放松钢琴教学

放松钢琴教学（精选九篇）

放松钢琴教学 篇1

严格来说, 放松可分为生理和心理两个层面。从生理层面“放松”指的是: 以钢琴演奏某一具体操作行为为前提, 参与演奏的身体的各部分肌肉适度紧张并去除多余过分的紧张, 保持弹性, 做出适当的反应; 而心里层面的“放松”指的: 以某一具体演奏行为为前提, 调整演奏者的心理状态, 并呈现积极的准备状态和表现欲望, 再根据恰当的反应, 最后呈现出积极灵活的应激状态。如此说来, 不禁让人觉得十分抽象, 难以理解, 更别说准确的把握这其中的分寸了? 这也就是放松问题迟迟不能被很好的掌握的重要原因之一了。

一、从生理层面理解、学会放松

曾经有解剖生理学家做过关于肌肉运动的实验, 实验结果表明: 我们的肌肉具有“拉”的功能而不是“推”的功能, 那么与“拉”相反的动作就需要靠肌肉的收缩或者重力来完成。因此, 我们在做连续做一系列动作时, 都是通过肌肉的拉———复原———再拉反复进行的, 这就一定会促使肌肉产生紧张, 而且也正是通过肌肉的反复收缩来完成我们的动作的。这也就充分的说明, 肌肉必要的紧张是动作的原动力。

其次, 不同人的生理特点造就了不同的紧张和反应, 在学琴过程中, 有的学生会出现肩膀僵硬, 有的学生则是出现手腕僵硬, 还有的学生手臂僵硬等等。但这一切僵硬, 都是由于这种或者那种的不正确的坐姿或者不科学的方法导致的。因此, 教师在教学过程中, 需要发现学生出现问题的原因, 再引导其正确的方式方法缓解僵硬, 做到真正意义上的“放松。”在教学过程中, 教师一定要把握以下几点:

( 一) 正确的坐姿

首先, 琴凳的高度。有一位国外的钢琴家说过: “钢琴演奏者的坐姿高度是否合适, 和小提琴家如何持琴是同等重要的。”可见, 坐姿的高度与是否正确是及其重要的。由于钢琴的高度和规格是不变的, 所以我们也只能以可变的人体去适应不变的琴。虽然我们对于亲凳的高度没有统一的要求, 但是却有着重要的坐姿准则: “坐上琴凳双手放在琴键上, 手肘与琴键基本在同一平面, 大臂与肘部形成大于90 度的钝角为宜”, 这种状态最有助于手指完成各种不同音域, 不同要求的技巧。其次, 琴与凳的距离。琴与凳的是否摆放在了最佳的距离, 是保持弹奏着弹奏姿势正确与否的关键之所在。琴凳置放距离需要根据各人的手臂长度来确定, 从理论上来讲, 最佳距离是既能保证手臂上下两部分能灵活动作又能保证身体可以前后左右的自由运动为宜。最后, 坐凳的深浅。想要保证身体自由倾向的灵活性就不得不提到坐凳深浅的问题。坐得太深, 妨碍脚的支撑作用, 导致身体缺乏双脚的支撑, 而且身体的中心也会随之移动到琴凳上, 导致弹奏着弹奏时失去身体的平衡而造成紧张。因此, 正确的坐法是: 坐凳时, 臀部应只占琴凳的3 /1, 且双脚必须踏实落地。

( 二) 手臂的放松

关于手臂的放松, 我们可以尝试将自己的双手高举到头上, 然后不加控制的让其自然下垂, 由于地心引力, 双臂会在身边前后自由摆动。如果在做这个动作时双臂是紧贴身体的, 那就说明手臂还没有完全放松。教师可以指导学生反复做这个动作, 找好放松的感觉, 并记住它。

关于手臂的放松, 还有比较重要的一环———手腕。手腕是手臂到手指的链接部位, 它对手臂和手起到一定的调节作用。手腕的放松是调节手臂的基础, 既不能向下坠压, 也不能向上拱起。演奏者必须不断地进行相对的调整, 才能适应各种不同的弹奏要求。手腕的调节动作大概分为三种, 但其中手腕的左右移动动作是弹奏中运用最为广泛的。初学者要先学习前臂断奏, 体会手腕放松的感觉, 然后逐渐缩短抬手距离, 减少音符弹奏时间, 指尖集中用力, 增强手指的颗粒性。随后, 可以由前臂断奏慢慢过渡到手腕断奏的练习。若演奏者能运用好手腕的这种柔顺的水平移动, 那么就会使那些因为跨度大二不易连贯的音符变的灵巧, 流畅起来。其实在实际演奏中, 手腕和手臂常常是统一行动, 配合手指共同完成乐曲的。可见手腕的灵活放松是多么的重要, 它不仅能展现演奏技术, 还能为钢琴演奏增添润色。

( 三) 手部的放松

钢琴演奏的是由双手来完成的。这其中包括手指和手掌。也就是平时教师口中的“基本手型”。虽然基本手型不是绝对一成不变的规律, 但是, 学生还是应该掌握其基本要点, 即自然弯曲, 这种所谓基本手型也不是一成不变, 绝对的, 初学者还是需要很好的掌握它的基本要点: 手指自然弯曲, 手掌呈空握球状; 掌骨关节及手指关节稍稍拱起; 手指自然分开, 一个指头对着一个琴键, 触键的基本位置在白键与黑键距离的约三分之一处。只要手型能够不影响手的张力、手指的支撑力、手指正确的运动能力, 不破坏整体的协调, 不影响美感, 那这就是适合学生的最佳姿势。

手掌在钢琴演奏中也至关重要, 手掌的状态不仅直接影响着弹奏着是否能演奏出优美的音色, 还影响着手指的灵活性。因此, 手掌既要放松, 又不能塌陷, 我们常用来体会手掌是否放松的方法就是想像手心里握着一个鸡蛋, 感觉手掌和手指有一种向内收拢的力量, 当然这种收力不宜太多, 否则会使手掌僵硬。

演奏的主要任务就是要保持手的自然放松的状态不变, 那就必须要学会手指的放松。开始我们可以在所有可以敲击的平面上联系高抬指, 整个过程应该是“用力—放松—用力”的一种循环, 需要注意的是, 必须要保持松弛的感觉, 出现紧张僵硬的情况, 马上让手臂自然下垂于身体两侧; 然后, 练习独立抬指, 这样就不会出现互相牵制的现象了。随着手指独立能力的加强, 指尖的力量也会随之变大。

二、从心理方面减压、学会放松

人区别于动物是因为我们有大脑思维, 可以指导实践活动。弹琴也是这种思维的指引, 并在其指导下利用双手来完成表演。这种大脑思维包括很多方面, 它的指导过程也包括很多程序, 这其中有一部分, 就是心理素质对演奏的影响。大多数人在日常练琴中都能演奏流畅、完整的乐曲, 并不需要过多准备。而每个人在公开演奏时都会由于各种各样的原因造成心理紧张, 导致错音或不连贯。正是因为钢琴演奏的这种一次性, 不可复制性, 才导致演奏者的精神紧张。但由于人的心理素质、性格方面的不同, 每个人紧张的因素也各不相同。我们必须要有意识, 有针对性的锻炼, 并将问题一一解决。

首先, 钢琴教师应该引导学生做到, 心中有数, 也就是指钢琴演奏中对音乐情感表达的控制能力。人在陌生的环境下, 对音色, 光线以及演出所要面对的观众、评委等各方面带来的心理压力的控制和掌握能力也是不可预知的。无论是情绪的影响还是环境的刺激, 首先直接会影响弹琴的动作, 即我们之前谈到了坐姿, 手型等等。其次则是音乐的表现。紧张的情绪会造成很多不良的结果, 利用轻弹慢练的方法, 体会身体松弛感以达到精神上的放松。

其次, 在演奏时, 情绪是否紧张, 会直接影响弹奏出的音色, 心理紧张, 音色就会比较尖锐, 产生不舒适的感觉, 相反心情放松, 则音色就优美动听的多。所以, 我们强调肌肉和躯体的放松, 也就是在追求柔和, 灵活, 快速更具颗粒性的完美音色。那么这种肉体和精神的放松就都要靠大脑的思维意识来控制。这种意识的培养要从平时开始, 把每一次弹奏都当做一次演出, 然后不断积累公开演出的经验, 在演奏中保持心情愉悦, 全身放松, 集中注意力, 信心满满, 不去想任何外界因素, 不懊丧弹奏的失误等等。作为一位演奏者, 我们不必担心听众的挑剔, 只要做到尽其所能的诠释自己理解的音乐性格就足够了。

当然, 我们都知道兴趣是最好的老师, 我认为演奏者一定要通过自己对作品的理解, 用内心的感觉去弹奏。要表现情感的细致变化, 并将这一切展现给听众, 使其受到感染, 引起共鸣。我想, 当你真正的热爱你演奏的作品, 融入它, 也就没有紧张和恐慌可言了吧。就在当下, 可能所有的所谓标准、技巧、姿态和美感都变的呼之欲出, 浑然天成了。

参考文献

[1]司徒璧春.钢琴教学法[M].重庆:四川西南师范大学出版社, 1999, 8 (5) .

浅谈钢琴演奏中的“放松” 篇2

浅谈钢琴演奏中的“放松”

浅谈钢琴演奏中的“放松”

【摘要】在钢琴演奏中，放松不仅是最基本而且也是最重要的要求。只有学会了放松，才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧，才能奏出优美，具有穿透力的声音。

【关键词】：放松

技术

动作

心理

在钢琴教学中，有的学生身体僵硬，头颈一点也不动，身体重心不作丝毫的移动，只是手指在机械地弹奏，弹出苍白无味、毫无光泽的声音；有的学生动作僵硬，手肘上下抖动，手肘紧靠身体，手指几乎没有上下动作等等，这都表明学生演奏是紧张的，不放松的。那么怎样才能做到放松呢？笔者认为要从两方面入手。

一、技能技巧方面。

1、首先要掌握正确地弹奏基本姿势

开始学琴起，就要让学生清楚地知道，坐姿规范的标准及要求。如果坐得太近，就会限制住手臂的活动，影响手臂的舒展。坐得太远，不利于手指的控制以及力量的集中。同样，坐得太高或太低都会影响弹奏的效果。正确的坐姿是双脚着地，放在踏板的前面，如果学生的年龄小，脚接触不到地面，就要放一个小凳在脚的下面。坐的位置应该是琴凳的前三分之二或者二分之一处，腰要挺直，身体与琴的距离应该保持前臂与键盘基本平行的位置。总之，要想反应灵敏，动作敏捷，就要保持良好的坐姿，这样才能为演奏时的放松做好充分的准备。

2、还要正确地掌握手臂（包括肩、肘、腕、手指）的放松。

肩膀也就是肩关节，它的状态应该很自如，很随意，略微有一点自动下沉的感觉。在弹奏之前，先活动一下肩关节，再转动一下头颈，感到肩膀放松自如，很舒服。在弹奏的过程当中，时刻想着肩部要松弛，也可以用呼气的方法来感觉肩部的放松。

肘关节，是上臂与前臂相连接的部位，在实际的弹奏当中肘关节抬起的动作是非常自然的，只要稍加控制，毫不费力就能做到放松。

前臂本身是不能动的，它主要由肘关节控制，并由腕关节带动，前臂不应该妨碍腕部的活动，反而应该提供最佳的状态，前臂经过腕关节的带动可以把力量自然的作用到手指尖上。

腕关节，是手与前臂相连接的部位，它直接控制着手，力量作用于手指。手腕的状态和作用，与肩肘关节是不同的，腕关节的一些动作、技能、技巧需要一些特殊的训练才能掌握，有很多练习曲和基础练习就是为腕关节准备的。

掌关节是手指与手掌的连接部分，它控制并掌握着手指的动作。由于它掌握着手指动作，只要手指状态是自然的，手腕是柔软的，掌关节就不会僵住。

3、弹奏中，避免一些多余的、没有意义的动作，有利于放松。

很多学生在弹奏时，总是喜欢把不用的手指高高地翘起或紧紧地夹住，这就造成了手部的紧张。那么在弹奏中，暂时不用的手指应保持放松自然的状态，轻轻地放在琴键上，虎口应保持半圆的状态。在弹音阶和琶音时，手腕不能上下左右一起动，要根据音的走向带动手 指转移。触键时手指不能塌指，手指落键以后马上让这个手指放松，不要再作多余的动作，这样就不会使手指因为紧张而出现更多的问题。

4、手指触键后应立即放松，使声音富有弹性。

钢琴的声音是一触即发的，当琴槌击弦的一霎那，声音就会发出，因此手指触键要很快地抓住一霎那这一“点”，我们叫它“发音点”。声音一旦发出，手指就要立即放松，不要再用力挤压琴键，使声音发硬、发闷，很难听。所以，手指要很快地触键，然后马上恢复自然放松状态，避免造成肌肉紧张。

二、心理方面：

一般的学生在自己家里或者是熟悉的地方，弹奏得都比较不错，但是在回课的时候，却差的很多，这些都是由于学生的心理素质不好，对环境的不适应而造成的，做为教师，要善于帮助学生克服紧张情绪，先要培养学生的兴趣，增强自信心，用精彩的示范和生动的语言来感染学生。在教学过程中，多鼓励少批评，其次要多让学生在众人面前演奏，这样可以使学生们互相学习，取长补短，并能够锻炼胆量。多举办一些观摩会，给学生们创造一种表演气氛。

总之，放松是钢琴演奏的基础，没有放松，就谈不上优美的音色，没有放松，就会导致钢琴的学习走上崎路，我们要学会放松，不断审视放松在钢琴学习和演奏中的重要性。

【参考文献】：

1、韩林申、李晓平、徐 斐、周荷君，《钢琴基础教程》，上海音乐出版社，2001年8月。

谈钢琴演奏中手腕的“放松” 篇3

关键词：钢琴演奏；手腕；放松；调节性

手腕是手指与手臂之间承上启下的关键部位，起着枢纽作用。在弹奏中，手腕有上下左右的许多的动作方式，其中就有不少是由手腕独立完成的，有些则是通过手腕、手臂的协调完成的。

在钢琴学习初期，不少琴童的手指都非常灵巧，手腕却很容易陷入僵硬，而且不易矫正，此时需要特别注意的是，不要只让孩子仅用手指去弹琴，纠正的方法可以是：让学生将手臂搭在椅子的靠背上，练习手腕自然下垂，反复体会自然放松的感觉，逐步加以纠正。但必须明白，手腕被要求放松，绝非说手腕放松至无力状态，有很多学生在寻求手腕放松状态的同时，很容易养成一种错误的弹奏方法：手腕下压式敲击琴键：每弹一个音都用手腕下压一次。这种弹法可以说又走向了另一个极端，也是不利于钢琴演奏的。

缺乏运用必要的紧张来形成支撑时，手腕可能过分放松，因而随意晃动，无论何种原因形成的手腕随意性的晃动都是一种不必要的多余动作，因而会损害手腕发挥正常的支撑和调节作用，还会造成声音的虚浅，反过来，使不必要紧张的肌肉也紧张起来就会造成手腕的僵硬，这种多余紧张往往是由于手指独立支撑能力薄弱的原因，手指缺乏承受力就用手腕来帮，实际上二者是不可替换的。结果紧张僵硬的手腕不但不能帮助上面重力的传送，反而会使整个手臂重量上悬，使声音落不到实处。这两种偏向都应在手腕的基础训练中加以克服。手腕被要求放松，其实就是“调节性”地用力。

在钢琴教学中，手腕的左右灵活调节问题很容易被人忽视，但实践证明它又是那样的重要。以手腕为主导的左右调节，是同时结合手臂左右调节的腕臂综合动作，是指在对手指不断变化着的位置进行微调，并使手臂的重量不论任何位置，不论是大是小，都能通过手指全部送入琴键，使得最高和最低的声音突出和通畅，这种调节使腕臂对手指充分起到了后方支援前方的作用，使得每个声音都能自然表达出来。

“放松”二字被理解成“不用力”是错误的，有一种比喻很恰当：手臂的一段是支撑着手掌的手指，另一端是起落吊桥的根部，通过手腕的关节吊在肩头，如此作为一个重要的连接点的手腕，必须有力去抬吊手掌，手掌这座桥才不至于塌陷，掌心当然是手掌的重心部位所在，任何偏离掌心的手掌作支撑时，手腕必须产生一个很重要的力矩保持手掌的吊持状态。而在大指和小指支撑时，整体性的平衡必须通过手腕产生的力矩的调节来完成。明白了支撑时手腕的这一作用，就应该明白手腕的要求不是简单的“放松”或含糊的“自然”，而应该始终保持一种类似弹簧的调节作用。

跑动中的手腕应该伴随着适当的紧张，这是因为快速跑动时手指需要不断地更换交替，必然伴随着手腕不断变化的力矩，同时伴随着吊桥的连接产生的支撑，如此才能保持手掌在整个跑动过程中的平稳。由于此時的这个“紧张”比支撑时更为复杂，所以跑动时手腕的紧张度要比支撑时大出许多。我们可以想象，跑动时手腕的作用有点像人的腰，假若腰部无力不直，人自然是无法跑动的。因此，尽管手腕产生的力和力矩具有很复杂的特性，或一时不好理解，也必须牢记手腕不可忽视的调节作用，更不能理解为“放松无力”。需要特别注意的是，腕臂的每种不同的动作都是为它特定的声乐效果服务的，不论哪一种非常有用的动作，都不能不加分析、不分场合地处处滥用。以“滚落”式的手腕动作为例，手腕柔软提起和下落的动作，用来学习两个音的小连线就是很好的，同时，作为优美、柔和的触键方式，用来作分句、呼吸等也有很好的效果，但如果在所有的地方手腕都这么软，声音该挺立的地方也被软化了，那就贻害无穷了。正确的方法是：在需要肯定、果断、有力的地方，需要的是生动、活跃、弹性的声音，尤其是在做调音类触键时，手腕就应该固定，与手臂形成一个整体，这样才能防止声音软化。

从现代钢琴技术基础训练的路子来看，手腕的训练应属于基础阶段的训练课题，忽视对手腕的基础训练，无疑会对钢琴演奏技术的进步和发展带来损害。手腕的“调节性”用力的掌握不仅可以大大减少能源的耗损，而且使音乐能够更富于表现力。

参考文献：

[1]但昭义著.少儿钢琴教学与辅导[M].人民音乐出版社，2004.

[2]陈 东，李丹编著.钢琴里的世界——从普及走向提高[M].蓝天出版社，2009.

[3]赵晓生著.钢琴演奏之道[M].上海音乐出版社，2007.

浅谈钢琴教学中的放松 篇4

一、什么是放松

放松分为两种, 第一种是完全松懈下来的放松, 就像疲劳后躺在床上休息, 全身丝毫没有用力;第二种放松是有控制的放松, 或者说在运动中的放松。弹钢琴应采取第二种放松, 即松而不懈。如芭蕾舞演员的足尖, 是起支撑全身的作用, 足尖处在用力之中, 而全身的感觉是有控制的放松, 如果全身松懈, 足尖立不起来, 就不可能完成舞蹈动作, 反之, 如处于全身用力之中, 足尖虽立住, 但由于身体处于僵硬状态, 动作也就无优美、舒展。由于钢琴的演奏不是只靠手指, 而是要充分利用人体生理上的全部机能, 从手指、手、手臂、肩到整个躯体都要放松。一位钢琴家说过:“钢琴弹奏时的手不应该像木棍一样僵硬, 也不能象烂布那样松软, 它应该像弹簧那样有弹性。”也就是说放松问题是力与松的辩证统一关系。如果任何一个部位 (除手指的第一关节) 出现了紧张状态, 力量就不能通畅无阻地传到指尖, 就会影响弹奏的声音质量, 因此“放松”是在学习钢琴的全过程中, 每时每刻都要十分注意和重点解决的问题。学会放松是演奏钢琴的关键, 也是学习钢琴的第一步。

二、非连奏中的放松

学琴初始我们要解决手指在琴键上的站立问题, 单音非连奏的练习是解决手指站立的好方法, 手指站立好比小孩在学走路之前要学会双腿站立一样, 双腿能够自然地支撑身体的重量, 站稳了才能够迈步向前走。手指要能够支撑来自手臂的自然重量站稳了才能够学习连奏一样。手指怎么才能够支撑来自手臂的自然重量呢?就是弹奏时要“前紧后松”, 手臂中的三个大关节必须放松, 只有放松, 才能通畅。三个小关节不能松, 要鼓起, 来支撑来自手臂的自然重量。那么, 弹琴中的每一个动作, 可以说是由肢体大部分放松和局部紧张这两中生理状态构成的。单音非连奏的练习是最容易体会到这种感觉的, 钢琴弹奏不是用手指、手腕的力量去弹奏, 而是通过, 肩、手臂、肘、手腕放松, 使手臂的力量传达到指尖, 指尖落在琴键上, 并支撑整个手臂, 手指的力量训练, 并非训练手指的力量, 更重要的是训练手指的支撑力, 即手指支撑手臂的力量。初学者由于不适应, 往往容易造成与触键动作的相关肌肉紧张, 与触键动作不相关的肌肉也紧张, 形成了不必要部位的僵硬和用力。肌肉是有记忆的, 长期不规范的学习习惯的重复, 会导致肩、臂、手腕酸痛。通过单音非连奏的练习让学生体会“放松”再扩大到双音、和弦的练习, 不断慢慢练习、体会才能够更好地走好学琴之路。

三、连奏中的放松

连奏从声音到触键方式与非连奏恰好相反, 它对手指的触键方式的要求不是爆发性的快击挥动, 而是训练有素的缓慢触摸。连奏要求更多地运用手臂的重量和寻求重量在指间平稳地流动转移。学生在单音非连奏中体会到“放松”后, 往往在学习连奏时因为奏法的改变造成不必要部位的僵硬和用力。我要求学生在练习连奏时先慢速练习, 每弹一个音都要有三个步骤即:准备、下键、放松。往往学生最不好把握的就是放松, 只有在慢速练习时给自己足够的时间去体会“放松”才能够使手臂的自然重量挂在指尖, 才能奏出圆润而有共鸣的歌唱性声音。在慢速练习中本已经把握好的“放松”可能在加速练习时又会紧张, 这时要慢慢提速, 不断加强练习, 逐步掌握和体会“放松”的弹奏。

四、心理上的放松

心理素质是人们对于自身思想情感的控制、调节, 对内外干扰的排除以及对时空变化适应的一种心理机能。良好的心理素质对于表演艺术尤其重要。学生能够在众人面前充满感情、准确完善地把一首乐曲演奏出来, 除了技术练习达到完全熟练的程度以外, 还需要心理上处于非常健康和放松的状态。否则, 学生很容易由于技术练习不过硬、曲子弹的不熟练或者环境的变化, 产生自信心不足、恐惧、精神紧张等障碍, 导致演奏时大脑空白, 曲子弹的支离破碎, 使演奏者不能顺利完成, 更弹不上乐曲的音乐表现了。对于上述现象, 教师要善于了解学生发生障碍的原因, 发现技术的弱点, 具体问题具体分析。

总之, 放松是钢琴演奏的重要基础。没有放松, 也就谈不上优美如歌的音色;没有放松, 甚至会走向弹奏的歧路。我们必须让学生学会放松、运用放松, 因为放松是走向钢琴演奏艺术殿堂的必由之路。

参考文献

[1]赵哓生.《谈钢琴演奏之道》[M], 国际文化出版社, 1997.

[2]约瑟夫.迦特.《钢琴演奏技巧》[M], 人民音乐出版社, 2000.

论钢琴演奏的放松技巧 篇5

放松技巧就是其时序而言, 包括演奏前的放松, 演奏中的放松, 演奏后的放松三个方面的内容, 就其主体而言, 包括生理的放松和心理的放松两个相互联系, 互为依托的内容。

一、不同时序的放松及具体实施的要求

(一) 演奏前的放松

演奏前的放松, 要求演奏者通过心理和生理的全面调适, 形成对完美演奏的强烈自信心, 为自如的演奏奠定扎实的心理基础。

演奏前的放松, 就包含有心理的放松和生理的放松, 心理放松首先要调解自己的心理状态, 做到心定神宁, 心安清净。生理放松就要求在演奏前不宜做剧烈的活动, 要在安静的环境中调整呼吸, 闭目养神。在我国古代, 古琴演奏者在操琴之前要沐浴、更衣、净面、焚香, 也正是这样一种调适过程。在这样放松的状态下体会演奏乐曲的意境, 可以消除一部分演奏时的紧张感。

(二) 演奏中的放松

演奏中的放松, 并不是指演奏时的松懈状态, 无所谓的消极态度, 反而要求演奏者要弹得聚精会神, 结实有力, 准确而有深度。

如何实现演奏中的放松状态呢?

首先要做到对音乐作品的全面理解和整体把握。“知己知彼, 百战百胜”是兵家的战略技术, 面对自己所弹奏的作品是也是如此。演奏者只有对作品全面了解, 才能做到演奏时的心理有数。对作品的全面了解包括作品的创作背景, 风格特点, 音乐的演奏技巧, 总体结构, 了解音乐的开合, 发展趋势、脉络以及气息的调控。当然这是在演奏前要做的工作, 带着这些了解和认识来演奏乐曲, 就能使内心的情感与作品相统一, 这样的演奏必然是放松的, 统一的。

了解作品还不够, 还要能够在技术上把握乐曲。技术是演奏乐曲的前提, 试想一下, 如果我们无法胜任一首乐曲的技术技巧, 又怎能不在演奏中充满紧张感呢?因此, 演奏者要对具体技巧进行细致地分析, 认真体会钢琴演奏中触键的动作过程, 以对触键的力度和速度形成清晰的、准确的把握。

在钢琴演奏中, 我们可以把每一个触键动作分解为触键前, 触键点, 触键保持和触键后四个部分。触键前要使手指处在预备的状态, 时刻准备, 能够快速而灵活的接触琴键;触键点是指手指接触琴键的位置, 触键一刹那间手指要用力, 接触到触键点后马上放松, 停止用力;在触键保持过程中, 应当注意体会指端与琴键的亲和力, 感受琴键的回传, 并运用放松而有弹性的关节对回传感觉进行吸收和转化;触键后并不代表工作已完成, 可以完全放松了, 还要为下一个琴键做准备, 要求具备承上启下的效能。

节奏是音乐的脉搏, 把握正确的节奏, 是实现演奏中放松状态的关键。所以节奏的训练也必不可少。

当对作品有全面的了解, 和熟练掌握技术技巧之后, 还要在演奏中学会聆听自己的演奏, 不断调整自己的演奏状态, 随时解决演奏时出现的各种问题。这样可以将紧张感转化为对音乐的投入, 有助实现演奏时的放松状态。

(三) 演奏后的放松

演奏后自然已经没有演奏时的紧张感, 状态也是放松的, 但这时的放松并不是彻底遗忘, 而是应该利用这个时间, 对刚才自己的演奏做一整理。吸取演奏时的经验和体会, 为下一次的演奏做准备。

二、不同主体的放松和实施方法

(一) 生理上的放松

生理上的不放松是许多学生练琴时遇到的问题, 原因是弹奏姿势不够准确, 或者本身的能力无法胜任乐曲的要求。出现的情况就是经常感到前臂、手腕肌肉发热、酸疼, 无法连贯的演奏乐曲。

解决方法:首先要加强手指的稳定训练。可以运用高抬指的练习方法, 在慢速练习中体会手指和手腕的状态。弹奏时, 高抬起每一个手指, 手腕放平或略低, 不能上下晃动, 使手指从手腕的掌控下独立出来。加强手指稳定训练的同时, 做一些手臂操的练习, 可以让学生两手自然放松下垂于体侧, 就像完全没有生命, 不要有任何主动动作, 一只手拿另一只手的手指, 渐渐举起并举过头, 突然放松, 让其体会松弛的坠落反复做, 最终将手指的稳定与手臂的放松相结合起来。在弹奏中, 力量的转送也很关键。有的学生在体会放松时误认为放松就是身体任何部位都不用力, 其实力量是要传送的, 正确的方式是将手臂的力量传送到指尖, 指尖力量饱满的触键, 出丰满、圆润的音色。在这种状态下的弹奏我们会感觉手指是整个手臂的延长, 产生“抓住琴键”的感觉, 这样感觉只是当力量从肩部发出, 通过手指与琴键的上下贯通接触时才可能圆满完成。

(二) 心理上的放松

在弹奏作品时做到心里的放松时最难的, 许多学生已经很好的完成了乐曲的练习, 但是只要当众演奏就会弹错音, 忘谱, 这些都是心理紧张造成的。能够成功演奏乐曲的基础是:1.技术上对乐曲的练习已达到非常熟练的程度;2.对乐曲的处理做到心中有数;3.是心理上处于非常健康、放松的状态。我们在演奏时不由产生一种害怕的心里紧张, 原因大致是:

乐曲中有技术难点没有克服。从而造成每次弹奏到技术难点时, 心理都会产生担心, 越怕弹错, 越是会弹错。乐曲的完整性也被破坏了, 久而久之, 会对心理产生阴影, 形成恶性循环;由于演奏时对乐曲处理、表现思路不明确造成的。就像写文章, 没有清晰的思路, 文章只会越写越没有条理, 内容也变得空洞, 索然无味。有些学生只一味弹响音符, 机械地练习, 但由于大脑对乐曲的思路, 结构不甚明确, 只靠手的惯性往下演奏, 一出错便造成心理紧张, 乐曲中断, 即使能完整弹奏, 也毫无音乐课言;很多学生在自己琴房弹奏乐曲时非常放松, 一旦改变环境, 就会出错, 这是由于对环境的变化不能很好适应而造成的, 心理的敏感, 就会对琴、手指触感、座位、房子大小都有感觉, 音响上、共鸣上和光线上的改变, 也会造成心理的不稳定。心理的不稳定就会影响心情, 继而影响乐曲的演奏。

解决方法:学生因为无法胜任乐曲而产生的心理紧张, 这要求教师在布置曲目时要依据学生的程度选择曲目, 拔高程度无异于拔苗助长, 是非常有害的, 要让学生有发挥自己水平的余地;一定要求学生在开始学习乐曲时要用慢的速度练习。养成仔细读谱的好习惯, 不能求快贪多, 也不能认为慢练是浪费时间;考试前不主张学生拼命练习, 这样会使学生感觉麻痹, 使真正演奏时缺少新鲜感。只需活动一下手指, 使其缓和, 灵活, 处于一种临场前良好的状态。

总之, 放松是我们钢琴演奏中重要的技术之一, 也是在无数次锻炼中经验的积累。想要获得放松, 并非一蹴而就的事情, 是要依靠坚强的意志, 通过不懈地努力, 对自身能力, 心理生理充分了解, 学会智慧的控制, 希望每位钢琴学习者都能达到这样放松的境界, 让我们的演奏更加自然、流畅。

参考文献

[1].《钢琴学习指南》魏廷格人民音乐出版社1997年1月版

[2].《傅雷家书》生活·读书·新知三联书店1995年4月

论钢琴演奏中的放松 篇6

优美动听的钢琴旋律是通过规范的触键动作而发出的声响, 这种触键动作是由支配动作的相关肌肉的收缩紧张和不相关肌肉的相对放松而发出的。钢琴弹奏中的每一个动作, 都是由肢体大部分放松和局部紧张这种生理状态构成的。然而, 初学钢琴的人, 往往不适应这种状态, 容易形成不必要的僵硬和用力。在这样紧张的状态下弹琴, 不仅会影响手指的灵活性, 长此以往, 这样不规范的习惯性重复, 轻者会导致肌肉酸痛, 重者还会形成肌肉劳损。因此, 放松这一问题, 成了习琴路上一个不容忽视的重要问题, 作为一个钢琴教师, 在引导学生进行钢琴入门学习的时候, 就应该训练学生正确的理解放松以及运用放松。

什么是放松

钢琴演奏中的放松是相对于紧张而言的, 是去掉多余的力量而并不是不用力量。随着音乐旋律的变化、动作的需要, 放松和紧张总是交替着出现在肌肉群的活动中, 所以弹奏中的放松是要时刻准备着, 随时能转变为积极的行动, 必须保持潜在的灵活性。除此之外, 放松还需要掌握度的规律, 过度的放松会破坏应有的平衡, 犹如不加任何限制的自由, 它的害处在钢琴演奏中是不言而喻的。如此看来, 在钢琴演奏中, 放松与紧张是一个既对立又统一的概念。

我们需要的正确演奏方法, 用一个成语来说, 就是“松而不懈”。它需要整个手臂以及手腕的放松, 但手指及掌关节相对来说又必须要有一定的紧张度来维持它们的支撑力, 并且肘和腕都能灵活自如的移动, 整个手臂以及身体的力量才能通过指尖充分的送到键盘上去。唯有这样, 才能弹出饱满且充满共鸣的声音, 也只有这样, 手指才能均匀、灵活、清晰、快速且有弹性的弹奏。

这也就是钢琴演奏法中所倡导的重量弹奏法, 目前的钢琴教学中多采用这种奏法。所谓重量弹奏法主要指来自手臂、肩及身体其他各部位的自然重量。根据音量大小所需, 参加到用力中的部位有所侧重。音量小时主要以小臂参加为主, 音量大时加入大臂及肩部力量, 而在弹奏很强力度的音或和弦时, 整个身体也要加入到用力的动作中。自然重量之力主要依靠按弧型线路向前推, 以及向下沉发出。为了使这种力量得到有效利用, 肘部可顺水平方向稍向上抬, 抬的越高力量越大, 但过高会造成肌肉僵硬, 自然力量还需手腕作水平方向的转动调节才能顺利地送达发力手指。教师要在教学中积极地消除学生的紧张状态, 使学生体会并找到自然放松的感觉。只有松弛的手臂和处于相对紧张的手掌及手指才能对键盘有敏感的反应, 这种敏感对演奏者来说是极其重要的。

影响放松的主要因素

放松问题没有得到很好的解决, 主要是由两方面因素引起的。一是生理因素, 二是心理因素。

(一) 生理因素

练琴过程中随时出现紧张是正常的, 也是必然的。随着技巧要求的不断提高, 在学琴的各个方面, 各个阶段都会出现紧张, 尤其是音阶、和弦、八度、轮指和震音等。当这些技巧在力度和速度等方面发生变化时, 又会有新的紧张产生。

1、有的学生在初学钢琴时, 手掌

塌陷, 手腕僵硬, 手指的关节不能很好的站立住, 整个手臂形成一个直角的固定状态, 手臂的力量不能通畅的传输到指尖, 导致小臂肌肉过度紧张, 越弹越累, 弹出的声音也单薄嘈杂。在弹奏很强的音量时, 就不得不更多的借助小臂及手腕的力量去拍打按压琴键, 久而久之, 小臂肌肉就会酸痛, 以致于无法完成一些篇幅很长的大型曲目。事实证明, 肌肉还存在着一种记忆力, 当肌肉运动经过长时间的习惯性反复, 会形成一种条件反射, 这种条件反射一旦形成, 就很不容易改正。因此, 在钢琴的入门教学中, 教师就应该在理论和实践中让学生掌握正确的自然重量演奏法, 并不断强化, 让学生养成良好的演奏习惯。

2、手指触键后, 声音一旦发出,

手臂就应该立即放松, 否则也会形成不必要的紧张。迅速放松不仅能调整演奏者的演奏状态, 还能使声音明亮悦耳具有很强的穿透力。然而很多学生并不清楚钢琴的发声原理, 不知道一旦触键使钢琴发声后, 再用力也无法改变音量音色, 在声音弹出后仍死死的按住琴键, 反而使手臂的肌肉无法迅速放松下来。在这种状态下继续演奏下去, 必定会造成紧张的积累, 使手始终处于僵硬的状态, 既影响了演奏的流畅性, 也容易造成肌肉损伤, 形成“职业病”。

(二) 心理因素

实际上, 紧张是每个演奏者都会遇到的一种情绪体验, 只是每个人的个体差异及承受力不同, 所表现出的症状也就随之不同。有的是因为本身心理素质差, 有的是技术不熟练而缺乏自信, 有的则是无法快速的适应新的环境。

1、心理素质差引起的紧张

有些学生一坐到钢琴前, 身体就僵住了, 手指也不听使唤, 即使一些平时很好的学生, 遇到考试, 同样紧张, 弹出的声音不均匀, 重量下不去, 出现错音, 甚至连背的很熟的谱子都忘了, 不能正常发挥水平, 这些都是心理素质差所致。

2、技术不熟练造成的紧张

一首乐曲弹得越熟, 就越有把握, 自信心就会越强, 也越能全身心地投入, 充满感情地去演奏。反之, 就会精神紧张, 手不听使唤, 一致乐曲不能完整地演奏下来, 甚至一塌糊涂, 更谈不上乐曲的风格及表现力了。

3、环境变化造成的紧张

有的学生在琴房中和专业老师单独回课时弹得不错, 一到大教室或演出台上, 观摩的人数增多就不行了, 这都是由于环境的变化而造成的。从一个小并且熟悉的环境中, 突然转换到一个大的、陌生的环境里去弹不经常用的琴, 其感觉必定是很不相同的, 通常会由于对琴的不习惯、指触的不习惯、座位的不习惯, 音响、共鸣、光线等的差异, 使心情不那么安定, 没有把握而影响演奏效果。

如何放松

(一) 注重基础的训练

高楼大厦平地起, 练琴也是一样, 基础永远是最重要的。尤其是学琴初期, 每天都需要做大量的基础练习, 来提高演奏技术, 加强手指的力量及灵活度。俗话说:艺高人胆大。“放松”与否, 在一定程度上受熟练程度的制约。一些乍看上去生硬、蹩手的动作, 常常会随着动作的逐渐熟练和逐渐协调而自然消失。要从不协调的紧张状态达到自然放松状态是需要时间和练习过程的, 而且与熟练程度密切相关, 这就要求练习阶段狠下功夫, 掌握科学的练习方法。

(二) 把注意力放在声音及音乐上, 用音乐带动技术的发展

在演奏一首作品时, 永远要清楚, 所谓的技术仅仅只是达到音乐的一种手段, 而音乐才是其最终的目的。有的学生过分注重技巧, 注重速度, 岂不知, 一味的追求那些就不可避免的进入了紧张的消极状态, 更严重的还会导致音乐的支离破碎。

演奏者在演奏中做到全身心地投入, 把注意力放在声音及音乐上。手弹固然重要, 但耳听更具决定性意义。只有保持耳朵始终敏锐地聆听自己演奏的每一个声音的质量, 每一个乐句的起伏, 每一个段落的清晰;随时用耳朵鉴别自己的触键, 随时倾听自己弹出来的实际音响, 才能有效的保证按照自己预定的效果进行演奏。用耳朵倾听自己的演奏还有助于集中精神、排除杂念, 放松肌肉, 专注地投入演奏。

(三) 把困难的技巧简单化

弹琴, 不只是学会埋头苦弹就了事, 更多时候, 需要静下心来思考。拿到一首曲子, 要学会分析, 根据需要, 安排最合适最简便的指法, 再根据练习的情况, 通过慢练、分段练、分声部练、分手练、变速练等多种练习方法, 进一步把困难的技巧简单化, 在提高练琴效率与进度的同时, 也能更好的做到如何去放松。

(四) 信心是放松的基础

信心是对自我力量的充分认识和肯定, 是演奏者刻苦练习, 充分发挥演奏技术的巨大动力。树立了信心, 就能激励自己努力拼搏, 勇敢坚定地迎接各种高难技巧的挑战, 就能从容自如地做到心理上的放松。

面对着钢琴演奏中一些比较艰难的技巧时, 要有信心去克服它, 教师在平时应注意培养学生的演奏兴趣, 启发并挖掘他们的想象力与潜力, 使之发挥艺术的再创造能力。除此之外, 还应经常让学生参加各种类型的演出活动, 这样, 既锻炼了胆量又积累了实际演出经验。在考试或演奏会之前, 要让学生熟悉演出场地和演奏用的琴, 组织学生进行观摩演奏, 让学生充分的熟悉新的环境, 在小范围听众面前多演奏, 这样做能使他们克服畏惧心理, 在临场时保持良好的精神状态, 并完全融入音乐的意境之中, 有效地避免不必要的怯场, 从而保证演奏的顺利完成。

(五) 训练过程中的放松

除了身心上要做到必要的放松外, 在平时的练习中, 讲求的方法也是放松的关键。练习应该是有意识有目的的。理性地分析并找到问题的关键, 不断加深印象, 使弹奏技术达到自动化程度。总之, 熟练的技能技巧和流畅自如的演奏是减少紧张获得放松的基本保证。这里主要讲三点练习方法, 即慢练、精练以及呼吸节奏的运用。

1、慢练

在初步体会到“放松”的弹奏钢琴但还没有将它熟练成为一种技巧时, 快速的弹奏会将“放松”的感觉淡忘, 从而导致错误的发生。因此, 应该不断的在慢练的过程中感受放松, 体会放松带来的优美、自然、圆润的音乐, 这样才能使放松始终自然的贯穿于整个弹奏过程中。教师在辅导学生的时候, 要引导他们集中精力看清每个音符和节奏, 并准确地弹奏出来, 绝不能让学生养成只满足于大概、差不多的习惯。

2、精练

在钢琴弹奏中, 会遇到一些较难的指法, 从而导致一些生硬紧张的动作发生, 这就需要精确细致的练习。比如, 弹奏音阶时的穿指、转指动作, 流畅的指位变换等等, 这些都不是一朝一夕就能完成的, 俗话说“冰冻三尺非一日之寒”就是这个道理。所以, 将重点和难点经过反复多次、细致精确的练习, 不要总是一遍一遍地从头弹, 要学会对容易卡的地方进行理性分析。这样才能达到放松流畅的效果, 将美妙动听、自然圆润的钢琴音乐表达出来。教师在教学中, 要因材施教, 循序渐进, 不要盲目的拔高。要清除学生头脑中求快、贪多、马虎的思想, 这些想法不去掉, 后患无穷。

3、呼吸节奏的运用

良好的呼吸节奏不仅有利于肢体上的放松, 也有利于心理上的放松。有的人在弹奏较快的乐段时, 呼吸会变得紧张, 这就直接限制了各部位的灵活运用, 从而导致弹出的音乐杂乱不堪, 速度不稳定, 错音频繁。因此, 在练琴的时候, 就要找到适当的气口, 保持从容有节奏的呼吸, 保证更加完美的表现音乐。同时要掌握好乐句的弹奏, 对每个乐句的语气、起伏、句头、旋律的高潮点、句尾等都要处理好, 并调整好旋律、低音、伴奏三者之间的层次。

综上所述, 我们可以得出这样的结论:即钢琴演奏中, 只有处理好从指尖开始到手腕、手臂、肩、上身乃至全身各部位整体的放松与局部紧张的相对性关系, 钢琴演奏的技术水平才能得到提高。而钢琴演奏的技术水平的提高又为音乐更高层次的表现形式即情感的表达提供了雄厚的技术支持, 从而达到让学生在健康积极的心理状态下, 运用音乐本身独特的语言在情绪情感放松与紧张的不断交织过程中, 表现出富于戏剧性的音乐表现力和感染力, 从而能更深刻完美地表现音乐。

参考文献

[1]赵晓生.《钢琴演奏之道》【M】.世界图书出版公司.1999

[2]魏廷格.《钢琴学习指南》【M】.人民音乐出版社.1997

钢琴演奏中的放松与解决 篇7

一、什么是放松

怎样理解放松, 首先必须明确放松是一个相对概念, 是针对紧张而言的, 帮助孩子体会放松是老师们切实应重视的问题, 也是孩子学习弹奏伊始必须解决的问题。

解剖生理学告诉我们:由于我们的肌肉具有‘拉’的功能而不是‘推’的功能, 那么与拉相反的动作就需要靠肌肉的收缩或重力来完成, 而每次肌肉收缩后都需尽快还原, 从而将再次拉紧工作。人们在获得一种技巧时, 往往容易因不适而产生多余紧张, 即与动作无关的肌肉紧张或过度紧张, 即与动作相关的不适度紧张。

二、消除心理上的紧张

学琴之初, 消除心理障碍造成的紧张和僵硬是消除机体紧张的前提, 我们以幼儿学步为例, 一个心理紧张生怕摔倒的孩子, 机体的过分紧张会使他艰难地迈出第一步, 相反一个没有心理障碍的孩子, 会大方、勇敢地找到平衡, 顺利学会走路。我们要像教孩子走路那样, 强调孩子对音乐的兴趣, 多聆听钢琴优美的音乐中熟悉钢琴, 在自然的状态中愿意学习钢琴, 这样就会消除学钢琴道路上的心理紧张。

其实演奏中是需要一定程度上心理紧张, 这时最需要一种全神贯注的兴奋状态, 从而充满感情把乐曲忠实、完整的演奏出来。但我们有些时候都在演奏时, 不由自主地产生有害的心理上的紧张, 究其原因大致是:1、技术没把握好;2、乐曲处理上做不到心中有数;3、环境上不适应。要解决这些问题, 教师在布置曲目时要根据学生的程度去选择曲目, 要让学生有发挥自己技术的余地。还有从开始时应要求学生仔细读谱, 放慢练习, 慢练与精练相结合, 绝不能养成大概差不多的习惯。另外学生练好乐曲后, 不要在考试或演出前拼命练习, 因为这样不但大量消耗精力, 而且会感觉麻痹, 使真正演奏失去新鲜感, 只需活动一下手指, 使其暖和灵和处于一种临场前良好的状态。最后, 当坐到琴凳上后, 应该静下心, 想好全曲内容, 做到心中有数再去演奏, 演奏过程中, 内心要跟着歌唱, 这样进入音乐意境中, 排除杂念, 使演奏圆满成功。

三、从生理上去体会练习放松

著名钢琴教育家周广仁教授这样形容:“手指好比在前线打仗的战士, 必须要有畅通无阻的后方支援。”这里说的是畅通无阻的后方就是从肩部到手臂再到手指, 整个身体都放松。

1. 手臂的放松

初学者在手型方面的问题在外表上是不难察觉的, 因而易于引起人们注意, 并去纠正它, 但是手臂紧张或僵硬的问题往往由于不易察觉而被疏忽, 学会发生情况是, 在练习单臂落指时, 慢慢提起手臂还比较容易做到手臂放松;但当手臂落下, 手指触键后往往整个手臂是僵硬的。老师只要从旁轻轻推动一下肘部就可检查而知, 可以采用以下的辅助练习:

教师与学生面对面坐着, 教师将一只手的手背向上, 用类似弹钢琴的姿势空悬着。请学生用弹非连音那样方法提起手臂, 然后在落下手臂时用整个手举 (而不是一个手指) 。这时手感受到手举这个支点承受着学生整个手臂的重量。与此同时, 请学生注意继续放松手臂, 保持手腕自然柔顺, 教师开始将手以极慢的速度向左右方向移动。如果学生的整个手臂的重量能自如地附着于教师手上并随之移动, 这说明学生体会到了手臂放松。如果教师的手慢慢移动时, 学生的手与其脱离了关系, 僵持在一个地方, 这说明学生对手臂放松还没放松。通过练习做到手臂放松不会艰难, 只要耐心坚持, 要求明确, 学生应当都能解决。

2. 手腕的放松

要解决手腕的放松, 首先可以做“落滚”动作的练习, 它可使手臂手腕与手指协调一致。比如在两个音的小连线时, 弹第一个音前, 手腕结合手臂先提起来, 把手指带动起来, 然后指尖冲键盘落下去一发声音手立刻放松, 并保持正确手型之后再弹第二个音。其次可以做手腕左右动作的练习, 每一个手指弹的时候, 手腕必须左右调节位置, 以使手指处于最有利于弹奏的位置。

3. 手指放松

手臂放在琴盖或桌面上, 这时腕臂就会处于放松状态, 然后抬高手指, 用指尖模仿敲锣动作, 每敲一下立即松开, 恢复到原状, 通过反复练习后, 再移到琴上去弹, 如仍能追求这种松弛感觉, 手指抬动就容易了。我们还可以在琴键上模仿走路, 一指抬起来, 另一指支撑着全臂的重量, 一指落下去支撑重量, 重心随之转移, 另一指抬起, 这时整个手臂就会高度放松, 不弹琴的手指也会保持自然形状。经过反复练习, 我们就会体会到手指轮流抬动, 移动重心, 平稳地转移力量, 手指的独立能力也就随之加强。

四、注意钢琴演奏中的“松”与“紧”

马克思说过, 任何事物都存着矛盾。在钢琴弹奏中, 放松和用力是相互矛盾又辩证统一。“松”只是“紧”的前提条件, 完全放松一切将会停止, 所以我们在要求学生放松的同时, 更要让学生学会适度的紧张, 否则放松将失去意义。

总之, 钢琴的演奏是运用整个手, 整个胳膊, 整个身体去弹奏的。放松是弹奏的关键, 充分发挥整个身体去协调演奏, 相信在音乐钢琴演奏中会驶出一片蓝蓝的天!

摘要：放松是钢琴演奏中掌握正确科学弹奏方法的基础, 放松区别于松懈, 因为它有紧张的一面, 即有合理的放松又有必要的紧张, 松与紧接合。钢琴演奏中的放松包括心理上的放松和生理上的放松, 教师应正确引导学生从心理和生理两方面解决钢琴弹奏中的放松问题。

关键词：钢琴演奏,放松,解决

参考文献

[1]常吾德.钢琴弹奏中的松与紧.钢琴艺术, 2000 (9)

[2]赵晓生.钢琴演奏之道.北京:世界图书出版公司, 1999

浅谈钢琴演奏过程中的“放松” 篇8

关键词：钢琴演奏,放松,紧张,手臂,自然重量

好听的音色来源于恰当到位的演奏, 它要求演奏者要有很好的身体协调性, 运用身体自然的力量演奏出来的音乐才最动听。所以, 优秀的钢琴老师应懂得指导学生在钢琴上运用自然有效的动作, 以避免由于紧张而引起的疼痛和伤病, 那样就得不偿失了。

学过钢琴的人都知道, 钢琴的学习重在基本功的训练。钢琴的基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧。这些技巧的训练要通过一些练习曲来完成, 要按正确的方法反复练习。练习的过程较为枯燥乏味, 有的学生不感兴趣, 老师要用正确的方法加以引导, 使学生通过学习寻找到音乐的乐趣。那么, 我们该如何找到练琴的正确方法, 放松地去演奏呢?

一、要养成正确的弹琴姿势

好的弹琴姿势包括整个身体都参与到演奏中。首先, 上身要坐直, 臀部和脚要能支撑住整个身体。这跟我们在学校听讲时要求的坐姿差不多。上身不能因为练琴累了就瘫软下来, 这样不利于手指力量的传输。其次, 要保证上身及胳膊左右移动自如。钢琴的音域很广, 演奏时我们要顾及到各个音区, 手臂伸缩要自如, 这样演奏才会连贯一致。再次, 坐位的高低也很重要。这个要根据演奏者的高矮来决定。遵循的原则是肘、前臂、手与键盘几乎保持在同一水平线上, 或略高于键盘。要保证在弹奏过程中手、手臂能自由移动。

良好的坐姿是放松演奏的前提。有人认为, 钢琴的演奏只是上半身用力就可以了, 这样想是错误的。演奏者坐在琴凳前三分之一处, 臀部起到轴的作用, 演奏的力量扎根于脚下, 源源不断地向上输送, 通过背部, 肩部, 手臂传递到指尖, 整个身体都参与到演奏中来。如果坐姿不正确, 演奏者就不会正确地弹奏。坐姿以自然、端正、有利于弹奏为原则, 不要僵硬, 紧张或过于松懈。

二、注意肩部与背部的放松

肩部与背部的放松很重要。因为弹奏的力量和重量来源于后背和肩膀, 并且通过放松的肩膀、肘部、胳膊和手腕送达到指尖。肩膀、胳膊和手腕的各个关节必须是灵活的, 这样才能使力量畅通地到达指尖。学生在演奏时, 往往由于技术的困难, 使某个部位紧张, 力量就会被阻拦, 使得手指在键盘上处于紧张状态。手指不能灵活地触键, 流畅地演奏也就不会实现。

我们在练琴时可以先练习下三和弦, 主要是体会力量的来源与输出。学生需要用不同的力度练习并弹反向动作, 使胳膊、肩膀和后背得到及时的放松。每弹奏一组和弦, 就要把手收拢, 提起手臂, 然后再舒服地放下, 指尖有力度地站住, 手腕慢慢推下去。连续练几组后, 如果感觉很好, 便可逐渐增加跨度大的和弦, 使手指间的间距得到更好的扩展, 但也要注意数量不要过多, 然后再回到密集的和弦位置上, 同样的方法也可用于八度的练习上。

我们该如何做到手臂的放松呢?说起来容易, 做起来就不那么简单了。在弹奏钢琴时往往容易因为技术难度的增加而造成手臂的紧张, 特别是前臂的紧张。学生常常会把胳膊抬起, 肘关节抬高, 结果造成手臂酸麻, 手指不灵活。这时, 我觉得很有效的一个方法就是“搭臂”练习。具体做法是:让学生用一个手臂的前臂肌肉练习乐曲的一个段落, 另一个手臂搭在它的上面, 让学生认真体会自然重量的下沉以及放松的感觉。

三、要懂得自然重量的运用与调节

所谓自然重量, 首先是指手臂的重量, 进而是指对身体部分对重量的补充和结合。学生在弹奏钢琴时要注重自然重量的运用。因为自然重量所产生的音色不但好听, 而且耐人寻味。身体也会因为自然重量的应用不会紧张, 僵硬, 产生不舒服的感觉。有的学生错误地认为自然重量的运用就是指身体在充分松弛条件下获得的, 这样想是不正确的, 身体要积极地配合演奏, 如果身体瘫软, 力量也就不会产生, 手指也就不会有力量触键。这里的放松主要是指肩部、手臂、肘部的灵活自如, 可以积极支配性。

对重量的运用与训练应该有一个过程, 首先是要学会能把手臂的重量完全放下去, 弹出醇厚、丰满的声音。一般在教学中常常提到的“一弹到底”即是指把重量“放入”键盘, 不要把重量停留在手臂, 手腕的某个部位。主要目的是让重量毫无损失的贯通于指尖, 让指尖充满力量, 有能力演奏出结实, 饱满的音色来。重量的调节必须建立在重量能完全自如放下的前提上, 重量大时, 音量就大些;重量小时, 音量就小些。学生要根据乐曲的需要来控制音量的大小, 自由调节重量的分配。演奏钢琴时不要用紧绷的手指和手去寻找琴键的位置, 这样弹出的音生硬, 不好听。应该让手与手臂同时移动到要弹奏的音上, 这样放松弹出的音就会很饱满, 悦耳。

四、养成良好的练琴习惯

学习钢琴的人都知道, 钢琴技巧的训练不是一朝一夕就可以完成的, 它的完成需要一个长期的, 刻苦的, 正确的训练过程。其中饱含辛酸, 只有意志坚韧的人才能做到。俗话说得好, “台上一分钟, 台下十年功。”钢琴基本功的训练是每个学琴者每天必修的功课。它包括音阶、琶音、练习曲、乐曲的练习, 等等。有的学生错误地认为, 只要每天坚持长时间的练习就会有进步, 岂不知错误的练琴方法, 琴技不但会退步, 还会带来身体的不适。如果方法不得当, 长时间紧张的练习, 手臂, 肩膀就会酸疼, 手指就会僵硬, 严重时身体会疲劳和疼痛。所以, 掌握正确的练琴方法很重要, 让练琴的过程不再枯燥乏味。

我建议学生练琴时应该把注意力集中在放松的弹奏上。这将有利于帮助演奏者建立耐力, 提高他学习音乐的能力与兴趣。练习时, 后背和肩部要放松, 手指灵活, 手臂应该移动自如, 没有什么压力。如果感觉某一部位出现酸的感觉, 就要马上停下来休息, 等手臂放松后再重新练习。因为重复同一种练习到肌肉酸疼的地步是不健康的。练习钢琴时, 要把时间分配好, 不要一坐就是几个小时, 这样做是没益处的。注意力高度集中时练琴的效果才是最好的, 没必要追求数量, 要重在练习的质量。练琴者要在心理上设定一些小的目标并把运用放松也作为练习的一部分。我们在练习乐曲时常会遇到一些难的段落, 这样的段落在技术上要求有很高的水平, 弹奏时手指、手臂容易紧张, 如果长时间不间断地练习, 就会造成手指的僵硬和手臂的酸疼。所以, 当遇到这样的段落时就要把它单独提炼出来, 有针对性地练习, 并且先把动作放慢, 练习熟练后再慢慢提高速度。

要想让学生提高练琴的兴趣, 练琴还要多样化。例如, 练习不同音乐性质的作品。巴赫的作品会让人感觉放松、舒适, 而贝多芬的作品会让人激动, 兴奋, 我们可以分别练习, 调节身心。

综上所述, 练习钢琴时要充分体会放松的感觉, 放松身体, 让学生们学会用协调的动作轻松地弹奏钢琴, 使钢琴的弹奏过程变得愉快起来。钢琴音乐是人类精神世界的升华与享受, 无论是演奏者还是听众, 这种感觉只有用心体会才能领略到。

参考文献

浅谈钢琴演奏中关于放松的若干问题 篇9

一、关于放松的含义

所谓“放松”, 是既具有狭义意义又具有广泛意义的。狭义的放松通常是指钢琴演奏中关于肢体 (动作) 上的放松, 即指身体各个部位不会过度拘紧和僵硬, 使肌肉能够自如活动, 力量能够自然通透到琴键, 最终达到使机体更加灵活, 音色更加优美的目的。而广义的放松则还应包括心理 (精神) 上和音乐上的放松。心理放松包括:一, 对钢琴以及弹奏钢琴不胆怯, 不会害怕让手及手臂的重量悬挂在钢琴上, 敢于把自然重量全部放在钢琴上;二, 在表演时放松自如的心态, 不会因为怯场或在众人面前表演而过度紧张。音乐上的放松是指演奏者能够恰当自如地表现音乐、处理音乐而不是受到乐曲某些高潮和激烈的部分或某些不断渐强渐快的音乐符号的影响把音乐处理得过度紧张、慌乱, 造成音乐进行的紧张。而心理或音乐上的紧张往往是导致或影响身体放松的原因。

二、关于放松的一些特性

(一) 放松是有技巧、有规则的, 绝不是任意或随意的

当谈到放松时, 很多时候我们会曲解为任意或随意, 但事实上它们是完全对立的。首先我们不能任意放出重量而不考虑音色和触键的要求, 甚至在关键处发出突然的不负责任的噪音。其次不能随意松掉身体的某个部位导致音响过于松懈而没有弹性。例如在弹奏强有力的和弦时腕部就不可以松软无力, 在有些时候甚至腰部也不可以过于松弛而无法给足力量。很多人经常会把放松理解为“手要软一些”, 或者“手臂下垂”, 他们意识到这种不紧张状态是良好演奏的基本条件, 但这绝不应萎靡不振和消极, 放松不能用在一个任意的地方或一个任意的音上,

放松在落实到动作上时是有规则和技巧的。

(二) 放松是相对的而非绝对的

放松并非绝对或教条的完全松弛。因为肌肉具有自身的自然紧张力, 这一点本身已排出了完全松弛的可能性。所以, 我们只能说由心理和生理引起的过度的、多余的肌肉收缩就是紧张。而钢琴演奏在用力上的最大秘密是极度放松中的能量高度集中。放松是相对的, 因为在弹奏时很多身体部位处于运动状态, (可以说是从头到脚的运动了) , 很多肌肉也是不断运动的 (如二头肌、三头肌、指肌、屈肌等) 。这就决定了放松是一种使部分运动下的肌体工作而其它非运动肢体保持松弛的状态。在弹奏中这种放松不是使肌肉松懈, 而是给处于运动的肌体带来活力和力量源泉, 保持源源不断的力量和肌体的弹性。如果完全松懈, 肌体将无法感知琴键, 失去对它的控制力。

(三) 放松有时受到音乐形象的制约

在很多情况下, 肌肉的正常工作 (运动与放松的交替) 是受着音乐形象的制约而产生变异的。可以想象一下, 乐曲不间断的音流要求不间断的肌肉工作, 如果此刻奏出一个长音, 只是发音的开始是积极的, 发音之后就松弛下来休息, 那么手指也跟着变得很消极, 同时失去琴键就是手指的延长这一感觉, 所以在音乐形象要求的某种条件下放松就要退居其次了。

(四) 放松是贯穿于演奏之前直至结束的一种状态

放松在演奏中应贯穿始终。演奏前毫无疑问躯体本身就应是放松的, 这其实不仅包括身体, 更应包括心理的平静自如和头脑的清楚。弹奏中的放松可以理解为力量的疏导作用。大量的肢体运动时需要力量供给的, 放松可以为正在运动着的肌肉做好力量准备, 而如果有哪一个身体部位过度紧张就会导致力量输送在那一个环节失败。演奏后的放松是在弹完若干曲目中的任意一首后尽快使身心恢复松弛状态, 使疲劳的手指和所消耗的体力尽快缓冲过来, 为接下来的弹奏补充体力。

三、放松的重要性与必要性

(一) 放松对触键和声音的影响

音乐是声音的艺术, 每一个演奏者首先应当关心的是如何发出好听的声音。用涅高兹的话来说就是“要弹得声音好听, 必要的先决条件是从肩部到指尖, 包括手臂、手腕和手在内, 全部放松, 丝毫不紧张。”1从这位伟大的苏联钢琴家兼教育家的话中我们可以得出一个结论:放松对声音起着至关重要的作用, 没有放松, 绝对谈不到声音的好听与否。原因在于弹奏时整个身体的能量和感觉是在循环流动着的, 而不应停滞于某一个点上, 正如血液的循环是一样的。2斯坦尼夫斯基将动作的感觉比作能量的流动。实际上, 演奏时我们应当感觉到能量如何经过双腿进入躯体, 然后经过全躯和双臂注入乐器。不论什么地方发生一个抑制的紧绷的点, 这个点都会阻碍能量的流动。另外, 众所周知, 发出好听的声音的决定性因素在于触键, 而指触的力量来源于身体的运转。指尖绝不是独立于身体的一部分, 它的感觉应当与整个身体融为一体。当身体无法放松时, 指尖自然无法获得完全的能量的流动, 这样就直接影响了触键, 会发出干瘪或干燥的声音, 缺乏丰厚的力量来源, 而不能得到丰满圆润和优美的声音。克劳伦斯.格.汉密尔顿曾说:“在进入触键学习之前, 学生先得具备使参加弹奏的全部肌肉彻底放松的能力。如果缺乏这种能力, 他就会陷入很糟的困难, 就像雕塑家用坚硬的粘土来塑造作品一样。”因此, 要想使身体的力量完全流动到指尖, 发出好听的声音, 最首要的条件就是恰当的放松。

(二) 放松对技巧发展与技术发挥的影响

放松对演奏技术和技巧的发展提高影响很大, 很好的放松能够带动技术的发展, 而紧张只能制约和限制肢体运动甚至导致练习势得其反。因为僵硬的动作使手指蜷缩在键盘上, 处于不正常的位置, 对肌肉放松不但有害而且危险, 手指和手腕的放松会使伸张变得不那么困难。如果不注意某个身体部位的放松, 即使是千锤百炼也只是在往错误的方向发展, 限制了技巧的提高和技术的发挥。

四、关于如何放松

(一) 正确的演奏姿态是放松的前提

保证肢体放松、灵活自如首先要保证整个躯体处于最正确、最恰当的位置和准确的坐姿, 不正确的演奏姿态会引起一系列的肢体紧张。这包括找准身体支点定位:一是身体与琴的前后关系, 这一位置因人而异, 但依据是个人两臂的长度, 特别是它们之间的比例, 要能保证手臂上下两部分能适宜活动和躯干的前俯后仰的自由活动。二是身体与琴的高低关系, 这取决于躯干和手臂的比例。演奏者的躯干如果很长就应当坐在很矮的椅子上, 反之, 就应尽量坐得高些。坐得过高会使全身过度紧张, 而过低又会降低双腿的支撑作用, 同样会引起躯体不必要的紧张。

除此以外, 弹琴时由于整个躯体都参与运动并将很大部分的重心落于双脚和双腿, 因此它们起着重要的支撑作用。双脚应放在各自的踏板上以便随时应用。如果偏离踏板会容易影响整个姿势, 另外当需要时才去寻找就会分散注意力, 降低演奏水平。双腿的姿势只要略开立, 使力量能够稳固地支撑住就可以了, 不需要有多余的姿势。

弹奏中力度的形成主要靠手臂, 因此躯干的活动必须服务于手臂充分的自由活动并协助于双手, 使身体具有向各个方向活动的可能。多余的躯干摆动会妨碍双手取得正确的姿势, 所以这种摆动和直挺挺地一动不动同样是有害的。而腰部也要避免弯着, 保持放松自如。

只有在弹奏时保持正确的演奏姿态, 身体各部位的运动才会协调, 才会避免不必要的紧张, 为弹奏时的放松做好必要准备。

(二) 身体 (动作) 是放松的关键

除了整体坐姿, 最重要的是在动作上形成统一协调的力量传递。放松是力量的自然流动, 与肩、背、大臂、小臂、肘、腕部以及手和手指都密切相关。

1. 作为力量来源的身体“后方”

肩部、背部、大臂、小臂以及肘部作为力量的来源、身体的“后方”, 在放松中起着重要的力量补充作用。其中尤以肩关节和肘关节二者为核心:因为起动上臂的肌肉 (包括肩肌、背肌和胸肌) 因其大小和妥善的位置能够完成最准确的工作, 就是在其它活动中, 凡要求高度谨慎的工作总是由上臂来完成。这样, 重量补充这一任务只能借助于肩关节来完成。它既能借助整个手臂作为杠杆, 也可借助手臂的侧向动作和回转动作使我们获得准确的重量效果。在肩、胸、背部三者中放松的力量核心是肩部, 这也是为什么肩部向上耸或向上端会带来很多紧张感, 影响弹奏。其次, 力量流动到两臂与肘部时放松的重点是肘关节。因为上臂的回转很困难, 唯有与其他动作联在一起才能进行 (比如震奏) 而肘关节一个重要的动作就是回转。此外, 下臂在重量补充中如同杠杆一样, 其活动轴心在肘部。这就在两臂中形成了肘部的力量核心。因此肘部的放松也尤为重要, 它是力量传输给小臂以下部位的重要转折。在演奏时如经常夹紧两臂、紧贴上体, 应让肘关节打开, 支配两臂自由地摆动。

2. 作为连接部分的腕部和手

在周身的力量由肩部到达两臂后需要通过狭窄而灵活的手腕和平稳的手流向指尖。由于腕关节分成三排, 这使手腕的动作受到限制, 容易因拇指与小指的运动而紧张, 尤其在和弦和八度震奏这样的技巧中, 放松手腕但要加强腕部本身的力量, 对下臂进行力量补充是很重要的。而在如歌的旋律中腕部可以在这种慢速运动中发挥它使声音变得柔和的作用, 放松的力量会产生如歌的、连贯的音乐线条, 成为由臂部流下的力量的润滑剂。而如果失去这种自如和放松, 声音将是呆滞和生硬的。因此, 腕关节和手起到了从肩关节到手指的连接作用。

手的放松与手指关系最为密切。很多钢琴家都认为发展手指的独立性是和做到均匀这一任务紧密相关的。弹琴的人如果能更多地注意让手在自然平稳、几乎保持不动的情况下做到完全放松, 使它支持在手指上, 就像支持在天生的支持物上一样, 那么这一任务就能完成得更顺利。这样弹琴时, 掌骨显然略为抬起, 从手指在琴键上的支持点到它在手腕处的根部形成类似拱门的形状, 完全和在建筑物中一样, 承担手放松时的全部自然重量。这时掌骨和腕关节之间的肌肉得到发展, 因而也就使手指得到可能有的独立性。而用僵硬、紧张的手指来弹琴, 对手指是毫无好处的, 骨间肌肉不可能发展, 最后只是使手部及其全部肌肉疲劳软弱。所以只有牢固而放松的手才会是手指运动的更加自如而灵活。

3. 作为坚固的“前线”的手指

手指是全部力量最后也是最终的到达处, 身体“后方”的放松、腕和手的中转将全部运用力量的重任交给了作为“前线”的手指, 它在放松中必须保证坚固。

所谓手指本身, 指的是活动范围从手掌骨或腕关节到指尖 (接触琴键的指端内) 为止的那一部分。整个手 (还有前臂) 的重量自然要根据力度变化的要求来调整, 如果需要很大的音量, 有时候整个身体一直到它在的凳子上的支持点为止——都要用力, 这时手指变成坚强的支柱来承受身体全部的重量。因此, 身体的“后方”应是放松的, 以保证力量供给充足, 但作为“前线”的手指和指尖应具备超强的战斗力, 在肢体放松的情况下保持结实、稳固且灵活。

(三) 保持动作的自然性是放松的必要条件

保持动作的自然性是指在弹奏中减少不必要的多余动作和避免错误动作, 因为多余动作与错误动作是导致紧张的主要因素。

减少多余动作的目的是为了节约身体能源和力量开支, 使运动的肌肉能够享有最大的力量之源支援。最重要的是, 多于动作会引起不正常的肌肉紧张, 给肌肉添加不必要的负担, 如果弹奏中总是出现多余动作会使力量无法全部传递到主要运动对象——手指和手, 不能放松地弹奏。

错误动作通常是在练习中形成的不良动作, 他们不仅能使身体各部位无法协调运动, 使身体僵硬, 甚至可能会破坏手指和全部技巧, 而这一切都是从他所引起的紧张开始的。3约瑟夫.迦特是这样说的:“错误动作的有害作用是如此之大, 以致使某些手指完全不听使唤。甚至使用医学方法治疗时, 也只能是边治疗边排除演奏本身所引起的手指消极和互相脱节的起因即错误的神经支配才会奏效。常见的弹钢琴的病症 (例如腱鞘炎) 一般也是由错误的神经支配、不适宜的亦即紧张的动作所引起的。”可见, 避免错误动作时保持放松的重要条件, 只有竭力使我们的动作都具有自然性和朴实性, 演奏动作简单自然, 才能使躯体处于最佳的放松状态。

(四) 有效的练习是放松的途径

在平时练琴过程中, 一些有效的练习可以帮助我们调节紧张状态, 找到放松的感觉。因为在连续长时间练琴后, 如果某个身体部位出现酸痛, 说明练习方法有误或者身体过于紧张, 没有很好的放松。这时需要的已不是继续高强度地作业, 而是停下来用一些帮助放松的动作练习调整状态。