解式:表现欢快、跳跃、舞蹈特点、机警果断、节奏感强的形象。

由于演奏法、组合方式(音区、速度、力度、排列法、节奏等)的不同,每种织体又可具有不同的表情和特色。如和弦式的织体,均匀的、一拍一个和弦的织体,可表现出坚定有力的特点,而长音的和弦又可表现出安静、抒情的特点;分解和弦式的织体平稳中速的八分音符要表现出抒情的特点,而跨高、中、低音区、快速的十六分音符进行的琶音音型又可表现澎湃起伏、波涛翻滚、激情动人的情感。如果再将上述三种基本的织体类型加以恰当的综合运用,所表现的内容就更加丰富了。

在具体运用时,要从歌曲的体裁、风格、情绪、表现内容等方面来考虑,设计伴奏织体。如为《中国,中国,鲜红的太阳永不落》这首歌曲选择伴奏织体,首先要对其进行分析:这是一首二段体的进行曲风格的歌曲,节奏铿锵有力,赞颂我们伟大祖国的大好河山和社会主义制度,所以应以和弦式织体为主。

A段(5～12小节):5～10小节是陈述部分,应相对平稳;11～12小节是向B段高潮部分的过渡,应比前面激越一些。

B段(13～16小节)是高潮段落,织体应浓重,低音声部要尤为突出,要加入高音区的旋律,中音区应加入填充的和弦,以避免出现中空的音响效果。这首歌曲的织体可这样分布:

A段(5～10小节):

B段(13～16小节):同前奏。

在即兴伴奏中,关于伴奏织体的设计与运用,需要在实践中反复推敲,不断总结,才能不断进步。

4综合应用能力及对其他基础理论的掌握

综合应用能力是指钢琴技巧、和声基础、伴奏织体的运用等方面的综合,以及伴奏与演唱者的合作、艺术实践经验等。这一能力很重要,它决定着即兴伴奏编配及弹奏的质量及总体效果的好坏。

钢琴即兴伴奏是一个再创作的过程,它所涉及到的知识很多。所以要想弹好钢琴即兴伴奏,就需要从各方面提高自己。除了和声之外,还应学习一下曲式分析、复调、作曲、配器等方面的知识。要弹好钢琴即兴伴奏,还要努力提高自己的音乐修养,了解各个时期的作曲家及其音乐作品的风格特点,分析其风格特点,如和声的进行、和声的节奏、低音进行的特点、伴奏织体的运用等。当我们把它总结出来之后,就会发现,这些东西就好象是我们自己的一样,运用的时候就会得心应手、非常自如了。

综上所述,钢琴即兴伴奏是一项涉及到很多知识和技能的技能。虽不易掌握,但只要我们有信心,通过不断地努力,不断地学习,定能掌握这项技能。

参考文献

1 徐慧林、林棣华.钢琴即兴伴奏实用教程[M].北京:人民音乐出版社,1990.10

2 李斐岚.钢琴伴奏艺术纵横谈[M].北京:人民音乐出版社,1996.8

3 戴定澄.钢琴即兴伴奏基础训练的突破口[J].上海师范大学学报,1993(2)

4 孙维权.论即兴伴奏教学的十大要领[J].音乐研究,1995.12(4)

Piano Improvisation Exploration

Chen Jiwei

Abstract:The piano accompaniment is a very practical improvisation skills. Articles from piano technique, harmony based accompaniment texture, comprehensive capabilities and improve their musicianship discussed several aspects of how to better your improvised piano accompaniment.

钢琴即兴演奏 篇7

声乐表现艺术的一个重要组成部分——钢琴伴奏。不管是著名歌唱家、歌唱演员、声乐教师还是艺术院校的声乐专业学生, 亦或是平凡的声乐爱好者, 要完全脱离钢琴进行演出或练习, 这是不可能的。也许有人可以与管弦乐队合作, 也可以用音响设备进行伴奏, 可是这都不能完全满足抒情为主的演唱, 而且在不同声种的演唱中也不可能发挥得淋漓尽致。

一、钢琴伴奏与声乐演唱的关系

1. 钢琴伴奏在声乐演唱中的重要意义

钢琴伴奏作为音乐教育中重要的基础技能之一, 是进行艺术表演, 丰富音乐作品内涵的重要途径。在音乐伴奏的过程中, 钢琴发挥着重要的作用, 对创造臻美的音乐艺术, 提升演唱者的演唱效果有着同样不可或缺的作用。

2. 声乐演唱同钢琴伴奏的和谐搭配

声乐是一门综合艺术, 是语言艺术与演唱艺术、诗词和音乐和谐谱写出来的音声相和之美。一个演唱者在练习一部声乐作品时, 首要的就是把握作品总体结构, 接着再做局部以及细致的艺术处理, 而且还要了解词、曲作者创作时的背景和当时的意图, 这样才能更好的把握歌曲的情感尺度。而钢琴伴奏者不同, 他除了从声乐作品了解内容外, 更加重要的是要掌握作品风格情调, 确立他的基本情绪, 这样才能使音乐形象表达得淋漓尽致。

3. 钢琴伴奏与声乐演唱互相衬托

声乐, 有声有乐, 两者缺一不可, 其实声就是人们说的演唱, 在每一次完美的艺术表演中, 单独的演唱是不可能达到这个效果的, 它还需要一个优美的钢琴伴奏;乐, 就是常说的钢琴伴奏, 除了塑造一个优美的旋律外, 还可以为演唱者匡正音准、形成声乐和谐, 达到完美的音乐效果。一边练习一边提高伴奏的准确性、旋律的流畅性, 很好地给予演唱者感情启示, 带动演唱者的表演情绪, 通过出色的伴奏音乐把很多作曲家在旋律中意犹未尽的东西表达出来, 完美地朔造一个音乐形象。

4. 钢琴伴奏与声乐演唱相辅相成

在声乐作品里, 钢琴伴奏与演唱者组成一个有机整体, 地位相同, 二者相辅相成, 他们之间是一种合作关系, 而且钢琴伴奏本身就是种合作的艺术, 在整个合作艺术表演中他是不可或缺的组成部分。例如有的艺术歌曲其歌词的内容有着较强的动感, 表现出来的内容页更加的丰富多彩, 当钢琴弹奏着在演奏这种类型的艺术作品的时候, 需要更为精心、细致地进行揣摩, 将作品中歌词的动态表现做更为全面的把握。演唱者进行作品表演的时候, 要通过钢琴的伴奏让演唱者体会到两者间的和谐互动, 从而更好的提升钢琴即兴伴奏与即兴演奏的能力。

二、声乐演唱与钢琴伴奏的合作

在初步合作的阶段, 钢琴伴奏者与声乐演唱者想要建立的作品意象进行沟通, 进一步了解演唱者存在的问题和困难, 对需要换气及速度变化的部分做标注, 让双方对作品都有一个相对统一的印象。在第一次合作的时候, 根据演唱者的音质条件、演唱环境, 伴奏者应该适当调整曲调的高低和演奏音量大小, 因为过大的伴奏音量会致使声乐演唱不完整, 而过小的音量又会使得演唱者‘发干’或单薄。类似的调节在此后的每一次演奏过程中可能都会进行, 但是一般来说, 第一次合作都会对演唱者的音色、音量有了大致定位。而因为每一位演唱者对作品的演唱者对作品处理方式都不甚相同, 所以伴奏者要充分了解需要合作的演唱者的演唱需要, 把握其音量细微变化从而进行配合, 这是一件非常重要的事情。

在没正式演出的时候, 伴奏者就需要考虑演出环境、钢琴的相关设备对演出效果有什么影响, 对翻谱、服装这些细节也要注意。所以说, 想要合理处置正式演出中突发的状况, 就必须充分重视正式表演前的彩排工作。演出开始后, 一直到结尾, 钢琴伴奏者都需要控制好速度和力度, 能够很快把演唱者带入音乐情景当中, 而因为现场观众比较多, 演出过程中的声音效果和彩排的时候有所不同, 对于这种情况, 不能盲目对音量和力度进行调整, 而是充分照顾演唱者的演出状态, 与此同时, 对于演唱者临时变化或者失误, 伴奏者要能够及时掩饰。

三、钢琴即兴伴奏与演奏能力的培养与训练

首先, 进行钢琴伴奏的目的是发挥有效的衬托辅住作用。同前面我们分析的那样, 钢琴能够有效的衬托背景, 促进音乐表演的进行。当艺术表演开始的时候, 声乐演唱开始前引导演唱者与听众, 逐渐的走进音乐作品所要表达的氛围和意境中, 当演唱者在演出过程中出现不足或者产生一些失误时可以弥补, 而对于作品间奏和尾奏不分, 钢琴伴奏也能够把作品推向高潮。

其次, 相对于声乐演唱, 钢琴刚能够直接、全面的展现谱上的表情和力度记号, 带领演唱者进入想象的心理过程, 演奏和演唱作为一个配合的过程, 也是钢琴即兴伴奏传递谱面的一种情绪表达, 创造有效的作品意境给演唱者的一个动态变化的过程。所以说, 钢琴即兴伴奏与演奏能力的教学过程, 是学生进入演唱情景的引导者。

第三, 当前的声乐作品, 尤其是艺术歌曲作品, 钢琴伴奏有着很强的艺术表演力, 音乐家舒伯特、舒曼的作品在这一点上更为明显即:突破了传统伴奏之法, 更为有效的塑造了丰富多彩的生动音乐形象, 而且作为独立的钢琴作品进行演奏。

最后, 在钢琴即兴伴奏教学过程中, 教师除严格要求学生的音准、节奏练习, 帮助学生改正错误的语言发音以外, 还需要根据自己伴奏肢体的变化辅导学进行生调音、滑音、连音等一些基本技术训练, 在教师及时的启发下, 进行充分的二度创作, 从而更好地提升钢琴伴奏与即兴演奏能力。

参考文献

[1]韩琳.论钢琴即兴伴奏在舞蹈教学中的应用[J].科教新报 (教育科研) , 2011, (09)

[2]陈洁.由《冬之旅》看舒伯特声乐套曲钢琴伴奏的艺术特色[J].科学大众, 2007, (12) .

[3]党芳.钢琴伴奏在艺术歌曲中的作用和地位[J].齐鲁艺苑, 2007, (04) .

钢琴即兴演奏的历史渊源及现实意义 篇8

一、钢琴即兴演奏的历史渊源

公元前250年就已发明的最古老的键盘乐器管风琴的音乐都为即兴创作, 且都以耳记口传的方式流传下来。产生于公元11世纪的记谱法被教会的僧侣所垄断, 僧侣对器乐不感兴趣, 况且那时的管风琴主要用于宫廷而不是教堂, 所以管风琴音乐未能得以记载。1“西方中世纪的器乐大多是即兴演奏, 没有正规乐谱流传下来。”2出自14世纪前半叶的乐谱手稿《罗伯特桥抄本》, 记载了当时的键盘演奏者加花和装饰的方法, 左手简单的旋律线与右手华丽的快速跑动段落的结合。“每一种乐器都有自己的音域、风格和即兴演奏的方式, 演奏者按照他的乐器所具有的特性来即兴。”3

1. 钢琴即兴演奏的历史传统

从9世纪在格列高利圣咏下方加平行四、五度声部的奥伽农到16世纪的固定低音变奏, 都是即兴的产物。同时, 用即兴演奏大篇幅的复调乐曲来考验一个键盘乐器演奏者的音乐修养。17世纪, 在数字低音上即兴演奏的能力, 成为一个键盘乐器演奏者的必要条件。J.S.巴赫在世时主要以即兴演奏的能力而闻名, 他于赖因肯面前在《对着巴比伦的河水》上即兴变奏, 用腓特烈大帝的主题即兴演奏赋格, 这个主题后来成为《音乐的奉献》的基础, 这些都是显示他的即兴演奏能力的著名例子。亨德尔在演奏他的管风琴协奏曲时自由地即兴创作;莫扎特和贝多芬都以即兴演奏华彩段和整个乐章著称。4

即兴创作与即兴演奏既是民间音乐的特点, 也是专业音乐家的创作手段。最早, 演奏与作曲是合而为一的。在1475年编成的主要由法国勃艮第地区的作曲家作曲的《布克斯汉姆管风琴曲集》里最有价值的三十首前奏曲中, 即兴式乐段与和声性乐段交替出现。5在18世纪西方音乐艺术传统中, 即兴演奏和耳听心记演奏曾是很有生气的。不少著名音乐家幼时都喜欢在钢琴上模仿马车、号角等音响, 或弹奏他们听到的民间音乐的曲调。巴赫在管风琴上即兴演奏, 各种发展手法运用自如, 常常一弹就是几个小时。海顿的创作常常是从即兴演奏开始的。他说:“无论心情是忧郁还是愉快, 是严肃还是戏耍, 我总会坐下来, 即兴弹奏。一旦抓住一个念头, 我就竭尽全力把它展开, 并使其与艺术原则保持一致。我用这种办法使我进步。”莫扎特还是个孩子时, 就在键盘上创造出了“使人们发狂”的即兴音乐作品。贝多芬同时代的人在评价他的即兴演奏时说:“当人们对莫扎特记忆犹新的时候, 许多人指出贝多芬的即兴演奏是绝无仅有的现象。”舒曼则是用音乐“即兴画像”的天才。“他刻画人, 画他们的肖像, 他们的表情、气质、情感, 而他的主要的艺术乐趣就在于此。”1822年12月号的《阿格梅农音乐》登载了李斯特钢琴音乐会的节目单, 明确标明最后一个曲目《钢琴自由幻想曲》是“由12岁的费兰茨·李斯特应听众要求即兴演奏”。6对于他们来说, 即兴创作、即兴演奏这种纯天才性的技艺是太普通不过的了。

即兴演奏甚至被运用到一些典型的乐曲体裁和曲式结构中, 如舒伯特、肖邦和舒曼所作的钢琴小品即兴曲, 原意为“即兴创作”或“一时的兴致”。协奏曲中的华彩段, 是独奏者以乐曲主题进行即兴式展开的独奏部分。最初, 这一部分不由作曲者自己写作, 而由独奏者即兴发挥, 由于不同演奏者的不同即兴演奏而造成内容构思和风格上的偏差, 因此从贝多芬的第五钢琴协奏曲开始, 这一段落便基本上由作曲者自己写作了。后来勃拉姆斯协奏曲中的华彩乐段仍然留待演奏者创造发挥。

2. 钢琴即兴演奏的方式

即兴演奏, 根据临时的创造性的随想来进行演奏, 这曾是贯穿几个世纪的西方音乐的重要因素。12至17世纪声乐中的即兴演唱, 一位歌唱者根据另一位歌唱者按谱演唱的曲谱即兴演唱。17和18世纪维奥尔琴演奏者的加花变奏, 把一首曲调中的音符用更短的音符即兴地加以装饰。键盘乐器演奏者也是在数字低音上即兴演奏。18世纪键盘乐组曲作者如亨德尔及其他人往往只用一系列和弦去发展自己的音乐。18世纪以来协奏曲的华彩乐段有时是写出来的, 但常常是留待演奏大师们去创作。18世纪及19世纪初期, 巴赫、莫扎特、贝多芬、胡梅尔、克莱门蒂以及其他人的键盘乐器演奏中即兴表演的辉煌表现使听众为之倾倒。管风琴演奏家如布鲁克纳及维多即兴演奏方法一直在现代管风琴演奏家中盛行。在爵士乐中, 由器乐演奏者即兴独奏是这种音乐吸引人的一部分。20世纪作品中机遇音乐属于即兴演奏的性质。7

谈及钢琴即兴演奏的方式, 常见的有如下几种: (1) 根据指定主题进行严格变奏或自由变奏。这是古典的即兴演奏方式, 通常运用作曲家 (钢琴家) 所熟悉的音乐语言, 按照一定的变奏模式处理指定的主题。 (2) 根据一定风格的音乐语言 (如传统功能和声序进、爵士语汇、十二音序列技术等等) , 自行根据主题进行即兴演奏。 (3) 根据其他艺术形式的提示, 进行即兴演奏。这属于部分的“行为艺术”。如先由画家在舞台上即兴作画, 再由作曲家 (演奏家) 根据画意即兴演奏。 (4) 在一定固定的音乐背景上, 进行即兴演奏。如20世纪60年代后兴盛起来的, 在确定因素 (如事先录好的音带) 之上演奏不确定因素 (即兴的钢琴演奏) 。 (5) 钢琴家在一个即兴团体内的即兴演奏。如在一个重奏团内与几位艺术家同时即兴演奏。8

二、钢琴即兴演奏的现实意义

即兴演奏是古典精神与现代精神的结合, 是灵感与技术的结合, 是创造与表演的结合, 是内省与外泄的结合。是充满灵性、充满自由、充满乐趣的艺术行为。

1. 钢琴即兴演奏的创造性意义

“即兴”表现出创作过程和演奏过程的合二为一。事先不作任何主题上、音乐上、技术上的准备, 一切都临时在舞台上边演奏, 边思考, 边创作, 将作曲与表演高度融合。这对演奏者的创造能力提出了很高的要求。正因为演奏者在即兴演奏过程中将他的全部理论知识, 音乐感觉, 想象能力, 演奏技巧, 结构思维, 以及内心冲动, 都在一瞬间爆发出来。音由心出, 高度精神自由的心灵与严密思维控制的理念达到完整的统一, 于是这种历练也会激发和培养即兴演奏的创造性能力。

即兴演奏者在事后大都无法凭记忆完全记录或再现刚才演奏的内容, 也不能完全从理论上解释曾被即兴使用过的和声、织体与体裁。这是由于即兴演奏过程中有意识与无意识相互转换而导致的, 即兴演奏首先以特定的计划、构思通过演奏技术转化为音响, 这音响唤起演奏者自身听觉上的连续性反馈, 音响效果与观众的现场反应引发了相应的连续性评估, 而这评估即刻不断地影响先前计划和构思的发展、变化。即兴演奏中以有意识的认知发生过程为核心, 而无意识的外围过程也同时并行。随着训练和经验的加深, 演奏的技巧、内容越来越复杂, 演奏者从受意识的控制转而被无意识的习惯性所支配。

正如《三字经》所言:“人之初, 性本善”, 探索、求异、创造、即兴是人们儿时的天性, 但是在儿童成人化、社会化的过程中, 这种天性却逐渐地减少甚至泯灭了。懂得了规矩、学会了规则、习惯了模仿和从众之后, 经验越来越多, 而创造性却越来越少。如很多接受过专业化正规化训练的学生, 照谱演奏水平不断提高, 但即兴的能力并没有随着演奏技艺的发展而自然提高, 有时甚至恰恰相反:演奏程度越高, 即兴演奏的障碍往往就越大。这里就有个深入浅出, 灵活掌握的问题。即兴能力强的同学, 不仅可以在即兴中自如地运用他们已经学会的音乐知识和音乐语言, 而且还会突破这些限制, 使用他们未曾学习过的节奏、和声、织体和曲式结构;不仅能够使用那些已经掌握的技巧, 有时还会超越已有的技巧甚至创造出新的奏法来。那么即兴正是使人回复到最自然、最原始状态的一种随心所欲的童真般的“放纵”。而这种纯洁的艺术上的放纵 (从思想、感情到身体的放纵) , 是对人的艺术潜能和创造性的一种可贵的解放。

2. 钢琴即兴演奏的表演性意义

在音乐教学及课外活动、艺术实践中, 钢琴即兴伴奏是一门应用广泛并不可缺少的技能。因此, 具有十分重要的作用。在钢琴即兴演奏中, 演奏者对音乐的直觉本能反应也是非常关键的, 如流行乐手大多未受过科班音乐训练, 但他们在演奏中即兴做出了许多节奏、节拍、强弱、音高、音色、和声、音型等等方面的瞬间变化, 正是这些张弛自如、夸张创新的微妙变化才形成了流行乐的特有“感觉”。理解音乐的结构和规则, 将它们消化吸收并融入到自己的音乐意识中而生发的钢琴即兴演奏将会大大提高钢琴音乐表演水平和效果。

首先, 在音乐的表现性方面, 好的钢琴即兴演奏的作用表现如下: (1) 可以塑造形象, 丰富内容, 深化主题; (2) 制造气氛、背景、意境, 突出主题; (3) 使不同的情绪得以过渡、转换、衔接和渲染; (4) 在音乐表演教学中, 通过即兴伴奏的表现力, 提高学生对歌曲作品的感受、理解与表现能力, 并增加学生对音乐的兴趣。其次, 在音乐的技术性方面, 好的钢琴即兴演奏的作用表现如下: (1) 发挥和声、音型、奏法等钢琴这一乐器的表现力; (2) 突出节奏或旋律的作用; (3) 定调作用; (4) 在移调弹奏中更具有灵活自如的优点。再次, 在音乐的实用性方面, 好的钢琴即兴演奏的作用表现如下: (1) 省时间见效快, 适用于课堂教学与课外活动; (2) 是教学中的得力助手; (3) 可根据自己的水平、能力和工作需要即兴编配, 灵活方便; (4) 可在找不到伴奏谱的情况下顺利完成急需完成的伴奏任务。9

3. 钢琴即兴演奏的社会性意义

钢琴即兴演奏是在事先毫无准备的情况下, 演奏者临时根据音乐所要表达的内容、风格特点等, 在短时间内有逻辑地进行织体的组织和构建, 边创作, 边一次性完成演奏的一种创作与表演相结合的综合性艺术。它是理论作曲知识和钢琴演奏技巧相结合的产物, 是高等艺术院校音乐专业学生, 中、小学和幼儿园音乐教师、广大专业和业余音乐工作者及音乐爱好者必须具备的一种音乐技能。在群众性的歌咏活动以及学校内音乐课的教学中, 主要使用钢琴、手风琴、电子琴以及风琴等键盘乐器伴奏, 其中以钢琴最为常见。钢琴的音域宽, 音量大, 音色变化丰富, 可演奏多声部结构的音乐作品, 它能代表整整一个乐队, 它的演奏技巧复杂, 能够表现其它乐器无法表现的多种多样的情感, 是最主要的独奏与伴奏乐器, 是我们进行音乐教学与开展群众性音乐活动工作中得力的助手。

当前报刊、杂志、歌集上发表的歌曲, 大多使用简谱, 当然只有主旋律而无伴奏曲谱。因此, 在教唱或演出中, 需自己编配伴奏, 编写正式的五线谱伴奏相当费时费力, 有时同一首歌曲, 不同年级使用还得移调。我们常听到不少音乐工作者因为不会弹钢琴即兴伴奏而引起的烦恼和苦衷, 何况在实际工作中又往往不允许你有任何准备的时间, 因此做为一个音乐教员、一个群众音乐工作者, 为了搞好工作为了适应当前实际工作的需要, 必须掌握和提高钢琴即兴演奏的技巧和能力。

随着人们生活水平的不断提高, 钢琴已经被越来越多的人接受和喜欢, 并走入千家万户。人们在传统的钢琴用途——培养孩子的琴艺 (或专业的愿望, 或综合修养的愿望, 甚至攀比的心理等等) 之外, 是否深入的思考或真切的感受过钢琴——乐器之王的价值呢?对于普通的大众来说, 完全可以跨跃钢琴严格训练和演奏的专业模式, 而轻松自如地来即兴弹奏自己喜欢的音乐, 不管水准如何, 毕竟是自己发自内心的音乐心灵表白。

即兴演奏是钢琴表演艺术中极富创造力、极具煽动力、极能引起演奏者与听众之间精神与心灵交流的表演形式, 是钢琴家的一项特殊技能。它突出地显示出音乐艺术“一次性存在”的过程和魅力。愿更多的钢琴家和钢琴教师关注和参与钢琴的即兴演奏及有关教学, 使这项真正能够挖掘人的音乐性的技能发扬广大, 从而提高演奏者和受众的音乐性。

摘要：文章从钢琴即兴演奏的历史渊源谈起, 评述了这种钢琴技能和表演形式的历史传统, 并结合钢琴即兴演奏的多种方式, 从创造性、表演性和社会性等方面阐述了它的现实意义和价值。

关键词：钢琴,即兴演奏,历史渊源,现实意义

注释

11 .周薇.《西方钢琴艺术史》.上海音乐出版社, 2003.

22 .于润洋.《西方音乐通史》.上海音乐出版社, 2001.

33 .[美]尤德金著.余志刚译.《欧洲中世纪音乐》.中央音乐学院出版社, 2005.

44 .汪启璋.顾连理.吴佩华编译.钱仁康校订.《外国音乐辞典》.上海音乐出版社, 1988.

55 .张式谷、潘一飞.《西方钢琴音乐》.人民音乐出版社, 2006.

66 .王朝刚.《器乐表演技能教学新论》, 上海音乐出版社, 2006.

77 . (英) 肯尼迪.布尔恩编.唐其竞等译.《牛津简明音乐词典》.人民音乐出版社, 2002.

88 .赵晓生.《钢琴演奏之道》.世界图书出版公司.1999.

钢琴即兴演奏 篇9

一、钢琴教育即兴演奏中的心理问题

心理学家在研究了演奏者的意象情况后, 发现演奏者所注意的事件除乐曲结构之外, 尚有多种包括音乐应当如何表现, 如何转达给听者, 相关的乐思、联想、记忆、情感、身体运动、具体事件或声音的模式等。据一研究报告显示, 演奏者对一首钢琴曲的意象涉及许多方面, 如场景、事物、事件、情境等, 并以此为引导来演奏该曲, 但很少以结构意象作为引导。于是有的学者对以音乐结构来识别音乐意义的观念提出疑义。在这些学者的眼中, 听者倾向于听音乐中的情境和情绪, 演奏者倾向于转达音乐中的情境和情绪。音乐提供了一个抽象的叙述体。我们可以把音乐结构认做对含蓄事件的一种描述, 音乐表现的姿态平行于含蓄的主角的姿态, 主角在这里参与或目睹了该事件。这样, 演奏者的演奏, 可以视做帮助明确主角的特征。这就决定了笼罩事件的情境的模式。

钢琴即兴演奏竞赛要求学生奉上最新的成果。或者, 由一位艺术家提出他最近的新乐思, 然后另一位艺术家根据自己的热情与想象, 立即进行自由的发挥;或者, 他们用两架钢琴, 分别用彼此交换的主题进行即兴演奏。这样便创作出许多四手联弹的随想曲。如果能把随想曲马上记在谱纸上, 那这些作品将是对时代的挑战。从技巧上来说, 的确是很难分出优劣。在练习过程中, 需要不断的进行练习和歌唱;除了在头脑中来构思和创作伴奏之外, 还需要勤于动手, 将构思在键盘上弹奏出来, 一般要连续进行弹奏, 不要有停顿现象出现, 这样伴奏声效的连贯性才可以得到保证。对于初学者来讲, 这一点要求可能会有些难度, 那么就可以适当放慢速度, 并且采用的伴奏方法也可以选择比较简单的那些。

二、钢琴教育即兴演奏中心理素质的培养

通过调查研究发现, 心理素质也会在很大程度上影响到钢琴即兴演奏的效果;比如, 很多幼师学生虽然有着较好的自然条件, 接受了非常正规的训练, 在平时训练中, 演奏的也比较好, 但是遇到一些考试, 或者是大型的演出, 经常会出现失常问题;而部分学生虽然在平时表现中并不特别出众, 遇到了考试或者演出, 却能够有出色的表现;究其原因, 就是学生们有着不同的心理素质。

(一) 演奏前的心理准备

1. 演奏者要保持良好的状态, 舒适、轻松和自然

演奏者并不是按照乐谱死板的进行重复, 而是一种再造活动, 在表演过程中, 需要将自己的情绪和体验给融入进去, 展现自己的表演技巧, 充分合理的展现流动的音响。在演奏过程中, 需要正常发挥表演技巧, 充分展现内心美感, 要想达到这个目的, 就需要有机统一和配合人们身体的各个方面和系统, 比如脑力、耳力、视力等等, 而要想达到这么一个和谐统一的状态, 就需要演奏者保持良好的状态, 保持内心轻松和舒适。在演奏之前, 演奏者尽量不要受到一切刺激, 不仅仅是精神上的, 肉体上的也需要禁止, 这样演奏者才可以拥有良好的心态。

2. 积累审美感受, 将表现欲望展现出来

在对一个音乐作品进行演奏之前, 演奏者要充分的感知和熟悉作品, 不仅仅要对其进行掌握, 还需要将感知深化下去, 不仅要从整体上去把握, 还需要重视局部和细节, 通过不同的方法来对作品进行训练, 要知道, 只有付出了汗水, 才可以收获成功。那么就需要从两个方面来努力, 演奏者首先要重视技术攻关, 解决技术层面上出现的各种难点和问题, 另一个方面, 要将在演奏中获得的审美感受和体验给积累凝聚下来, 只有积累了足够多的审美体验, 才可以将演奏者的创造激情给激发出来, 充满着表现欲望去进行演奏。音乐艺术并不是死板和顽固的, 它是充满感情的, 演奏者演奏出来的音乐, 需要能够对听众起到感染的作用, 那么就需要由演奏者本人来努力, 在演奏过程中充满感情。

(二) 即兴演奏中的心理调节临场的心理调节

在正式的音乐会或考试的演奏, 大多数幼师学生都会出现心跳加快等紧张心理。对于缺乏表演实践经验的幼师学生来说更容易在那种氛围中感到心慌意乱、手足无措, 甚至脑子里出现一片空白, 原先背得滚瓜烂熟的曲子连开始的音都找不到。这实际上是一种怯场的反应。因此, 对于大多数幼师学生来说除了要做好演奏前的心理准备外, 还要学会临场的心理调节。

三、结论

通过上文的叙述分析我们可以得知, 音乐演奏是需要感情需要投入的, 并且需要调动其他很多方面的因素, 比如感觉、知觉、记忆、注意以及想象等, 为了提高钢琴教学的效果, 还需要与实际生活紧密联系起来, 针对出现的问题, 进行针对性的训练, 促使学生更好的发展。比如有些学生在上台背谱的过程中, 经常有中断问题出现, 那么教师就可以集中训练这些学生的记忆力。有些学生在学习过程中, 容易受到外界因素的干扰和刺激, 那么就需要对学生的学习动机进行端正, 让学生明白自己学生的目的。总之, 要想提高教学质量, 就需要进行专门化的心理训练。

摘要：高校钢琴教学中对乐器性能的掌握、音乐理论的学习、演奏技法的分析都具有很强的科学性, 对音乐作品风格的把握、审美感受的表达、音响概念的认识又都体现了艺术性, 作为培养音乐人才为目的的钢琴教学又都担负着思想教育的重任。教师在舞台上进行即兴演奏时的心理紧张是一种正常的生理反应而非病态。许多时候, 特别是重要的演奏时, 这种紧张情绪往往特别严重且不可避免。

关键词：钢琴教育,即兴演奏,心理素质

参考文献

[1]蒋艳.论钢琴教育在心理疗法中的运用[J].教育与职业, 2012, 18 (27) :294-295.

[2]段微.关于高师钢琴实践教学的几点思考[J].教育与职业, 2013, 23 (02) :186-187.

[3]林华.即兴演奏的心理活动机制[J].音乐艺术 (上海音乐学院学报) , 2012, 17 (03) :111-112.

钢琴即兴演奏 篇10

关键词：即兴演奏,措施,培养学生

钢琴的即兴演奏, 是指事先没有经过任何准备, 钢琴演奏者根据歌曲的内容、风格, 在较短的时间内做出判断并且演奏的行为。这就要求演奏者必须具备敏锐的反应能力、良好的创造性思维以及扎实的理论基础和超高的演奏水准。

一、如何培养学生的即兴演奏能力

(一) 培养学生对于即兴演奏的兴趣。兴趣是最好的老师, 可以激发学生的求知欲。老师可以运用多媒体播放一些成功的即兴演奏的视频, 也可以先了解学生喜欢的流行音乐, 然后自己即兴来一段演奏, 引发学生学习即兴演奏的兴趣, 而这种兴趣便会成为学习中强有力的推动力。

(二) 加强学生对于理论知识的学习。学生必须要对音阶、和弦、调式、和声以及歌曲的曲式知识熟练地掌握。不能只是会五线谱, 要熟练地掌握简谱。因为很多的声乐作品包括音乐课本都是简谱, 所以在学习音乐理论课的时候一定要专心听讲, 课后对笔记进行认真整理, 养成良好的学习习惯, 具备扎实、丰富的理论知识。除此之外, 还要认真学习正确的演奏方法和演奏技巧。教师要扮演好引导者的角色, 让学生搜集整理学习资料及视频, 主动地去学习。

(三) 培养学生的演奏演唱能力。钢琴的即兴演奏是不能作为一个独立的个体单独存在的, 他只有和唱歌者一起合作、完美结合才能实现其真正的艺术价值。这就有两种情况:自弹自唱, 要求在用钢琴演奏乐谱的同时准确地唱出歌词, 同时还要考虑左手和弦的选配, 还有整个歌曲的情感表达, 甚至还要有一些演奏的动作设计, 所以这的确是很难的, 在某种意义上说, 就要学会一心二用, 甚至是一心多用。自弹自唱也将是应聘用人单位必须展示的一项重要的教学技能, 而且它和12 个大调的音阶演奏一起正式列为郑州市音乐教师区级达标考核的内容, 这也就需要同学们在大学宝贵的四年时间里认真练琴, 用心歌唱, 扎实掌握这两项最最重要的专业技能。另一种情况便是和他人合作, 这就要求两者之间要加强沟通, 互相帮助, 共同提高。

(四) 培养学生丰富的想象力和创造性思维。即兴演奏本身就是灵感在短时间内的爆发性创造, 所以对于学生的想象力及创造性都有很高的要求。在平常的教学中, 我们必须引导学生掌握一定的钢琴即兴演奏的思维方式, 课后还要多多安排学生进行练习, 使学生在不断的实践中逐步提高钢琴即兴演奏的能力;多让学生欣赏名师大家的即兴演奏视频, 培养他们丰富的想象力。

(五) 不断地加强学生钢琴演奏的实践性练习。音乐钢琴的即兴演奏本就是理论与实践、技能与技巧相结合的综合性科目。如果忽略了实践就是纸上谈兵, 不利于技巧的掌握, 也就不能真正地提高学生的能力。只有不断实践才能不断地深化学生对于钢琴伴奏知识和技能的认知、了解, 也只有不断的实践练习才能使学生真正开发和强化自己的钢琴即兴演奏创造性思维。老师可以利用课外活动, 多给学生一些即兴演奏的练习平台, 可以让学生轮流演奏, 也可以举办一些即兴演奏竞赛, 从而锻炼学生临场发挥能力以及敏锐的音乐感知能力, 并且定期地举办学习交流会, 让同学之间、师生之间可以相互沟通、相互交流, 真正有效地提高自己的即兴演奏能力。

(六) 提高学生对于音乐作品的分析能力。所谓的音乐作品分析能力, 就是根据扎实的专业知识, 了解不同作品的风格, 根据不同作品的曲风进行恰当的演奏。一方面要求学生不断地去提高自己的钢琴演奏水平、技能及视奏水平, 通过不断地练习弹奏熟练地掌握各种不同的歌曲类型的谱子;另一方面, 还要加强双手的快速反应能力以及移调能力。只有这两个方面的能力更娴熟, 思维才能得到解放, 才能演奏出自己想要呈现的音乐曲目, 才能更好地发挥创造性思维, 才能使即兴演奏更为完美。

(七) 培养学生良好的自信心。钢琴的即兴演奏是一种舞台创作, 它的灵活性、广泛性、实用性决定了其演奏者必须具备灵活的舞台应变能力。要想给大家呈现出精妙绝伦的演奏盛宴, 演奏者必须要具有强大的自信心, 这样才能随尽情发挥自己的音乐创造性, 自信是成功的前提和保障。俗话说“牡丹虽美, 全赖绿叶扶持”, 画龙点睛地衬托出即兴伴奏的作用。当你做绿叶的时候, 不要忘记, 台上还有美丽的牡丹花呢, 你这片绿叶是相当重要的!

二、结语

钢琴的即兴演奏是学生自我表现能力和自我创造能力的完美体现, 这种艺术表现形式最大程度地激发学生的潜在素质和能力, 对于综合能力的提高有着关键性的作用, 有利于学生的长远性发展。

参考文献

[1]侯克娜.高师音乐专业学生钢琴即兴伴奏能力的现状及对策研究[D].湖南:湖南师范大学, 2011.

[2]翟月坤.关于高师钢琴即兴演奏教学改革的思考[J].北方音乐, 2010 (08) .